The Green Kingddom: « Springhill »

6 décembre 2020

Même si l’été touche lentement à sa fin, vous pouvez encore en profiter pleinement pendant les jours qui restent. S’allonger sur la prairie dans l’après-midi et compter les nuages, ou prendre un café sur la terrasse. Comme sur Springhill, l’album du même nom de Michael Cottone et son projet musical The Green Kingdom. Springhill est le nom du quartier où vit sa famille et, d’une certaine manière, cet album est une lettre d’amour sonore pour ce coin du monde. Acoustique dans des paysages sonores sphériques dans la zone ambiante.

Depuis de nombreuses années, Michael Cottone s’enrichit de ses arrangements et de ses sphères sonores. Son premier album Meadowview est sorti en 2006. Depuis lors, le compositeur apporte régulièrement ses impressions et ses réflexions sur les partitions. Beaucoup de temps, donc, pour développer et affiner son propre style. Il s’agit d’une combinaison de sons de guitare doux et de sphères sonores électroniques. Avec l’album Harbor from 2016, le compositeur l’a articulé à la perfection, avec des réactions très positives dans le domaine de la musique. Springhill, en revanche, est plus terre à terre, plus pacifique et plus fragile dans sa tonalité acoustique.

De nombreuses métaphores peuvent être utilisées pour mettre la musique en mots, mais l’une d’entre elles est la plus précise : Springhill est comme un papillon un jour d’été. Les arcs électroniques sont construits de manière légère et insouciante, très émotionnels et s’inscrivent dans le cadre du concept. Les timbres dynamiques du synthétiseur racontent la vie de tous les jours, pimentés d’effets de guitare méditatifs. Dans certaines pièces, l’électronique et la guitare forment une structure sonore homogène avec des effets immersifs. En partie très rêveuse, en partie polie avec une humeur nostalgique. L’humeur de base est toujours éveillée et arrangée avec sensibilité, on reçoit une aura positive à l’écoute. Tout l’album développe avec le progrès une expérience cinématographique, dans laquelle Cottone se limite parfois au minimalisme, comme dans le merveilleux morceau « Anam Car», dans lequel une partie marginale de mélancolie résonne.

Avec un total de 10 titres composés avec beaucoup de sensibilité, l’album a beaucoup à offrir. La première partie, « Morning Walk », révèle déjà de nombreuses facettes, que l’auditeur rencontrera dans les paysages sonores. Des mélodies sensibles qui vont jusqu’au fond du cœur. « Mayloops » et « Sky Trails » offrent une lueur de charme rétro et de nostalgie issue du synthétiseur, tandis que « Coastal Breeze » combine magistralement les dimensions du son et du sentiment. La guitare et l’électronique se partagent la scène acoustique avec chaleur et prudence, un sentiment de paix et de sensibilité enveloppant l’auditeur comme une aura. Les dix morceaux sont composés de façon très atmosphérique, l’album fonctionne comme une unité du premier au dernier morceau. Avec ses paysages sonores contemplatifs, Michael Cottone construit un dôme de relaxation et d’équilibre méditatif à l’intérieur de l’âme.

Il n’y a pas grand chose à ajouter, les amateurs d’ambiance de rêve avec une légère composante de bourdon ne peuvent que recommander Le Royaume Vert. Les paysages sonores bien équilibrés offrent beaucoup de place pour les interprétations personnelles. En conclusion, il reste à tirer, exprimer l’atmosphère musicalement n’est pas toujours facile, surtout lorsque vous décrivez vos impressions et expériences dans votre pays d’origine, comme sur Springhill. Mais ce que l’on peut lire sur l’album, c’est l’aspect que le compositeur aime y vivre. La maison est toujours là où se trouve votre cœur. Des petits thèmes qui retracent notre vie quotidienne et en apprécient la beauté. Cela nous entoure, mais peut souvent être facilement négligé – Springhill garde ces moments enregistrés acoustiquement pendant très longtemps.

***1/2


William Basinski: « Lamentations »

22 novembre 2020

Tous ceux qui ont passé assez de temps à l’avant-garde savent qu’il n’est pas rare que la personnalité d’un artiste ne corresponde pas à celle de son travail. Scott Walker apprend poliment à un percussionniste comment frapper un cochon, ou Michael Haneke s’amuse en mettant en scène Funny Games. La musique de William Basinski sent la mort et la décadence, mais c’est un orateur divertissant avec un grand sens de l’humour et une garde-robe qui rendrait le Joker jaloux. Et trois mois seulement après le flamboyant cocktail de jazz numérique de To Feel Embraced de Sparkle Division pour la première sortie de Basinski qui ressent son apparence et sa façon de parler, voici un album qui empile les sentiments de tristesse si épais qu’il doit être une blague savante à un certain niveau.

Lamentations est le troisième album de Basinski de l’année, mais le premier qui sonne et se sent comme son œuvre classique. Comme beaucoup de ses albums, celui-ci est réalisé à partir de bandes d’archives remontant à plusieurs décennies. Après un traitement plus poussé, ces morceaux de piano et d’orchestre semblent s’effilocher et s’effondrer, renversant leurs tripes et laissant une coquille creuse à la fin. Ce qui distingue Lamentations, c’est une touche de mélodrame. Trois titres coupent et mettent en boucle une chanteuse d’opéra soprano, l’image caricaturale d’un drame orageux, et bien que ses lamentations sur « O, My Daughter, O, My Sorrow » et, »Please, This Shit Has Got To Stop » soient véritablement blessantes, c’est de cette même approche que celle de Spielberg lorsqu’il empile les cordes alors que les yeux d’E.T. sont tout moites. Si l’on ajoute à cela des titres comme « Tear Vial » et « Paradise Lost », il n’est pas difficile d’avoir l’impression que Basinski en met délibérément plein les yeux.

Cela ne fait pas deLamentations un disque insincère. Cela en fait simplement l’un des premiers albums de Basinski où l’on peut voir son visage émerger de l’obscurité, de la même façon que l’on peut le voir sur celui de Richard D. James. Bien qu’il soit certainement plus sombre que To Feel Embraced ou le Watermusic, exaltés à juste titre par l’algorithme, il ne semble pas assez dévastateur pour justifier ces pièges de la tragédie, et là où il réussit, c’est dans la puissance de la conception sonore de Basinski – comment l’impossibilité de sonner « For Whom The Bell Tolls » comme il sonne, ou comment « Tear Vial » semble s’effilocher au milieu de la même façon que le papier quand il est mouillé. De nombreux morceaux de Basinski s’étalent sur toute la longueur d’une face de vinyle ou de cassette, mais Lamentations a les dimensions d’un album pop, la plupart des morceaux oscillant entre quatre et sept minutes. C’est peut-être la meilleure introduction à son travail ; c’est certainement l’album de Basinski qui semble le plus Basinskien.

Le compositeur a appelé ces 12 titres «  Lamentations pour les 2000 dernières années de notre vie ». Il est difficile de ne pas l’assimiler aux lamentations entendues partout dans le monde alors que le réchauffement climatique consume les communautés et que la pandémie Covid-19 ravage le monde, mais le manque de spécificité temporelle de Basinski est révélateur. Il s’agit d’une méditation à la fois sur la tristesse et sur la façon dont nous l’évoquons à travers la musique. Il est probable que l’on parlerait de cet album de façon très différente si Donald Trump avait gagné les élections présidentielles américaines, mais près de deux décennies après The Disintegration Loops, la dernière chose dont nous avons besoin est un autre album de William Basinski qui soit entièrement discuté en termes de contexte après coup. Il y a plus qu’il n’en faut dans le monde pour être triste tel quel, et Lamentations commente tout cela tout en se commentant habilement.

***1/2


Actress: « Karma & Desire »

29 octobre 2020

Il y avait de quoi s’inquiéter lorsque Darren Cunningham (alias Actress) a sorti 88, son mix de 48 minutes, en juillet dernier. Constitué d’un mélange fluide d’instruments à la dérive et de gazouillis, brisé en 22 morceaux, la seule lueur d’espoir est venue du PDF qui l’accompagnait et qui promettait d’autres musiques nouvelles avant la fin de l’année. L’album en question, Karma & Desire, montre que le musicien de Wolverhampton n’est pas vraiment dépourvu d’idées après tout.

Sur 17 titres et 68 minutes, Actress fait preuve d’une grande créativité, permettant à une foule de sons, d’ambiances, de thèmes et de collaborations de contribuer à la réalisation de son sixième album. Non seulement Cunningham fait appel à d’excellents chanteurs invités sur l’ensemble de l’album – dont l’auteur-compositeur-interprète folk/pop Zsela, le producteur de trance de Los Angeles (et collaborateur occasionnel de John Frusciante) Aura T-09 et le musicien de soul électronique londonien Sampha – mais il fait aussi grand usage de leurs styles contrastés, en regroupant souvent les artistes pour créer plusieurs suites sur l’album.

Darren ajoute des interstitiels pour faire le pont entre les morceaux plus structurés, mais ces instrumentaux ambiants simples parviennent toujours à dégager une personnalité et une ambiance, alors que l’album donne le ton avec une paire de morceaux parlants et chantants extraterrestres avec Zsela (« Angels Pharmacy » et « Remembrance »), tandis que la méditation brumeuse de « Glided Squares » fonctionne presque comme une introduction au piano hanté de huit minutes du « Many Seas, Many Rivers » assisté par Sampha.

Malgré les quatre rythmes puissants qui occupent le dernier tiers du disque, dont les titres « Loveless » et « Turin » (tous deux avec Aura T-09) et le très ondulant « Loose » (avec Christel Well), Karma & Desire n’est jamais vraiment un disque de danse – il est beaucoup trop opaque, fragile et bizarre pour cela. Au lieu de cela, les auditeurs se retrouvent avec un morceau long format, conçu de manière experte, bien exécuté et brillamment séquencé

***1/2


Ben Chatwin: « The Hum »

21 octobre 2020

« Il y a tellement de sons autour de nous qui sont plus bas et plus hauts et que ce que nous pouvons entendre. Je voulais rendre tout cela audible ».

The Hum, le sixième album studio de musique électronique et expérimentale de Ben Chatwin sous son propre nom, cherche à capturer les sons cachés, secrets et pas toujours audibles qui sont pourtant toujours là. Les sons amplifiés, les distorsions des zones rouges et le bruit général de la musique, comme le bourdonnement du micro d’un instrument ou le bruit assorti du studio, reçoivent une voix. Les fréquences tourbillonnent en permanence au-dessus et autour, invisibles à l’œil nu, mais également impossibles à reconnaître ou à détecter par l’oreille humaine.

Les amplifications du The Hum éclairent de leur lumière ce qui est caché et ce qui n’est pas vu. Ces vibrations, qui sont dispersées dans l’air, apportent une immédiateté choquante et une forte vibration à la musique, révélant des textures fortes comme celles d’un avion de chasse, qui étaient auparavant invisibles. Les sons sont restés longtemps inaperçus, s’accrochant à la timidité des ombres, tapie à l’extérieur et au-delà de la périphérie audible, mais The Hum a été conçu pour les mettre en valeur et les amplifier, leur donner du rythme et une force mélodique et harmonique ; il veut émerger et engager l’auditeur, et le rendre conscient de leur présence.

Le disque est intense et sa nature continue ne fait qu’augmenter cet aspect du disque, mais des pauses grandioses et majestueuses et des paysages sonores très ouverts sont également répartis sur l’ensemble de l’album. L’amplification ajoute un bord plus tranchant, comme une lame, mais ce n’est pas la seule raison de son intensité, car le volume seul ne peut pas atteindre tout ce qu’il y a de mieux. Il faut quelque chose d’autre. C’est pourquoi des tambours battants et des mélodies en direct sont également introduits, et le disque agit comme un choc pour le système. Les bourdonnements de studio et autres bandes de radio sont captés, s’épanouissant dans leur nouvel écosystème, et une véritable sensation de progression et de mouvement s’attarde dans l’air, se mêlant aux fréquences invisibles. De son chaos des heures de pointe à ses passages plus lents et même gracieux, The Hum est un disque d’énergie explosive et de retenue patiente. Certains des segments ont une grâce de ballet et un calme étrange, même si leur source est si surchargée ou si imprévisible.

Mixé en direct et enregistré sur bande, The Hum est presque entièrement analogique. En fait, Chatwin a délibérément évité d’utiliser l’ordinateur comme source sonore. Plutôt que d’être nettoyé et désinfecté avec des montages et autres outils de réduction du bruit, ses distorsions et ses sons puissants sont une partie vitale de la voix du disque, transformant un son régulier en grognement, lui donnant des dents et des griffes tout aussi aiguisées pour gratter contre la musique.

***1/2


A Lily: « Sleep Through The Storm »

14 octobre 2020

Le cinquième album de James Vella, alias A Lily, est une collection de huit boucles électroniques analogiques chaudes. Des mélodies et des pulsations douces, des médiums qui montent et descendent progressivement, une ou deux arpégiations bizarres et quelques étincelles aiguës serpentent en courts cercles rythmiques sur des notes de basse tout aussi chaudes et riches.

Sur le papier, cela n’a rien de nouveau et, dans une certaine mesure, c’est vrai, ce n’est pas un album qui repousse les limites ou qui surprend. Mais en l’appréciant comme un morceau de composition bien équilibré, comme une tasse de thé chaud sans caféine à la fin d’une longue journée, il y a encore de quoi vous faire lever la tête.

Des sonorités légèrement plus inhabituelles se faufilent parfois, comme la mélodie de guitare-solo de la deuxième partie de « No Not Dash Your Feet Upon The Stone », ou les notes plus nerveuses et plus difficiles qui ouvrent « Endless Jasmine ». Il sera difficile d’éviter de citer Tangerine Dream quand on parle de morceaux comme « Colour The Senses » ou « A Softly Glitching Reality », et le bruit de flûte sur « Kalimba Heart » n’est qu’un soupçon de rock progressif.

« Slipped At The Edge Of The Pool » peut sembler un peu « off » d’une manière ou d’une autre, d’une manière sur laquelle il est difficile de mettre le doigt. Sleep Through The Storm est une couverture de sons de synthétiseurs douillets, sans aucun défi à relever, sans être complètement ambient ou sans texture, et c’est très agréable si vous êtes d’humeur à vous installer.

***


Christopher Bissonnette: « Wayfinding »

26 septembre 2020

Le musicien électronique canadien Christopher Bissonnette a fait évoluer ses sonorités avec Wayfinding. Sur son sixième album studio, Bissonnette remplace ses sons de synthétiseur par des sources électroniques et acoustiques. Des enregistrements de terrain sont insérés et entrelacés avec les drones vaporeux de Wayfinding pour produire une atmosphère fraîche et brumeuse. Mélodiquement introspectif et harmoniquement translucide, Wayfinding zoome sur le minutieux et le minuscule, étudiant le paysage domestique de la maison et « transformant la banalité et l’insignifiance de l’intérieur familial en vastes panoramas et en panoramas bucoliques », où le banal est transformé et vu d’un œil nouveau, l’ancien et le familier devenant une source de lumière nouvelle.

Les drones de Wayfinding sont capables de remplir l’atmosphère d’appréciation et d’émerveillement. Les mélodies parsèment la musique comme des gouttes de pluie, se sentant comme un morceau de la Biosphère lorsqu’elles tombent à travers l’atmosphère lo-fi, enjolivant légèrement l’air lorsqu’elles tombent d’en haut. L’ensemble du disque tourne autour de l’atmosphère, faisant de Wayfinding un disque élémentaire, dont le cœur est accordé aux fréquences des modèles météorologiques et des drones oscillants. Les mélodies sont capables de briller avec une férocité surprenante, scintillant avec force tout en étant assez douces pour réchauffer la peau. En s’insinuant lentement dans son environnement et en l’influençant, la musique de Bissonnette peint la réalité avec sa série de minces drones

Les sons changent et évoluent constamment, un peu comme la production de Bissonnette au fil des ans, et bien que les bourdons se déplacent à un rythme langoureux, les mélodies qui les entourent sont toujours en mouvement, passant d’un point de lumière à un autre ; lorsque l’un d’eux s’allume, son prédécesseur fait un clin d’œil pour disparaître. Les températures varient également, car une touche de givre s’attarde sur deux de ses huit paysages sonores, élevant la musique et la transformant en un flux d’air plus frais, tandis qu’à d’autres moments, un bourdon rayonnant suinte positivement de chaleur et de lumière, comme s’il captait un courant plus chaud. Bien que la musique dérive, elle n’est pas complètement dépourvue de direction, et Bissonnette dirige la musique dans l’air, en descendant plus bas au niveau du sol avec le chant des oiseaux et d’autres sons de terre, mais sans jamais toucher le sol complètement. Wayfinding est plutôt un disque qui plane constamment au-dessus de son pays tranquille.

***1/2


Derek Rogers: « Immersions »

15 septembre 2020

Immersions voit le musicien électronique Derek Rogers fléchir et approfondir son approche « ambient ». En utilisant des procédés numériques, Rogers sculpte une série de magnifiques paysages sonores ; une telle musique surgit d’un endroit profond. Tachetée de bourdon, d’ambiance et d’improvisation libre, Immersions est une musique d’une grande clarté et d’un grand raffinement. Des enregistrements de terrain sont insérés dans le mixage électronique, avec des animaux sauvages et de l’eau qui clapote parfois sur la musique. Ces sons naturels sont tout aussi pertinents que la couche électronique et la couche ambiante artificielle, qui fleurit et entoure l’enregistrement sur le terrain. C’est une évolution intéressante, car le son organique devient un aimable compagnon du processus électronique, et les deux sons ne sont jamais en contradiction l’un avec l’autre. C’est une musique attentionnée et respectueuse de son environnement, et elle se déroule de manière sensible. Au fur et à mesure qu’elle progresse, le rythme s’accélère et les notes sont tachetées par la saleté et la crasse de la distorsion, qui colle et tache la musique. Elle atteint un crescendo et jaillit, de sorte que la musique d’ambiance d’Immersions prend un élan notable.

L’ouverture, « Remake the Crawl », fait découvrir aux auditeurs son fragile écosystème. Le paysage sonore de longue durée est le fondement de l’album, et le reste du disque s’appuie sur lui. Au début, la musique chaude et chatoyante est un lever de soleil silencieux, qui brille constamment jusqu’à ce qu’il augmente de volume (et de façon imprévisible). Après son voyage de 20 minutes, la piste se dissout et se fragmente, et se pose avec un atterrissage cahoteux alors qu’elle entre en contact brutal avec le tarmac de sa piste, abandonnant son espace dans l’air. D’autres textures percutantes font irruption sur un piano silencieux et réservé sur « Cirrus », et la piste semble sur le point de se briser dès le début, crépitant et s’effilochant aux coutures avant de se déchirer de manière irréparable. Seuls le piano et un bourdon rayonnant peuvent empêcher le morceau de s’éteindre complètement.

Au fur et à mesure qu’Immersions se développe, il explore un terrain expérimental et n’est pas timide ou n’a pas peur de secouer les choses, mais il revient toujours à son environnement d’origine, comme la note de base d’une tonalité. Rogers est capable de transmettre un large éventail d’émotions, qui résonnent toutes à travers sa musique instrumentale sans paroles, et avec une puissance égale à celle d’une chanson. L’instrumentation devient sa voix, son mode d’expression. Ses vastes panoramas peuvent être aussi bien ouverts qu’introspectifs, certaines sections se déplaçant lentement entre deux notes, les fréquences bouclant et revenant toujours. Le morceau de clôture « Every Reaction Is Based On The One Cast Before It » est un gigantesque effort de 26 minutes. D’un développement impressionnant, affichant à la fois retenue et mouvement progressif, le morceau oscille lentement entre deux fréquences et des bourdonnements accrus. C’est joli à regarder, mais c’est plus profond qu’une simple apparence, et on peut en dire autant de l’album dans son ensemble. Immersions fait ce qu’il promet de faire, amenant son talent musical vers de nouveaux sommets.

***1/2


Siavash Amini & Saaad :« All Lanes of Lilac Evening »

1 septembre 2020

Je suis à la dérive, perdu dans un coucher de soleil que je ne pourrai jamais retrouver. Ils sont tous comme ça, n’est-ce pas ? Un événement insaisissable, effusif, tous les mêmes et pourtant jamais deux identiques. Le Soleil glissant sur l’horizon, le ciel reconfigurant sa palette en tons nocturnes, son déphasage en obscurité jamais deux fois la même, ni le paysage, ni le sentiment.

A l’autre bout du monde, le même spectacle, le même événement quotidien récurrent, mais la sensation est différente. Les ors et les bleus se transforment en pêche, se transforment en violet, se transforment en marine, se transforment en noir. Un paysage parfait, intact et non souillé, se fond dans la nuit, vu seulement par sa silhouette sur le champ d’étoiles. J’aurais pu rester couché là pour toujours.

Pourquoi sommes-nous ici ? Quel est notre but ? Il est parfois injuste d’avoir été doué de cette vie consciente, qui s’interroge constamment sur son sens, sa valeur. Que devrais-je faire de mon temps, comment le passer, où ce cours me mène-t-il ? Il n’y a pas vraiment de mauvaise réponse, ni de bonne, et Amini et Saaad le savent tous les deux.

« A Vision Without Contour » se déplace dans une grandeur informe, matérialisant des formes de synthèse contre l’obscurité dans des mouvements fluides. Comme le reste du disque, il ne semble pas sinistre ou ouvertement sombre, juste tendu, tendu, comme un fil de fer enseigné frémissant de tension.

On pourrait dire la même chose de « Time Is A Child Playing In The Sand », ses synthés étouffés et indistincts posés sur un tableau de couches de bourdons qui se récurent et se remodèlent sans cesse. Des guitares abîmées errent dans l’oubli, des formes familières vont et viennent, jamais tout à fait les mêmes, jamais fixées, jamais tout à fait parfaites.

Ce n’est qu’à un moment donné que l’angoisse est quantifiable et trop manifeste pour qu’on puisse la manquer « . Des synthés arpégés se désagrègent, s’agitent et se vrillent au fur et à mesure que la vie se déroule et se retourne. Un organe sinistre est amené dans son sillage, fredonnant avec une profondeur hadéenne comme s’il était loué à un espace sombre fraîchement labouré. Des incrustations de pensées noires s’oxydent dans l’air nouvellement exposé, émanant d’inquiétudes et d’énergies craintives.

Nous voici à la fin, « Des eaux toujours plus abondantes coulent sur ceux qui marchent dans les mêmes rivières » (Ever-Newer Waters Flow On Those Who Step In The Same Rivers). Je vois encore cette nuit-là, les oiseaux tourbillonnant au-dessus de nos têtes en silhouettes, l’eau douce de l’étale qui s’écoule sur le rivage rocailleux. Le sens vient de la distinction : ce n’est pas spécial si c’est normal. La guitare se déforme en croassant les vagues, cette force purificatrice rayonne dans la lumière mourante avec une énergie repentante et baptisante : vous êtes libre. Un autre coucher de soleil sur cette conscience maudite.

***1/2


Robin Saville: « Build A Diorama »

18 avril 2020

Robin Saville parle de qualité et salubrité dans un album très doux inspiré par ce qu’il voit et ressent lors de ses pérégrinations quotidiennes et intégrant des enregistrements sur le terrain, des drones et des instruments acoustiques.

Beaucoup de choses ont été écrites sur ce qui arrive à l’esprit lorsque le corps se met en mouvement. Au lieu de réciter les poèmes des inévitables livres d’auto-assistance, allons droit au but : pour beaucoup, se promener régulièrement est à la fois libérateur et responsabilisant. Il ne s’agit pas nécessairement de faire de l’exercice, mais plutôt de trouver son propre rythme dans la vie. Robin Saville, célèbre pour son art du samplig est un tel ambler. Ses promenades lui ont inspiré son troisième album solo sur les lieux hors du commun qu’il est venu voir et expérimenter lors de ses déplacements.

Avec un total d’un peu moins de 40 minutes, Build A Diorama est à la fois un subtil point culminant et un antipode poignant à ce que Saville a réalisé avec Antony Ryan. Si l’esthétique peut sembler similaire par endroits, Saville opte pour un rythme résolument différent lorsqu’il s’agit d’écrire et de produire.

Le progrès est constant et le changement, cependant, est lent – comme si l’on regardait un diorama pendant une longue période dans une lumière qui change si légèrement ou comme un flaneur qui se concentre sur un endroit particulier, un objet trouvé pour ainsi dire, en attendant que l’esprit l’orchestre de façon appropriée, lui donnant un sens et une signification.

Construites autour d’enregistrements sur fond de calme, les six compositions de Saville transforment cette expérience très personnelle et donc difficile à transmettre en une exploration compréhensible de la beauté. Alors qu’on utilise presque exclusivement l’électronique en général,, Saville élargit délibérément cette palette bien établie avec des instruments acoustiques comme la guitare basse, le carillon et le glockenspiel, visant une manifestation musicale encore plus appropriée de ce que le marcheur voit et ressent une fois qu’il s’engage pleinement dans sa passion. Allant d’amortisseurs béatement pulsés permettant une liberté associative totale (« The Deepdale Halophyte Economy ») au minimalisme ludique d’un orchestre dominé par des cloches occupées (« Bosky »), Build A Diorama n’est pas seulement un ajout précieux à sa production musicale, mais un guide audio essentiel pour ceux qui s’efforcent d’explorer, d’apprendre et de comprendre.

***1/2


Tycho: « Simulcast »

16 avril 2020

Lorsqu’un artiste sort un album marquant, on peut avoir tendance àvouloir capitaliser dessus. Combien de doubles CD/réponses étendues ont été publiés moins de six mois après la sortie d’un album ? Probablement trop. Parfois, cependant, ce peut sembler nécessaires. Peut-être pas une édition de luxe, mais une édition réimaginée. C’est ce que Tycho a fait.

En 2019, il a sorti Weather, son meilleur album à ce jour, et s’est vu décerner un nouveau Grammy. Ce qui le distingue de ses précédents albums est le chant de Saint Sinner, qui a fait passer les productions de l’électronique teintée d’ambiance à la confortable pop molletonnée. Aujourd’hui, Tycho a sorti Simulcast, un album qui enlève le chant de Sinner et met en avant ces productions diaphanes.

« Easy », « Into the Woods » et « Weather » sonnent tous relativement de la même façon que sur Weather, bien qu’ils soient légèrement plus grands et plus brillants, avec de petites modifications et des ajouts comme le chant vaporeux qui a fait son chemin sur « Easy » C’est sur « Alright », « Outer Sunset », « PCH », « Cypres » » et « Stress » que l’album prend tout son sens. Ici, les chœurs ornés brillent. L’interaction complexe des synthés, des guitares et des rythmes est une joie à voir – « PCH » est le moment le plus marquant de l’album.

Simulcast n’est pas seulement a variante instrumentale de Weather. Les chansons avec la voix de Saint Sinner ont été reconfigurées de manière à enrichir une instrumentation splendide. Ici, ces mélodies tueuses ont une chance de vraiment briller. Ce projet montre que Tycho a une oreille attentive et comprend parfaitement que la musique pop ne se limite pas aux paroles, mais qu’elle donne un coup de poing émotionnel à travers des mélodies directes qui s’enchaînent.

Une étrange particularité de l’album, cependant, est que les nouvelles versions renforcées atteignent parfois un moment d’effondrement, s’arrêtant dans leurs morceaux, comme « Alright », lorsque le carillon du synthétiseur et les riffs de guitare en cascade s’effondrent soudainement. Ces moments peuvent être légèrement ennuyeux, déconcertants, mais d’un autre côté, ils montrent la touche habile de Tycho et son appréciation des sorties ambiantes de Brain Eno.

En baptisant l’album Simulcast, Tycho a effectivement présenté ses idées sur deux projets. Le premier est une incroyable écoute littérale, tandis que le second est beaucoup plus interprétatif. Avec Weather, c’est la voix de Saint Sinner qui donne la direction du projet ; lorsque celle-ci est retirée sur Simulcast, c’est à l’auditeur de trouver un moyen, de tirer les conclusions. Et ce sont ces conclusions personnelles qui font de ce dernier opus une expérience bien plus intéressante et engageante que Weather.

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