Amon Tobin: « How Do You Live »

9 octobre 2021

How Do You Live est le premier album d’Amon Tobin depuis 2019, année où il a lancé son label Nomark Records et fait découvrir au monde entier Fear in A Handful of Dust et son album jumeau, Long Stories. Depuis qu’il a enregistré et publié son premier album sous le pseudonyme de Cujo, Tobin a cherché à en faire plus au sein de la musique, à explorer davantage et à chercher une réponse émotionnelle à travers le style de la musique électronique. Il continue d’être un créateur de tendances et un porteur de flambeau lorsqu’il s’agit de produire de la musique électronique interstellaire, non seulement en défiant l’ordinaire, mais en brisant la standardisation des frontières chaque fois que cela est possible. Faire cela de manière constante pendant 25 ans est tout simplement incroyable.

L’électronique du morceau-titre est ivre et dérangée, émergeant d’une fête foraine cauchemardesque où la barbe à papa a largement dépassé sa date de péremption et où le helter skelter a été truqué pour créer un carnage total ; c’est de la dynamite à 100%, et c’est le point de départ d’un disque éclectique et électrique. Mais même lorsque les tambours s’entrechoquent et provoquent des pertes massives, et que les mélodies se détraquent et quittent les montagnes russes, vertigineusement et glorieusement désaccordées, on a l’impression que Tobin a toujours le contrôle et qu’il s’amuse toujours autant.

Le disque n’a pas peur de montrer ses muscles. Les morceaux présentent des mélodies récurrentes et des rythmes percés, qui disparaissent pour réapparaître ensuite, soulignant leur force (ou leur persistance) à rester vitaux et pertinents, sans vouloir s’effacer ou devenir une relique obsolète du passé. Tobin mélange toujours les choses, et il est toujours prêt à essayer de nouvelles choses. Cela conduit toujours à une musique enivrante, et c’est la principale raison pour laquelle sa musique est aussi audacieuse qu’elle l’est. Cela tient également à son éthique de travail et à son désir d’être constamment en mouvement, d’évoluer et de s’adapter. On ne perd jamais cela, c’est quelque chose avec lequel on naît. Tobin continue de produire une musique exceptionnelle, quel que soit le projet ou l’alias, et How Do You Live – une question ou une accusation – s’inscrit parfaitement dans sa discographie avec sa puissance et sa propulsion.

***1/2


Nathan McLaughlin: « Stoner Lake in G »

22 août 2021

Stoner Lake in G est une œuvre solo de Nathan McLaughlin, et c’est aussi sa première sortie sur Full Spectrum Records. Enregistré à Stoner Lake et à Hudson, dans l’État de New York, le disque est composé de « miniatures de synthétiseurs », délaissant son utilisation de longue date des boucles de bande et des méthodes de bobine à bobine, qui étaient devenues une sorte d’agrafe dans son travail précédent.

Pour cet album, les « machines à bobines », très utilisées et appréciées, ont été laissées sur l’étagère et remplacées par une sélection maison d’équipements sonores modulaires. À propos du changement de méthode, McLaughlin déclare que « la bande était là il y a 40 ans quand je suis né et sera encore là demain, beaucoup d’autres personnes font ce genre de travail et peuvent donc reprendre le flambeau ».

Pour cette raison, Stoner Lake in G est synonyme de nouvelle croissance. McLaughlin se perfectionne, et il est capable d’exploiter et d’explorer de nouveaux domaines sonores, ce qui lui donne finalement l’occasion de s’affranchir de l’utilisation de bobines à bobines. En mélangeant la saveur de ses sons et en mettant le synthétiseur en vedette, la musique semble mûre et évite le cauchemar de la stagnation.

Dans cette nouvelle architecture sans restriction, les notes sont capables d’arriver en piqué, de plonger vers le bas et de disparaître au fil du temps. Décrit comme une méditation sur l’expérience passée, le potentiel futur et les vies possibles qui auraient pu être mais qui ne se sont pas réalisées, l’opus incite nos sens à une écoute tranquille, mais qui n’a pas peur de s’exprimer. Des couches de synthétiseurs sont lentement révélées et des souvenirs sont déterrés ; la musique se tourne vers des mondes plus lumineux à venir tout en regardant en arrière dans les cavernes plus froides de la nostalgie. « Venus », le morceau le plus proche, s’achève sur une note passive et sereine, où l’on peut entendre le scintillement des étoiles et l’écho de synthés inspirés de la science-fiction. Avec un mastering réalisé par Andrew Weathers et une pochette fournie par Gretchen Korsmo, Stoner Lake in G est disponible dès maintenant en édition spéciale sur cassette et en téléchargement numérique.

***1/2


Hollie Kenniff: « The Quiet Drift »

11 juillet 2021

The Quiet Drift de Hollie Kenniff nage à travers de minces et vaporeuses mèches de nuages ambiants, et se pâme à travers des synthés doux et délectables. Des guitares imprégnées de réverbération se mêlent à sa chanson céleste et sans paroles, qui s’inspirent de la citation ci-dessous :

« J’aspire à une sorte de calme où je peux simplement dériver et rêver. Je dis toujours que trouver l’inspiration, c’est comme pêcher. Si vous êtes calme et assis là et que vous avez le bon appât, vous allez finir par attraper un poisson. Les idées sont un peu comme ça. Vous ne savez jamais quand elles vont vous frapper »»- David Lynch

The Quiet Drift est un disque qui englobe tout, sa musique s’élève en altitude jusqu’à ce qu’elle atteigne un point où elle peut regarder la terre d’en haut. La musique d’Hollie défie la compréhension standard de la physique, car ses chansons semblent être détachées du monde, libérées de toute sorte de loi.

Les touches de piano en sourdine résonnent au loin, émanant d’un pays dissocié de la réalité physique mais en accord avec les sens. Un retour au sol n’est pas possible, et avec une musique aussi jolie que celle-ci, on ne voudrait pas descendre. Le piano a été prêté par Keith Kenniff (Goldmund), le mari de Hollie, compagnon de label et autre moitié de Mint Julep. Sur The Quiet Drift, les touches ont perdu un peu de leur tranchant, commençant à s’estomper, mais cela ne se traduit pas par une faiblesse. Sur « Still Falling Snow », les cordes de la guitare électrique sont capables de dégouliner d’accords majeurs et de leurs couleurs arc-en-ciel. La neige tombe, mais la musique s’est déjà inversée, choisissant de rester dans les nuages. La pulsation intermittente des percussions rompt avec la colonne vertébrale de la chanson et perce le brouillard. Elle trace un chemin le long de la colonne vertébrale de la musique et indique les intentions de l’album de poursuivre une évasion rêveuse.

La voix d’Hollie ne semble jamais se battre pour l’espace ou le contrôle, malgré les synthés semblables à des marées et la dynamique envahissante. Au contraire, elle est emportée dans la tempête, devenant une partie vitale de celle-ci, et enveloppée dans l’atmosphère, sans jamais redescendre. Sa voix ne marche pas, elle glisse. Elle ne veut rien avoir à faire avec le sol ou la terre ; elle n’est peut-être même pas consciente de son existence.

Avec The Quiet Drift, vous pouvez plonger la tête la première ou vous élever vers de nouvelles hauteurs ; le ciel est d’une teinte similaire à celle de l’océan. Dans un cas comme dans l’autre, il n’y a qu’une seule finalité : disparaître complètement pour ne plus jamais revenir.

The Quiet Drift appartient davantage aux espaces liminaires entre la vie et l’au-delà, la mémoire et la fantaisie, le paysage et le paysage de rêve « .

La musique d’Hollie, aux accents célestes, ne semble pas appartenir à un espace restrictif ou à une localité physique. Elle se frotte et effleure le tissu léger de la réalité perçue, contournant les yeux ouverts de la conscience et traversant les temples flous de l’au-delà, aveugles aux os des mortels mais visibles à travers la musique, pour arriver à un endroit où les fantômes des défunts s’attardent encore.

***1/2


Floating Points, Pharoah Sanders & the London Symphony Orchestra: « Promises »

17 juin 2021

Considérez l’attrait de l’album de collaboration transgénérationnelle. Quand c’est mauvais, c’est très mauvais – pensez à Lou Reed et Metallica qui respirent les vapeurs du théâtre allemand du XIXe siècle sur Lulu (2011), ou à Miley Cyrus qui se balade en cosplay psycho-rock sur Her Dead Petz (2015), produit par les Flaming Lips. Mais lorsque cela fonctionne, les résultats peuvent être agréablement étranges (Wise Up Ghost d’Elvis Costello et The Roots) ou carrément révélateurs (The Moon and the Melodies de Cocteau Twins et Harold Budd, Mirror Ball de Neil Young avec Pearl Jam).

Le couple improbable formé par le génie électronique britannique Sam Shepherd, alias Floating Points, et le titan du saxophone free-jazz Pharoah Sanders est l’une des associations les plus révélatrices de l’histoire récente. Sur leur album Promises, qui a longtemps mijoté et sur lequel on retrouve également les houles cinématiques de l’Orchestre symphonique de Londres, l’énergie de la collaboration des musiciens s’avère aussi remarquablement puissante qu’improbable. Se déroulant en une seule composition continue, sans paroles, divisée en neuf mouvements, Promises sonne comme un saut de la foi créative, une communion cosmique qui traverse les générations, les genres et les barrières musicales pour construire quelque chose de beau.

Son histoire d’origine remonte à plus d’une demi-décennie. En 2015, Sanders, alors âgé de plus de 70 ans, se trouvait dans une voiture de location lorsqu’il a entendu le premier album de Floating Points, Elaenia. Impressionné, il s’est rapidement lié d’amitié avec le compositeur électronique de plus de 40 ans son cadet ; ils se rencontraient pour déjeuner et parler de jazz, et finalement, Sanders a proposé qu’ils créent un album commun. Le résultat – enregistré principalement à Los Angeles pendant l’été 2019, avec des parties orchestrales enregistrées pendant la pandémie un an plus tard – est le premier album de Sanders en plus de 10 ans.

Sanders est connu pour ses solos frénétiques et ses « feuilles de son » furieuses, notamment pendant ses années en tant que sideman de John Coltrane, et sur ses propres chefs-d’œuvre d’avant-jazz Karma et Black Unity, mais ici il joue avec une retenue et une grâce enviables, sculptant des figures mélodiques époustouflantes dans les espaces ouverts entre les oreillers de son de Shepherd. Quant à Shepherd, il contribue au piano, au clavecin, à l’orgue et aux éléments électroniques, mais ses contributions sont si minimalistes qu’elles s’orientent vers un territoire ambiant plutôt que vers l’électronique. Il y a peu de traces de la programmation de batterie scintillante et des synthés modulaires grinçants qui ont rempli le plus récent album solo de Floating Points, Crush en 2019.

La piste est centrée sur une séquence imbriquée d’arpèges de clavecin, mutant constamment mais ne s’effaçant jamais du mélange, du moins jusqu’aux alentours de « Movement 8 ». Pendant 46 minutes oniriques, le saxophone de Sanders est engagé dans une sorte de conversation créative avec ces particules sonores légères. C’est à Sanders et à l’Orchestre symphonique de Londres qu’il incombe d’apporter une intensité sans cesse fluctuante à la pièce, et ils y parviennent, notammentsur « Movement 6 », lorsque les cordes semblent dominer le saxophone par des crescendos fulgurants et dramatiques. Dans le septième mouvement, le duo principal reprend le devant de la scène et dérive vers un psychédélisme plus abstrait. Il y a plusieurs fausses fins ; seul le neuvième et dernier mouvement, une sorte de coda planante aux cordes, semble superflu.

Lorsqu’il est écouté sans interruption et qu’on lui accorde la patience (et des enceintes de qualité) qu’il exige, Promises est le genre d’album qui peut réarranger les molécules d’une pièce. Il peut imprégner votre appartement terne d’un vaste poids cinématographique. Il peut tuer une fête (ce qui est certes spéculatif) de la meilleure façon possible. Il peut remplir l’espace pendant que vous faites la vaisselle, rangez le linge ou arrosez les plantes, insufflant à toute activité ménagère ennuyeuse une brume de désir surnaturel.

Sanders, pionnier du « jazz spirituel », n’est pas étranger à cette approche transcendante du jazz expérimental, mais c’est un plaisir de l’entendre continuer à aller de l’avant, à chercher l’inconnu, plus d’un demi-siècle après Karma. Il y a une qualité intemporelle dans Promises, un sentiment impénétrable que l’album pourrait provenir de 30 ans dans le passé ou de 30 ans dans le futur. Bien sûr, c’est ce qui en fait une véritable collaboration intergénérationnelle, cette impression que le temps s’effondre sur lui-même. C’est dans l’espace vide entre ces deux générations, époques et disciplines créatives très différentes que quelque chose de remarquable se produit.

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Dag Rosenqvist: « Vraen Centrum »

17 mai 2021

Expansif, futuriste et trempé par la pluie, Vraen Centrum de Dag Rosenqvist emmène les auditeurs dans une métropole nocturne, et c’est un spectacle étonnant à voir. Ses rues regorgent de synthétiseurs qui brillent comme des bijoux et des logos éclairés au néon. La musique de Vraen Centrum porte ses influences sur ses manches, les brandissant comme un ensemble impressionnant de tatouages. Des éléments de néo-noir, de science-fiction, de cyberpunk et de tech noir peuplent chaque coin et chaque rue, mais elle a aussi un pied dans le passé, grâce à son histoire d’amour avec les années 80. Toute sa luminescence et ses couleurs vives, baignées de néon, se retrouvent dans l’ordinateur central de Rosenqvist, mais la musique marche aussi à un rythme régulier d’un morceau à l’autre, se déroulant patiemment, donnant à ce nouveau LP une ambiance de bande-son lourde, comme Blade Runner dans une dimension alternative.

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Les synthés sont aussi froids que la pluie, n’émettant pas vraiment de lumière, si ce n’est un bref éclair ou un stroboscope intermittent de néon. Rosenqvist a toujours essayé de faire progresser sa musicalité, et sa musique est capable de s’affranchir d’un style ou d’un genre concret grâce à cela. La musique immersive est rendue d’autant plus forte par des enchaînements ambiants, qui offrent un répit à un synthétiseur à la lame dure. À un moment donné, une guitare se dose sur une épaisse réverbération, et ses notes éclaboussent des flaques profondes. Mais même dans ce cas, les synthés de l’État policier ne sont jamais loin, suivant les notes les plus douces grâce à leur intelligence artificielle. D’épaisses plaques électroniques résonnent au-dessus de nos têtes, perçant l’air comme les pales rotatives d’un hélicoptère du futur. Ces synthés grondants semblent avoir faim, d’une certaine manière, et ce disque ne manquera pas de vous mettre en appétit.

***1/2


Todd Anderson-Kunert: « You Promised »

19 février 2021

Les promesses ne sont pas quelque chose que l’on prend à la légère, et pourtant, pour une raison quelconque, on est souvent un peu troublé lorsqu’on nous en fait. Ce ne sont pas vraiment les promesses elles-mêmes qui m’inquiètent, c’est potentiellement ce qui se passe si elles ne sont pas tenues.

Est-ce là le pouvoir de la promesse ? En reconnaissant combien elles ne sont pas tenues, cela rend plus puissants ceux qui tiennent le temps. Et pourtant, par nature, plus elles sont rompues,même si on a du mal à croire qu’elles puissent être tenues.On ne peut pas pas non plus être réduits à la seule promesse qui est faite, il y a aussi le potentiel pour que cela change la façon dont vous interprétez la personne qui fait, ou ne tient pas, cette promesse.

On a l’habitude de traiter les mots mais on peut aussi depuis opter pour le silence à bien des égards. On laisse de l’espace pour que mes mots aient des résonances lorsqu’ils sont utilisés en relation avec une pratique artistique et on essaie de choisir mes mots avec soin, dans la vie et dans l’art, et onse tient derrière les choses que l’on exprime. Et on savoure ensuite les mots qui nous sont adressés, en nous délectant de leurs timbres et de leurs significations, ou de leurs multiples significations.

Cet album est une rumination sur les promesses, mais plus particulièrement celles faites en matière d’amour. Le premier morceau, « Taken », est consacré à ces promesses non tenues, où l’amour, les sentiments et/ou d’autres émotions peuvent donner l’impression de vous être physiquement enlevés. La deuxième piste, « Given », traite de ce que signifie donner continuellement de l’amour, tenir une promesse importante. Lors de l’écoute de cet album, on peut l’impression que ces deux sentiments existent simultanément et on se sent engagé à ressentir toutes les intensités associées. On ne pourra pas dire que c’était agréable, mais c’était incroyablement important. On a ainsi beaucoup appris sur le concept de l’amour, et aussi, sur ce qu’une promesse signifie. « Given » est dédié au fils de Todd Anderson-Kunert, Atticus Atom.

Cet album complète une trilogie d’albums, commençant par Conjectures, passant par Past Walls and Windows, et se terminant maintenant par You Promised. Cette collection est désormais connue sous le nom de The Truths Trilogy et, spubliée telle qu’elle est, elle rendra honneur à sa réalisation comme archétype de contribution au minimalsme.

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Mike Lazarev: « Out of Time »

22 janvier 2021

Out of Time est un album du compositeur londonien Mike Lazarev. Construit comme la bande originale d’un film imaginaire et une œuvre remarquable dans son propre canon de haut niveau…

« J’ai imaginé des scènes, des scénarios et des conversations », nous dit Lazarev, « où la musique mettrait en valeur une histoire fictive. » D’une mélancolie ardente, les thèmes clés de Out of Time – le passage du temps, les moments fugaces, les souvenirs d’images supprimées ou imaginées, la chaleur du toucher qui s’attarde sur la peau – sont portés ouvertement et avec art. Il est sans aucun doute émotionnel, ses miniatures pour cordes et piano sont nostalgiques et émouvantes, tout aussi évocatrices sur le plan cinématographique que le décrit Lazarev. Une par une, chaque piste laisse une lueur persistante comme un feu lointain sur un horizon froid.

S’ouvrant sur des houles de cordes et des accords de piano plaintifs, le  « single » principal « Out of Time » donne un ton profondément expressif. Chaque note réverbérante est soigneusement posée sur une toile inondée de pureté et de calme, pour finalement se transformer en une rivière rapide d’une beauté à couper le souffle qui culmine en une fin suspendue et sans issue. Plus tard sur le disque, « Time Becomes » progresse comme une pièce d’Harold Budd ou une œuvre de Ryuichi Sakamoto, faisant fondre la glace avec des changements d’accords dulcicieux alors que des notes à cordes simples flottent sur un air raréfié. « Outerlude » change à nouveau d’ambiance, ses mélodies subtiles d’Europe de l’Est et les bruits naturels du piano – le claquement des touches et le battement des pédales – nous transportent dans une salle de bal hantée et déserte où un pianiste fantôme solitaire se lamente sur le poids d’un immense chagrin.

« Les protagonistes de ce film imaginaire se battent constamment contre les moments fugaces de cet avion. Mais il s’agit moins de la mort que de la vie. Et surtout, c’est une question de temps », écrit Lazarev. Il a raison : Out of Time est élégiaque – triste à en mourir, même – mais derrière les thèmes mélancoliques se cache une puissante affirmation de la vie, de la chaleur et de l’esprit humain.

Mike Lazarev est né à Kiev, en Ukraine, en 1977. À l’âge de six ans, ses parents l’ont envoyé dans un conservatoire pendant que ses amis jouaient au football sur le parking. Il passe son enfance à étudier la musique classique et à se produire dans la chorale d’État. Adolescent, avec sa famille, il a quitté l’URSS pour les États-Unis afin d’échapper aux persécutions, ce qui l’a libéré de la stricte discipline académique à laquelle il avait résisté pendant son enfance. Mais un an plus tard, la musique l’attire à nouveau : avec le premier ordinateur familial, il commence à utiliser un tracker basé sur des échantillons pour faire ce qu’on appelle de la « techno ». Au milieu des années 90, il avait déjà produit quelques disques. Plus tard encore, à Londres, il a finalement apporté son propre piano et a trouvé un professeur pour se replonger dans la musique classique. Mais, manquant de patience pour pratiquer, il se tourne vers le minimalisme réductionniste. Des mélodies pour piano douces, simples et tristes qui, d’une certaine manière, s’échappaient d’une âme perdue.

***1/2


Domicile: « Helios »

16 janvier 2021

Il est juste de dire qu’au cours de l’année écoulée, la plupart d’entre nous ont passé plus de temps que jamais à l’intérieur de leur maison. Beaucoup n’ont pu qu’aceptecette l’adaptation de plus ou moins plein gré, mais cela a tout de même été un changement profond à bien des égards. Plus à rentrer tard avec le cerveau qui ronronne après une journée pleine d’interactions extérieures, plus de temps pour remarquer les sons des oiseaux qui chantent à la fenêtre de la cuisine le matin et le vacarme du matériel de chantier et des camions de livraison l’après-midi. Et il y a plus de temps pour remarquer la façon dont la lumière changeante modifie l’atmosphère d’une pièce tout au long de la journée.

Le compositeur Keith Kenniff, qui mène une vie tranquille autour de sa famille et de sa musique et qui travaille à la maison depuis de nombreuses années, a traité cette expérience de manière suffisamment approfondie pour pouvoir l’exprimer en termes musicaux.

Son dernier album, Helios, s’inscrit dans l’esprit de l’œuvre ambient de Brian Eno, Music For Airports, transposée dans un contexte national. Alors que le travail d’Eno était destiné à induire le calme et un espace pour penser dans un cadre animé, Domicile est conçu pour l’espace sûr de la maison et conçu pour colorer doucement la journée ou accompagner une activité.

Les couleurs chaudes et terreuses et l’architecture ouverte de la couverture de Matthew Woodson donnent le ton avant même qu’une note ne soit jouée. C’est une image invitante qui rayonne l’ordre, l’harmonie et la tranquillité domestique, un sentiment qui est renforcé lorsque la musique calme de Kenniff se présente. Des sons d’orgue sombres se gonflent, ondulent et se déploient lentement comme pour signaler à l’auditeur qu’il franchit le seuil d’un sanctuaire. Un par un, les morceaux restants se déploient patiemment avec des nuances de lumière et de couleur variées. Discrètes et déstructurées, elles sont des distillations abstraites de l’essence de la maison et des petites choses qui nourrissent notre sentiment de bien-être – la lumière qui passe par une fenêtre pour projeter des ombres sur le sol ou le doux sourire d’un être cher à l’autre bout de la pièce, ou simplement un moment de paisible réflexion. Il n’y a pas de récit ici, et ce n’est pas non plus l’intention. Juste le sentiment que nous sommes là où nous devrions être et que tout va bien se passer, et ce n’est pas négligeable.

***1/2


Tobias Karlehag: « Process »

16 janvier 2021

Process est le premier album de Tobias Karlehag, un artiste électronique et ambient basé à Göteborg. Autour d’enregistrements sur le terrain et d’improvisations, Karlehag crée une musique d’ambiance aérée et flottante grâce à un large éventail de synthés et d’effets.

L’aspect improvisé de Process lui donne une sensation d’abondance et d’ouverture, et un élément pastoral est présent dans sa musique d’ambiance, où des brins d’herbe soufflés par la brise se trouvent dans des champs en train de bâiller. Les paysages sonores ambient de Karlehag sont des panoramas étendus avec des vues époustouflantes, se déroulant à perte de vue. De plus, sa musique est aussi très personnelle, ce qui lui donne beaucoup de cœur. L’improvisation est la musique de l’âme, et l’approche est juste – elle reste dans son champ de tranquillité et se retire quand elle en ressent le besoin, se sentant comme une lettre ouverte plutôt qu’un dialogue à sens unique.

L’improvisation est un exercice d’équilibre qui requiert une approche sensible. Il peut y avoir une pression interne ou externe pour couvrir l’espace et le silence avec une fontaine de notes sans limite. Cependant, Karlehag sait quand il faut faire remonter les notes et quand il faut pousser la musique plus loin, en synchronisant souvent les notes mouillées par la réverbération pour qu’elles remontent avec une houle de fond. Le fond brumeux et traité contribue à brouiller l’atmosphère générale, en atténuant les bords des lames, ce qui la rend plus d


Valotihkuu & Dynastor: « Midnight Fairytales »

5 janvier 2021

Un enchantement nocturne d’un peu plus de quarante minutes est le résultat de la première collaboration entre Denis Davydov (Valotihkuu) et Maurits Nieuwenhuis (Dynastor). Les contemplations atmosphériques de l’artiste russe et l’ambiance visionnaire du néerlandais sont condensées en huit morceaux, précédés d’une courte introduction, qui dispensent un large éventail de suggestions de magie fragile, en pleine cohérence avec l’imagerie suggérée par le titre.

Avec ses fréquences extatiques, l’imbrication ludique entre les carreaux acoustiques scintillants et les sons synthétiques liquides et les harmonies vaporeuses qui se déploient lentement, Midnight Fairytales est vraiment un son de conte de fées, une parenthèse d’abstraction hivernale lumineuse, à absorber avec le véritable émerveillement d’un enfant qui abandonne le monde des rêves.

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