Todd Anderson-Kunert: « You Promised »

19 février 2021

Les promesses ne sont pas quelque chose que l’on prend à la légère, et pourtant, pour une raison quelconque, on est souvent un peu troublé lorsqu’on nous en fait. Ce ne sont pas vraiment les promesses elles-mêmes qui m’inquiètent, c’est potentiellement ce qui se passe si elles ne sont pas tenues.

Est-ce là le pouvoir de la promesse ? En reconnaissant combien elles ne sont pas tenues, cela rend plus puissants ceux qui tiennent le temps. Et pourtant, par nature, plus elles sont rompues,même si on a du mal à croire qu’elles puissent être tenues.On ne peut pas pas non plus être réduits à la seule promesse qui est faite, il y a aussi le potentiel pour que cela change la façon dont vous interprétez la personne qui fait, ou ne tient pas, cette promesse.

On a l’habitude de traiter les mots mais on peut aussi depuis opter pour le silence à bien des égards. On laisse de l’espace pour que mes mots aient des résonances lorsqu’ils sont utilisés en relation avec une pratique artistique et on essaie de choisir mes mots avec soin, dans la vie et dans l’art, et onse tient derrière les choses que l’on exprime. Et on savoure ensuite les mots qui nous sont adressés, en nous délectant de leurs timbres et de leurs significations, ou de leurs multiples significations.

Cet album est une rumination sur les promesses, mais plus particulièrement celles faites en matière d’amour. Le premier morceau, « Taken », est consacré à ces promesses non tenues, où l’amour, les sentiments et/ou d’autres émotions peuvent donner l’impression de vous être physiquement enlevés. La deuxième piste, « Given », traite de ce que signifie donner continuellement de l’amour, tenir une promesse importante. Lors de l’écoute de cet album, on peut l’impression que ces deux sentiments existent simultanément et on se sent engagé à ressentir toutes les intensités associées. On ne pourra pas dire que c’était agréable, mais c’était incroyablement important. On a ainsi beaucoup appris sur le concept de l’amour, et aussi, sur ce qu’une promesse signifie. « Given » est dédié au fils de Todd Anderson-Kunert, Atticus Atom.

Cet album complète une trilogie d’albums, commençant par Conjectures, passant par Past Walls and Windows, et se terminant maintenant par You Promised. Cette collection est désormais connue sous le nom de The Truths Trilogy et, spubliée telle qu’elle est, elle rendra honneur à sa réalisation comme archétype de contribution au minimalsme.

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Mike Lazarev: « Out of Time »

22 janvier 2021

Out of Time est un album du compositeur londonien Mike Lazarev. Construit comme la bande originale d’un film imaginaire et une œuvre remarquable dans son propre canon de haut niveau…

« J’ai imaginé des scènes, des scénarios et des conversations », nous dit Lazarev, « où la musique mettrait en valeur une histoire fictive. » D’une mélancolie ardente, les thèmes clés de Out of Time – le passage du temps, les moments fugaces, les souvenirs d’images supprimées ou imaginées, la chaleur du toucher qui s’attarde sur la peau – sont portés ouvertement et avec art. Il est sans aucun doute émotionnel, ses miniatures pour cordes et piano sont nostalgiques et émouvantes, tout aussi évocatrices sur le plan cinématographique que le décrit Lazarev. Une par une, chaque piste laisse une lueur persistante comme un feu lointain sur un horizon froid.

S’ouvrant sur des houles de cordes et des accords de piano plaintifs, le  « single » principal « Out of Time » donne un ton profondément expressif. Chaque note réverbérante est soigneusement posée sur une toile inondée de pureté et de calme, pour finalement se transformer en une rivière rapide d’une beauté à couper le souffle qui culmine en une fin suspendue et sans issue. Plus tard sur le disque, « Time Becomes » progresse comme une pièce d’Harold Budd ou une œuvre de Ryuichi Sakamoto, faisant fondre la glace avec des changements d’accords dulcicieux alors que des notes à cordes simples flottent sur un air raréfié. « Outerlude » change à nouveau d’ambiance, ses mélodies subtiles d’Europe de l’Est et les bruits naturels du piano – le claquement des touches et le battement des pédales – nous transportent dans une salle de bal hantée et déserte où un pianiste fantôme solitaire se lamente sur le poids d’un immense chagrin.

« Les protagonistes de ce film imaginaire se battent constamment contre les moments fugaces de cet avion. Mais il s’agit moins de la mort que de la vie. Et surtout, c’est une question de temps », écrit Lazarev. Il a raison : Out of Time est élégiaque – triste à en mourir, même – mais derrière les thèmes mélancoliques se cache une puissante affirmation de la vie, de la chaleur et de l’esprit humain.

Mike Lazarev est né à Kiev, en Ukraine, en 1977. À l’âge de six ans, ses parents l’ont envoyé dans un conservatoire pendant que ses amis jouaient au football sur le parking. Il passe son enfance à étudier la musique classique et à se produire dans la chorale d’État. Adolescent, avec sa famille, il a quitté l’URSS pour les États-Unis afin d’échapper aux persécutions, ce qui l’a libéré de la stricte discipline académique à laquelle il avait résisté pendant son enfance. Mais un an plus tard, la musique l’attire à nouveau : avec le premier ordinateur familial, il commence à utiliser un tracker basé sur des échantillons pour faire ce qu’on appelle de la « techno ». Au milieu des années 90, il avait déjà produit quelques disques. Plus tard encore, à Londres, il a finalement apporté son propre piano et a trouvé un professeur pour se replonger dans la musique classique. Mais, manquant de patience pour pratiquer, il se tourne vers le minimalisme réductionniste. Des mélodies pour piano douces, simples et tristes qui, d’une certaine manière, s’échappaient d’une âme perdue.

***1/2


Domicile: « Helios »

16 janvier 2021

Il est juste de dire qu’au cours de l’année écoulée, la plupart d’entre nous ont passé plus de temps que jamais à l’intérieur de leur maison. Beaucoup n’ont pu qu’aceptecette l’adaptation de plus ou moins plein gré, mais cela a tout de même été un changement profond à bien des égards. Plus à rentrer tard avec le cerveau qui ronronne après une journée pleine d’interactions extérieures, plus de temps pour remarquer les sons des oiseaux qui chantent à la fenêtre de la cuisine le matin et le vacarme du matériel de chantier et des camions de livraison l’après-midi. Et il y a plus de temps pour remarquer la façon dont la lumière changeante modifie l’atmosphère d’une pièce tout au long de la journée.

Le compositeur Keith Kenniff, qui mène une vie tranquille autour de sa famille et de sa musique et qui travaille à la maison depuis de nombreuses années, a traité cette expérience de manière suffisamment approfondie pour pouvoir l’exprimer en termes musicaux.

Son dernier album, Helios, s’inscrit dans l’esprit de l’œuvre ambient de Brian Eno, Music For Airports, transposée dans un contexte national. Alors que le travail d’Eno était destiné à induire le calme et un espace pour penser dans un cadre animé, Domicile est conçu pour l’espace sûr de la maison et conçu pour colorer doucement la journée ou accompagner une activité.

Les couleurs chaudes et terreuses et l’architecture ouverte de la couverture de Matthew Woodson donnent le ton avant même qu’une note ne soit jouée. C’est une image invitante qui rayonne l’ordre, l’harmonie et la tranquillité domestique, un sentiment qui est renforcé lorsque la musique calme de Kenniff se présente. Des sons d’orgue sombres se gonflent, ondulent et se déploient lentement comme pour signaler à l’auditeur qu’il franchit le seuil d’un sanctuaire. Un par un, les morceaux restants se déploient patiemment avec des nuances de lumière et de couleur variées. Discrètes et déstructurées, elles sont des distillations abstraites de l’essence de la maison et des petites choses qui nourrissent notre sentiment de bien-être – la lumière qui passe par une fenêtre pour projeter des ombres sur le sol ou le doux sourire d’un être cher à l’autre bout de la pièce, ou simplement un moment de paisible réflexion. Il n’y a pas de récit ici, et ce n’est pas non plus l’intention. Juste le sentiment que nous sommes là où nous devrions être et que tout va bien se passer, et ce n’est pas négligeable.

***1/2


Tobias Karlehag: « Process »

16 janvier 2021

Process est le premier album de Tobias Karlehag, un artiste électronique et ambient basé à Göteborg. Autour d’enregistrements sur le terrain et d’improvisations, Karlehag crée une musique d’ambiance aérée et flottante grâce à un large éventail de synthés et d’effets.

L’aspect improvisé de Process lui donne une sensation d’abondance et d’ouverture, et un élément pastoral est présent dans sa musique d’ambiance, où des brins d’herbe soufflés par la brise se trouvent dans des champs en train de bâiller. Les paysages sonores ambient de Karlehag sont des panoramas étendus avec des vues époustouflantes, se déroulant à perte de vue. De plus, sa musique est aussi très personnelle, ce qui lui donne beaucoup de cœur. L’improvisation est la musique de l’âme, et l’approche est juste – elle reste dans son champ de tranquillité et se retire quand elle en ressent le besoin, se sentant comme une lettre ouverte plutôt qu’un dialogue à sens unique.

L’improvisation est un exercice d’équilibre qui requiert une approche sensible. Il peut y avoir une pression interne ou externe pour couvrir l’espace et le silence avec une fontaine de notes sans limite. Cependant, Karlehag sait quand il faut faire remonter les notes et quand il faut pousser la musique plus loin, en synchronisant souvent les notes mouillées par la réverbération pour qu’elles remontent avec une houle de fond. Le fond brumeux et traité contribue à brouiller l’atmosphère générale, en atténuant les bords des lames, ce qui la rend plus d


Valotihkuu & Dynastor: « Midnight Fairytales »

5 janvier 2021

Un enchantement nocturne d’un peu plus de quarante minutes est le résultat de la première collaboration entre Denis Davydov (Valotihkuu) et Maurits Nieuwenhuis (Dynastor). Les contemplations atmosphériques de l’artiste russe et l’ambiance visionnaire du néerlandais sont condensées en huit morceaux, précédés d’une courte introduction, qui dispensent un large éventail de suggestions de magie fragile, en pleine cohérence avec l’imagerie suggérée par le titre.

Avec ses fréquences extatiques, l’imbrication ludique entre les carreaux acoustiques scintillants et les sons synthétiques liquides et les harmonies vaporeuses qui se déploient lentement, Midnight Fairytales est vraiment un son de conte de fées, une parenthèse d’abstraction hivernale lumineuse, à absorber avec le véritable émerveillement d’un enfant qui abandonne le monde des rêves.

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Mute City: « Wooden Sword »

4 janvier 2021

Un bon indicateur qui montre que l’on aime une musique est lorsque l’on fait un long trajet en voiture et qu’on ne se sent pas gêné en l’écoutant. C’est ainsi que le nouvel album de Mute City, Wooden Sword, pourrait bien résonner pour certains ; une longue balade dans un désert mis en scène par David Lynch avec une sorte de musique rétro-futuriste jouée dans le lecteur de cassettes.

Les premières notes de « Stress Cadet » font penser à BMSR (Black Moth Super Rainbow) et les percussions, les textures et les blips sonores rappelleront Matmos jouant sur l’album Vespertine de Bjork sont autant d’intrigues soniques. Chaque chanson s’enchaîne sans effort avec la suivante, ajoutant à la fantaisie des longs trajets avec le soleil qui brille dans le rétroviseur latéral d’une future voiture qui n’existe pas encore.

Les morceaux naviguent sans effort dans l’atmosphère de notre imagination, créant une bande sonore de rêve tout en conservant un avantage. Il y a tant de références à propos de la musique électronique qui viennent à l’esprit qu’il est trop long de les mentionner, mais on se doit de faire un petit clin d’œil à Tangerine Dream.

Juste au moment où on se trouve complètement dans un état semi-conscient, une petite pépite audio perforeea les oreilles, puis nous redescendons alors que les sons nous submergent et nous emmènent dans cet état de flottement mystérieux. L’une de ces pépites se nomme « An Obsidian Obelisk » ; elle donne un petit coup de pouce à l’ambiance au moment parfait et, une fois de plus, on se retrouve dans un état d’écoute profond. Dans l’ensemble, on assimilera ainsi Wooden Swordà une longue chanson avec des pics et des vallées et, à l’occasion, une route secondaire menant à une destination inconnue. Et cela nous conviendra parfaitement.

***1/2


The Green Kingddom: « Springhill »

6 décembre 2020

Même si l’été touche lentement à sa fin, vous pouvez encore en profiter pleinement pendant les jours qui restent. S’allonger sur la prairie dans l’après-midi et compter les nuages, ou prendre un café sur la terrasse. Comme sur Springhill, l’album du même nom de Michael Cottone et son projet musical The Green Kingdom. Springhill est le nom du quartier où vit sa famille et, d’une certaine manière, cet album est une lettre d’amour sonore pour ce coin du monde. Acoustique dans des paysages sonores sphériques dans la zone ambiante.

Depuis de nombreuses années, Michael Cottone s’enrichit de ses arrangements et de ses sphères sonores. Son premier album Meadowview est sorti en 2006. Depuis lors, le compositeur apporte régulièrement ses impressions et ses réflexions sur les partitions. Beaucoup de temps, donc, pour développer et affiner son propre style. Il s’agit d’une combinaison de sons de guitare doux et de sphères sonores électroniques. Avec l’album Harbor from 2016, le compositeur l’a articulé à la perfection, avec des réactions très positives dans le domaine de la musique. Springhill, en revanche, est plus terre à terre, plus pacifique et plus fragile dans sa tonalité acoustique.

De nombreuses métaphores peuvent être utilisées pour mettre la musique en mots, mais l’une d’entre elles est la plus précise : Springhill est comme un papillon un jour d’été. Les arcs électroniques sont construits de manière légère et insouciante, très émotionnels et s’inscrivent dans le cadre du concept. Les timbres dynamiques du synthétiseur racontent la vie de tous les jours, pimentés d’effets de guitare méditatifs. Dans certaines pièces, l’électronique et la guitare forment une structure sonore homogène avec des effets immersifs. En partie très rêveuse, en partie polie avec une humeur nostalgique. L’humeur de base est toujours éveillée et arrangée avec sensibilité, on reçoit une aura positive à l’écoute. Tout l’album développe avec le progrès une expérience cinématographique, dans laquelle Cottone se limite parfois au minimalisme, comme dans le merveilleux morceau « Anam Car», dans lequel une partie marginale de mélancolie résonne.

Avec un total de 10 titres composés avec beaucoup de sensibilité, l’album a beaucoup à offrir. La première partie, « Morning Walk », révèle déjà de nombreuses facettes, que l’auditeur rencontrera dans les paysages sonores. Des mélodies sensibles qui vont jusqu’au fond du cœur. « Mayloops » et « Sky Trails » offrent une lueur de charme rétro et de nostalgie issue du synthétiseur, tandis que « Coastal Breeze » combine magistralement les dimensions du son et du sentiment. La guitare et l’électronique se partagent la scène acoustique avec chaleur et prudence, un sentiment de paix et de sensibilité enveloppant l’auditeur comme une aura. Les dix morceaux sont composés de façon très atmosphérique, l’album fonctionne comme une unité du premier au dernier morceau. Avec ses paysages sonores contemplatifs, Michael Cottone construit un dôme de relaxation et d’équilibre méditatif à l’intérieur de l’âme.

Il n’y a pas grand chose à ajouter, les amateurs d’ambiance de rêve avec une légère composante de bourdon ne peuvent que recommander Le Royaume Vert. Les paysages sonores bien équilibrés offrent beaucoup de place pour les interprétations personnelles. En conclusion, il reste à tirer, exprimer l’atmosphère musicalement n’est pas toujours facile, surtout lorsque vous décrivez vos impressions et expériences dans votre pays d’origine, comme sur Springhill. Mais ce que l’on peut lire sur l’album, c’est l’aspect que le compositeur aime y vivre. La maison est toujours là où se trouve votre cœur. Des petits thèmes qui retracent notre vie quotidienne et en apprécient la beauté. Cela nous entoure, mais peut souvent être facilement négligé – Springhill garde ces moments enregistrés acoustiquement pendant très longtemps.

***1/2


William Basinski: « Lamentations »

22 novembre 2020

Tous ceux qui ont passé assez de temps à l’avant-garde savent qu’il n’est pas rare que la personnalité d’un artiste ne corresponde pas à celle de son travail. Scott Walker apprend poliment à un percussionniste comment frapper un cochon, ou Michael Haneke s’amuse en mettant en scène Funny Games. La musique de William Basinski sent la mort et la décadence, mais c’est un orateur divertissant avec un grand sens de l’humour et une garde-robe qui rendrait le Joker jaloux. Et trois mois seulement après le flamboyant cocktail de jazz numérique de To Feel Embraced de Sparkle Division pour la première sortie de Basinski qui ressent son apparence et sa façon de parler, voici un album qui empile les sentiments de tristesse si épais qu’il doit être une blague savante à un certain niveau.

Lamentations est le troisième album de Basinski de l’année, mais le premier qui sonne et se sent comme son œuvre classique. Comme beaucoup de ses albums, celui-ci est réalisé à partir de bandes d’archives remontant à plusieurs décennies. Après un traitement plus poussé, ces morceaux de piano et d’orchestre semblent s’effilocher et s’effondrer, renversant leurs tripes et laissant une coquille creuse à la fin. Ce qui distingue Lamentations, c’est une touche de mélodrame. Trois titres coupent et mettent en boucle une chanteuse d’opéra soprano, l’image caricaturale d’un drame orageux, et bien que ses lamentations sur « O, My Daughter, O, My Sorrow » et, »Please, This Shit Has Got To Stop » soient véritablement blessantes, c’est de cette même approche que celle de Spielberg lorsqu’il empile les cordes alors que les yeux d’E.T. sont tout moites. Si l’on ajoute à cela des titres comme « Tear Vial » et « Paradise Lost », il n’est pas difficile d’avoir l’impression que Basinski en met délibérément plein les yeux.

Cela ne fait pas deLamentations un disque insincère. Cela en fait simplement l’un des premiers albums de Basinski où l’on peut voir son visage émerger de l’obscurité, de la même façon que l’on peut le voir sur celui de Richard D. James. Bien qu’il soit certainement plus sombre que To Feel Embraced ou le Watermusic, exaltés à juste titre par l’algorithme, il ne semble pas assez dévastateur pour justifier ces pièges de la tragédie, et là où il réussit, c’est dans la puissance de la conception sonore de Basinski – comment l’impossibilité de sonner « For Whom The Bell Tolls » comme il sonne, ou comment « Tear Vial » semble s’effilocher au milieu de la même façon que le papier quand il est mouillé. De nombreux morceaux de Basinski s’étalent sur toute la longueur d’une face de vinyle ou de cassette, mais Lamentations a les dimensions d’un album pop, la plupart des morceaux oscillant entre quatre et sept minutes. C’est peut-être la meilleure introduction à son travail ; c’est certainement l’album de Basinski qui semble le plus Basinskien.

Le compositeur a appelé ces 12 titres «  Lamentations pour les 2000 dernières années de notre vie ». Il est difficile de ne pas l’assimiler aux lamentations entendues partout dans le monde alors que le réchauffement climatique consume les communautés et que la pandémie Covid-19 ravage le monde, mais le manque de spécificité temporelle de Basinski est révélateur. Il s’agit d’une méditation à la fois sur la tristesse et sur la façon dont nous l’évoquons à travers la musique. Il est probable que l’on parlerait de cet album de façon très différente si Donald Trump avait gagné les élections présidentielles américaines, mais près de deux décennies après The Disintegration Loops, la dernière chose dont nous avons besoin est un autre album de William Basinski qui soit entièrement discuté en termes de contexte après coup. Il y a plus qu’il n’en faut dans le monde pour être triste tel quel, et Lamentations commente tout cela tout en se commentant habilement.

***1/2


Actress: « Karma & Desire »

29 octobre 2020

Il y avait de quoi s’inquiéter lorsque Darren Cunningham (alias Actress) a sorti 88, son mix de 48 minutes, en juillet dernier. Constitué d’un mélange fluide d’instruments à la dérive et de gazouillis, brisé en 22 morceaux, la seule lueur d’espoir est venue du PDF qui l’accompagnait et qui promettait d’autres musiques nouvelles avant la fin de l’année. L’album en question, Karma & Desire, montre que le musicien de Wolverhampton n’est pas vraiment dépourvu d’idées après tout.

Sur 17 titres et 68 minutes, Actress fait preuve d’une grande créativité, permettant à une foule de sons, d’ambiances, de thèmes et de collaborations de contribuer à la réalisation de son sixième album. Non seulement Cunningham fait appel à d’excellents chanteurs invités sur l’ensemble de l’album – dont l’auteur-compositeur-interprète folk/pop Zsela, le producteur de trance de Los Angeles (et collaborateur occasionnel de John Frusciante) Aura T-09 et le musicien de soul électronique londonien Sampha – mais il fait aussi grand usage de leurs styles contrastés, en regroupant souvent les artistes pour créer plusieurs suites sur l’album.

Darren ajoute des interstitiels pour faire le pont entre les morceaux plus structurés, mais ces instrumentaux ambiants simples parviennent toujours à dégager une personnalité et une ambiance, alors que l’album donne le ton avec une paire de morceaux parlants et chantants extraterrestres avec Zsela (« Angels Pharmacy » et « Remembrance »), tandis que la méditation brumeuse de « Glided Squares » fonctionne presque comme une introduction au piano hanté de huit minutes du « Many Seas, Many Rivers » assisté par Sampha.

Malgré les quatre rythmes puissants qui occupent le dernier tiers du disque, dont les titres « Loveless » et « Turin » (tous deux avec Aura T-09) et le très ondulant « Loose » (avec Christel Well), Karma & Desire n’est jamais vraiment un disque de danse – il est beaucoup trop opaque, fragile et bizarre pour cela. Au lieu de cela, les auditeurs se retrouvent avec un morceau long format, conçu de manière experte, bien exécuté et brillamment séquencé

***1/2


Ben Chatwin: « The Hum »

21 octobre 2020

« Il y a tellement de sons autour de nous qui sont plus bas et plus hauts et que ce que nous pouvons entendre. Je voulais rendre tout cela audible ».

The Hum, le sixième album studio de musique électronique et expérimentale de Ben Chatwin sous son propre nom, cherche à capturer les sons cachés, secrets et pas toujours audibles qui sont pourtant toujours là. Les sons amplifiés, les distorsions des zones rouges et le bruit général de la musique, comme le bourdonnement du micro d’un instrument ou le bruit assorti du studio, reçoivent une voix. Les fréquences tourbillonnent en permanence au-dessus et autour, invisibles à l’œil nu, mais également impossibles à reconnaître ou à détecter par l’oreille humaine.

Les amplifications du The Hum éclairent de leur lumière ce qui est caché et ce qui n’est pas vu. Ces vibrations, qui sont dispersées dans l’air, apportent une immédiateté choquante et une forte vibration à la musique, révélant des textures fortes comme celles d’un avion de chasse, qui étaient auparavant invisibles. Les sons sont restés longtemps inaperçus, s’accrochant à la timidité des ombres, tapie à l’extérieur et au-delà de la périphérie audible, mais The Hum a été conçu pour les mettre en valeur et les amplifier, leur donner du rythme et une force mélodique et harmonique ; il veut émerger et engager l’auditeur, et le rendre conscient de leur présence.

Le disque est intense et sa nature continue ne fait qu’augmenter cet aspect du disque, mais des pauses grandioses et majestueuses et des paysages sonores très ouverts sont également répartis sur l’ensemble de l’album. L’amplification ajoute un bord plus tranchant, comme une lame, mais ce n’est pas la seule raison de son intensité, car le volume seul ne peut pas atteindre tout ce qu’il y a de mieux. Il faut quelque chose d’autre. C’est pourquoi des tambours battants et des mélodies en direct sont également introduits, et le disque agit comme un choc pour le système. Les bourdonnements de studio et autres bandes de radio sont captés, s’épanouissant dans leur nouvel écosystème, et une véritable sensation de progression et de mouvement s’attarde dans l’air, se mêlant aux fréquences invisibles. De son chaos des heures de pointe à ses passages plus lents et même gracieux, The Hum est un disque d’énergie explosive et de retenue patiente. Certains des segments ont une grâce de ballet et un calme étrange, même si leur source est si surchargée ou si imprévisible.

Mixé en direct et enregistré sur bande, The Hum est presque entièrement analogique. En fait, Chatwin a délibérément évité d’utiliser l’ordinateur comme source sonore. Plutôt que d’être nettoyé et désinfecté avec des montages et autres outils de réduction du bruit, ses distorsions et ses sons puissants sont une partie vitale de la voix du disque, transformant un son régulier en grognement, lui donnant des dents et des griffes tout aussi aiguisées pour gratter contre la musique.

***1/2