Ben Chatwin: « The Hum »

21 octobre 2020

« Il y a tellement de sons autour de nous qui sont plus bas et plus hauts et que ce que nous pouvons entendre. Je voulais rendre tout cela audible ».

The Hum, le sixième album studio de musique électronique et expérimentale de Ben Chatwin sous son propre nom, cherche à capturer les sons cachés, secrets et pas toujours audibles qui sont pourtant toujours là. Les sons amplifiés, les distorsions des zones rouges et le bruit général de la musique, comme le bourdonnement du micro d’un instrument ou le bruit assorti du studio, reçoivent une voix. Les fréquences tourbillonnent en permanence au-dessus et autour, invisibles à l’œil nu, mais également impossibles à reconnaître ou à détecter par l’oreille humaine.

Les amplifications du The Hum éclairent de leur lumière ce qui est caché et ce qui n’est pas vu. Ces vibrations, qui sont dispersées dans l’air, apportent une immédiateté choquante et une forte vibration à la musique, révélant des textures fortes comme celles d’un avion de chasse, qui étaient auparavant invisibles. Les sons sont restés longtemps inaperçus, s’accrochant à la timidité des ombres, tapie à l’extérieur et au-delà de la périphérie audible, mais The Hum a été conçu pour les mettre en valeur et les amplifier, leur donner du rythme et une force mélodique et harmonique ; il veut émerger et engager l’auditeur, et le rendre conscient de leur présence.

Le disque est intense et sa nature continue ne fait qu’augmenter cet aspect du disque, mais des pauses grandioses et majestueuses et des paysages sonores très ouverts sont également répartis sur l’ensemble de l’album. L’amplification ajoute un bord plus tranchant, comme une lame, mais ce n’est pas la seule raison de son intensité, car le volume seul ne peut pas atteindre tout ce qu’il y a de mieux. Il faut quelque chose d’autre. C’est pourquoi des tambours battants et des mélodies en direct sont également introduits, et le disque agit comme un choc pour le système. Les bourdonnements de studio et autres bandes de radio sont captés, s’épanouissant dans leur nouvel écosystème, et une véritable sensation de progression et de mouvement s’attarde dans l’air, se mêlant aux fréquences invisibles. De son chaos des heures de pointe à ses passages plus lents et même gracieux, The Hum est un disque d’énergie explosive et de retenue patiente. Certains des segments ont une grâce de ballet et un calme étrange, même si leur source est si surchargée ou si imprévisible.

Mixé en direct et enregistré sur bande, The Hum est presque entièrement analogique. En fait, Chatwin a délibérément évité d’utiliser l’ordinateur comme source sonore. Plutôt que d’être nettoyé et désinfecté avec des montages et autres outils de réduction du bruit, ses distorsions et ses sons puissants sont une partie vitale de la voix du disque, transformant un son régulier en grognement, lui donnant des dents et des griffes tout aussi aiguisées pour gratter contre la musique.

***1/2


A Lily: « Sleep Through The Storm »

14 octobre 2020

Le cinquième album de James Vella, alias A Lily, est une collection de huit boucles électroniques analogiques chaudes. Des mélodies et des pulsations douces, des médiums qui montent et descendent progressivement, une ou deux arpégiations bizarres et quelques étincelles aiguës serpentent en courts cercles rythmiques sur des notes de basse tout aussi chaudes et riches.

Sur le papier, cela n’a rien de nouveau et, dans une certaine mesure, c’est vrai, ce n’est pas un album qui repousse les limites ou qui surprend. Mais en l’appréciant comme un morceau de composition bien équilibré, comme une tasse de thé chaud sans caféine à la fin d’une longue journée, il y a encore de quoi vous faire lever la tête.

Des sonorités légèrement plus inhabituelles se faufilent parfois, comme la mélodie de guitare-solo de la deuxième partie de « No Not Dash Your Feet Upon The Stone », ou les notes plus nerveuses et plus difficiles qui ouvrent « Endless Jasmine ». Il sera difficile d’éviter de citer Tangerine Dream quand on parle de morceaux comme « Colour The Senses » ou « A Softly Glitching Reality », et le bruit de flûte sur « Kalimba Heart » n’est qu’un soupçon de rock progressif.

« Slipped At The Edge Of The Pool » peut sembler un peu « off » d’une manière ou d’une autre, d’une manière sur laquelle il est difficile de mettre le doigt. Sleep Through The Storm est une couverture de sons de synthétiseurs douillets, sans aucun défi à relever, sans être complètement ambient ou sans texture, et c’est très agréable si vous êtes d’humeur à vous installer.

***


Christopher Bissonnette: « Wayfinding »

26 septembre 2020

Le musicien électronique canadien Christopher Bissonnette a fait évoluer ses sonorités avec Wayfinding. Sur son sixième album studio, Bissonnette remplace ses sons de synthétiseur par des sources électroniques et acoustiques. Des enregistrements de terrain sont insérés et entrelacés avec les drones vaporeux de Wayfinding pour produire une atmosphère fraîche et brumeuse. Mélodiquement introspectif et harmoniquement translucide, Wayfinding zoome sur le minutieux et le minuscule, étudiant le paysage domestique de la maison et « transformant la banalité et l’insignifiance de l’intérieur familial en vastes panoramas et en panoramas bucoliques », où le banal est transformé et vu d’un œil nouveau, l’ancien et le familier devenant une source de lumière nouvelle.

Les drones de Wayfinding sont capables de remplir l’atmosphère d’appréciation et d’émerveillement. Les mélodies parsèment la musique comme des gouttes de pluie, se sentant comme un morceau de la Biosphère lorsqu’elles tombent à travers l’atmosphère lo-fi, enjolivant légèrement l’air lorsqu’elles tombent d’en haut. L’ensemble du disque tourne autour de l’atmosphère, faisant de Wayfinding un disque élémentaire, dont le cœur est accordé aux fréquences des modèles météorologiques et des drones oscillants. Les mélodies sont capables de briller avec une férocité surprenante, scintillant avec force tout en étant assez douces pour réchauffer la peau. En s’insinuant lentement dans son environnement et en l’influençant, la musique de Bissonnette peint la réalité avec sa série de minces drones

Les sons changent et évoluent constamment, un peu comme la production de Bissonnette au fil des ans, et bien que les bourdons se déplacent à un rythme langoureux, les mélodies qui les entourent sont toujours en mouvement, passant d’un point de lumière à un autre ; lorsque l’un d’eux s’allume, son prédécesseur fait un clin d’œil pour disparaître. Les températures varient également, car une touche de givre s’attarde sur deux de ses huit paysages sonores, élevant la musique et la transformant en un flux d’air plus frais, tandis qu’à d’autres moments, un bourdon rayonnant suinte positivement de chaleur et de lumière, comme s’il captait un courant plus chaud. Bien que la musique dérive, elle n’est pas complètement dépourvue de direction, et Bissonnette dirige la musique dans l’air, en descendant plus bas au niveau du sol avec le chant des oiseaux et d’autres sons de terre, mais sans jamais toucher le sol complètement. Wayfinding est plutôt un disque qui plane constamment au-dessus de son pays tranquille.

***1/2


Derek Rogers: « Immersions »

15 septembre 2020

Immersions voit le musicien électronique Derek Rogers fléchir et approfondir son approche « ambient ». En utilisant des procédés numériques, Rogers sculpte une série de magnifiques paysages sonores ; une telle musique surgit d’un endroit profond. Tachetée de bourdon, d’ambiance et d’improvisation libre, Immersions est une musique d’une grande clarté et d’un grand raffinement. Des enregistrements de terrain sont insérés dans le mixage électronique, avec des animaux sauvages et de l’eau qui clapote parfois sur la musique. Ces sons naturels sont tout aussi pertinents que la couche électronique et la couche ambiante artificielle, qui fleurit et entoure l’enregistrement sur le terrain. C’est une évolution intéressante, car le son organique devient un aimable compagnon du processus électronique, et les deux sons ne sont jamais en contradiction l’un avec l’autre. C’est une musique attentionnée et respectueuse de son environnement, et elle se déroule de manière sensible. Au fur et à mesure qu’elle progresse, le rythme s’accélère et les notes sont tachetées par la saleté et la crasse de la distorsion, qui colle et tache la musique. Elle atteint un crescendo et jaillit, de sorte que la musique d’ambiance d’Immersions prend un élan notable.

L’ouverture, « Remake the Crawl », fait découvrir aux auditeurs son fragile écosystème. Le paysage sonore de longue durée est le fondement de l’album, et le reste du disque s’appuie sur lui. Au début, la musique chaude et chatoyante est un lever de soleil silencieux, qui brille constamment jusqu’à ce qu’il augmente de volume (et de façon imprévisible). Après son voyage de 20 minutes, la piste se dissout et se fragmente, et se pose avec un atterrissage cahoteux alors qu’elle entre en contact brutal avec le tarmac de sa piste, abandonnant son espace dans l’air. D’autres textures percutantes font irruption sur un piano silencieux et réservé sur « Cirrus », et la piste semble sur le point de se briser dès le début, crépitant et s’effilochant aux coutures avant de se déchirer de manière irréparable. Seuls le piano et un bourdon rayonnant peuvent empêcher le morceau de s’éteindre complètement.

Au fur et à mesure qu’Immersions se développe, il explore un terrain expérimental et n’est pas timide ou n’a pas peur de secouer les choses, mais il revient toujours à son environnement d’origine, comme la note de base d’une tonalité. Rogers est capable de transmettre un large éventail d’émotions, qui résonnent toutes à travers sa musique instrumentale sans paroles, et avec une puissance égale à celle d’une chanson. L’instrumentation devient sa voix, son mode d’expression. Ses vastes panoramas peuvent être aussi bien ouverts qu’introspectifs, certaines sections se déplaçant lentement entre deux notes, les fréquences bouclant et revenant toujours. Le morceau de clôture « Every Reaction Is Based On The One Cast Before It » est un gigantesque effort de 26 minutes. D’un développement impressionnant, affichant à la fois retenue et mouvement progressif, le morceau oscille lentement entre deux fréquences et des bourdonnements accrus. C’est joli à regarder, mais c’est plus profond qu’une simple apparence, et on peut en dire autant de l’album dans son ensemble. Immersions fait ce qu’il promet de faire, amenant son talent musical vers de nouveaux sommets.

***1/2


Siavash Amini & Saaad :« All Lanes of Lilac Evening »

1 septembre 2020

Je suis à la dérive, perdu dans un coucher de soleil que je ne pourrai jamais retrouver. Ils sont tous comme ça, n’est-ce pas ? Un événement insaisissable, effusif, tous les mêmes et pourtant jamais deux identiques. Le Soleil glissant sur l’horizon, le ciel reconfigurant sa palette en tons nocturnes, son déphasage en obscurité jamais deux fois la même, ni le paysage, ni le sentiment.

A l’autre bout du monde, le même spectacle, le même événement quotidien récurrent, mais la sensation est différente. Les ors et les bleus se transforment en pêche, se transforment en violet, se transforment en marine, se transforment en noir. Un paysage parfait, intact et non souillé, se fond dans la nuit, vu seulement par sa silhouette sur le champ d’étoiles. J’aurais pu rester couché là pour toujours.

Pourquoi sommes-nous ici ? Quel est notre but ? Il est parfois injuste d’avoir été doué de cette vie consciente, qui s’interroge constamment sur son sens, sa valeur. Que devrais-je faire de mon temps, comment le passer, où ce cours me mène-t-il ? Il n’y a pas vraiment de mauvaise réponse, ni de bonne, et Amini et Saaad le savent tous les deux.

« A Vision Without Contour » se déplace dans une grandeur informe, matérialisant des formes de synthèse contre l’obscurité dans des mouvements fluides. Comme le reste du disque, il ne semble pas sinistre ou ouvertement sombre, juste tendu, tendu, comme un fil de fer enseigné frémissant de tension.

On pourrait dire la même chose de « Time Is A Child Playing In The Sand », ses synthés étouffés et indistincts posés sur un tableau de couches de bourdons qui se récurent et se remodèlent sans cesse. Des guitares abîmées errent dans l’oubli, des formes familières vont et viennent, jamais tout à fait les mêmes, jamais fixées, jamais tout à fait parfaites.

Ce n’est qu’à un moment donné que l’angoisse est quantifiable et trop manifeste pour qu’on puisse la manquer « . Des synthés arpégés se désagrègent, s’agitent et se vrillent au fur et à mesure que la vie se déroule et se retourne. Un organe sinistre est amené dans son sillage, fredonnant avec une profondeur hadéenne comme s’il était loué à un espace sombre fraîchement labouré. Des incrustations de pensées noires s’oxydent dans l’air nouvellement exposé, émanant d’inquiétudes et d’énergies craintives.

Nous voici à la fin, « Des eaux toujours plus abondantes coulent sur ceux qui marchent dans les mêmes rivières » (Ever-Newer Waters Flow On Those Who Step In The Same Rivers). Je vois encore cette nuit-là, les oiseaux tourbillonnant au-dessus de nos têtes en silhouettes, l’eau douce de l’étale qui s’écoule sur le rivage rocailleux. Le sens vient de la distinction : ce n’est pas spécial si c’est normal. La guitare se déforme en croassant les vagues, cette force purificatrice rayonne dans la lumière mourante avec une énergie repentante et baptisante : vous êtes libre. Un autre coucher de soleil sur cette conscience maudite.

***1/2


Robin Saville: « Build A Diorama »

18 avril 2020

Robin Saville parle de qualité et salubrité dans un album très doux inspiré par ce qu’il voit et ressent lors de ses pérégrinations quotidiennes et intégrant des enregistrements sur le terrain, des drones et des instruments acoustiques.

Beaucoup de choses ont été écrites sur ce qui arrive à l’esprit lorsque le corps se met en mouvement. Au lieu de réciter les poèmes des inévitables livres d’auto-assistance, allons droit au but : pour beaucoup, se promener régulièrement est à la fois libérateur et responsabilisant. Il ne s’agit pas nécessairement de faire de l’exercice, mais plutôt de trouver son propre rythme dans la vie. Robin Saville, célèbre pour son art du samplig est un tel ambler. Ses promenades lui ont inspiré son troisième album solo sur les lieux hors du commun qu’il est venu voir et expérimenter lors de ses déplacements.

Avec un total d’un peu moins de 40 minutes, Build A Diorama est à la fois un subtil point culminant et un antipode poignant à ce que Saville a réalisé avec Antony Ryan. Si l’esthétique peut sembler similaire par endroits, Saville opte pour un rythme résolument différent lorsqu’il s’agit d’écrire et de produire.

Le progrès est constant et le changement, cependant, est lent – comme si l’on regardait un diorama pendant une longue période dans une lumière qui change si légèrement ou comme un flaneur qui se concentre sur un endroit particulier, un objet trouvé pour ainsi dire, en attendant que l’esprit l’orchestre de façon appropriée, lui donnant un sens et une signification.

Construites autour d’enregistrements sur fond de calme, les six compositions de Saville transforment cette expérience très personnelle et donc difficile à transmettre en une exploration compréhensible de la beauté. Alors qu’on utilise presque exclusivement l’électronique en général,, Saville élargit délibérément cette palette bien établie avec des instruments acoustiques comme la guitare basse, le carillon et le glockenspiel, visant une manifestation musicale encore plus appropriée de ce que le marcheur voit et ressent une fois qu’il s’engage pleinement dans sa passion. Allant d’amortisseurs béatement pulsés permettant une liberté associative totale (« The Deepdale Halophyte Economy ») au minimalisme ludique d’un orchestre dominé par des cloches occupées (« Bosky »), Build A Diorama n’est pas seulement un ajout précieux à sa production musicale, mais un guide audio essentiel pour ceux qui s’efforcent d’explorer, d’apprendre et de comprendre.

***1/2


Tycho: « Simulcast »

16 avril 2020

Lorsqu’un artiste sort un album marquant, on peut avoir tendance àvouloir capitaliser dessus. Combien de doubles CD/réponses étendues ont été publiés moins de six mois après la sortie d’un album ? Probablement trop. Parfois, cependant, ce peut sembler nécessaires. Peut-être pas une édition de luxe, mais une édition réimaginée. C’est ce que Tycho a fait.

En 2019, il a sorti Weather, son meilleur album à ce jour, et s’est vu décerner un nouveau Grammy. Ce qui le distingue de ses précédents albums est le chant de Saint Sinner, qui a fait passer les productions de l’électronique teintée d’ambiance à la confortable pop molletonnée. Aujourd’hui, Tycho a sorti Simulcast, un album qui enlève le chant de Sinner et met en avant ces productions diaphanes.

« Easy », « Into the Woods » et « Weather » sonnent tous relativement de la même façon que sur Weather, bien qu’ils soient légèrement plus grands et plus brillants, avec de petites modifications et des ajouts comme le chant vaporeux qui a fait son chemin sur « Easy » C’est sur « Alright », « Outer Sunset », « PCH », « Cypres » » et « Stress » que l’album prend tout son sens. Ici, les chœurs ornés brillent. L’interaction complexe des synthés, des guitares et des rythmes est une joie à voir – « PCH » est le moment le plus marquant de l’album.

Simulcast n’est pas seulement a variante instrumentale de Weather. Les chansons avec la voix de Saint Sinner ont été reconfigurées de manière à enrichir une instrumentation splendide. Ici, ces mélodies tueuses ont une chance de vraiment briller. Ce projet montre que Tycho a une oreille attentive et comprend parfaitement que la musique pop ne se limite pas aux paroles, mais qu’elle donne un coup de poing émotionnel à travers des mélodies directes qui s’enchaînent.

Une étrange particularité de l’album, cependant, est que les nouvelles versions renforcées atteignent parfois un moment d’effondrement, s’arrêtant dans leurs morceaux, comme « Alright », lorsque le carillon du synthétiseur et les riffs de guitare en cascade s’effondrent soudainement. Ces moments peuvent être légèrement ennuyeux, déconcertants, mais d’un autre côté, ils montrent la touche habile de Tycho et son appréciation des sorties ambiantes de Brain Eno.

En baptisant l’album Simulcast, Tycho a effectivement présenté ses idées sur deux projets. Le premier est une incroyable écoute littérale, tandis que le second est beaucoup plus interprétatif. Avec Weather, c’est la voix de Saint Sinner qui donne la direction du projet ; lorsque celle-ci est retirée sur Simulcast, c’est à l’auditeur de trouver un moyen, de tirer les conclusions. Et ce sont ces conclusions personnelles qui font de ce dernier opus une expérience bien plus intéressante et engageante que Weather.

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Oval: « Scis »

24 janvier 2020

Oval est un projet qui est étrange à aborder. D’une part, chacun des enregistrements est de grande qualité, parvenant à encercler les mêmes influences de pépins, d’IDM, d’ambiaent et d’autres textures électroniques haut de gamme sans avoir l’impression de se marcher sur les pieds. En termes de catalogue, Markus Popp d’Oval est l’un des rares artistes électroniques à remettre en question les trônes bien gardés d’Aphex Twin et d’Autechre, en produisant une œuvre qui vit dans le même monde de collages sonores numérisés et de portraits électroniques. Mais d’un autre côté, Oval semble ne pas avoir le même genre de percées éruptivse que les autres artistes ont acquis et, à son tour, il lui manque une sorte de centre critique pour juger lson travail. Il reste, de façon frustrante, un secret bien gardé du monde de la musique électronique, bien-aimé au sein de la communauté mais largement inconnu en dehors de ses frontières.

Son dernier disque, Scis, montre bien en quoi son approche peut générer de la frustration. Chacun de ses dix titres fest à cheval entre l’avant-gardisme dense et l’accessibilité, réussissant à entasser des concepts imaginaires de longue durée dans des schémas de chansons pop. Aucun morceau du disque ne dépasse cinq minutes et le plus court est de 3:52, ce qui signifie que chacune de ces tranches est de taille relativement constante, et pourtant leur intériorité est très différente. Certaines ressemblent au cliquetis et à la résonance de verres à vin qui s’entrechoquent doucement tandis que les perceuses tournent et ronronnent alors que d’autres donnent l’impression d’entrer dans la matrice, la géométrie simple et colorée d’un artiste comme Neuromantic disposée dans un plan d’ondes de vapeur tandis que, de loin, une forteresse de marbre s’assemble et fait des gestes aux chromes des mers numériques.

Ces morceaux sont comme une encyclopédie du paysage sonore numérique post-IDM, mariant les images sonores de manière agréable et frappante, faisant s’asseoir des synthés en ébullition à côté de vagues en dents de scie et de wubs qui se rapprochent de la douve. C’est un sens bien mérité de l’encyclopédisme ; Oval est actif depuis le tout début des années 90 après tout et, au sein de la scène, est considéré avec la même faveur que les autres grands noms de l’electronica des années 90 en termes de génération de la palette dont les plus grands avant-gardistes comme le groupe vaporwave ont construit leurs concepts.

Le plus grand don de ce produit est aussi, malheureusement, sa plus grande détraction. Des artistes comme Aphex Twin et Autechre ont réussi à percer en partie grâce à une image sonore cohérente que nous pouvons associer à ces artistes, les unions esthétiques comme le clip vidéo de « Come To Daddy » et la pochette de l’album qui l’accompagne, mariés aux sons du « single, » semblant créer cette identité sonore éruptive à laquelle les gens pouvaient s’attacher. Sur Scis, en revanche, les juxtapositions parviennent à être suffisamment éloignées pour que, sans ce genre d’images-guides, elles ne parviennent pas à se fondre dans quelque chose de lisible comme une nouvelle forme tout en restant généralement suffisamment en accord les unes avec les autres pour ne pas se sentir non plus follement avant-gardistes et explosives.

Cela ne veut pas dire que ce ne sont pas de bons morceaux, pour être clair ; il est difficile d’imaginer que quelqu’un qui s’intéresse à la musique électronique ou au travail expérimental/avant-gardiste ne soit pas contraint par ces morceaux, à la fois individuellement et en tant qu’ensemble. Il est ironique que leurs images sonores soient presque trop luxuriantes, générant non pas une image statique unique et persuasive, mais plutôt des mondes complets. On peut presque jurer que l’on peut sentir la chaleur et l’humidité de la jungle, voir la dure statique des perroquets et des lézards d’acier émerger du feuillage dense. Mais les associations de Scis ont l’air d’être des pierres précieuses, fractales, qui éclatent constamment et génèrent quelque chose de nouveau juste au détour d’un virage. C’est aussi enivrant que déroutant à l’écoute, sans pour autant sacrifier les plaisirs de base que sont les rythmes électroniques puissants.

L’écoute de Scis est intrigante, trop accessible pour être considérée comme correctement elliptique, tout en étant trop étrange et évasive pour être qualifiée de pop. Il a le caractère d’un album auquel on revient sans cesse, qu’on oublie pendant un mois ou deux avant de le découvrir en le mélangeant ou en le coinçant entre d’autres disques de votre collection, sans ordre alphabétique. Scis ne ressemble pas à un album de 2020, mais seulement parce qu’il n’a pas l’impression d’appartenir à un moment précis ; comme les autres grands de la musique électronique, il donne l’impression qu’il pourrait être repris et mis sur disque dans plusieurs décennies et qu’il ressemble encore à un disque hors du temps, arrivant d’un monde où les jours sont mesurés par une autre dimension. C’est intriguant et cela laisse une trace persistante. On peut penser qu’il pourrait devenir l’un des meilleurs enregistrements électroniques depuis longtemps plusieurs années.

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James Murray & Francis M. Gri: « Remote Redux »

18 janvier 2020

Espaçant un peu ses sorties, James Murray n’avait rien publié depuis l’automne 2018 avant de proposer, coup sur coup, deux parutions. Avant d’aborder son nouvel effort solitaire, place à un disque écrit avec Francis M. Gri, musicien adepte des collaborations (ces pages recenseront bientôt un opus composé avec David Gutman et Federico Mosconi). Pour l’instant, il s’agit donc de faire dialoguer le piano et la guitare de l’Italien avec les nappes de synthé de l’Anglais, dans un échange tout à fait soyeux et délicat.

Cette subtilité se retrouve, en effet, aussi bien dans le toucher de piano de Francis M. Gri, sa manière de déposer légèrement ses notes, que dans la teneur joliment enveloppante des accords de James Murray. Parfois relayées par une guitare jouée à l’archet, les nappes font également montre d’un bel aspect flottant, comme un peu irréelles (« Ma – 24 bit »), ou bien opèrent davantage par vibrations, trouvant alors une gracieuse fragilité (« Remote – 24 bit »). Dans toutes ces hypothèses, on retrouve l’allure lumineuse des matériaux employés, véritable signature du Britannique, également assimilée par l’Italien pour ses traits de guitare électrique.

En parallèle, les compositions du duo peuvent osciller entre structures assez riches, parcourues, par exemple, de souffles pouvant muter en quasi-grondements (« Redux – 24 bit ») et dimension plus épurée, réduites à leurs plus simples expressions (« Lontano – 24 bit »). Avec deux longs morceaux (au-delà des onze minutes), l’album sait préserver, pour son dernier tiers, des propositions plus évolutives, intégrant une montée en puissance. Sans surprise, c’est sur ces deux pistes (« Lontano – 24 bit » et « Toma (Extended) – 24 bit ») qu’on retrouve le plus de qualités du duo, pouvant les mettre à profit sur ce temps long, les déployer progressivement voire accueillir des composantes nouvelles (la saturation discrète de la six-cordes de Gri, à la toute fin de l’album).

***1/2


Caterina Barbieri: « Ecstatic Computation »

31 décembre 2019

Cinquième album en cinq ans pour Caterina Barbieri, Ecstatic Computation propose 36 minutes de musique électronique minimaliste, composée de boucle aux sonorités issues de synthés modulaires qui se répètent, se chevauchent, et finissent par provoquer une forme de transe chez l’auditeur. Malgré des sonorités souvent assez acides, aux relents tantôt techno, tantôt electronica, tantôt expérimental, l’album déroule des pièces d’une grande musicalité, pleines des reliefs et jamais redondantes.

Parfois des voix fantomatiques se font entendre (« Arrows Of Time ») dans cet univers assez froid et métallique mais enveloppant.  Malgré un ensemble compact et une palette sonore assez réduite, il se dégage de ces textures plutôt variés, en évolution permanente, une forme de richesse et de complexité qui rend l’ensemble très attrayant.

un album de musique électronique assez court mais d’une grande richesse musicale.

***1/2