Craig Finn: »A » Legacy of Rentals

24 mai 2022

Après s’être fait connaître en tant qu’artiste solo avec Clear Heart Full Eyes (2012), Craig Finn a composé ce qui s’avère être un triple album solide et thématiquement lié sur ses trois albums suivants, Faith in the Future (2015), We All Want the Same Things (2017) et I Need a New War (2019). Il s’est associé avec succès au producteur/multi-instrumentiste Josh Kaufman pour créer les paysages sonores de tous ces albums, tandis que les récits de Finn sur les perdants sombres et malchanceux et sur les marginaux en difficulté s’écoulaient. Après avoir conclu cette collection par un album d’extraits (All These Perfect Crosses), Finn et Kaufman visent à ouvrir de nouveaux horizons avec A Legacy of Rentals

La production s’est étoffée, puisque Kaufman et Finn ont fait appel à Trey Pollard, de Spacebomb, pour arranger et enregistrer un orchestre à cordes de 14 musiciens, ce qui confère une certaine grandeur aux morceaux. Mais comme il s’agit de Craig Finn, ses paroles romanesques se concentrent sur des aventuriers drogués et des foyers brisés avec un petit mais fort sentiment de fierté, tout cela fermement dans sa timonerie comme les histoires de woah, de tragédie et de résilience se mêlent dans chaque composition ici offerte.

L’ouverture « Messing with the Settings » utilise un sentiment de flottement spatial avant des couplets parlés et des refrains chantés (soutenus par des chœurs féminins) entre de grosses cordes. In memoriam est le sujet et les paroles tristes comme le souvenir est un thème qui revient souvent sur le disque. « Jessamine » garde le souvenir de la mort et de la vie au premier plan autour d’un scintillement frais et retenu, tandis que « Never Any Horse » superpose des guitares acoustiques et électriques brûlantes qui ne semblent pas à leur place parmi les autres efforts. Les morceaux déployant des rythmes disco et des basses comme « The Amarillo Kid » ou des breaks au saxophone et des finales dramatiques comme « Birthdays » semblent légers en comparaison des offres plus lourdes pour lesquelles Finn a un talent particulier. 

Alors que son groupe principal, The Hold Steady, a été comparé à Bruce Springsteen et au E Street Band, Finn passe ici à l’étape suivante, rappelant le travail solo de Bruce à la fin des années 80 et au début des années 90. Les pulsations de « The Year We Fell Behind », « Due to Depart » et « Curtis & Shepard » dégagent respectivement des vibrations de « Streets of Philadelphia », « Tougher than the Rest » et « Secret Garden », légèrement plus optimiste.   

L’album se termine par deux autres offres de spoken word : « A Break from the Barrage » reprend les arrangements de cordes, les chœurs féminins et les touches d’accompagnement spatial de l’album d’ouverture, tandis que « This Is What It Looks Like » se poursuit jusqu’au matin, sur un rythme galopant. 

Le style de Finn a subtilement changé et l’augmentation du nombre de mots parlés avec des sons plus complets sont deux ajouts bienvenus, mais en fin de compte, Finn sera Finn, et Legacy of Rentals poursuit son affliction matinale, seul dans un bar, avec des espoirs de rédemption ansi parsemés.  

***1/2


Kevin Morby: « This Is A Photograph »

13 mai 2022

Les auteurs-compositeurs-interprètes qui puisent dans la grande tradition de la chanson américaine ne manquent pas. Trop souvent, cependant, les efforts qui en découlent soulignent la distance entre l’inspiration naturelle et sans effort des noms les plus sacrés de la tour de la chanson et les fac-similés quelque peu étudiés de leurs disciples contemporains. La production solo passée de Kevin Morby correspondait parfois à ce schéma : de qualité, oui, mais pas tout à fait essentielle, intéressante sans délivrer un coup de poing standard K.O. là où ça fait mal. This Is A Photograph change tout cela.

Inspiré par le fait de feuilleter des photos d’enfance après une crise de santé familiale, les chansons aux thèmes vagues (toutes de qualité supérieure) sont très intéressantes : Il s’agit de l’un de ces rares disques qui démarre fort et s’améliore, devient plus profond et résonnant, à chaque morceau). Il part de l’histoire personnelle et familiale de Morby pour explorer la disparition imparable mais sournoise du temps :  » the living took forever but the dying was quick  » (la vie a duré une éternité mais la mort a été rapide), plaisante Morby sur la beauté countrifiée  » Bittersweet, TN « ) et les fantômes qui hantent Memphis, le cadre musicalement extra-mûr de l’enregistrement de l’album.

Les échos des maîtres du passé, tels que Lou Reed, Leonard Cohen et Bob Dylan, continuent de planer sur l’album. Comme il se doit pour un album enregistré dans la ville natale des légendaires studios Stax et Sun, on y trouve aussi une bonne dose de soul et la franchise des débuts du rock ‘n’ roll.

Pour un album enregistré avec un grand nombre de collaborateurs, il y a un sentiment remarquablement unifié et organique de « live » dans les procédures : le morceau titre construit un momentum en sueur, tandis que « Rock Bottom » (enregistré au Sam Phillips Recording, un studio fondé par le défunt patron de Sun Records) semble à peine sous contrôle avec son énergie joyeusement galopante.

À l’autre bout du spectre, la complainte effrayante, teintée de sépia, « Disappearing » et la méditation hypnotique et lente « A Coat of Butterflies » (avec la harpe de Brandee Younger et, dans une apparition inattendue, le maestro du jazz moderne Makaya McCraven à la batterie) sont toutes deux hantées par la fin tragique de Jeff Buckley, qui s’est noyé dans le fleuve Mississippi à Memphis en 1997. Morby ne s’écarte du fil conducteur de l’album que pour « Stop Before I Cry », une ode directe et désarmante à sa partenaire Katie Crutchfield, alias Waxahatchee.

Ils ne les font plus comme ça », déclare Morby sur le morceau « Goodbye to Good Times », qui clôt le disque en faisant référence aux héros de la soul que sont Tina Turner et Otis Redding. Une fois que This Is A Photograph s’est emparé de vous (et il le fera), il est probable que vous ne soyez pas d’accord.

***1/2


Chelsae Jade: « Soft Spot »

12 mai 2022

Dans le nouvel album de Chelsea Jade, Soft Spot, on peut dire qu’elle a trouvé son point de chute (soft spot). Jade, née en Afrique du Sud et élevée en Nouvelle-Zélande, a sorti son deuxième album juste à temps pour les journées chaudes et les nuits de brise. Lorsque la chanteuse et productrice de 32 ans n’écrit pas et n’enregistre pas, elle danse dans les clips de Lorde ou crée des graphismes pour des groupes comme Deafheaven. Il n’y a pas grand-chose que Chelsea Jade ne fasse pas. Quatre ans après son dernier album, Jade a énormément évolué en tant qu’artiste. Tout en restant fidèle à ses racines de pop à la mode, Jade y ajoute des dimensions de cœur, de douleur et de fantaisie.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, « Soft Spot ». Ce titre de 67 secondes porte bien son nom. En prenant des sons de la vie quotidienne et en y ajoutant une lente mélodie de piano, on peut presque dire que la phrase qu’elle prononce dans le morceau est « -love you with the little love I got ». Il ne se passe pas grand-chose, mais suffisamment pour créer une expérience immersive. L’autre morceau court de l’album, « Real Pearl », qui dure 51 secondes, donne le même genre d’effet. Comme « Soft Spot », il y a une sensation aérienne et éthérée qui est bien plus qu’un simple remplissage entre les chansons.

Sur « Good Taste », on peut entendre le plaisir que Jade a pris à enregistrer et à produire le disque. Elle incorpore plusieurs instruments qui semblent avoir disparu depuis un certain temps, comme le synthétiseur et les tambours électroniques. Avec des chansons comme « Best Behavior » et « Tantrum in Duet », son son est certes distinct, mais il devient quelque peu prévisible. Malheureusement, la répétition de ces deux titres a du mal à faire passer le sens et le message que l’on cherchait à faire passer. La voix de Jade est douce et pure sur les deux morceaux, mais il n’y a pas grand-chose de dit qui mérite d’être répété. En d’autres termes, ces deux morceaux n’enlèvent rien à l’album, mais ils n’apportent rien non plus.

Les morceaux qui font passer cet album de bon à excellent, cependant, sont « Superfan » et « Big Spill ». « Superfan », le deuxième morceau de l’album, a le son d’un tube d’été. Avec ce qui semble être des douzaines de backbeats et de superpositions de voix, Jade s’harmonise avec elle-même, et elle est vraiment, vraiment bonne à cela. Les paroles sont pertinentes, percutantes et s’adressent à un public de tous âges. « Big Spill » commence par le sifflement d’une bouilloire et à partir de là, les auditeurs ne savent pas ce que Jade va faire. De loin le morceau le plus expérimental de l’album, Jade joue avec de nombreuses vitesses et fréquences différentes. Ces deux morceaux ne prennent aucun raccourci et ne sont certainement pas paresseux. « Superfan » et « Big Spill » prouvent que Jade est l’artiste qu’elle est.

Ce que Chelsea Jade a créé est une représentation brute et puissante de tout ce qu’elle a à offrir dans le monde de la musique. Cet album de 27 minutes semble passer à toute vitesse et laisse les auditeurs en redemander. Si certaines chansons manquent de diversité et de disparité, elles sont compensées par la réflexion et le sentiment général. Avec le dur labeur évident mis dans cet album, il n’y a aucun doute que Chelsea Jade aura son art dans l’œil du public pendant très longtemps.

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Suki Waterhouse: « I Can’t Let Go »

6 mai 2022

Le premier album de Suki Waterhouse a été long à venir. La chanteuse aux multiples talents a d’abord trempé son orteil dans les eaux musicales avec son single ‘Brutally’ en 2016 et a depuis sorti un ou deux titres réguliers mais constants par an, taquinant les auditeurs avec les teintés de rose ‘Good Looking’ et ‘Valentine’.

De sa marque d’accessoires Pop and Suki à ses crédits d’actrice (qui incluent Billionaire Boys Club), la créativité de Suki Waterhouse semble être sans limite : elle fera même la première partie de la tournée nord-américaine de Father John Misty plus tard cette année. On a l’impression que l’écriture de chansons a été thérapeutique pour Suki. I Can’t Let Go est un album résolument intime, qui s’appuie sur les expériences de ses vingt ans et sur les chagrins d’amour du passé pour trouver une conclusion à l’aube de la trentaine.

Sur les dix titres de l’album, cinq singles exceptionnels sont déjà sortis, la question est donc de savoir si le reste du disque est à la hauteur.

Comme une sorte de sœur de  » Ride  » de Lana Del Rey, le titre d’ouverture  » Moves  » emmène les auditeurs dans un voyage sonore. Waterhouse a même dit elle-même qu’elle imaginait les personnages de Thelma et Louise en train de se balader sur cette chanson, il n’est donc pas étonnant qu’elle soit si puissante. Ce n’est pas la seule référence à la culture pop que Waterhouse fait, la phrase « You said I looked like Suzi Quatro in the morning light » étant tirée d’un commentaire de Jack White à son sujet. Avec son accroche contagieuse et sa voix sans effort, la chanson « Moves », rythmée par la batterie, marque un bon début pour l’album.

La sensuelle « Devil I Know » est un cours magistral de lyrisme poétique : « Need your body when my fire’s cold » (Besoin de ton corps quand mon feu est froid) et « I don’t need to feel the sun, let me touch your skin » ( Je n’ai pas besoin de sentir le soleil, laisse-moi toucher ta peau) s’écrivent Waterhouse sur un rythme lo-fi minimal.

« Melrose Meltdown « , un autre single sorti précédemment, est un point fort. Suki porte ses influences sur sa manche – les harmonies succulentes des groupes de filles des années 60 et la voix mélancolique de Hope Sandoval viennent à l’esprit – mais cela ne semble pas manquer d’originalité. « Nobody ever breaks up / We just break down » ( Nobody ever breaks up / We just break down) chante-t-elle alors que l’instrumental se décompose littéralement, tout en guitares slide chatoyantes et percussions régulières.

« Put Me Through It » est une réflexion sentimentale sur une relation passée, reconnaissant les bons moments passés. Il y a un sentiment de nostalgie véhiculé par les touches brumeuses de psychédélisme. Cela devient encore plus évident lorsque l’on se glisse dans « My Mind », un doux morceau acoustique imprégné d’instruments d’ambiance et du son bluesy d’une guitare. Il y a une note d’ennui – voire de résignation – dans la voix de Suki pendant le pont, comme si elle était fatiguée de parler du passé, prête à régler les derniers détails et à passer à autre chose.

Bullshit on the Internet  » est sans aucun doute le morceau le plus dansant de I Can’t Let Go, avec une mélodie addictive qui est malheureusement déçue par ses paroles clichées. C’est une aberration sur un disque par ailleurs bien écrit. Mais cette accalmie est rapidement corrigée par le woozy « Wild Side », un morceau Clairo-esque destiné à être la bande-son de votre été. Bien qu’elle soit britannique de naissance, les années que Suki a passées dans les États-Unis ensoleillés sont visibles dans sa production et les chœurs en écho sont un ajout bienvenu.

Malgré son refrain accrocheur, « On Your Thumb » est décevant dans le sens où il ne semble pas aller nulle part, avec la voix de Waterhouse inhabituellement impassible. Mais sur « Slip », Suki peut enfin démontrer son impressionnante palette vocale, en montant d’un octave. Son falsetto délicat, souligné par les douces grattements d’une guitare acoustique, prouve que les chansons de Suki fonctionnent mieux avec une production minimale.

Blessed », le titre le plus proche, est peut-être le plus expérimental de l’album. Il y a un air de glamour du vieil Hollywood ici, peut-être entre les tons mielleux de Waterhouse et les notes de piano tendres et scintillantes. Il y a un moment particulièrement poignant où Suki chante doucement « I could be something » (je pourrais être quelque chose), avant que les synthés frémissants n’éclatent en une longue minute de distorsion shoegaze.

Il est clair que l’approche lente et régulière de Suki pour sortir un LP complet a porté ses fruits, lui permettant d’affiner son art. Rayonnant de voix rêveuses et de production vintage, I Can’t Let Go est un premier album envoûtant, qui certifie les prouesses d’écriture de Waterhouse et la place parmi les artistes à suivre. Et contrairement à ce gag condescendant de Gossip Girl, il prouve qu’elle n’est pas Suki Nobody, mais Suki Somebody !

***1/2


Sharon Van Etten: « We’ve Been Going About This All Wrong »

2 mai 2022

Les deux dernières années ont dû être sombres pour Sharon Van Etten si l’on en croit son nouvel album, We’ve Been Going About This All Wrong. Avant la pandémie, il semblait que tout lui réussissait. En 2016, elle a joué dans The OA et est apparue dans Twin Peaks : The Return en 2017. Remind Me Tomorrow en 2019 aavait même trouvé Van Etten avec une voix plus forte que jamais, avec des chansons comme « Seventeen ».

Elle est retournée à l’université pour étudier la psychologie et a également eu un bébé. Elle fait une sorte de tour d’honneur en 2021 avec la sortie d’Epic Ten, une collection de reprises par d’autres artistes des chansons de son album de 2010, Epic. La pandémie l’a cependant déstabilisée, comme la plupart des gens dans le monde. Désormais mère d’un jeune enfant, elle et son compagnon (anciennement son batteur) se sont retrouvés coincés dans leur nouvelle maison de Los Angeles, dont les cartons n’étaient pas encore remplis, leur mariage ayant été annulé et le monde s’étant pratiquement arrêté.

Van Etten a travaillé sur des chansons dans son nouveau studio et a essayé d’utiliser l’écriture de chansons comme un moyen de faire face. We’ve Been Going About This All Wrong est mystérieux et discret, mais parfois parsemé de sons synthétiques qui étaient nouveaux pour elle sur Remind Me Tomorrow. Ses paroles ont toujours été cryptiques et, bien qu’elles le soient encore ici, des thèmes émergent : la domesticité qui étouffe la flamme de l’amour, l’inquiétude d’être une bonne mère, boire et fumer trop et perdre le sens de soi.

Commencer l’album avec « Darkness Fades » est presque un avertissement pour les auditeurs que c’est un album sombre, mais, à la fin, l’obscurité s’estompe. Le son rappelle les premiers travaux de Van Etten avec ses voix rêveuses, son rythme lent et sa guitare acoustique.

Le fait d’avoir fait la première partie de Nick Cave il y a quelques années a peut-être un peu déteint sur elle, à en juger par le deuxième titre « Home to Me ». Les accords de piano réguliers mais dramatiques rappellent l’époque de The Boatman’s Call de Cave, tandis que Van Etten chante des paroles auxquelles toute mère qui travaille peut s’identifier : « Tu es dans mon esprit, tu ne vois pas, j’ai besoin de mon travail, ne m’en veux pas, tu es ma vie » (You’re on my mind/ Do you not see?/ I need my job/ Please don’t hold that against me/ You are my life).

Elle fait presque du New Order sur « I’ll Try », avec des percussions électroniques et des synthés aigus qui s’entrechoquent alors que sa voix s’élève au-dessus d’eux dans le refrainéfiant qu’est : « C’est trop/ Mais je vais essayer/ Je vais essayer » ( It’s too much/ But I’ll try/ I’ll try).

Pendant la pandémie, les jours se suivent et se ressemblent ; parfois, toutes les mauvaises nouvelles du monde peuvent rendre une personne insensible. « Anything » ressemble à l’une de ces nombreuses périodes de la pandémie, avec des guitares et des harmonies dignes d’Elliott-Smith. Van Etten chante qu’elle était « debout toute la nuit » parce qu’elle ne pouvait pas « arrêter de penser à la paix et à la guerre ». Le lendemain, elle fume à la chaîne et boit une bière dans l’après-midi, en se lamentant encore et encore qu’elle « ne ressentait rien ».

Commençant dans un registre très bas, puis montant vers des notes élevées angéliques, elle semble sombre sur « Born ». Le titre n’a pas la structure traditionnelle couplet-refrain ; les paroles se lisent comme un poème : « Je voulais briser/ Quelque chose comme un enfant innocent/ Marchant près du feu/ Pas une autre balle en vain » ( wanted to break/ Something like an innocent child/ Walking by fire/ Not another bullet in vain). Sur le plan musical, la chanson atteint une beauté douloureuse aux deux tiers de son parcours, avec des cordes de deuil et la voix de Van Etten qui gémit au loin comme une banshee ; c’est un moment transcendant qui tire les auditeurs de la fange émotionnelle du reste de l’album.

« Headspace » arrive en trombe avec un rythme industriel et des guitares distordues, alors que Sharon Van Etten tente de distraire son partenaire de son téléphone. « Tu vois à peine ce qu’il y a à côté de toi/ Tu ne vois pas que j’essaie de passer ? » (Hardly see what’s next to you/ Can’t you see I’m trying to get throug??). Elle aspire à l’intimité mais se voit refuser ce moment. « Baby don’t turn your back to me », supplie-t-elle à plusieurs reprises, alors que les basses s’élèvent sinistrement.

Peut-être à propos du manque de la version plus jeune de soi-même, « Come Back » commence comme une chanson calme mais devient bruyante pendant le refrain : « Reviens/ J’étais sauvage et incertaine/ Et nue et pure/ Reviens » (Come back/ Was wild and unsure/ And naked and pure/ Come back). ( « Darkish » est la seule chanson de l’album qui ne comporte que la voix de Van Etten et une guitare acoustique. Réfléchissant aux mystères de la vie, elle note que « Tout est harmonie/ Juste une fois. C’est tout. C’est fait/ Et aussi fou que possible/ Ce n’est pas sombre/ C’est seulement sombre »). C’est ce qui passe pour de l’optimisme sur cet album – parce que « darkish » est sûrement mieux que « dark ».

« Mistakes » a un super rythme avec une basse de synthé alors qu’elle se délecte de la façon dont les faux pas apparents ont quand même fonctionné pour elle : « All is harmony/ Just once. It’s all. It’s done/ And crazy as can be/ It’s not dark/ It’s only darkish » ( Même quand je fais une erreur, une erreur/ Il s’avère que c’est génial). Avec humour, elle chante aussi : I dance like Elaine/ But my baby takes me to the floor/ Says ‘more, more’…”(Je danse comme Elaine/ Mais mon bébé m’emmène sur le sol/ Il dit ‘plus, plus’…)..

« Far Away » est la fin emphatique d’un album qui a commencé avec « Darkness Fades ». L’album semble dire à travers son ordre que l’obscurité va s’estomper, et que Van Etten sera loin de là où elle était émotionnellement. « Been down on myself/ Said won’t go back » (Je m’en suis voulu/ J’ai dit que je ne reviendrais pas en arrière), commence-t-elle, traçant une ligne et la tenant fermement. « Long gone I’ll see you far away » (Partie depuis longtems je te verrai de loin), chante-t-elle rêveusement alors que le disque touche à sa fin.

Sharon Van Etten n’a pas sorti de singles avant We’ve Been Going About This All Wrong. Elle a dit qu’elle voulait le présenter comme un ensemble d’œuvres. Le résultat est un album profond et puissant qui arrive entièrement formé.

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Tomberlin: « I dont know who needs to hear this… « 

29 avril 2022

Parfois, en écoutant Sarah Beth Tomberlin, il est important de se rappeler qu’elle chante pour nous tous – on a souvent l’impression que ses chansons sont destinées à des sentiments ou des situations très spécifiques. Les œuvres précédentes de Sarah Beth Tomberlin, Projections et At Weddings, avaient la même capacité à être personnelles et brutes, mettant tout sur la table d’une manière magnifique et mélancolique. Cette fois-ci, sur I don’t know who needs to hear this, Tomberlin mélange un tas d’observations brutales sur la vie avec des instruments chatoyants, se faufilant presque dans notre subconscient. 

Une grande partie de I don’t know who needs to hear this est presque douloureusement difficile à entendre. « born again runner » porte un ton si profond, si vulnérable, sur fond d’instrumentaux austères. Bien qu’il soit rempli de beaux moments, ils sont profonds, la familiarité de ces sentiments est parfois un peu trop réelle. La piste se penche sur une influence country, mélangeant la pedal steel avec des harmonies à la Emmylou Harris. Tout comme son prédécesseur, « easy », les deux morceaux montrent que Tomberlin est à la limite de l’autodérision. Alors qu’elle chante « Didn’t hear from you this weekend, and I know what that means » (Je n’ai pas eu de nouvelles de toi ce week-end, et je sais ce que ça veut dire), une collection d’accords de piano dissonants signale les complications de l’amour, et de savoir ce qui va arriver.

Il y a un sentiment de solitude dans une grande partie de l’album, beaucoup de morceaux semblant avoir été écrits un jour de pluie et de morosité. « Tap » est accompagné d’un son de guitare percussif, imitant presque le bruit de la pluie frappant une fenêtre. La capacité de Tomberlin à peindre une telle image à travers la musique est à la fois inspirante et réconfortante, car elle crée un espace pour s’enfoncer dans une mer de moments cathartiques. 

La chanson « idkwntht », qui clôt l’album, ramène Tomberlin à ses racines. Il s’agit d’une berceuse détendue et minimale sur le plan instrumental. Il se concentre sur la voix et les harmonies délicates de Tomberlin, un moment simple pour réfléchir au temps écoulé entre les albums. Avec un son enfantin, on a l’impression que Tomberlin redécouvre son amour pour l’écriture de chansons et l’acte de faire de la musique. Je ne sais pas qui a besoin d’entendre que cela réalise exactement ce que Tomberlin s’est fixé comme objectif, comme elle l’a expliqué dans un communiqué de presse : « Le thème de l’album est d’examiner, de maintenir l’espace, de faire un autel pour les sentiments ». Les chansons de ce disque font que même les sentiments les plus compliqués et les plus accablants ont un endroit, un moment, pour être validés.

***1/2


Tess Roby: « Ideas of Space »

27 avril 2022

La Montréalaise Tess Roby ne fait pas de la musique pour un monde destiné au streaming. Elle n’est pas rapide dans ses accroches. Elle n’est pas maximaliste et ne s’impose pas. Elle n’essaie pas de rivaliser avec d’autres artistes, vrais ou faux.

La musique exige qu’on lui consacre du temps, qu’on la vive, et c’est une belle chose. Si vous essayez de faire plusieurs choses à la fois, vous ne profiterez inévitablement que d’une petite partie des expériences significatives qui vous attendent. Il faut être présent.

Dans cette présence, Roby crée une musique engageante et mélodique qui s’inscrit dans des paysages sonores fascinants et des espaces sacrés. Son deuxième album, Ideas of Space, qui sort aujourd’hui, porte donc bien son nom. Ce titre est aussi une promesse qu’elle tient de manière exponentielle.

Avec son premier album en 2019, Beacon, Roby s’est imposée comme une artiste dotée d’une capacité surnaturelle à tisser des tapisseries complexes mais accessibles, à la fois belles et inédites, mais qui n’ont jamais détourné le cœur profondément humain et émotionnel de son travail. Cette fois-ci, cet esprit persiste, mais la musique a plus d’espace pour respirer. La voix mezzo-soprano de Roby fait circuler l’air de manière plus libre et les compositions à base de synthétiseurs, bien que toujours complexes, sont tissées de manière moins serrée. La section rythmique est plus importante, avec une batterie et des programmations de batterie qui produisent une réverbération plus robuste. Le morceau propulsif et boisé « Eyes of Babylon » et la chanson-titre à base d’arpèges incarnent ce changement.

Le morceau phare « Path » montre Roby dans un espace plus rapide, plus rythmé – un rythme auquel elle donne plus d’importance car elle place sa voix une octave ou deux plus haut que son registre habituel. Ajoutez à cela un ensemble transcendant de synthétiseurs, et le résultat est une sorte de musique de nuit peu éclairée et lavée de mantras. « House/Home » est dans le même esprit, associant une section rythmique cinétique à des synthés intergalactiques et à des voix éthérées, à la manière d’un chef-d’œuvre que l’on retrouve sur l’inimitable série d’enregistrements intitulée Pure Moods.

« Up 2 Me », l’un des singles de pré-lancement de l’album, est un autre titre remarquable. Roby y déchaîne une cascade d’arpèges glassiens, sous lesquels une section rythmique excitée épouse le tourbillon avec une discipline mécanique. Les rondes vocales de Roby se joignent à la cascade, mimant (et complétant) la répétition thématique.

La batterie fait une pause sur l’extraordinaire « Euphoria in August », un morceau méditatif porté par des synthés tempérés mais passionnés et un violoncelle déployé avec goût. La voix hypnotique de Roby crée un environnement de contemplation débridée. C’est un autre morceau qui ressemble à un mantra, avec seulement quelques lignes qui se répètent avec une immédiateté poignante : « Who am I to love/Mother of the moon/Euphoria in August/Silence in the room » (Qui suis-je pour aimer/Mère de la lune/Euphorie en août/Silence dans la chambre).

Dans l’ensemble, Ideas of Space permet à Roby d’éviter de tomber dans le piège du deuxième album. Peut-être est-ce dû à un plus grand contrôle artistique – elle a quitté les Italiens de Do It Better et sort sur son propre label, ce qui conduit inévitablement à une sorte de « nouveau bail sur la vie » pour de nombreux musiciens. Elle a également un peu plus de collaborateurs, ce qui peut aussi permettre de garder les choses fraîches. On pourrait ainsi lancer une centaine de spéculations, mais l’essentiel est que cet album est important. Que ce soit dans sa carrière solo ou avec le trio électronique Dawn to Dawn, Roby a toujours montré qu’elle était destinée à une certaine forme de grandeur. On a pu qualifier son dernier album de chef-d’œuvre et on peur estimer que ce terme s’applique également à Ideas of Space. Elle a donc peut-être déjà atteint le stade de la grandeur. Quoi qu’il en soit, on est prêt à écouter ce disque en boucle à l’infini et nous avons hâte de voir ce qu’elle nous réserve à l’avenir.

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Kathryn Joseph: « for you who are wronged »

25 avril 2022

Tout ce que Kathryn Joseph touche a cette qualité magnétique – ce n’est pas de la musique à absorber à la légère, et on ne peut pas s’en débarrasser. Son catalogue, bien que mince – seulement deux albums solo et des contributions au projet Out Lines – possède un sens extraordinaire de la puissance, un sens de la révélation personnelle au milieu d’un art exquis.

Enregistré en une rafale de prises intimes dans le studio de Lomond Campbell dans les Highlands, for you who are wronged est, même selon ses propres critères, un triomphe. Un disque de grâce et de conviction, où Kathryn Joseph sonde les profondeurs émotionnelles pour découvrir d’autres éléments de beauté, la douleur dans sa voix entourée d’un halo de lumière pure et rayonnante.

Le titre « what is keeping you alive makes me want to kill them for » (ce qui te maintient en vie me donne envie de les tuer) est une ouverture à couper le souffle, une performance d’une puissance époustouflante. Il semble vous arracher l’air des poumons, ses paroles envoûtantes doublées d’un chant d’une intensité incroyable. « The burning of us all » introduit un nouvel espace, les lignes de clavier ruisselantes ayant un sens inné – bien que spartiate – du groove. « The way they gaslit / swallowed it whole » (La façon dont ils l’ont gazé / avalé tout entier. parle d’abus au niveau le plus intime et le plus dommageable, mais il est aussi alimenté par la voix d’un survivant.

« Only the sound of the sea would save them » bouillonne et se met à bouillir, introduisant une section médiane encadrée par une utilisation concise des mots et des notes. « until the truth of you » ne dépasse peut-être pas les trois minutes, mais ses touches bégayantes et sa voix à deux voies en disent plus long que des orchestres entiers. Bring me to your open wounds » est d’une crudité stupéfiante, tandis que le méditatif « of all the broken » – l’une des chansons les plus longues du projet – esquisse le chemin de la continuité.

Se terminant par la beauté glitchy de « long gone », le projet semble fournir à Kathryn Joseph l’espace nécessaire pour évaluer pleinement ses propres pensées et émotions, tout en devenant un pont entre une période de sa vie et la suivante. Un disque sensationnel, ‘for you who are the wronged’ brûle d’un feu pourtant tranquille, sans être atténué ; poétique et explicitement émotionnel, c’est une expérience stimulante mais enrichissante.

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Sean Carey: « Break Me Open »

22 avril 2022

Quatre ans après son dernier album, Sean Carey est de retour avec son propre travail solo. Vous reconnaissez peut-être sa voix (ou vous la rappelez) de Bon Iver. En fait, lui et le maître d’œuvre Justin Vernon sont responsables de la batterie et des chœurs du groupe depuis le tout début. Et sa contribution au chef-d’œuvre de Sufjan Stevens, Carrie & Lowell, était également très intéressante.

Sans être dans la dythirambe ce nouvel opus frappe fort. Tout comme les artistes mentionnés ci-dessus, Sean parvient à créer une atmosphère très fragile avec un simple piano, qui ne devient que plus puissante lorsque sa voix est ajoutée.

Carey est devenu un célibataire aux multiples émotions. Il s’agit de deuil, de perte, de culpabilité. Des choses auxquelles nous sommes tous confrontés au quotidien. Mais comme il l’a déjà indiqué, il a su transformer ces émotions à connotation négative en espoir. Et l’amour. L’amour pour le passé, le présent et l’avenir

Et, comme vous pourez l’entendre à l’écoute, il n’abandonne pas. Mieux encore, il se sert de la positivité qu’il voit dans l’évolution de ses enfants comme d’une accroche pour faire mieux.

Dans un communiqué de presse, il a déclaré : Le changement est une bonne chose. C’est dur, mais c’est bien. Accepter ses erreurs et s’ouvrir de manière fragile. Parce que c’est seulement à ce moment-là que tu vois la beauté.

Et la beauté est très présente dans Break Me Open. Des fragments de Bon Iver, arrosés d’une sauce Julien Baker et de quelques Phoebe Bridgers en guise d’assaisonnement. C’est quelque chose que vous ne pourrez que vouloir goûter.

***1/2


Danier Rossen: You Belong There »

15 avril 2022

Bien qu’il ait accumulé près de 20 ans d’expérience en contribuant à la vision sonore distincte de Grizzly Bear, il est clair que Daniel Rossen se tient désormais debout, avec audace, sur ses deux pieds. Son déménagement de la campagne du nord de l’État de New York vers les hauts plateaux désertiques de Sante Fe est emblématique de la transition de la collaboration vers un processus créatif indépendant. Rossen redéfinit les limites de l’imagination musicale avec son premier LP You Belong There, attendu depuis longtemps et plein de confiance.  

Avec des arrangements acoustiques raffinés d’une véritable intégrité musicale, une colonne vertébrale folk et des harmonies vocales tissées serrées qui renforcent le caractère poignant de l’introspection, l’album entraîne l’auditeur dans un terrier de lapin envoûtant pour le faire ressortir de l’autre côté.

Donnant le ton avec des connotations de transition, « It’s A Passage » offre un voyage planant à travers un blues manouche acoustique désaccordé, et une clarté satisfaisante lorsque les tambours et la voix se mettent en mouvement. Des morceaux tels que le haché et réfléchi « Unpeople Space » et le sucré « The Last One » offrent une intrigue rythmique tout aussi captivante et une qualité sonore nette, sur des harmonies chorales hypnotiques et des arrangements de cordes et de bois captivants.

Alors que le batteur invité Chris Bear (Grizzly Bear) ajoute une profondeur d’excitation à l’album, Rossen – plus connu pour son travail à la guitare – joue de manière impressionnante la grande majorité du matériel instrumental, y compris la contrebasse, le violoncelle et les bois, ces derniers grâce à un processus d’auto-apprentissage pendant la conception de l’album.

Ce sont peut-être les inclusions moins nombreuses qui élargissent vraiment l’univers sonore du disque, comme en témoignent la réaffirmation et l’effondrement musical de la chanson titre « You Belong There », la guitare espagnole triste et la magnifique mélancolie vocale de « Celia » et le psychédélisme folk trompeur de la complainte « Keeper and Kin ».

Bien qu’il s’agisse d’un ensemble d’œuvres qui s’affirment d’une manière magistrale, l’album « Repeat The Pattern » pourrait bien être le moment décisif de « You Belong There » ; son intention pensive et quasi-mystique représente l’odyssée sonore artisanale de Rossen qui boucle la boucle, tout en laissant un espace ouvert pour le prochain voyage de l’artisan qu’il sait être.

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