Helena Deland: « Someone New »

19 octobre 2020

Après un premier EP sorti en 2016, Drawing Room, la musicienne canadienne Helena Deland a décidé de sortir sa musique de façon peu orthodoxe. Elle a choisi de diviser les morceaux suivants en courts volumes d’une série qu’elle a baptisée Altogether Unaccompanied. Aujourd’hui, deux ans plus tard, elle a abandonné ce format sériel pour un premier album plus traditionnel.

Celui-ci s’intitule justement Someone New et il nous fait découvrir une nouvelle Deland, plus concentrée et plus raffinée. Contrairement à Altogether Unaccompanied, où le Deland oscillait entre indie-rock audacieux, folk électrique et synth-pop dansante, Someone New utilise un ensemble de sons beaucoup plus modeste. Cette nouvelle franchise est la bienvenue pour Deland, mais elle agit parfois comme une épée à double tranchant. Someone New procure, de ce fait,une écoute agréable et concise, mais les morceaux semblent parfois indistincts les uns des autres.

En termes de ton, Someone New est plus sombre que les précédents travaux de Deland. La pochette représente une Deland peinte entourée d’un fond noir forme une image maussade qui crie l’isolement et la dissociation – ce sont des sentiments que Deland a décrits en discutant des thèmes de l’album. J’ai remarqué ma relation trouble avec mon corps, qui échappe à mon contrôle et donne aux autres tellement d’informations qu’il semble me cacher », déclarait-elle. Elle aborde ce sujet tout au long du disque, mais l’idée est mieux résumée dans le morceau « Pale » où elle chante : « Passer autant de temps / Dans mon corps nu / Ne pas me le rendre familier ». Spending this much time / In my naked body’s / Not making it familiar to me) La franchise avec laquelle l’artiste affronte des réalités inconfortables fait de ses chansons des sujets passionnants même si elles se perdent souvent dans leur propre malaise. 

Deland a le plus de succès quand elle joue avec sa sensibilité pop. Le premier temps fort, « Truth Nugget », s’ouvre sur un ensemble de lignes de basse lourdes et duel et un rythme endiablé qui est bientôt accompagné d’une belle performance vocale de Deland. La façon dont elle encadre les paroles est presque voyeuriste : « Regarde-moi me maquiller et me coiffer / Pendant que tu fais des hypothèses de toutes pièces / Je suis un autre mystère solide quand il s’agit de toi / Michael, je suis le puzzle dans l’autre pièce » (Watch me do my makeup and hair / While you make up hypotheses out of thin air / I am another solid mystery when it comes to you / Michael, I’m the puzzle in the other room), décrit-elle dans le refrain. Deland nous place ici dans la perspective de Michael, en se replongeant dans ses angoisses sur la façon dont les autres perçoivent son corps. « Comfort, Edge », un autre morceau qui se démarque, comprend le travail de guitare le plus intéressant de l’album ainsi qu’un refrain indéniablement accrocheur. Rien ne dépasse le mid-tempo sur « Someone New », mais les chansons optimistes ont tendance à mieux transmettre les émotions brutes de Deland. La principale exception à cette règle sera « Clown Neutral », une ballade saisissante où elleoffre une performance vocale émouvante sur une guitare électrique aux cordes douces et un chœur qui lévite en arrière-plan. 

La palette limitée que Deland utilise contient quelques techniques de production intéressantes qui aident à donner vie à des enregistrements autrement froids et austères, mais de nombreux morceaux sont à mi-chemin entre la retenue volontaire et le manque de profondeur musicale. Lorsque vous arrivez à la dernière partie de l’album, des morceaux comme « Mid-Practice » et « Fill the Rooms » vous semblent trop familiers. Pourtant, la musique de Someone New est d’une beauté obsédante et étrangement séduisante. Vous pouvez sentir les chansons vous rapprocher, comme un désir inexplicable d’explorer l’inconnu. 

C’était une décision audacieuse de la part de Deland que d’opter pour un ton aussi sobre sur son premier album, et il faut lui reconnaître le mérite d’être restée fidèle aux sujets qui ont résonné avec elle sur le plan émotionnel pendant le processus d’écriture. Bien qu’il manque de révélations musicales, il y a plus de quelques moments sur l’album qui mettent en évidence ses instincts aigus d’auteur-compositeur. La catharsis de Someone New est palpable, et si Deland exploite cela à l’avenir, les choses ne pourront que s’améliorer à partir de là.

***1/2


Emmy the Great: « April /月音 »

14 octobre 2020

Emmy the Great (Emma-Lee Moss) a sorti son quatrième album le 9 octobre. Le titre April /月音 (l’écriture chinoise, qui se traduit par « Son de la Lune » mais qui est donnée comme « Mid-Autum » » sur le premier morceau, signifie ses origines à Hong Kong). C’était un travail un peu précipité, le plus rapide qu’elle ait jamais enregistré, ironiquement, alors qu’elle était sur le point de prendre une année de congé de maternité après avoir finalement eu ce bébé qu’elle a failli avoir sur son premier album en 2009.

Ayant commencé son voyage musical comme flaneuse et raconteuse anti-folk, elle s’est un peu adoucie (bien qu’elle soit encore capable de textes caustiques, en particulier sur son deuxième album Virtue, une rupture après que son petit ami athée ait trouvé Jésus du jour au lendemain et l’ait quittée pour être missionnaire, et elle s’est également tournée davantage vers la pop électronique récemment et a souvent été comparée dernièrement à Lana Del Rey.

Elle a également voyagé un peu, s’installant pour de longs séjours sur les côtes ouest et est des États-Unis et revenant dans son Hong Kong natal pour un temps en 2017, où cet album de 10 titres a été conçu, ainsi qu’un voyage parallèle – son premier – en Chine continentale juste au moment où Hong Kong a atteint 20 ans depuis la passation de pouvoirs à « One Country, Two Systems » quand elle montait les barricades à Hong Kong contre l’influence de Pékin pendant les manifestations de l’Umbrella Protests au point qu’on a pu s’interroger sur comment cette expérience se traduirait dans cet album. 

Elle le fait de manière plutôt passive sur « Chang-E », pas à l’aéroport de Singapour et sans lien perceptible avec Wall-E non plus, mais qui conte plutôt l’histoire de la femme d’un tyran qui, dans un acte de défi, a bu l’élixir d’immortalité pour sauver la Chine de son règne éternel puis est montée sur la lune pour y vivre avec le lapin de jade, son habitant d’origine ; une histoire qu’elle a entendue lorsqu’elle était enfant. Une charmante petite ballade comme celle qu’elle écrit depuis ses débuts, mais avec une profondeur et une complexité d’arrangement qui surprendrait tous ceux qui n’ont jamais écouté au-delà des bases de la guitare de « First Love ».

Elle n’est cependant pas obsédée par la Chine. « A Window/O’Keeffe » a été écrit sur son dernier été à Brooklyn, à New York. Les couleurs d’une exposition de Georgia O’Keeffe qu’elle avait visitée au musée de Brooklyn et qui s’étaient infiltrées dans ses souvenirs de cette époque et, à bien des égards, la chanson parle de couleur, même si elle évoque tout autant l’amitié entre les femmes.

Ce que l’on remarque sur ce morceau et sur d’autres comme « Mary » (le nom d’une diseuse de bonne aventure) et, (à un moindre degré, le très enjoué « Dandelions/Liminal », qui sont tous deux sortis en singles, ainsi que l’adorable « Writer », qui semble être un journal intime de sa vie quotidienne à Hong Kong mais qui pourrait également faire la chronique d’une lutte contre son propre blocage d’écrivain, c’est un retour en arrière et un éloignement de son son son plus électrique sur l’album précédent Second Love et le EP qui l’a précédé, S. Ces deux albums lui ont apporté des comparaisons avec Lana Del Rey. Ici, elle a inversé la direction vers le son acoustique plus dépouillé des deux premiers albums. Il est même possible de choisir certains de ses riffs préférés et cette rime caractéristique qu’elle utilise et qui date d’avant même « First Love ».  Elle a également ajouté des percussions avec une profondeur et une puissance qui lui manquaient jusqu’à présent et elle est ainsiparvenue à feire de April ne belle lettre d’amour aux endroits où elle a vécu/visité ou habité, grâce à un retour aux sons acoustiques plus dépouillés que ceux de son travail précédent.

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Sean Nicholas Savage: « Life Is Crazy »

8 octobre 2020

Tout évolue. La vie évolue, prend des directions différentes et est pleine de changements et d’expériences inévitables qui peuvent laisser la plupart des gens dans un sentiment de perte. Pour Sean Nicholas Savage, les dernières années ont été immensément transformatrices, et l’artiste canadien traverse toutes ces réflexions brutes dans Life is Crazy, un opus magnifiquement orchestré de manœuvres à travers la défaite… et le triomphe ultime.

Je veux juste tendre la main à ces obscurités et peut-être rencontrer un endroit plus intime émotionnellement avec mon peuple là-bas », dit Savage. « Je pense que la plupart de ces chansons traitent de la défaite, comme si c’était moi qui étais vaincu, et c’est comme ça que je réponds. »

Life is Crazy est la renaissance théâtrale de Sean Nicholas Savage. Sa toile magnifiquement orchestrée navigue dans les complexités de la vie depuis l’ouverture cinématographique de « Years from Tonight » jusqu’à des notions plus ésotériques sur notre place et notre espace sur terre dans le guttural « A Moment », l’albumse glisse sans effort dans les révélations plus sombres de « I Believe in Everything » et balaye de façon spectaculaire la fin glaciale de « In The Silence of The Crowd ».

Pource disque, Savage a fait appel à de nouveaux collaborateurs, dont le pianiste virtuose Marcin Masecki et le compositeur Owen Pallett, lauréat d’un Grammy Award, aux cordes. Savage dit qu’il a approché les deux avec des démos qu’il avait avec lui au piano et aux cordes du clavier, et les deux ont rendu leurs interprétations plus texturées pour l’album.

Marcin a réinventé mes compositions pour piano, et Owen a réalisé les quelques arrangements pour cordes pour, ensuite, entièrement recomposer le reste. Ils ont apporté beaucoup et c’est ce qui fait que ça marche avec si peu.

À la mi-2019, après avoir terminé l’écriture de la comédie musicale Please Thrill Me, Savage a commencé à s’attaquer à Life Is Crazy avec l’idée de créer une œuvre plus minimale, influencée principalement par son étude des comédies musicales et son amour pour les ballades au centre de chacune d’entre elles – celles qui exposent la vie et les dilemmes des personnages principaux.

« Même s’il y a tant d’éléments dans la musique que j’apprécie, nous vivons dans un monde où tout est disponible », dit Savage. « J’ai pensé que je devais réduire le menu, pour ainsi dire, ou me concentrer sur mon écriture et mon chant, ce qui est fondamentalement tout ce que je peux offrir que personne d’autre ne peut – mon âme ».

Considérant que la vie semble vraiment folle de nos jours, Savage insiste sur le fait que le titre était une coïncidence totale – mais une coïncidence qui fonctionne comme un mantra accidentl pendant longtemps ; « Tout dans ce monde est parfois si foutrement shakespearien. Je vois tout ce qui se passe dans le monde tout autour de moi dans mes amis, ma famille et les endroits que je connais. C’était fou tout le temps ».

Tant de choses ont changé pour Savage depuis ses débuts en 2011 avec Flamingo, jusqu’à Screamo en 2018, une période où l’artiste admet s’être senti complètement perdu. DE cette mauvaaaise passe il a tiré quelque chose qu’il voulait beau ; le flamant, ( Flamingo) , étant symbole d’une autre vie qui permet d’admirer ces souvenirs de loin.

En ce moment, Savage est vraiment entré dans un nouveau chapitre avec Life Is Crazy, un chapitre qui ouvre une toute nouvelle étape pour l’artiste.

Il s’y sent libéré et capable de s‘appliquer plus efficacement avec de meilleures capacités d’écriture de chansons maintenant. Il n’écrira plus jamais comme ça, chaque chose a changé, même quelques fois. Tout y est différent, toute folle que puisse être cette nouvelle vie.

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Alex The Astronaut: « The Theory Of Absolutely Nothing »

6 octobre 2020

S’il y avait un moment idéal pour des gens sains et cultivés, ce serait maintenant. Alex The Astronaut a livré avec son premier album The Theory Of Absolutely Nothing un résultat absolument parfait. 

Le timbre de voix caractéristique d’Alex The Astronaut transforme la contemplation de la vie en quelque chose de particulièrement spécial. L’album est rempli d’histoires exceptionnelles d’amour idéaliste, d’amitié, de deuil, d’évasion, de violence domestique – pour n’en citer que quelques-unes. La combinaison de folk et de pop tout au long de l’œuvre est un régal absolu. C’est un disque qui est à la fois captivant et accrocheur.

Les instrumentaux sont très bien pensés et bien produits, en constante évolution, s’alignant parfaitement avec chaque conte pensif. « I Like To Dance » a un ajout de cordes particulièrement adapté qui vous fera tomber à la renverse et vous donnera la chair de poule. « Caught In The Middle « est un autre point fort pour sa capacité à créer rapidement une fête visuelle dans votre tête.

Le plus grand pouvoir d’Alex The Astronaut est sans aucun doute sa capacité à raconter des histoires. Il n’est pas étonnant que la jeune auteure-compositeurice-interprète de Sydney Alexandra Lynn soit souvent comparée à Paul Kelly. Ses chansons ont une certaine magie en elles. Avec des thèmes d’actualité extraordinaires, il y a dans ces contes une importance qui devrait être partagée avec les générations.

***1/2