Lake Mary: « Once It’s All On the Ground »

6 novembre 2021

Comme beaucoup d’entre nous, on rêve depuis presque deux ans d’une vie sans frontières, sans attaches. Il y a beaucoup de gens que l’on a pas vus depuis longtemps et beaucoup de choses qui n’ont pas été faites depuis tout aussi longtemps. Parfois, on le remarque à peine. La plupart du temps, c’est l’épée de Damoclès qui ne demande qu’à tomber. La musique a toujours été un répit et sur ce dernier album du toujours excellent Lake Mary, Chaz Prymek et une équipe de vedettes (dont Yasmin Williams, Patrick Shiroishi et M. Sage, entre autres) tirent le rideau pour un moment et laissent l’air entrer.

La musique de Prymek donne toujours l’impression qu’elle peut se transformer en ce dont on a besoin à ce moment-là. C’est comme un élixir psychique puissant qui peut changer sa constitution pour le mal qui est le plus présent à ce moment-là. C’est une musique qui a puisé dans une veine cachée de l’éther conjonctif où il est capable de tisser ces toiles chaudes et spectrales qui nous rencontrent là où nous sommes. Once It’s All On the Ground est stupéfiant à cet égard, car les bords y sont si doux, mais le sentiment sous-jacent reste lourd.

Sur la chanson titre, des éclats de lumière percent un à un les petits trous d’un cocon de tissu. J’aime quand le morceau le plus long d’un album est le premier, car les intentions deviennent claires. Once It’s All On the Ground est un livre ouvert rempli de pages blanches et les mémoires émotives de Prymek sur le premier morceau chantent la vie dans des nuages de néant. Une silhouette lointaine se profile, mais nous restons immobiles dans cette lueur matinale alors que les drones s’étendent et que chaque note plaintive s’attarde un peu plus longtemps que prévu. Il y a dans ce morceau un air qui s’étend sur toute la longueur de l’album et qui fredonne tranquillement un hymne rassurant, une voix qui murmure : « Je serai toujours là ».

C’est lorsque Prymek collabore avec ses amis que les sentiments d’éloignement et de retrouvailles sont les plus forts. Les contemplations du piano en boucle de Yasmin Williams percent le brouillard résonnant de « The Flowers Above You Are Blooming This Time of Year ». Les houles contenues du lapsteel grimpent dans un ciel rétroéclairé, la concentration sanguine du piano poussant toujours le mouvement en avant. La tendresse s’épanouit en une détermination totale à retrouver le chemin de la descente. C’est un peu mélancolique mais baigné d’une lumière diaphane. Chaque répétition est un point sur une carte où le X est la maison.

Ailleurs, Patrick Shiroishi continue de faire en sorte que chaque moment de 2021 compte, en ajoutant d’éloquents étirements lyriques à la fin de la berceuse enchanteresse « Only Angels, No Masters ». Once It’s All On the Ground est un monde sonore peuplé de fantômes en voie de disparition où l’on peut prendre ce dont on a besoin et laisser ce dont on n’a pas besoin. Il n’y a pas de bagage émotionnel dans ce monde, il n’y a que des traumatismes et des inquiétudes que nous n’avons pas encore traités. Lorsque Shiroishi revient sur le morceau le plus proche, « My Sweet Pup », la joie et le soulagement inondent les volutes de son saxophone. Des accords de piano flottants soulèvent les pincements de la guitare de Prymek vers le jour radieux qui s’annonce, les voix sans paroles d’Anna Wilson nous invitent. Once It’s All On the Ground est un album cousu ensemble par le chagrin, la perte, la catharsis, l’isolement et le plaisir resplendissant de survivre pour revoir le soleil.

***1/2


Chris Eckman: « Where the Spirit Rests »

31 octobre 2021

2020 aura été une année dévastatrice. Lorsque tout s’est arrêté brutalement au printemps dernier, personne ne savait que la misère et l’incertitude de nos vies soudainement changées allaient durer aussi longtemps. Nous avions l’impression de vivre dans le vide. Même les courses les plus banales sont devenues des excursions à l’envers dans le nouveau monde. Chris Eckman, cerveau et principal compositeur de l’un des meilleurs groupes de Seattle, The Walkabouts, s’est terré dans sa ville natale de Ljubljana, en Slovénie. Bien qu’il ait été incroyablement actif tout au long de sa carrière, son dernier album solo est sorti en 2013, deux ans après le dernier album studio de The Walkabouts, Travels in the Dustland. N’ayant rien à faire et nulle part où aller, c’est peut-être la raison pour laquelle Eckman a décidé d’enregistrer un nouvel album solo. C’était une période surréaliste qui laissait beaucoup d’espace pour une réflexion sombre et c’est exactement l’ambiance que son nouvel album, Where the Spirit Rests, capture si efficacement. Ce disque est un chef-d’œuvre d’auteur-compositeur sophistiqué, dénudé d’une gamme d’émotions qui couvrent le spectre entre l’amour et le regret.

Where the Spirit Rests est mélancolique et rude. On remarque tout de suite que la voix d’Eckman est maintenant sablonneuse avec l’âge. Il commence à montrer la rudesse de Tom Waits, Leonard Cohen et Bob Dylan en vieillissant. De plus, le nouveau disque d’Eckman est au même niveau que leurs derniers disques aventureux, où ils ont pris des risques en ne se souciant pas de ce que les fans et les critiques pensaient et ont ainsi sorti certains de leurs meilleurs et plus honnêtes albums. Time Out of Mind, Mule Variations et You Want it Darker ont largement esquivé les racines de ces artistes tout en prouvant qu’ils pouvaient encore atteindre un sommet à l’automne de leur carrière. On peut toujours compter sur Eckman pour livrer des disques brillants et celui-ci représente un nouveau sommet.

Where the Spirit Rests est la magnifique photographie d’une année de déclin en enfer. C’est un cycle de chansons qui, à certains égards, pourrait être une longue chanson en sept chapitres narratifs. Les paroles et la musique font office de carnet de voyage dans les nuits tardives et incertaines de l’isolement. Au cœur de l’album se trouvent la voix et la guitare acoustique d’Eckman. Son jeu de guitare est ample, presque semblable à celui d’Astral Weeks, et la bonne quantité de réverbération crée une atmosphère. Des accompagnements subtils complètent les morceaux. La basse droite, la batterie, le violon et la guitare pedal steel accentuent ses chansons ruminatives avec une subtilité parfaite.

« Early Snow » est le titre d’ouverture de l’album. « The snow came early and stayed long/Deep into the spring » (La neige est arrivée tôt et est restée longtemps/au printemps) est la première phrase de l’album, suivie rapidement par « Didn’t count on the bitterness/It hit me unforeseen »(Je ne m’attendais pas à l’amertume. Elle m’a frappé de façon imprévue). Ces lignes à elles seules pourraient être une métaphore de l’année qui a semblé être une décennie. La chanson n’est composée que d’Eckman et d’une guitare acoustique, mais l’ambiance générale est massive. La morosité vous prend aux chevilles. C’est une déclaration d’ouverture puissante, austère et poétique. Rien d’autre n’est nécessaire pour améliorer la performance.

« Cabin Fever » sera un moment à la fois sancré dans le passé et dans le présent. Le morceau fait appel à tous les instruments mentionnés ci-dessus, les musiciens apportant le bon niveau de couleur à la palette étendue d’Eckman. L’arrangement de la batterie et de la contrebasse rappelle presque le premier album de Nick Drake, Five Leaves Left. Eckman est méditatif dans son évocation des jours où l’on avait la possibilité de jeter l’éponge et de quitter la ville sans regarder en arrière.

« Northern Lights » est probablement la composition la plus triste de Where the Spirit Rests et c’est aussi l’un des points forts d’un album déjà superbe. L’atmosphère de ce morceau rappelle un peu l’époque tardive de Townes Van Zandt. C’est l’une de ces chansons qui s’étendent dans l’éther sans pour autant parvenir à une conclusion. Eckman cherche et cherche encore, mais il est impossible de trouver une réponse définitive. « Northern skies/Come alive/What do we really need to know ? » (Les cieux nordiques s’animent/Que devons-nous vraiment savoir ?)

Where the Spirit Rests est présenté avec une belle couverture d’album qui capture l’humeur générale avec grâce, avec la photographie d’un flanc de montagne sombre qui est principalement couvert par des nuages bas. Le mystère de cette scène inquiétante est exprimé dans les chansons contenues dans les sillons du disque. Il y a l’obscurité et la lumière, l’espoir et le désespoir, l’ignorance et la perspicacité. Eckman oscille entre des émotions contradictoires au fil des chansons. Malgré la poussière et le malaise accumulés, il y a toujours assez d’espace pour respirer, pour que l’esprit trouve la paix. Ses réflexions honnêtes sont imprimées dans ces chansons, créant une œuvre d’art indélébile.

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Hayden Thorpe: « Moondust For My Diamond »

24 octobre 2021

Une certaine romance a toujours été au cœur du chant de Hayden Thorpe, que ce soit en tant qu’artiste solo ou en tant que chanteur principal de Wild Beasts, le groupe bien-aimé de Kendal qui s’est dissous en 2017. Depuis lors, Thorpe a progressé d’un pas sûr, publiant son premier album solo Diviner en 2019, et alors qu’il passe à l’album numéro deux, Moondust For My Diamond, ce cœur romantique est toujours la clé de son approche – bien qu’il y ait des signes d’une maturité toujours plus grande dans son écriture de chansons.

Thorpe écrit avec une grande assurance, et a la confiance nécessaire pour utiliser une approche « less is more » pour un effet puissant. Chaque inflexion musicale est appliquée avec soin, mais il reste une sensation instinctive. L’habillage appliqué à la voix de Thorpe se compose d’électronique lucide, de claviers qui offrent de larges panoramas sonores, de batteries synthétiques et de quelques camaïeux acoustiques saisissants. Quand, par exemple, avez-vous entendu pour la dernière fois un hautbois utilisé avec la sensibilité qu’il apporte à « Golden Ratio » ?

Et puis, bien sûr, il y a la voix elle-même. Thorpe continue de chanter magnifiquement, mais son approche légèrement réservée renforce l’impact émotionnel. « Ce n’est réel que si je le fais » (It’s only real if I make it ) est le mantra répété de « Material World, » un excellent début. « No Such Thing », par contre, affirme qu’il n’y a « pas de véritable obscurité, dans cette peau, je suis sans limites » (no such thing as true darkness, within this skin I am boundless). C’est, en effet, très prise de tête.

Pendant ce temps, ses pensées les plus intimes laissent place à un besoin urgent de bouger. « Je serai en train de danser, en essayant d’attirer ton regard » (I’ll be dancing, trying to catch your eye), chante-t-il sur le magnifique « Golden Ratio ». « Rational Heartache » joint, lui, l’acte à la parole, se pavanant au milieu de la piste avec un aplomb sans effort. Il attire l’attention même du spectateur occasionnel, la voix ayant désormais le profil d’un danseur de ballet.

Les rythmes sont également plus révélateurs – les à-coups sur la route de « Suspended Animation » sont particulièrement remarquables, lorsque Thorpe chante « Je brûlerai le livre pour toi » (I’ll burn the book for you). Hotel November Tango palpite de vie, mais évoque aussi le baume du début de soirée dans ses textures. « Supersensual » est un peu flou, tandis que « Parallel Kingdom » se limite à un murmure, mais la narration est si vivante que Thorpe pourrait être dans la pièce avec vous. Tous ces éléments témoignent de l’excellente production de Richard Formby et Nathan Jenkins (alias Bullion).

Les comparaisons avec Talk Talk sont une fois de plus valables dans le travail de Thorpe, mais ne franchissent jamais la ligne de l’imitation. Elles s’appliquent plus directement à l’équilibre et au rythme de sa pensée musicale, et l’espace créé par la distance entre les parties parle aussi fortement que les notes elles-mêmes. C’est peut-être pour cette raison que Moondust For My Diamond fonctionne mieux lors d’une seule écoute ininterrompue, et lorsqu’on le répète deux ou trois fois, il devient possible d’extraire les nombreux trésors que cet album apporte à la table. La production offre des aperçus des racines de Thorpe à Kendal, en pleine nature, mais l’intimité de sa voix lui permet de peindre des images vivantes et de faire naître des émotions dans l’âme.

Comme son nom l’indique, Moondust For My Diamond est un excellent album à écouter tard le soir – et en même temps, il prouve que Hayden Thorpe est en pleine croissance. Il a sans aucun doute réalisé l’un des albums de l’année.

***1/2


Lucy Dacus: « Home Video »

22 juin 2021

Seules une soixantaine de personnes dans le monde seraient atteintes d’hyperthymésie, une affection où la rétention de la mémoire est quasi parfaite. Bien qu’il soit peu probable que Lucy Dacus fasse partie de ces personnes, Home Video, son troisième album, se concentre sur le passé avec une précision remarquable. Lorsqu’elle chante, elle donne moins l’impression de se souvenir que de rassembler ses pensées sur les moments en temps réel, aussi banals soient-ils.

Appelez cela de la nostalgie, mais Dacus évite de diviser les choses entre le passé halcyon et le présent malheureux. Les cœurs sont brisés, le fondamentalisme religieux est imposé et les parents imposent à leurs enfants des fardeaux déguisés en amour. Il est probable qu’elle ait déjà lutté contre le passé, mais sur le titre « First Time », elle en a assez de résister : « Je ne peux pas défaire ce que j’ai fait, je ne le voudrais pas. » (I can’t undo what I’ve done; I wouldn’t want to)

Parfois, Dacus chante sur elle-même, parfois sur les autres, et parfois, c’est un peu plus flou. L’ouverture « Hot & Heavy » est unmonceau de heartland quand elle surnomme quelqu’un, autrefois doux, « Un pétard dans une rue bondée » (A firecracker on a crowded street). A l’origine, la chanson parlait d’un vieil ami, mais Dacus a réalisé qu’il s’agissait de sa propre évolution, de l’adolescence à la vingtaine. Elle ne puise pas dans le même puits émotionnel que la chanson « Seventeen » de Sharon van Etten, mais Dacus sait comment utiliser la progression pour obtenir le meilleur résultat, du début feutré à la fin du solo de guitare endiablé.

Sa compréhension de la construction s’applique également au séquençage. « Night Shift », un hymne à la logistique post-rupture de l’album Historian en 2018, est sans doute devenu sa chanson la plus connue, et il y a beaucoup de morceaux ici conçus pour être joués à fond. Mais vous trouverez aussi des ballades acoustiques plus douces, comme la mélancolique « Going Going Gone », où Dacus ressemblerait à Joni Mitchell si elle n’avait jamais découvert la cigarette. Le morceau le plus percutant est celui qui a le moins d’allure, musicalement parlant. « Thumbs » raconte un moment passé avec un ami et leur père séparé. Avec pour seul accompagnement des accords de synthé déprimés, Dacus vous force à affronter le malaise comme si vous étiez au bar avec eux, et trouve encore le moyen d’incorporer un refrain puissant : « Je le tuerais si tu me laissais faire » (I would kill him if you let me).

Peut-être approprié pour quelqu’un qui a autant de conscience que Dacus, Home Video peut parfois se sentir trop conscient de lui-même pour son propre bien. La batterie fait régulièrement son entrée au milieu de l’album, et le badinage en studio qui termine « Going Going Gone », bien qu’assez charmant, n’apporte pas grand-chose. Parfois, les souvenirs de Dacus aspirent à une rationalisation, ou du moins à une concentration plus détaillée. La chanson « Triple Dog Dare », plus proche, est une histoire d’amour jeune et interdit qui s’achève sur une fin brûlante. Mais on pourrait passer plus de temps à expliquer comment Dacus s’est vu interdire de voir son partenaire après que leur mère a lu ses lignes de la main qu’à raconter comment ils ont dansé dans une épicerie après la fermeture.

Pourtant, son regard sur le passé et sur la façon dont il l’a façonnée et continuera à le faire fait de Dacus une figure importante de la scène indie folk, et vous pouvez comprendre pourquoi en vous basant sur ses efforts solo et son travail avec les cohortes de boygenius Phoebe Bridgers et Julien Baker, qui assurent les chœurs sur deux morceaux. Comme le suggère le titre, on ne peut pas rentrer chez soi, mais on peut au moins regarder quelques rediffusions.

***1/2


John Grant: « Boy from Michigan »

22 juin 2021

Il y a peu d’artistes solos modernes plus fascinants que John Grant. Depuis ses débuts avec The Czars jusqu’au chef-d’œuvre mélodique qu’a été son premier album solo, Queen Of Denmark, en passant par la merveilleuse collaboration de Creep Show avec Wrangler, Grant n’a jamais cessé d’expérimenter.

Ses récentes sorties en solo ont toutes été plus électroniques les unes que les autres. Sur son nouvel album, Boy From Michigan, Grant s’appuie fortement sur les débuts de l’ère électronique avec des chansons puisant dans Tangerine Dream, Kraftwerk, New Order, Vangelis et plus encore.

L’album s’ouvre sur la «  Michigan Trilogy » de Grant, trois chansons qui reviennent sur les jours de formation de Grant dans cet État. Lemorceau-tire, qui ouvre le disque, commence par un sinistre drone de synthétiseur, ajoutant couche après couche de son intense avant de s’épanouir en un morceau woozy et réfléchi qui retient sans effort votre attention pendant ses presque huit minutes. Le thème de la réflexion se poursuit avec «  Country Fair » et « The Rusty Bull « , et la nature nettement personnelle du trio de chansons d’ouverture imprègne l’ensemble de l’album. La combinaison de la solitude islandaise de Grant et des événements mondiaux des dix-huit derniers mois peut bien sûr être à l’origine de ce sentiment d’introspection, mais Grant n’a jamais eu peur de mettre son âme à nu dans ses albums. Sur celui-ci, il va plus loin que jamais, et en fait son œuvre la plus autobiographique à ce jour.

Au fur et à mesure que l’album se développe, Grant réfléchit à sa vie à Denver et à la fin de son adolescence, décrite dans « Mike And Julie » et « The Cruise Room ». Les chansons sont des explorations franches d’une époque où Grant était encore en train d’apprivoiser sa sexualité, avec « Mike And Julie » qui a un côté presque voyeuriste, alors que nous voyons Grant utiliser une amie féminine pour stopper les avances d’un homme.

« Best In Me » » et « Rhetorical Figure » changent l’ambiance ; ces deux titres sont des chansons électroniques optimistes qui font mouche. Les pulsations de mensonge de Kraftwerk dans le premier morceau sont un merveilleux hommage, peut-être involontaire, au groupe, et la joie de la rencontre entre New Order et Devo dans «  Rhetorical Figure » est un véritable point culminant de l’album.

« Just So You Know » et « Dandy Star » ramènent l’album à son rythme initial. Comme tous les titres de Boy from Michigan, sauf deux, ils dépassent les cinq minutes, mais il y aura plus qu’assez de profondeur dans chcun d’entre eux pour vous tenir en haleine. Le seul faux pas de l’album sera « Your Portfolio », qui ne correspond pas vraiment à l’ambiance des autres chansons, mais c’est un détail mineur si l’on considère la qualité globale de l’album. Nous terminons sur la chanson « The Only Baby », qui conspue Donald Trump, et « Billy », un morceau de clôture chaleureux qui complète parfaitement Boy From Michigan.

Comme toujours, John Grant n’hésite pas à confronter l’auditeur avec des textes très personnels, et sur ce nouvel opus, il va plus loin qu’il ne l’a jamais fait auparavant. Cela donne à l’album un avantage que les précédents albums de Grant n’ont pas, et cela rend l’expérience d’écoute gratifiante et extrêmement agréable. Une fois de plus, Grant fait mouche, et ce, de manière impressionnante.

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Liz Phair: « Soberish »

4 juin 2021

Ce qui rend Liz Phair héroïque pour certains et intimidante pour d’autres (ceux qui le méritent, disons), c’est sa capacité à percer le cœur émotionnel d’une situation. Au mieux, un bon texte de Liz Phair ne se contente pas de couper à travers les conneries, il est le genre de révélation bouleversante qui vous laisse sans voix. Bien sûr, être « vrai » et « dire la vérité » peut être un piège, comme Phair le sait mieux que quiconque : La Cassandre de la scène alt-rock de Chicago des années 90 a passé les deux dernières décennies à expérimenter avec son image, ce qui lui a valu d’être clouée au pilori par les critiques. Trop méchante, trop douce, trop tendre, trop lisse, la seule solution est de trouver une place au milieu. Et c’est ce qu’elle fait avec Soberish, son premier disque en dix ans.

Il s’agit d’un album écrit par une adulte ; comme elle l’explique dans un communiqué de presse, « si vous cherchez à obtenir trop de bonnes choses ou si vous vous privez de trop peu, vous perdrez cet équilibre critique ». Certaines des chansons de Soberish viennent de ce point de vue durement acquis, comme lorsque Phair roule un joint pour un pilier de bar en état d’ébriété sur l’avant-dernière piste « Dosage » avant de donner ce conseil perspicace – et accrocheur – qu’elle a reçu d’Henry le barman : « Le dosage est tout, il te fait du mal ou il t’aide. » Cependant, lorsqu’il s’agit de questions de cœur, elle est encore en train d’apprendre des choses.

Dans Soberish, les relations sont saisies à tous les stades, depuis le moment où l’on se faufile devant la femme de chambre pour un rendez-vous galant dans une chambre d’hôtel jusqu’à celui où l’on boit un verre pour trouver le courage d’en finir.

Cette fois, cependant, les mélodies directes et les paroles brutes de Phair sont accompagnées d’instruments, et de beaucoup d’instruments. Phair décrit ce disque comme un voyage dans ses « années d’école d’art passées à écouter de la musique Art Rock et New Wave sans arrêt sur mon Walkman », citant des groupes comme The English Beat, R.E.M., The Psychedelic Furs, Talking Heads et The Cars comme influences formatrices ré-explorées. Les années 80 apparaissent dans la boîte à rythmes dure et métallique qui alimente « In There », ainsi que sur « The Game », une chanson qui s’ouvre sur un petit John Cougar Mellencamp en passant par Liz Phair. Mais une partie de la production est suffisamment orchestrale pour flirter avec la chamber-pop, comme les cordes qui accompagnent le « single » principal « Hey Lou ».

***1/2


Gruff Rhys: « Seeking New Gods »

23 mai 2021

Sans doute est-il fatigué d’écrire sur lui-même ; les chansons du septième album solo de Gruff Rhys ont toutes été inspirées par des événements liés au volcan nord-coréen du Mont Paektu. Enregistré avec le même groupe que celui qui a participé à l’album Babelsberg 2018, l’opus été conçu pendant la tournée américaine. Sur leur route, il s’est transformé en un album de route de la côte ouest, le volcan devenant une métaphore de Rhys lui-même et de l’époque dans laquelle nous vivons.

Il y a de vagues références au « grondement constant » et à la « recherche de la vérité et de la sagesse », mais ce n’est pas un album ouvertement politique. Allusif plutôt que spécifique, il s’inscrit confortablement dans son catalogue solo et celui des Super Furry Animals.  « Loan Your Loneliness » et « Can’t Carry On » » en particulier, sont aussi concis et pop que jamais, avec leurs influences psychédéliques et leurs harmonies soft-rock.

Au fur et à mesure que l’album progresse sur neuf titres, il devient plus libre et expérimental. « The Keep » est ainsi parsemé de cuivres free-jazz ;  » »Hiking In Lightning » présentera un rock garage lâche avec une ligne de piano inspirée du Velvet Underground ; et « Everlasting Joy «  se déploiera à travers une jam psychique tentaculaire mais concise. Le disque n’éclate jamais en quelque chose de vraiment inattendu, mais il offre un réconfort dans ses mélodies dorées.

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Lauren Auder: « The Dysphoric »

23 mai 2021

Le processus de création d’un artiste est toujours intéressant. De nombreuses personnes qui créent essaient constamment de se trouver à travers leur travail. C’est un processus intensément personnel qui peut donner naissance à quelque chose qui résonne universellement. Dans le cas de Lauren Auder, c’est ledit processus de création de ses deux derniers EP, Who Carry’s You sorti en 2018 et Two Caves In sorti l’année dernière, qui l’a aidée à se découvrir et à prendre confiance en sa voix artistique. Cette confiance retrouvée peut définitivement être entendue sur le nouvel EP d’Auder, 5 Songs For The Dysphoric.

La chanteuse, compositrice et productrice anglaise a créé ici un ensemble de chansons courtes mais immensément frappantes. Avec la collaboration de Clams Casino, Dviance, la chanteuse soul Celeste ainsi que les producteurs et coauteurs Danny L. Harle et Tobias Jesso Jr. de Vancouver, 5 songs For The Dysphoric est une merveilleuse déclaration qui montre l’immense talent d’Auder.

D’une durée de 17 minutes seulement, les cinq chansons présentées ici couvrent toute la gamme des genres. « Animal », qui ouvre l’album, est une ballade obsédante au piano qui met en valeur le baryton doux d’Auder. Sur le plan lyrique, le morceau frappe par son élégante simplicité. Le refrain répété de « That’s Not Animal » gagne en intensité au fur et à mesure que la chanson progresse, créant un résultat hypnotique et émotionnel. Le morceau « Heathen », produit par Clams Casino et Dviance, vous frappe avec une grosse caisse à quatre temps et une ligne de basse grondante, avant que le tout ne se brise avec une guitare arpégée disjointe et discordante et le refrain de « To Be Sincere » d’Auder.

« Quiet » est une belle vitrine de l’habileté d’Auder à écrire des mélodies vocales super accrocheuses et des textes puissants. Auder chante dans le pré-refrain de la chanson, «Te dire quand je serai plus forte/Tu peux me garder ici pour toujours/Ils souhaiteront que tu attendes plus longtemps, sachant/Peut-être que tu ferais mieux/Mais pourraient-ils couper, décomposer tout cela/Pour toi »  ( tell you when I’m stronger/You can keep me here forever/The’ll wish that you’d wait longer, knowing/Maybe you would do better/But could they cut up, break it all down/For you), le tout enveloppé dans une mélodie qui vous restera en tête pendant des jours.

La seule vraie critique sur ce disque est, sans surprise aucune, qu’il passe trop vite. Espérons, par conséquent, que nous aurons droit à un premiervéritable opus d’Auder dans un avenir proche, car sa musique est quelque chose qui vous demande de passer un certain temps à explorer soigneusement chaque nuance que cette femme talentueuse prend soin de partager avec nous. C’est un album qui constitue une bande sonore parfaite pour vos promenades nocturnes, l’air froid frappant votre visage tandis que les chansons d’Auder réchauffent votre cœur.

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Penfriend: « Exotic Monsters »

19 mai 2021

Ce qui est génial avec Kidd – le cerveau derrière Penfriend – c’est qu’elle n’a jamais un air hautain ou supérieur, préférant se concentrer sur le travail et l’inclusion que la créativité nous offre. Il s’agit du premier album sous le nom de Penfriend, en effet il est parfait pour les circonstances où nous nous trouvons, aussi bien en tant nom, que monde et culture.

L’album s’ouvre sur le »single », et il plante le décor avec son paysage dystopique synthétique émergeant du brouillard comme un avertissement de ce qui est à venir. « Seventeen » », en revanche, sera un hymne indie-rock plus percutant, avec des éléments de Belly, Veruca Salt et Cooper Temple Clause qui traversent ce morceau comme si il était un hymne. Le troisième élement de ce trio d’ouverture est «  Hell Together », dont le riff inquiétant et le rythme sinistre sont soutenus par la voix inébranlable de Kidd qui vous assène vérité sur vérité alors que vous prenez le lent escalier roulant vers Hadès.

Le sinistre synthétiseur Numan-esque de «  I Used To Know Everything » est à la fois obsédant et magnifique, mais au fur et à mesure que la chanson se construit, on commence à voir le véritable noyau de cette chanson apparaître derrière toutes les armures et les lasers. Le titre alarmant qu’est « Dispensable Body » sera une ballade rêveuse inspirée des années 80, tandis que «  Seashaken » commencera par une mélodie au piano et une voix mélancolique et triste qui donnera l’impression que Kate Bush est l’invitée sur d’un morceau de Fleetwood Mac. Les harmonies vocales hypnotiques du début de « Loving Echoes » erfont penser à un morceau de Hot Chip avant que la chanson n’évolue vers quelque chose de stratifié, d’éthéré et probablement d’un futur (celui où nous survivons mais où la musique est devenue souterraine à cause d’un gouvernement autoritaire).

Ce qui est merveilleux avec cet album, c’est que Penfriend vous laisse deviner avec des changements rapides de style, de tempo et de vibration. À cet égard,« I’ll Start A Fire »  en est un excellent exemple avec son ambiance où Hole aurait rencontréLush et ses guitares grunge qui rappellent l’époque « She Makes War » » de la carrière de Kidd. « Cancel Your Hopes » maintiendra ensuitr cette ambiance avec des guitares urgentes associées à une batterie impatiente et une mélodie de clavier dont la durée d’attention est courte, comme si Maximo Park et Young Knives écrivaient une musique de film dans un sous-sol sombre, entourés de néons et de champignons. Le rythme ralentit sur »’Long Shadows » mais l’énergie sinistre du film noir monte de quelques crans avant que « Out Of The Blue » ne nous emmène sur le dernier perron de l’univers pour chanter une berceuse cybernétique aux débris qui passent avant que le soleil ne s’écrase sur la dernière humanité.

« Black Car » est le morceau qui jouera pendant que le générique de fin défile et que Penfriend conduit sa voiture volante au loin en laissant une traînée de destruction dans son sillage. Penfriend est étonnant en tant que véhicule pour le travail de Laura Kidd, mais le véritable triomphe ici est que Kidd est capable de se tourner vers tant de styles différents tout en conservant sa superbe qualité d’écriture. Je vais le placer fermement dans la course à l’album de l’année et mettre Penfriend dans la catégorie des artistes les plus importants du Royaume-Uni (et bien au-delà) en ce moment.

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St. Vincent: « Daddy’s Home »

10 mai 2021

Le sixième album d’Annie Clark sous le nom de St. Vincent, Daddy’s Home, s’inspire de la sortie de prison de son père. En 2019, il a terminé une peine de 12 ans pour avoir manipulé des actions. L’album se joue comme un récit édifiant pour elle-même : réalisant qu’elle et son père partagent des personnalités et des intérêts similaires, elle se confronte à la question : est-elle destinée au même destin ?

Dans Daddy’s Home, Clark remet en question le type de pureté morale qui est si prompt à se jeter sur la première, la plus petite erreur des gens. Une telle moralité scrutatrice, qui tient tout le monde sous un microscope, ne laisse aucune place à l’empathie ou au développement personnel. « Il y a beaucoup de gens ici qui veulent vous faire du mal » (There’s a lot of people here who want to do you harm), prévient-elle sur la chanson « Live in the Dream ».

L’ambiance de Daddy’s Home s’inspire de la poussière et de la crasse du New York du début et du milieu des années 1970. La plupart des 14 chansons sont lassantes. Le sitar électrique ajoute une patine psychédélique et la lueur de l’album scintille comme les néons usés devant lesquels les narrateurs délabrés se traînent.

Dans Daddy’s Home, Clark s’en prend également à l’œil hypercritique de la nouvelle pureté morale d’aujourd’hui. Ce n’est pas parce que quelqu’un traverse des difficultés qu’il n’est pas digne de respect. Ce message est clair sur des chansons comme « Pay Your Way in Pain », une jam funk sédative dans la veine de Prince ou David Bowie. Sur un synthé décalé, elle illustre le fait que, trop souvent, les gens doivent choisir entre la dignité et la survie.

Clark est souvent plus frappante lorsqu’elle ralentit le tempo. La plus grande partie de l’album se déroule à cette vitesse. L’étourdie « Down and Out Downtown » imite sa narratrice, qui se traîne chez elle après une nuit de beuverie : « Les talons de la nuit dernière / Dans le train du matin / C’est un long chemin de retour en ville » (Last night’s heels / On the morning train / It’s a long way back downtown). Des touches brumeuses, une guitare acoustique et peu d’autres éléments habillent la chanson-titre, qui raconte comment elle ramène son père de prison. « Je signe des autographes dans la salle de visite / Je t’attends pour la dernière fois, détenu 502 » (I sign autographs in the visitation room / Waiting for you the last time, inmate 502), chante-t-elle. Elle parvient à voir l’humour dans cette situation absurde, puis se demande : « Où peut-on s’enfuir quand le hors-la-loi est en nous ? » (Hell, where can you run when the outlaw’s inside of you?). Son anxiété éclate à nouveau sur l’onirique « The Laughing Man » : « Si la vie est une blague, je meurs de rire » (f life’s a joke, I’m dying laughing).

Daddy’s Home brille également par des reprises comme « My Baby Wants a Baby », avec des harmonies doo-wop, et « … At the Holiday Party ». Ce dernier titre est facile à interpréter grâce à de douces percussions et des cuivres, ainsi qu’à un refrain mélancolique, qui révèlent la lutte qui se déroule sous la surface : « Pilules, bijoux et speed / … / Tu te caches derrière ces choses / Pour que personne ne voit que tu n’obtiens pas / que tu n’obtiens pas ce dont tu as besoin / Tu ne peux pas te cacher de moi… » (Pills and jewels and speed / … / You hide behind these things / So no one sees you not getting / Not getting what you need / You can’t hide from me).

Avec peu d’élements propres à vous remonter hormis « Pay Your Way in Pain » et « Down » (à ne pas confondre avec « Down and Out Downtown »), Daddy’s Home peut cependant s’assoupir par moments. La chanson « Somebody Like Me », aérienne et directe, est magnifique, mais sa délicate guitare pincée au doigt, ses ornements en acier à pédale et ses tambours qui claquent ressemblent à la Wilco la moins aventureuse. Mais la chanson se distingue par le fait qu’elle reflète l’un des thèmes majeurs de l’album, l’amour inconditionnel : « Ça ne fait pas de toi un ange ou une sorte de monstre de croire en quelqu’un comme moi » (Doesn’t make you an angel or some kind of freak to believe in somebody like me).

Daddy’s Home est autant révélateur que Clark l’a jamais été de sa vie familiale. L’album est aussi une vaste critique des normes morales injustes que la société impose aux gens. Entre ces deux extrêmes, Daddy’s Home met en accusation le système judiciaire américain. Lui aussi impose des normes injustes aux gens, notamment aux Noirs et aux Latinos. Clark rappelle aux auditeurs que l’incarcération n’est pas une histoire propre à sa famille. De nombreux prisonniers ne sont pas libérés comme son père l’a été. Sa famille est heureuse qu’il soit de retour, mais comme elle le montre dans Daddy’s Home, de telles retrouvailles peuvent être un processus émotionnel. Mais ces sentiments ne sont pas à fuir, et Annie Clark les affronte de front.

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