Tim Burgess: « Typical Music »

25 septembre 2022

Rien de typique à entendre ici, juste un artiste étant passionnément prolifique. Une joie totale, totale, totale. Ce double album de 22 titres respire l’exubérance, la joie et l’espoir, bien qu’il s’agisse d’une énième production faite durant le confinement.

Son rythme et sa positivité vous laissent légèrement perplexe, pensant « quoi, un autre grand air pop, comment fait-il ? ». Et une fois que l’on a trouvé un favori (la folie bontempi-powered de « Curiosity », le doux et sentimental « Flamingo », la célébration à plusieurs voix de « Kinetic Connection », la jubilation de « Here Comes the Weekend » peut-être), il y en a un autre qui suit directement derrière (le riche en cordes « Quarter to Eight » avec sa référence à Roddy Frame ?)

A la première écoute, c’est presque épuisant – la plupart des artistes auraient divisé cet album en deux – mais c’est comme si Burgess était en train de s’affirmer (et nous pensions tous avoir été témoins de cela avec les précédents albums solo et, bien sûr, The Charlatans). Et ce n’est pas du tout indulgent comme certains doubles LP d’antan avaient tendance à l’être. Pas mal pour un homme de 55 ans avec une carrière de 32 ans. Nous aurons un peu de ce qu’il a (bien que, apparemment, ces jours soient révolus).

La chanson-titre est une course effrénée le long du grondement de la perfection pop et en aucun cas « typique ». « A Bloody Nose » nous ramène au début des années 1990 avec une vibe à la Charlatan, « View From Above » nous dit d’aller de l’avant et d’être qui vous êtes, vous mettez la barre plus haut, « Sure Enough » est un magnifique bilan d’une vie avec des nuances de la mélodie de Badly Drawn Boy (et un rappel d’une phrase en partie oubliée – « on peut aussi bien être pendu pour un mouton que pour un agneau »). « Time That We Called Time » a apparemment été écrit à un moment de désillusion particulière pendant l’enfermement, mais s’il y a une chose que Burgess ne sait pas faire, c’est le misérabilisme – c’est encore une autre perle. La dernière chanson, « When I See You », commence par une introduction parlée qui serait un gâchis pour n’importe qui d’autre ; en fait, c’est une chanson d’amour fraîche comme une marguerite.

L’inclusion est un élément clé de son charme, comme l’ont démontré récemment les très populaires soirées d’écoute sur Twitter qu’il a organisées au début du lockdown. Et c’est une œuvre qui insiste absolument pour que vous chantiez avec elle, en souriant. Franchement, avec cette friandise, M. Burgess, vous nous gâtez !

****


Feeder: Torpedo »

22 mars 2022

Pour de nombreux fans de musique, Feeder sera à jamais associé à leur « single » « Buck Rogers ». Il va sans dire que leur passé est bien plus compliqué que cela. Avec son premier album, Polythene, en 1997, le groupe gallois était en désaccord avec la scène Britpop alors en plein essor, offrant plutôt une réponse britannique attachante au son post-grunge plus lourd. Un succès modéré a suivi au cours des années suivantes, mais ce n’est qu’en avril 2001 qu’ils ont fait irruption dans le courant de la musique britannique. Produit par Gil Norton, collaborateur des Pixies, le troisième album Echo Park dépasse toutes les attentes en atteignant la cinquième place du classement des albums britanniques et, peu de temps après, le dit « single » devient leur premier tube.

Dans cette histoire merveilleusement spirituelle, le protagoniste était jaloux du nouveau partenaire de son ex : « il a des sièges en cuir/il a un lecteur de CD… mais je ne veux plus en parler… » (he’s got leather seats/he’s got a CD player…but I don’t want to talk about it anymore…) et l’amenait – dans une phrase excentrique et mémorable – à boire « du cidre dans un melo » (cider from a melon). Malgré le caractère peu sérieux de la chanson, c’est un hymne qui a complètement changé la perception du public à leur égard. Ensuite, ils ont enchaîné avec « Just a Day », un morceau radiophonique au rythme endiablé et un autre tube du top 20. Puis, en janvier 2002, tout change quand le batteur Jon Lee se suicide.   

Ne sachant pas comment réagir à la nouvelle, le leader Grant Nicholas se consacre à la musique et retrouve le bassiste d’origine japonaise Taka Hirose pour remettre en question l’existence du groupe. Ils se sont jurés de rester un groupe de deux et, coincés dans une douloureuse période de deuil, ils ont produit Comfort In Sound. Sorti en octobre de la même année, les chansons sont empreintes d’émotion, les airs insouciants étant remplacés par le deuil et la mélancolie. Là où d’autres auraient pu s’effondrer, Feeder a survécu à une telle tragédie, ce qui témoigne de sa persévérance. Deux décennies plus tard, après avoir produit six autres albums studio et deux compilations des plus grands succès, le groupe arrive avec la même ténacité.

Inspiré par les événements des deux dernières années, leur dixième album Torpedo est sans conteste le plus lourd et le plus sombre à ce jour. Cependant, le chemin vers sa sortie n’a pas été de tout repos. Avec COVID qui a mis le pays à l’arrêt en mars 2020, le groupe a eu du mal à trouver son étincelle. « Pour la première fois, je n’avais plus envie d’écrire parce qu’il n’y avait pas vraiment de plan, pas de concerts » admet Nicholas, « puis après quelques mois, j’ai soudainement pris ma guitare et commencé à écrire et les chansons ont jailli de moi ».

L’ouverture, « The Healing », tire sur la corde sensible, la guitare acoustique et les cordes se transforment en un hymne rock de stade. Dans un virage à excentique imprévisible, il se dirige momentanément vers le territoire du métal apocalyptique, mais pour l’auditeur, l’intrigue l’emporte sur le sentiment d’être artificiel. Décrite par Nicholas comme une » chanson universelle de rétablissement, elle est porteuse des mêmes émotions que les « singles » précédents, « Just The Way I’m Feeling » et » Feeling A Moment » », embrassant l’auditeur avec la chaleur et la compassion que l’on peut imaginer qu’ils recherchaient. 

Le titre «  Torpedo «  résume parfaitement l’intention plus lourde de Feeder, serpentant entre un métal menaçant et un refrain plus lumineux inspiré des Smashing Pumpkins : «Aujourd’hui, j’ai l’impression que tout va s’arranger/Le poids que nous portions a été enlevé de notre vie »  (Today it feels like everything will be alright/The weight we carried lifted from our lives). En bref, le contraste est géré avec l’excellente expertise d’un groupe qui approche de sa troisième décennie. « Magpie » les révèle sous leur jour le plus intransigeant, les riffs inquiets et sombres soutenant un récit sur la façon dont les médias sociaux peuvent affecter les croyances, les rêves et le bien-être général des gens ».  

On retrouve des échos du classique alternatif de Grandaddy de 1997,  « A.M. 180 » dans l’intro de « Wall Of Silence », Nicholas montrant à nouveau un sentiment de guérison et de frustration : « Faites taire ces mots/Si vous pouvez dire quelque chose de positif ; Bien/Pourquoi devons-nous faire du mal/Nous cherchons simplement une meilleure voie » (Silence those words/If you can say something positive ; Good/Why must we hurt/We’re just looking for a better way ). Avec son grand refrain et ses perspectives plus lumineuses, c’est l’un des morceaux les plus agréables de Torpedo. « Born To Love You » laissera, lui, échapper un rare moment de vulnérabilité : « Est-ce que je t’ai déjà dit que j’avais peur pendant tout ce temps ? » (Did I ever tell you I was afraid all this time ?), tandis que « Submission » va élargi le paysage sonore en lui donnant une conclusion qui fait froid dans le dos.   

Un lourd sentiment de conflit se dégage de ce dixième album de Feeder, le contraste entre frustration et espoir résumant les émotions de beaucoup de gens au cours des deux dernières années. Préparez-vous à ressentir un pincement au cœur et à taper du pied, un groupe canalisant son mécontentement dans un modèle alternatif des années 90 plus lourd et plus familier. Ce qui est clair dès le départ, c’est que Torpedo procure un plaisir qui dépassera de loin vos premières attentes, les chansons s’entrechoquant de façon haletante pour nous rappeler leur attrait pour le grand public.

Ce n’est, certe pas, témoignage d’un groupe qui innove, mais le style sans compromis des rockeurs gallois leur permet de se démarquer de la masse. Il obligera ceux qui ont eu un intérêt passager à renouer avec l’attention qy’il accordait au combo.

***1/2


Connan Mockasin: « Jassbusters Two »

7 décembre 2021

S’ouvrant sur ce qui rappelle la berceuse obsédante de Rosemary’s Baby se transformant en un hurlement spectral à la Alice Coltrane, Jassbusters Two de Connan Mockasin s’engage immédiatement sur une trajectoire émouvante et drôle. Conçu comme un groupe de professeurs d’école s’unissant pour créer ostensiblement des chansons plus traditionnelles, l’échafaudage entier de cet album vaguement conceptuel est une chute. Mais tout comme les excès ridicules du Carnaval font allusion à une réalité plus profonde de désintégration des contraintes sociales normatives, cette œuvre s’attaque à la nature même de ce que signifie un album.

Dire que cet album fonctionne comme une déconstruction est quelque peu erroné (il y a beaucoup de Faust dans cet album), mais il bouleverse une convention de toutes les manières possibles. Prenez par exemple l’instrumental rhapsodique « K is for Klassical », où après un séjour nocturne de guitares délicates surmontant une basse propulsive venant du centre de la terre, nous obtenons un « ehn ! » grincheux et insatisfait comme seul son vocal et final. C’est comique. C’est aussi, d’une certaine manière, une parodie de démystification. Si l’ensemble du gimmick est un acte, il devient compliqué pour le gimmick lui-même d’attirer l’attention sur son propre artifice.

Nous nous retrouvons ainsi au point de départ, avec un groupe d’instituteurs qui essaient de faire du rock and roll et qui, au lieu de cela, lancent des interrogations cosmiques dans l’éther. Les rires que nous entendons en arrière-plan de « Flipping Poles » est-il une relique authentique du groupe de Mockasin en train de faire quelque chose ensemble, ou bien le rire vient-il de l’intérieur du personnage des instituteurs ? Cette distinction est-elle aussi importante si nous avons tous entendu le rire sur le morceau ?

Jassbusters Two est bien plus que le simple dispositif de cadrage qui le sous-tend. S’enroulant autour de guitares surf, de vocalisations pour la plupart incompréhensibles, de grooves langoureux et de chagrins d’amour gérés de façon fantaisiste, l’album est le son d’une quête de forme. Que la forme ne puisse être donnée que rétrospectivement, une fois que les choses se sont ossifiées dans leurs formes définitives, rendant ainsi la recherche incohérente dans le présent, c’est l’une des meilleures blagues jamais entendues depuis longtemps.

****1/2


LP: « Churches »

6 décembre 2021

La beauté de la pop est qu’elle peut être expansive et malléable. La musique et les paroles peuvent être poussées dans diverses directions, émulant des instruments et des styles d’écriture d’une infinité d’autres genres, mais retombant ensuite vers un son accessible et agréable pour la plupart. C’est exactement ce que LP exécute dans ses incursions dans la musique pop sur Churches, leur sixième album studio et le premier après Heart to Mouth en 2018. Ils emploient divers synthétiseurs, des tambours, des bruits ambiants et même un peu de chaos pour faire un disque pop imprégné d’éléments de rock, de country et de musique alternative. C’est une entreprise ambitieuse, mais qui s’avère toujours payante.

L’auteure-compositrice-interprète (née Laura Pergolizzi) – qui a écrit pour des artistes comme Rihanna et Leona Lewis – est peut-être plus connue à l’échelle internationale pour le « single » « Lost on You » de 2015, qui a bien marché en Europe. Bien qu’il ait joué un rôle important dans les coulisses, Churches est un album entièrement consacré à LP. Il est mûr avec les insécurités et l’expérimentation, un étalage de lyrisme et de capacité de ceinture.

« Everybody’s Falling in Love » commence par un morceau de pop facile à interpréter, sur des airs de Christine and The Queens. « Bois-moi comme le vin le moins cher/ Et disparais en un jour/ Je ne cherche pas à gagner » (Drink me like the cheapest wine/ And disappear in a day/ I’m not going for the win), chante LP sur un rythme de synthétiseur mid-tempo. La chanson se balance à basse altitude pendant les couplets avant que le rythme ne s’accélère pour chacun des refrains groovy.

LP dérive ensuite vers le territoire que ne renierait pas Miley Cyrus, et bien que cela ne soit pas perceptible au premier abord, cela se ressent dans leur son, leur énergie et leur dextérité vocale. Miley Cyrus est passée maître dans l’art de chanter en tant que pop star réelle et fictive et a enregistré des albums qui couvrent les styles country, pop, punk rock, R&B et psychédélique. Beaucoup de ces genres sont repris par LP dans le seul nouvel album.

Les styles country sont intercalés sur « My Body » avec un début entraînant, accompagné de cris, de hurlements et de claquements de mains. La chanson est émouvante parce que LP utilise l’écriture pour réclamer la propriété des défauts de son corps : « En ce qui concerne les syndromes, Stockholm est plutôt charmant »(as syndromes go, Stockholm is kinda lovely,) et pour respecter son identité non-binaire. Même si elles se sentent seules après que leur amant les ait quittées, qu’il en soit ainsi. « J’ai envie de repartir à zéro, de passer du punk rock à la bossa nova, de changer de style et peut-être de me laisser aller à la folie, de commencer à faire plus attention à moi », chante LP.

«  Yes » suit la même veine ; un refrain à la guitare acoustique qui se transforme en un refrain belliqueux. Cyrus et sa voix rauque influencée par la country pourraient s’en emparer, mais ce qui est intéressant, c’est que Céline Dion, qui a déjà enregistré les chansons de LP, pourrait aussi le faire. La version de LP de « Yes » sonne bien, mais la chanson est définitivement ambidextre et avec le style de Dion, elle pourrait devenir une ballade envolée pleine d’anecdotes inspirantes.

On trouve aussi « How Low Can You Go ? » qui est un morceau poppy et optimiste tout au long de l’album. Elle commence par un début très descriptif : « La dernière fois que je t’ai vu/ On a pris de la coke dans un placard/ Au Château Marmot/ On était heureux et à fond » ( Last time I saw you/ We did coke in a closet/ At the Chateau Marmot/ We were happy and on it). Sur « Rainbow », une guitare acoustique calme mène la chanson alors que LP chante l’apprentissage de voir la lumière du jour entre les pierres qui leur sont lancées. « Est-ce que ça vaut la peine de survivre juste pour voir un arc-en-ciel » (Is it worth surviving just to see a rainbow), chantent-ils de façon étrange.

Churches s’achève avec « Poem » » qui n’est rien d’autre que cela. En seulement 75 secondes, ils parviennent à trouver du réconfort, à revendiquer enfin leur corps, à se sentir en sécurité avec le prix au bout de l’arc-en-ciel. « Tu es mon église/ Et cela commence quand on se touche » (You are my church/ And it begins when we touch), dit LP dans les dernières lignes de l’album.

Au cours d’un mois dominé par la musique avec des cloches qui tintent et des antidotes chaleureux sur les cheminées, Churches de LP pourrait offrir le morceau le plus frais et le plus original de nouvelle perspective que nous trouverons. LP a créé un album qui défie les étiquettes prescrites. Prenez le temps de le découvrir.

***1/2


Juliana Hatfield: « Blood »

6 juin 2021

La carrière légendaire de Juliana Hatfield se poursuit avec son dernier album, Blood, qui s’adresse à un public assoiffé de nouvelles générations et à des fans de longue date. Cet album impeccable est bourré de rebondissements et de couches instrumentales qui gardent la musique fraîche. Dans ce voyage, Hatfield n’hésite pas à faire du lourd avec des guitares distordues et des batteries percutantes qui donnent (parfois) l’impression d’être du hard rock pur et dur !

Avec 10 chansons, c’est un album facile à écouter, à lire et à écouter en boucle. Du heavy fuzzé « The Sham of Love » au simple et dansant « Splinte » », ce disque nous livre un son accessible destiné à un large public. En ce qui concerne le contenu des paroles, le sujet devient plutôt sombre en cours de route et avec un peu d’exploration et de curiosité, il sera aisé de le comprendre et le capter. Parmi les compositions les plus marquantes, citons « The Shame of Love », un classique instantané que l’on pourrait décrire comme le son de Sheryl Crow en version heavy.

L’énorme batterie, les guitares gigantesques et les synthés stylisés de la chanson lui donnent vie, passant du doux au lourd et vice-versa. « Suck it Up » se placera dans le top 3 des meilleurs morceaux avec son groove dance floor et son écriture exceptionnelle. Il y a des riffs de guitare pour des jours et la chanson comporte même un solo de guitare style années 80.  « Had a Dream » saute aux yeux avec son contenu lyrique homicide, délivrant des lignes telles que « I stuck the knife into your neck, I pulled it out and stabbed you again » (J’ai planté le couteau dans ton cou, je l’ai retiré et je t’ai poignardé à nouveau) et emmène le public dans un épisode de True Crime, gardant les fans aussi engagés dans l’histoire que dans le morceau addictif à haute teneur en octane. Si vous vous sentez l’âme d’un indie des années 90, la zone de confort est assurée avec le titre « Mouthful Of Blood », une mélodie lo-fi optimiste avec des voix douces et un accompagnement simple de batterie, basse, guitare et claviers. Ce premier « single » est rempli d’accroches et pourrait dangereusement rester dans votre tête.

Si vous êtes d’humeur à écouter du rock indé brut, émotionnel et percutant, Blood répondra à toutes vos envies. Bien que le contenu lyrique de l’album soit lourd de thèmes sombres, la musique est entraînante et fraîche. Juliana Hatfield a créé un classique de l’indie. C’est un vinyle indispensable !

***


Tankus the Henge: « Luna Park »

24 avril 2021

Lorsque vous prenez un groupe, non, une bête comme Tankus the Henge et que vous le retirez de son habitat naturel, vous pouvez vous attendre à ce qu’il s’adapte et évolue ou qu’il boude et meure. Heureusement pour nous, Tankus the Henge a profité d’une pause forcée de la scène pour s’installer au Pays de Galles et enregistrer une sorte d’album concept. Et avant que vous ne vous mettiez à grogner sur les albums conceptuels, rappelez-vous que Tankus the Henge sont des maîtres de la performance et de la magie dans tout ce qu’ils touchent, alors laissez vos idées préconçues à la porte et descendons dans Luna Park.

L’album s’ouvre sur le récent « single », « od Oil Money », un titre qui est le parfait point de départ d’un spectacle au sommet de tout ce qui ne va pas dans le monde, sur des mélodies maniaques à la Sergeant Peppers mâtinées de Ian Dury. En revanche, « Fayway » possède une énergie beat-pop des années 60 qui fait vraiment avancer l’album après cette grande ouverture et le fait passer à l’essentiel via des tonalités sombres et espiègles qui laissent présager ce qui va suivre. Les débuts sombres de « Glitterlung » démentent le fait qu’il s’agit d’un moment clé de l’album. La voix de Jaz Delorean se fissure sur les bords tandis qu’il chante une histoire de stoïcisme brisé et de désillusion avec le monde qui l’entoure, montrant les bords blasés et les gouttes de larmes tachées de mascara. Le spectacle doit continuer, vous voyez.

Ce qui est merveilleux avec Tankus the Henge, c’est qu’il s’agit d’un ensemble avec un leader et c’est quelque chose qui brille sur «  Back To You » qui commence comme une complainte entre Delorean et son piano bien-aimé avant de se transformer en une sorte de slow jam orchestral. Sur «  Susie Sidewinder « , le groupe embrasse pleinement son côté théâtral avec un morceau qui pourrait s’insérer dans une version postmoderne d’Aladdin, tandis que « Sundance Kid » se pare d’un gros sac de funk et utilise cette section de cuivres comme un homme assoiffé utilise une bouteille de whisky. « « (Livin’ Like a) Pilgrim » a, lui, un côté plus soul-pop, mais le refrain apporte des notes de basse pernicieuses et on se languit de ces longues nuits d’été à danser dans un champ sur une musique comme celle-ci.

Comme toujours, Tankus the Henge a un penchant pour les vibrations old school et les vibrations jazzy du piano-bar de « Worries » vous donnent envie de fumer une cigarette usagée tout en poussant paresseusement un balai dans un bar clandestin récemment abandonné. « The Only Thing That Passes Here Is Time » continue sur cette lancée jazzy alors que Delorean chante son chant de sirène doucement hypnotique et que vous vous retrouvez à vous déhancher indépendamment du reste de votre corps. Après une reprise de l’incontournable «  Glitterlung », vient le titre «  Luna Park », qui est un véritable «  stomper » et qui se déroule à un rythme effréné alors que nous approchons du drapeau à damier de cette course farfelue.

Cette odyssée s’achève sur « Staying On This Side of the Dirt » qui parvient à rappeler Ian Dury, Chas and Dave et le thème de « Minder » sans perdre l’éclat du reste de l’album. Le concept est que le groupe a laissé derrière lui une ville sans salles de concert pour la promesse utopique de Luna Park où ils peuvent vivre la belle vie entourés de musique et de bonnes personnes. C’est l’histoire, mais elle est racontée avec des phrases comme « On ne va pas payer de factures, on a tout perdu à William Hills » et c’est cela, ainsi qu’une musicalité exceptionnelle, qui rend Tankus the Henge si génial. 

****