The Go! Team: « Get Up Sequences Part One »

17 juillet 2021

Ces éternels outsiders que sont The Go ! Team reviennent avec des rythmes endiablés et des airs de fête doux-amers, toujours aussi turbulents et exubérants. Des vies entières d’euphorie et de tristesse sont liées à la musique du combo. C’est particulièrement vrai pour le sixième album d’unge roupe, meurtri et effervescent, qui arrive dans l’ombre de la pandémie et de la mort du père de l’auteur-compositeur et producteur Ian Parton atteint de la maladie de Ménière diagnostiquée en 2019, un trouble de l’oreille interne qui peut entraîner des vertiges et une perte d’audition.

Toutefois, l’équipe Go ! Team a trouvé la force dans l’adversité et c’est un air de défi qui imprègnera Get Up Sequences Part One. Cette sensibilité apparaît au galop dans le vaillant cliquetis de mélodies et de samples de Parton ainsi que dans la voix de la chanteuse Ninja, qui frappe et virevolte à la manière d’une pom-pom girl avec des lames de rasoir dans ses pompons.

« World remember me now » (Le monde se souvient de moi maintenant), chante Ninja (de son vrai nom Nkechi Ka Egenamba) sur le morceau du même nom , titre qui ne sonnera pas comme une supplique mais plutôt comme un ordre. Ce sentiment de détermination à se lever et à compter pour quelque chose est renforcé par les grooves doux-amers de Parton. Ceux-ci sont tapissés de cuivres de fanfare, d’harmonicas détraqués et d’une symphonie de steel drums. Et ils sont teintés de cette sorte de douleur automnale qui ne peut être évoquée que lorsque la vie vous a donné quelques coups de pied dans les tibias.

Comme toujours avec la Go ! Team, cet enchevêtrement de rythmes, de refrains chantés en terrasse et de guitares qui partent en spirale dans l’éther, est maintenu par un esprit d’outsider. Cette qualité d’outsider a toujours été l’une de leurs forces les plus méconnues. Et cela nous ramène aux circonstances dans lesquelles le groupe de Brighton a été révélé au monde en 2004.

Il s’agissait, alors, point culminant de la vague post-Strokes et White Stripes de jeunes guitaristes teigneux. Ou, dans le jargon, l’âge d’or de l’indé de la décharge. Tout comme la Britpop, c’était l’un de ces moments inconfortables où l’industrie se fixait sur le passé plutôt que sur l’avenir. Et tout comme la Britpop s’est attachée à des années 60 dont on se souvient à peine, l’indé des décharges tente d’évoquer les excès gonflés du rock des années 70.

Il y avait beaucoup d’excès dans l’indie de décharge aussi – trop de chansons qui n’allaient nulle part, trop de musiciens s’efforçant d’être médiocres. Et puis est arrivé The Go ! Team pour montrer qu’il y avait une meilleure façon de faire. Ils ont été inspirés par Bollywood et le hip-hop autant que par Sonic Youth et Nirvana. Et ils ont saupoudré l’anarchie d’une sensibilité joyeuse et triste tout droit sortie des Carpenters, d’Abba et des Beach Boys.

Plus d’une décennie plus tard, l’indie a rejoint le grand incinérateur du ciel. Et pourtant, la Go ! Team perdure, résistant aux frondes, aux flèches et à la caricature qui s’est accumulée autour du groupe en tant que pourvoyeur d’hymnes de fête bidimensionnels. The Get Up Sequences Part One possède ses moments d’incandescence débridée, c’est vrai. Cependant, une énorme mélancolie s’en dégage également. « Heartbreak but I’m okay / I’mma wipe my tears, no fear this way » (Cœur brisé mais je vais bien / Je vais essuyer mes larmes, pas ce ne sront pas ici des larmes de peur), entonne le rappeur de Detroit IndigoYaj sur « Cookie Scene ». C’est un couplet dévastateur – sombre mais avec un brin de lumière. Et cela confirme que, pour ceux qui souhaitent couper leur vie en deux, The Go ! Team sont toujours les maîtres du couper-coller en matière d’élaborer sur la notion de hagrin d’amour.

***1/2


Wobbly: « Popular Monitress »

22 février 2021

Si son ton général est celui de la bizarrerie sonore et des mystifications, Popular Monitresde Wobbly dégage rien de moins qu’une théâtralité invitante. Avec une palette sonique qui se lit comme une onomatopée de bande dessinée et une approche fourre-tout de la lignée de la musique électronique – les rythmes et les collages sonores du hip-hop et de la techno de Detroit contre la palette mélodique thématique des jeux vidéo de fantaisie, le tout canalisé par une approche compositionnelle à parts égales – Luc Ferrari et Orange Milk – Popular Monitress se délecte à l’excès. Mais, en dépit de cette ampleur, le sens du jeu de Leidecker et son amour déclaré pour le grandiose maintiennent l’album à l’écart des mauvaises herbes. La musique coule de station en station, traitant chaque étape du voyage sur 21 pistes comme un élément de base d’une approche compositionnelle, un marathon d’exploration à la recherche de la plénitude.

La première partie sert d’accroche à l’album, et elle reste accessible. Les trois titres « Authenticated Krell », « Appalachian Gendy » et « Lent Foot », en particulier, illustrent parfaitement l’approche de Leidecker en tant que ramification de la musique dite dance. La moitié arrière de « Appalachian » chevauche un deux-pas galopant aux cris chromatiques allongés, premier moment de cohésion synchrone de l’album. Avec ses tendances de « stop and go » et son ensemble instrumental toujours changeant, « Lent Foot » mélange habilement le malaise et la confiance rythmique en coupant les énoncés musicaux au milieu des mots et des phrases, avant de s’installer dans un balancement dans la dernière minute. Si ces huit minutes environ ne présentent qu’un aperçu de la bizarrerie et de l’ambition dont parle Leidecker dans les séquences suivantes et substantielles de Popular Monitress, elles offrent tout de même certaines des improvisations les plus amusantes et les plus réécoutables de la bizarrerie.

Une partie de l’étrangeté inhérente à l’album provient de ces fragments de « sous-minutes » qui se succèdent dans l’exacution. Du grognement de l’intro, « Instant Canon », à la dissonance courant sur neuf secondes de « Training Lullaby », ces mini-pistes distillent le penchant de Leidecker pour la conception sonore abstraite en rien de plus que le moment de sa prononciation, le spectacle de sa création. Le phénomène le plus accrocheur pour les oreilles de Popular Monitress est peut-être son équilibre entre des rythmes dansants et une arythmie évolutive, mais la conception sonore fournit une intrigue soutenue – la liste des équipements utilisés dans le générique évoque une odyssée de plugins et d’applications, chacun contribuant à un monde sonore qui fonctionne comme un écosystème autosuffisant.

Ensuite, et après avoir mis en scène ce désordre nuancé, « Every Piano » (avec Drew Daniel of Matmos) secoue l’albumqu moyend’une rigidité pratique. Ainsi, sa mélodie de piano, qui est très lourde, traverse une ligne droite avec indignité, un mouvement soutenu par le contrepoint des battements électroniques et des motifs rythmiques lourds. Les morceaux qui se succèdent (par le biais de « Help Desk », aucun ne dépasse les deux minutes) ont en commun une concession vers des réglages mélodiques plus stables. « Wurfelspiel » revient à la ballade au piano, tandis que « Simulmakfrata » et « Illiac Ergodos 7 ! » travaillent dans un classique MIDI troublant. « Help Desk » résonne d’un triomphe moqueur, comme une fanfare de collège qui tâtonne dans une fanfare et grimpe en tirant sur les notes aiguës.

Tout au long de cette longue course à l’idée, Popular Monitress atteint son état le plus agité et le plus instable. Sur ces morceaux, les mélodies en clé majeure gloussent en défiant le sabordage rythmique qui constitue leur base. La course se déroule en un clin d’œil, touchant à peine une pépite mélodique avant de s’élancer vers la suivante. Bien que Leidecker ne résiste jamais à l’envie de s’emparer d’une pluie d’électronique chatoyante ou de tout couper avec un son de base dissonant, l’accent renouvelé sur les mélodies et les textures ininterrompues se démarque de la manie du groove qui existait auparavant et fait de cette section intermédiaire le totem pour suivre les idées les plus improbables dans un trou de lapin, même si une telle chasse se traduit par à peine 75 secondes de musique.

Au final, et en contraste frappant avec l’agitation qui régnait jusqu’alors dans tout Popular Monitress, Leidecker s’étend et clôt l’album avec une suite de morceaux appropriés ; quatre des 21 morceaux qui occupent près de la moitié des 54 minutes de l’album. Le quatuor se présente comme le point culminant des expérimentations de l’album, avec des morceaux où les tessons d’images des compositions précédentes se rejoignent pour former des portraits complets. Le sens des références (les appels de chasse à la cornemuse numérisés et les synthétiseurs aréo-rock sur « Thoughtful Refrigerator »), les mélodies chantantes (les airs de clavier chargés d’émotion qui parsèment la chanson titre) et les arrangements omnivores (chaque seconde de « Trillonth Riff ») apparaissent tous, mais pas autant que des morceaux uniques vers quelque chose de plus grand.

En quête de drame, « Trillonth Riff » sert de finale à l’album, un feu d’artifice, une clameur abondante avec des cycles harmoniques révérencieux et une fanfare de sons contradictoires construits à partir de toutes les options du pack de 120 crayons Crayola. La piste, d’une durée de huit minutes, se déroule avec un bruit sourd et cérémonieux et se transforme en un dernier cri de joie. Après l’assaut des pistes précédentes, « Trillonth » (et le rechargement nocturne de « Leapday Voyager ») possède un sens de l’accomplissement presque sentimental. Le fait que le chaos refoulé de « Motown Electronium » et « Futility Funktionen » puisse évoluer vers la complétude et l’unité a un effet similaire au slow-pan gratifiant autour de l’iconographie médiévale aux couleurs vives après quelque trois heures de labeur dans la crasse noir et blanc d’Andrei Rublev – nous avons vu tant de ce qu’il faut et de quoi il est fait, et maintenant nous pouvons simplement tituber devant l’audace de toute la création.

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International Teachers of Pop: « Pop Gossip »

8 octobre 2020

Alors que l’été touche à sa fin et que les villes du nord de l’Angleterre retrouvent leurs couvertures grises et leurs prévisions de pluie, le groupe le plus sous-estimé de Sheffield sort son deuxième album Pop Gossip. Un album conçu pour remplir les boîtes de nuit du long et sombre hiver (en espérant qu’elles puissent même ouvrir avant Noël) d’une surcharge de synthétiseurs, de rouge à lèvres et de vodka red bulls. L’électronique des années 80 et 90 d’Adrian Flanagan et Dean Honer (également du Moonlandingz et de l’Eccentronic Research Council) et les pops en plein visage sont enrobés de Leonore Wheatley et donnent des résultats drôles, accrocheurs et intelligents. Les mots et les messages du disque sont critiques et intelligents, ce qui pourrait facilement passer inaperçu lors d’une écoute plus informelle, mais son génie réside dans le fait qu’il fonctionne à ces deux niveaux. Human League, Pulp et ABC, méfiez-vous, une nouvelle race de synthétiseurs Sheffield est en train de vous couronner. Attachez-vous à votre bureau, vous allez recevoir un masterclass de leçons de pop qui vous rendra accro.

Pop Gossip a un œil fixé sur les saveurs plus fortes de la pop du passé, laissant le reste du corps traverser les profondeurs du multivers, ramenant des cadeaux pour nous frapper en plein dans le futur. Dans leur premier album, ITOP avait débuté avec « After Dark » : une force absolue du disco qui a servi d’introduction efficace au groupe. De même, « Don’t Diss the Disco » est une déclaration d’intention puissante et lancinante qui s’ouvre fortement sur la piste de danse. Le morceau personnifie le disco, décrivant simultanément l’effet de drogue d’une pop aussi agressive qui traverse le corps et agit comme un catalyseur pour lancer immédiatement une danse de cuisine. On se sent immédiatement connecté à l’album, au groupe et à toute la boîte de nuit des années 80 de notre esprit. Cette strophe accrocheuse nous rappelle que nous incarnons l’esprit dansant et que la musique unifie l’humanité.

Il y a un caractère unique que cet album analyse, avec une quasi-sévérité dans les messages masqués par le démesure d’un mur à lautre. « Gaslight » arbore une liane plus sombre, où Wheatley joue le rôle d’une victime de l’éclairage au gaz, luttant pour identifier les caractéristiques de son identité et dépendant de son manipulateur. Le refrain se libère, comme une prise de conscience de cet abus et un acte de défi. Vers la fin de la face A, ITOP nous ralentit avec le bien nommé « A Change » »pour réfléchir avec un beat hip hop et le chant de Wheatley, nous mettant au défi de trouver « ce qu’il faut ». Nous flânons à ses côtés dans une ville brumeuse où l’air est « épais comme de la mélasse » et cherchons un endroit où se cacher. Le refrain final de « changement » est désespéré, comme si quelque chose devait donner, et il y a beaucoup de choses à donner dans le monde.

Bien sûr, il y a un humour et une sottise intrinsèques qui coïncident avec les évaluations plus profondes. Le Jason Williamson avec « I Stole Yer Plimsoles » ne serait pas déplacé sur l’un des albums de Sleaford Mod de Williamson. Sur le plan des paroles, il se joue comme une dispute ridicule qui se déroule au cours d’une soirée. Les Plimsoles en question pourraient être considérées comme représentatives de la maturité, « regarde-toi, 32 ans qui se promènent sans ta chaussure » (look at you, 32 walking round without your shoe), une incrimination tranchante de la psyché de ces hommes normatifs dans la trentaine et qui s’accrochent à leur jeunesse. À la bas, pourtante, la chanson reste une grande boule incitative eu plaisir.

Ainsi, « Prince » ressemblera à une fête, suggérant que nous « faisons tous ce que nous aimons et ce dont nous avons besoin » ( do what we like/need in our mission to get higher and reach the sky) dans notre mission de monter plus haut et d’atteindre le ciel. « The Red Dots » semble d’abord décrire l’art de passer une nuit dehors, mais se transforme en une lamentation plus profonde de la vie amoureuse du personnage, qui semble essayer de se remettre de l’attraction et de se reprendre en main. Le « single » « Food The Club » est soutenu par un synthétiseur ondulant et un rythme de batterie erratique, plus tard surmonté d’une électronique plus pointue, semblable à un rayon laser et à des effets spéciaux empruntés au département son d’un film d’horreur. En tant qu’auditeurs, nous sommes prêts à « ouvrir les robinets » et à inonder le club. Cette chanson nous pousse-t-elle à remettre en question le statu quo ou est-elle simplement évocatrice de l’horreur très réelle d’avoir besoin d’une pause eau pendant un concert ? Peut-être les deux.

L’internationalisme du groupe est mis en évidence dès que les mots « Wir brauchen keine bildung » (Nous n’avons pas besoin d’éducation)qui sont murmurés dans « Ein Weiterer Stein In Der Wand ». La reprise de Pink Floyd, entièrement chantée en allemand, nous transporte dans un club underground de Berlin dans les années 90. Elle existe avec le solo de guitare outro et al, car pourquoi pas ? Elle fonctionne comme un ridicule sandwich entre le morceau de pâte à modeler de l’album, l’incontournable (mais pas mauvais) « Beats Working For a Living », et son meilleur. » Femenergy » est le titre disco-féministe suprême, l’émancipation des femmes par le biais de la synthpop, qui les pousse à prendre le contrôle total des récits qui entourent leur corps, leur énergie et leur sexualité. Lorsqu’on nous demande si nous pouvons ressentir la féminité de Wheatley, une prétendante à ce titre, nous ne pouvons pas nous empêcher de la ressentir alors qu’elle canalise toute la féminité du monde dans une célébration de la féminité et de la féminité qui se présente comme un soulèvement de danse incontrôlable.

International Teachers of Pop est le meilleur nouveau groupe de Sheffield depuis un certain temps, puisqu’il a fait ses débuts en 2019 en tant que bête de somme de la pop. Avec un orteil dans les années 80 et un pied dans l’avenir, Pop Gossip transcende sa forme de disco à base de synthétiseurs qui crée une dépendance et se développe sous de multiples facettes, comparables en qualité aux légendes de Sheffield que sont Pulp ou The Human League. Au fond, c’est une leçon de bonne pop incroyablement accrocheuse et inéluctablement émouvante. Plus profond encore, on y trouve une analyse percutante des boîtes de nuit, des briquets à gaz et des hommes d’âge moyen qui se comportent comme des adolescents, mais aussi une célébration de l’humanité, de meilleures boîtes de nuit et de la féminité. Écoutez les ragots tissés dans les pétards ou mettez simplement le disque et dansez pour toujours. Quoi qu’il en soit, allons vers l’unité sous la même discothèque.

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Working Men’s Club: « Working Men’s Club »

5 octobre 2020

Working Men’s Club correspondent à l’engouement suscité par leur premier album éponyme. La scène était, sans doute, prête pour que celui-ci soit un succès, avec des performances « live » éprouvées, des « single »s remarquables et beaucoup d’attention de la part des stations de radio et de la presse musicale. Pour sortir de la morosité, vêtu d’un t-shirt qui crie au socialisme et armé d’une boîte à rythmes, d’un synthé, d’une pédale et d’un regard glacé, on ne pouvait qu’accueillir Working Men’s Club.

Ce premier album dépeingnait la réalité claustrophobe dans laquelle nous nous trouvons, une œuvre poignante qui peut être interprétée comme un signe des temps, un hymne à la jeunesse condamnée. C’est dans leur ville natale de Todmorden, dans la vallée de Calder, dans le West Yorkshire, que Syd Minsky-Sargeant, 18 ans, a commencé à assembler l’album. Il n’y a pas grand-chose qui se passe, pas beaucoup de choses à faire à l’adolescence », dit-il. » »C’est assez isolé. Et il peut être assez déprimant d’être dans une ville où, en hiver, il fait clair à neuf heures du matin et sombre à quatre heures ». C’était un sentiment de fièvre d’être encabané et penser que l’on ne pourra jamais s’échapper d’une petite ville au milieu de nulle part.

« Valley » est le premier titre de l’album, cet hymne rave délicieusement piquant est vraiment unique dans sa capacité à forger un nouveau son, tout en élevant magistralement la musique d’antan de 808 State. Le morceau mélange harmonieusement des chants post-punk avec un rythme old-skool, Minsky-Sargeant pose les bases de la société monotone dans laquelle nous nous trouvons, celle d’être « piégé, dans une ville, dans mon esprit, coincé sans idées » (trapped, inside a town, inside my mind, Stuck with no ideas).

Le chant sur l’album est parfait, en particulier pour des morceaux comme « White Rooms And People » avec un « Outsid » » est peut-être le titre le plus pittoresque de l’album, et qui est immédiatement suivi par « Be My Guest », un morceau industriel qui plonge les auditeurs dans une frénésie de derviche. Des compositions comme « Cook Like A Coffee » représentent cles groupes sans éthique, imbus d’eux-mêmes et ayant le front de faire un doigt d’honneur à un animateur de la BBC et lui déclarer « vous avez l’air d’un connard.. ».

Cette œuvre rythmiquement expansive pourrait passer pour une mixtape, traversant un mélange de sons, d’époques et de genres. La seule chose qui soit cohérente dans tout cela, ce sont les voix remarquables de Minsky-Sergeant. Ses paroles sur la vie moderne sont vraiment emblématiques, représentant une génération qui ne s’est jamais sentie aussi isolée et incertaine de ce qui l’attend. C’est pendant une pandémie, un Brexit et un désaccord économique que Working Men’s Club émerge, avec un sens de l’énergie sans limite et un poignant lyrisme sur lequel l’invitation à vibrer en « live » est plus qu’essentielle.

***1/2


Holy Fuck: « Deleter »

21 janvier 2020

Après 15 ans d’une musique repoussant les limites y compris les siennes, , Holy Fuck se prépare à sortir son dernier album studio, Deleter. Nageant à contre-courant de la pression qui les pousse à faire des compromis sur leur vision juste pour faire quelque chose de commercialement viable, ils nous ont donné quelque chose de différent à écouter. C’est de la psycho-synthèse et des rythmes imprévisibles. C’est de la musique de danse lourde et nuancée.

« Luxe » est cinématographique ; de larges palges de synthés créent une expérience cérébrale. Le morceau voit s’affronter les mondes de la musique électronique hardcore des années 80 et du bruit industriel. Le morceau suivant, « Deleters », qui utilise un instrument amusant et des rythmes chaotiques, met moins l’accent sur les paroles.

La montée en puissance de « Endless » est magnifique. Elle s’accélère à chaque seconde, pour atteindre son apogée dans un bonheur sonore lourd de percussions. C’est une pause intéressante par rapport aux morceaux plus entraînants de l’album et elle fait preuve d’une fluidité omniprésente. « Free Gloss » est un barrage de rythmes frénétiques, qui s’engouffre dans une accalmie temporaire plus calme au milieu du morceau, avec des paroles légèrement politiques, « pro-life, pro-god, pro-gun. My wife, my dog, my son. No light, no love, no fun. Be soft and hold your tongue. »

Ces rythmes trépidants se poursuivent sur les titres suivants : « Moment », « No Error » et « Ruby » vréant ainsi un disque évolutif et émouvant, qui se veut totalement spontané et reste fascinant. Cependant, les morceaux ne sont pas aussi facilement identifiables les uns des autres, et, s’ils se mélangent admirablement, ils semblent aussi refléter de nombreux thèmes d’une manière qui provoque une certaine fatigue.

Des éléments de leurs albums éponymes et latins sont éparpillés sur Deleter – avec un léger saupoudrage de l’album emblématique de Throbbing Gristle, 20 Jazz Funk Greats, mais il est encore relativement inédit de voir Holy Fuck mélanger un éventail de genres pour présenter sa propre musique alternative. Cet album est composé de dix chansons à l’énergie tonitruante, et il est sans retenue aucunes. Holy Fuck a créé un grand disque – de la deep house, des synthés flous et un désir évident de continuer à développer leur son, tout cela transparaît sur Deleter. C’est un album dansant, euphorique et qui montre continuellement la capacité du groupe à découvrir son propre potentiel.

***1/2


Hot Chip: « Why Make Sense? »

15 mai 2015

Sur In Our Heads en 2122, Hot Chip ont trouve leur rythme en matière de textes qui se montraient tout à la fois vulnérables et complexes qu’accessibles. Ce sixième album du groupe britannique les voir raffiner cette facette tendue de baladins existentiels mais se réfère plus à une tonalité de combo jouant « live » qu’à ces beats clubs en nappes profondes qui étaient leur fonds de commerce.

Cela donne plus d’importance aux talents de songwriters de Alexis Taylor et Joe Goddard et il n’y aura que sur un seul morceau, « Need You Now » et sa vibe diva house, que le clin d’oeil vers les tendances actuelles de la dance music sera vraiment appuyé.

Why Make Sense ? Contient toujours énergie et sens de l’éclectisme qui justifie son titre ; on trouvera flopée de chorus à reprendre en choeur, d’enjolivures électroniques mais on trouvera également matière à s’épancher mélancoliquement sur « White Wine And Fried Chicken ».

Ici comme précédemment la musique de Hoit Chip demeure suffisamment poreuse pour sonner ouverte aux expérimentations même si l’humeur semble pointer à l’inverse. Ce qu’ils produisent ainsi est aussi peu complaisant que la pop puisse l’être.

***1/2


The Ting Tings: « Super Critical »

1 décembre 2014

Katie White et Jules De Martino, à savoir le duo britannique, Ting Tings, ont décidé d’opter pour un son moins schizophrène que sur Sounds from Nowhersville pour ce nouvel album. Super Critical est résolument pop et moins indie et il semble même avoir voulu cesser de plaire à leurs plus grands fans dans la mesure où il sait quand s’arrêter avant de tomber dans idiosyncrasies qui ne mènent à rien.

Notre paire s’est, comme beaucoup, engorgée à n’en plus finir du renouveau d’intérêt pour Nile Rodgers car un certain nombre de titres polis et lustrés, ici, font comme parcourir un dancefloor disco en cette bonne année 2014.

Le « single » « Do It Again », « Failure » et « Wrong Club » (ce dernier étant le morceau phare de l’album) sont de cet acabit et ont tous trois ces pas traînants, le shuffle, et ces accroches de guitares hérités de soirées fiévreuse dans les discos durant les années 70 mais on leur a donné un vernis power pop (« Only Love » et « Communication ») qui ne sera pas sans évoquer le Prince vintage et sa pop-funk comme sur la chanson titre et « Green Poison ».

Rien n’est ici de la dance ni de la house à proprement parler mais pkut^ot un disque qui a des échos de là où il a été enregistré (Ibiza) et de par qui il a été produit (Andy Taylor de Duran Duran).Tout a été mixé à partir d’enregistrements en analogiques, ce qui marque un retour bienvenu et si Super Critical ne va sans doute pas changer notre monde, il nous permettra au moins de l’oublier provisoirement le temps de quelques pas esquissés ici ou ailleurs durant, par exemple, un week end.

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Alesiter X: « Keepin’ It Real »

11 mai 2014

 

Aleister X est un artiste mystérieux dont on ne sait que son lieu d’origine, New York. Considéré comme un musicien mutant, son premier album portait bien son titre puisque Half Speed Mastered montrait sa maîtrise, non seulement des styles mais aussi de les faire fonctionner sur les tempos qui lui convenaient.

C’était de la soul psychédélique, de la dance, des boîtes à rythmes, des lignes de basse profondes et heurtées, des vocaux semblant venus d’un état où la conscience était altérée et même du hard rock.

L’expérience était intéressante et le plaisir d’écoute du même tonneau. Keepin’ It Real, son deuxième album, continue dans cette même veine, démontrant que le musicien n’est pas prêt d’abandonner la folie qui l’habite.

On pourrait même dire qu’il va encore plus loin dans ce jeu de papillonner d’un genre à l’autre, avec un titre d’ouverture, « Lou Reed » censé suivre le modèle de composition de son inspirateur (les personnages y sont des prostituées et autres marginaux) et s’avère être une composition qui rend hommage à l’ancien Velvet Underground. « Rules » qui suivra nous fera entrer dans un univers totalement étranger et chaotique, cela sera celui d’un funk défoncé muni d’un chorus si irritant qu’on préfèrerait presque le crissement d’ongles sur un tableau. Qu’il demeure accrocheur est un miracle, sans doute celui que seul un esprit schizophrénique pourrait concevoir et faire partger.

Le disque continuera sur cette même variation qui schizoïde ; hard rock sur « Hi Enuff », tropicale et rap sur « Venice Beach » et même punk sur « Negative Curl ».

Alesteir X ne boude pas ses influences mais il est aussi capable de pastiche (« Jerry Garcia) mais c’est surtout l’inventivité de sa musique qui ne peut que nous couper ce souffle dont l’artsite semble ne pas être dépourvu.

Keepin’ It Real n’est pas qu’un album de pop contemporaine attrape-tout, il est un disque dont la versatilité étonne et parvient à nous captiver sans jamais nous ennuyer.

***1/2


The Casket Girls: « True Love Kills the Fairy Tale »

1 avril 2014

Le meilleur mot pour décrire True Love Kills the Fairy Tale, le deuxième album des Casket Girls est, selon les termes de Elsa Greene (une des deux sœurs avec Phaedra composant le duo) est « l’équilibre ».

Alors que l’énigmatique Ryan Graveface a produit l’album spontanément en quelques jours (et sous l’influence de l’absssinthe et d’une peine de cœur) les éléments qui constituent ce disque évoquent pluôt un sens de la stabilité. Alors qu’une partie de l’album plonge dans la discorde, l’autre est pétri d’harmonie (qu’elle soit littérale ou figurée).

On a droit ici à un version encore plus étrange que celle de Sleepwalking, le premier disque dream-pop des deux sœurs sorti en 2012. Celui-ci rappelle les girls groups des sixties mais aussi un garage rock plus que statique.

Les vocaux rêveurs des deux Greene sont plaisants et ils se combinent à des riffs puissants et en forte distorsion, formant un subtil mélange de brume et d’agression contenue. La phrasé passif de textes ayant trait à la drogue et à l’amour suggère, de la même manière, la colère qui bouillonne derrière un visage calme ; les émotions frénétiques et bouillonnantes d’une personne dont l’imperturbabilité est sur le point de craquer.

Le duo parvient aussi à capturer cette furie retenue de façon visuelle, par une présence sur scène minimaliste, un volontaire manque d’expression ou des masques pour leurs vidéos. Cela n’empêche pas à l’émotion de se déverser malgré ces artifices comme en témoigne le « single » « Day to Day » jonglant entre distorsion et tranquillité ou un « Secular Love » plongeant encore plus dans la désorientation.

Bine que peu distinctes les unes des autres, les plages nous entraînent néanmoins dans un climat rêveur dont on ne souhaite pas s’extirper ; un peu comme si l’attente du songe s’accompagnait d’un désir de cauchemar, ou que le coma qui s’installe était, tôt ou tard, générateur d’une autre vie, ou d’une vie autre. Un cocon de feu et d’eau comme les deux sœurs le chuchotent en vrai(e)s crooners sur « Chemical Dizzy ».

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