Camp Cope: « Running With the Hurricane »

3 mai 2022

Camp Cope, et surtout son leader Georgia Maq, ont toujours gardé leurs émotions à la surface – c’est presque comme s’ils ne pouvaient pas fonctionner autrement. Les chansons les plus touchantes de leur deuxième album, How To Socialise & Make Friends, montraient leur désapprobation narquoise et leur franche colère à l’égard de la misogynie masculine dont elles ont fait l’expérience dans leur carrière musicale et leur vie personnelle. Quatre ans plus tard, nous avons Running With The Hurricane, et, maintenant qu’ils sont un groupe bien établi avec des fans dans le monde entier, personne ne peut plus essayer de les remettre à leur place. Cela ne signifie pas que tout est calme et tranquille pour Maq, ni pour ses coéquipières, la bassiste Kelly-Dawn Hellmrich et la batteuse Sarah Thompson. Même si leur carrière musicale est en pleine ascension, les problèmes personnels, la dépression et la déception sont toujours bien présents. 

Les deux premiers titres de Running With the Hurricane nous offrent une dichotomie intrigante des façons dont le trio y fait face. Il est intéressant de noter qu’ils ont décidé de commencer l’album sur un rythme lent avec « Caroline », Maq admettant d’emblée qu’elle a vu sa propre mort et qu’elle a donné la tête à des étrangers. Au fur et à mesure que la chanson progresse, ses camarades construisent subtilement la chanson autour de sa confession continue jusqu’à ce qu’elle devienne une ode richement mélancolique à l’amélioration de soi. C’est un retour vraiment déchirant.

Le scénario est ensuite inversé pour la suivante, « Running With The Hurricane », qui tire son titre d’une des chansons du père de Maq, et dont l’esprit infuse sa passion. On y retrouve le même thème de la déprime, de l’incapacité à se débarrasser du poids de la dépression, mais cette fois-ci, Camp Cope s’en empare et en fait un rocker de bar rempli d’harmonies de rayons de soleil. Dans le final triomphant, on a l’impression que Maq se sert du souvenir de son père pour se relever et sortir de son trou mental.

Running With The Hurricane continue de tourner autour de ces idées, trouvant la catharsis dans les aveux de culpabilité et de mauvais comportement, mais découvrant la force d’aller de l’avant dans l’amour de ceux qu’ils connaissent et ont connu. Du côté plus nostalgique, nous avons des chansons comme « One Wink At A Time » et « Say The Line », qui sont vraiment charmantes. C’est surtout parce que Maq a trouvé le moyen de rendre sa voix déjà incroyable encore plus magnifique, en atteignant sans effort un registre plus aigu dans les moments de franchise les plus ponctuels.

Cependant, comme il l’a déjà éprouvé, les chansons de Camp Cope ont plus d’impact lorsqu’elles montrent un peu plus leurs dents. Le premier single « Blue » en est un excellent exemple ; Maq tisse une toile tordue de confusion à propos d’une relation incertaine, mais finit par couper court au bruit en admettant franchement son affection, mais en acceptant que l’autre personne doit être elle-même ; c’est à parts égales de l’amour et de la frustration, et ça passe parfaitement. De la même façon, « Jealous » prend les sentiments non résolus de Maq envers un autre et les expose avec une honnêteté crue ; « I’m so jealous / My love I’ll run you down » (Je suis si jalouse / Mon amour, je vais t’écraser), chante-t-elle sur un arrangement glissant et lisse. Cela semble être un aveu vraiment douloureux pour Maq – jusqu’à ce qu’elle admette « Yeah, I’m so jealous / of your dog ». Il n’est pas clair si cette dernière phrase est une blague mesquine ou un faible détournement de ses véritables sentiments – c’est probablement différent pour Maq elle-même, selon ce qu’elle ressent pour cette personne ce jour-là.

Si Maq est certainement le point central de Camp Cope, il serait négligent de passer sous silence les contributions de ses compagnons de groupe. Thompson – ou « Thomo » comme on l’appelle – est l’aînée du groupe de loin et elle est de facto l’aînée de la fratrie dans leur dynamique personnelle ; on pourrait dire la même chose de son jeu de batterie, il n’est jamais tape-à-l’œil ou ne tente pas de voler la vedette, il fournit toujours un cadre parfaitement accordé pour les autres à construire autour. La basse de Hellmrich est l’arme secrète de l’album. Elle a toujours joué d’une manière plus mélodique que la plupart des bassistes, mais sur Running With The Hurricane, elle est vraiment le noyau instrumental du groupe, fournissant un contrepoint parfait aux passages vocaux volages de Maq avec des mélodies qui s’harmonisent simultanément avec les émotions du chanteur et font avancer les chansons. 

Bien qu’il soit naturel de regretter la férocité manifeste des premiers travaux de Camp Cope, il n’est pas inattendu qu’ils changent un peu de vitesse. C’est quelque chose qu’ils semblent admettre dans la répétition finale de l’album à la fin de « Sing Your Heart Out » ; « you can change and so can I » (Tu peux changer et moi aussi). Camp Cope l’a fait, ils peuvent être fiers des personnes qu’ils sont devenus : Maq et Hellmrich approchent maintenant de la trentaine, le premier a travaillé comme infirmier pendant la pandémie et le second attend maintenant un enfant ; ils sont loin des racailles d’il y a une demi-décennie. L’esprit punk est toujours là, mais il a été un peu enterré sous le poids d’une émotion sincère, d’une instrumentation renforcée et d’harmonies sucrées – tout cela fonctionne à merveille pour ces chansons. Camp Cope a fait un album pour lui-même, pour apporter une certaine unité par l’honnêteté et l’expression de soi. Et, de cla, le groupe peut être véritablement fier.

***1/2


Feral Vices: « With Offerings »

31 décembre 2021

Feral Vices, un duo d’alt-rock à la guitare et à la batterie originaire de Louisville, produit des hymnes rock accrocheurs, prêts à être diffusés sur le site Spotify, avec des grooves qui font taper du poing et plus d’une bonne part d’accrocheurs. Le duo sort son nouvel album, With Offerings après avoir lancé trois singles en 2020. Mais – malgré le modèle déployé sur le dernier EP du duo, le très bon Mirror You en 2019 – ces « singles » en 2020 ne se trouvent nulle part sur la nouvelle version. Et c’est bien dommage, car l’un des « singles » en particulier, « The New Machines », était l’un des meilleurs du groupe à ce jour, totalement hymne et le type de groove haché et chargé de guitares qui met du sable dans les yeux de Josh Homme et de Queens of the Stone Age. Mais ce n’est pas grave, car, étonnamment, le nouvel EP n’a pas besoin de beaucoup d’aide pour atteindre une certaine ampleur

Oui, il y a un numéro de blues-rock délicieusement martelé (« Lay Down ») sur le nouvel EP. Et l’ouverture « Corpse In The Cathedral » est si ambitieusement saturée de couches qu’on dirait que les Foo Fighter Dave Grohl fpurraient faire une apparition. Mais le nouvel EP, à notre avis, tourne totalement autour de la quatrième chanson, « Mass Produce Your Revolution » où le groupe vise l’horizon et les étoiles et les atteint à la pelle ce qui pourrait faire du titre une composition dans la tradition de « Blank Generation » de Richard Hell. Les paroles sont excellentes, bien qu’un peu génériques, mais le message global (dans la veine de l’ancien « la révolution ne sera pas télévisée ») est livré avec passion et aplomb. Le refrain à la guitare est si vitriolique et si accrocheur qu’il chatouillera oreilles et cerveau de la plus belle manière.

Et cela ne dit rien des chansons qui entourent ce titre exceptionnel. Le leader Tyler Hoagland est un remarquable chanteur, même si son phrasé est un peu trop propre et peut-être un peu trop poli en studio pour correspondre aux refrains grunge – qui font souvent allusion au nouveau style blues-rock des Black Keys – qui les entourent. Mais c’est un sacré guitariste, très imaginatif avec ses phrasés et son contrôle du volume, et très prompt à essayer quelque chose de non conventionnel au lieu de tomber dans le moule trop prévisible couplet/refrain/couplet.

« Covered In Blue » comporte un anti-solo presque bizarre au bout de deux minutes, un pont qui semble presque contre-intuitif – mais qui fonctionne, bizarrement et il y a un super petit pont de guitare pixellisé vers la fin de la chanson titre qui clôt l’album et qui fait monter en flèche les guitares et les rythmes frénétiques du batteur Justin Cottner dans les dernières mesures.

Ces gars-là savent clairement ce qu’ils font et, de ce point de vue,v notre duo est un produit de son lieu et de son époque, la production en studio s’orientant davantage vers les Foo Fighters susmentionnés que vers ce que Grohl a fait, par exemple, sur le merveilleux In Utero de Nirvana, aux bords déchiquetés. Il n’y a rien de mal à cela, bien qu’il soit tentant d’imaginer cette chose coupée dans un autre Louisville, disons la version des années 1980 ou 1990 remplie de Maurice ou de Shipping News ou des bonnes gens du site Louisville Hardcore. « Félicitations/ Je pensais que vous en vouliez plus/ Ces moteurs rouillés/ Rien ne bouge plus ici » (Congratulations/ I thought that you’d wanted more/ Those rusted engines/ Nothing moves here anymore), chante Hoagland sur « The New Machines », leur superbe « single « de 2020. C’est cet esprit Louisville que nous aimerions voir le groupe creuser plus profondément. Cela pourrait rendre la musique beaucoup plus bruyante et beaucoup plus brute, en mettant l’accent sur le non conventionnel plutôt que sur une piste vocale lisse ou une accroche alléchante. Mais c’est le Louisville d’aujourd’hui et Feral Vices (et des groupes comme WiiRMZ) s’efforcent de se l’approprier. Et si « Mass Produce Your Revolution » devient leur meilleur score, qu’il en soit ainsi. Ce n’est pas un mauvais endroit pour y accrocher son chapeau et y poser ses bottes avec aise.

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Gallowglas: « I Dream I See You Hit The Water, I Dream I See You Change Your Mind »

3 octobre 2021

I Dream I See You Hit The Water, I Dream I See You Change Your Mind est le premier album de Gallowglas et c’est un disque qui n’a jamais eu la vie facile. Marqué par la difficulté, il a reçu une force supplémentaire en raison des épreuves qu’il a dû affronter. Ils en ont fait ce qu’il est, développant sa musculature tonale jusqu’à ce que sa musique apparaisse forte et semblable à de la pierre, pour finalement s’élever en triomphe.

Traversant les tempêtes du mécontentement, des désaccords, des sessions perdues, du malaise pandémique et des perturbations générales, la musique est presque comme un trophée durement gagné, un testament pour travailler les choses, s’accrocher à sa création même quand les choses sont au point mort, et croire en ce que l’on fait. En fin de compte, la musique valait la peine qu’on se batte pour elle, et c’est une véritable victoire. Le fait de savoir que le résultat final en valait la peine a fourni le carburant et la passion nécessaires pour aller de l’autre côté.

Le groupe de rock alternatif a placé la dualité au centre de sa musique. D’emblée, des voix masculines et féminines représentent les deux forces opposées, l’une interrogeant et l’autre répondant, l’une parlant pendant que l’autre écoute, et l’autre écoutant pendant que l’une répond à son tour. Des arpèges de piano lents et graves se cachent dans les brumes et les ombres, se répétant tandis que les paroles de la chanson tissent de sombres réseaux de chagrin et de traumatisme, affectés par une série de tragédies que la musique a encore du mal à traiter, et encore moins à surmonter. Par moments, c’est brut et direct, avec des sifflements et des bourdonnements qui serpentent en arrière-plan, et une texture lo-fi, en décomposition, est amplifiée lorsqu’elle émerge de son cimetière.

Il y a de la vulnérabilité dans l’honnêteté. Une confiance mutuelle est nécessaire. Lorsque la batterie entre en jeu, elle donne à la musique une véritable injection de force et de persévérance, mais c’est rare. C’est une musique au bord de l’abandon, proche de l’incrédulité. Mais quelque chose qui était autrefois brisé a pu se relever. Le brisé est devenu l’incassable.

Les paroles poétiques, qui sont particulièrement émouvantes sur les sept minutes de « There Is Nothing Flawless », en font juste assez sans tomber dans l’excès et le langage fleuri, et elles font mouche avec de dures vérités et de tristes éloges… « aussi mort que la pierre… je suis froid comme l’hiver » (as dead as stone…I am winter cold ).

Ici, nous avons à une sorte de classique grandiose, expérimental et meurtri qui ne sera pas assez doux ou ne se taira pas assez longtemps pour les types néoclassiques… traité comme un paria dans le genre… c’est une race brute, lourde de ballades, de musique d’outsider qui nous parle tout simplement.

La musique donne l’impression d’avoir été frappée à terre, mais il y a toujours une sorte de beauté rustique à sa surface. La douleur est une nécessité dans cette vie – elle peut flétrir l’esprit ou être utilisée pour grandir – et Gallowglas n’a jamais peur de s’y confronter. D’une certaine manière, ils choisissent de l’embrasser. Car quelle est l’alternative, et y a-t-il même une alternative ?

La musique pose la question suivante : les choses sont-elles irréparables ? Le cœur peut endurer beaucoup de choses, et la musique a enduré de multiples niveaux de douleur émotionnelle. Mais elle a quand même fini par se redresser une fois de plus. Il ne s’agit pas de savoir où elle était à ce moment-là, mais où elle a fini. Oui, elle est différente de ce qu’elle était autrefois, et la douleur n’est jamais oubliée ou effacée – mais elle a quand même survécu.

Mais l’espoir ne fait pas partie intégrante de leur musique – il est trop tôt pour cela. Il doit passer par le processus, traverser la fange et la boue, et c’est là qu’il se trouve actuellement. IL y a donc une force à affronter la tristesse et la douleur – une force intérieure, une forge dans le feu, de l’acier et du métal qui se fondent pour créer un personnage plus fort et plus résistant. S’il est un album qui a été soudé par le feu et le chagrin, c’est bien celui-ci. Les paroles austères, le piano flétri et d’autres éléments respirant le brouillard convergent tous pour produire un album sombre et touchant, avec un poids émotionnel réel et indéniable.

Une douleur ou une tristesse que l’on vit, que l’on intériorise, que l’on traverse et dont on tire des leçons.

Johan G Winther et un autre membre qui souhaite rester anonyme ont été rejoints par Nicola Madill, Sofia Nystrand, William Ryan Fritch, Peter Hollo et Simon McCorry. Avec le mastering de James Plotkin, et agissant comme l’un des derniers épisodes de la série Fearful Void de Lost Tribe Sound, I Dream I See You Hit The Water, I Dream I See You Change Your Mind est un disque d’ecchymoses, d’accords dissonants et de morceaux brisés, mais comme la musique la plus touchante, elle est née de ses expériences de la douleur, l’utilisant comme un exutoire et une thérapie. C’est aussi un disque de vérité, même si elle est difficile à digérer, et, par conséquent, c’est un disque bien plus qu’honorable : nous sommes en présence d’un disque d’honneur.

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Wolf Alice: « Blue Weekend »

5 juin 2021

Avec leur premier album, My Love Is Cool, Wolf Alice a réussi à capturer l’éclair dans une bouteille. Faisant écho au zeitgeist de la scène indé du milieu des années 2010, couverte de paillettes, tout en ayant le sérieux nécessaire pour impressionner les critiques de l’industrie, ils se sont toujours sentis comme des outsiders… mais tout juste. Aujourd’hui, Wolf Alice réapparaît pour son troisième album – un disque élogieux où la guitariste et chanteuse Ellie Rowsell assume son identité sans remettre en question le potentiel du groupe.

Mélangeant d’opulentes ballades au piano, un alt-rock effréné et d’élégants arrangements choraux, Blue Weekend conserve l’imprévisibilité sonore qui rend leur catalogue si époustouflant, sauf que les enjeux sont désormais incroyablement élevés. Qu’il s’agisse d’occuper ses pensées entre les couplets déséquilibrés de « Smile » ou de chantonner dans son registre grave sur « The Last Man On Earth », Rowsell personnalise Blue Weekend pour dépeindre la force et le réconfort dans la vulnérabilité.

Après avoir travaillé avec Markus Dravs, le producteur d’Arcade Fire et de Mumford & Sons, Wolf Alice a créé un son qui semble facile à écouter au début, mais qui se révèle ensuite être une véritable tourmente émotionnelle. C’est ce que l’on ressent sur le deuxième titre de Blue Weekend, « Delicious Things ». Ellie réfléchit à la vie à L.A. sur fond de mélodies expansives et de monologues internes chuchotés de son récit à la première personne avec des opportunistes sordides et des indulgences. Les yeux écarquillés, elle chante l’anxiété sociale et le mal du pays tout en étant naïvement hypnotisée par les opportunités : « Une fille comme moi, le croiriez-vous, je suis à Los Angeles » (A girl like me, would you believe, I’m in Los Angeles).

Plein de fioritures des années 80, « How Do I Make It OK » pimentera la voix de Rowsell d’un degré croissant de désespoir alors qu’elle braille à plusieurs reprises « Je veux juste que tu sois heureuse » (I just want you to be happt). Pourtant, malgré toute sa mélancolie, Blue Weekend n’est jamais pessimiste – l’instrumental se transforme en une séquence survoltée où Joff, Theo et Joel rivalisent pour se faire entendre avec juste ce qu’il faut de circonvolution.

Blue Weekend, complété par les morceaux jumeaux « The Beach » et « The Beach II », présente Wolf Alice comme on ne l’a jamais entendu auparavant : en donnant la priorité aux sentiments sur l’intensité musicale. Avec une simplicité retrouvée, les changements dynamiques s’articulent autour de voix sérieuses et d’une écriture mature pour produire non seulement une réussite sonore mais aussi une réussite émotionnelle intime.

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Goat Girl: « On All Fours »

1 février 2021

Vous pouvez choisir deux voies lorsque vous favez réalisé des débuts aussi populaires et réussis que ceux de Goat Girl. Alors que certains peuvent essayer de réutiliser un peu plus de cette même magie initiale et se précipiter pour sortir une version façon portrait-robot dès que possible, d’autres prennent leur temps pour construire et grandir, expérimenter et s’élancer dans de nouvelles directions. De retour après près de trois ans, les Londoniens ont définitivement opté pour cette dernière. Aussi tendu et troublant à un moment donné qu’il est lisse et digne d’être dansé à l’instant suivant, c’est une évolution passionnante à tous points de vue.

Si leur premier album contenait des images vivantes du monde dans lequel vivait Goat Girl, On All Fours est comme la suite qui pousse la perspective encore plus loin, dans un sens un peu plus sombre. Ayant auparavant trouvé une inspiration lyrique dans la crasse et la saleté de la vie quotidienne, c’est maintenant le monde occidental tout entier qui tombe sous leur regard impassible. Pas tant de déformation irréversible alors, plus de cette peste qui s’abat sur nos jours. Les thèmes de l’embourgeoisement, des sans-abri, de l’anxiété, de la dépression, des dégâts et de la destruction causés par des générations de négationnisme climatique traversent chaque voie.

Dans les mains d’un groupe moins sûr, la lourdeur de ces énormes problèmes pourrait facilement submerger un disque, mais Goat Girl les porte avec une légèreté trompeuse sur un disque qui montre un saut stratosphérique dans le son.

Des titres comme « Jazz (In A Supermarket) », purement expérimental, évoluent vers des moments de groove béat qui demandent à danser, tandis que le cinglant « Badibaba » et le « single » « Sad Cowboy », une chanson qui ressemble de plus en plus à un moment décisif, mettent en avant un nouveau son de synthétiseur qui se marie parfaitement avec les éléments grungiers. Libre et souvent aussi décalé qu’excentrique, On All Fours est un disque qui ressemble par moments à un rêve de fièvre. Chaque émotion et chaque scène sont exacerbées, les sujets difficiles étant abordés de front avec un regard de défi sans cesse renouvelé. Bien qu’il ne soit peut-être pas aussi immédiat et aussi direct que le premier album, On All Fours est un opus qui frappe plus fort et qui a infiniment plus de poids derrière lui. Au moment où le luxuriant « A-Men » se profile et conclut l’album, le monde que Goat Girl a créé est à nouveau si évocateur et atmosphérique que beaucoup ne voudront pas le quitter.

***1/2


You Me At Six: « Suckapunch »

18 janvier 2021

Le groupe de rock You Me At Six sort son septième album studio, Suckapunch, et il est prêt à libérer votre alter ego du punk rock.  Cet album est, en effet, un véritable point d’orgue dans la carrière du combo car il jette un éclairage positif sur ce qui semble être une période continuellement morne grâce à ses morceaux énergiques et ininterrompus.

L’intro atmosphérique de « Nice To Me », qui donne le coup d’envoi de Suckapunch, vous transporte dans l’ambiance d’un concert où vous attendez que les membres de votre groupe préféré fassent une apparition. Les guitares et la batterie vous permettent d’anticiper avant que le chanteur Josh Franceschi ne se joigne à vous. Une chose que You Me At Six réussit à livrer en permanence, ce sont de gros refrains prêts à enflammer le feu qui sommeille en vous jusqu’à ce que vous vous retrouviez à crier et à vous bousculer sur chaque morceau, et cela (comme la plupart sur ce disque) n’est pas différent.

Bien sûr, avec de tels chorus et une instrumentation énergique, il est souhaitable que des pauses se produisent et dans cette toute première chanson, c’est exactement ce qu’ils réussissent à faire. Lorsque le morceau se reconstitue peu après, il est clair qu’ils sont toujours prêts à faire progresser leurs chansons, sans jamais laisser un morceau devenir répétitif et ennuyeux.

D’autre part, le groupe est également capable de descendre d’un cran et de créer une musique vulnérable mais belle.  « Beautiful Way » est un morceau magnifique qui compare une relation à la sensation d’être défoncé. « Glasgow », qui est le titre le plus long de l’album, parle également de la douleur et de la vulnérabilité d’une manière que chacun peut ressentir lorsqu’il perd un être cher. Cependant, dans le style authentique de YMAS, la chanson reprend et répète en quatre minutes environ les paroles de « Stitch Us Back Together », qui nous donne du pouvoir et nous unit en un seul morceau.

« WYDRN » et « Kill The Mood » ont des styles différents du reste car « WYDRN » contient du bruit électronique en fond qui est une touche nouvelle et intéressante tandis que Kill The Mood montre un côté différent du groupe.

Cet album, tout comme leur précédent, peut être vraiment remarquable. YMAS ne meurt jamais de choses à dire et c’est peut-être pour cela qu’il est l’un des seuls groupes de rock à être toujours aussi grand qu’il l’était à ses débuts. Si vous voulez quelque chose pour booster votre niveau d’énergie et vous sortir de votre torpeur pendant la période de confinement, alors cela vaut vraiment la peine de l’écouter.

***1/2


Tired Lion: « Breakfast For Pathetics »

1 décembre 2020

Pour les fans de ce comboalt-rock australien, la sortie de Breakfast For Pathetics est enfin terminée après une longue attente. Bien qu’il s’agisse du deuxième album studio de Tired Lion, c’est le premier à être sorti avec Sophie Hopes comme seule membre restante. Ne vous inquiétez pas ! Cette sensation de grunge, d’épopée et de guitare fougueuse qui a permis au groupe de prendre son envol est le moteur de l’album. Il est clair que Hopes peut tout clouer sur place ; c’est donc exactement ce qu’elle a fait.

Il y a toujours eu un sentiment de semi-nostalgie avec Tired Lion, mais Breakfast For Pathetics rappelle particulièrement la bande originale d’un film intemporel des années 90 – pensez à Ten Things I Hate About You ou Clueless. La vivacité d’esprit qui se dégage de ce disque est tout à fait contagieuse. C’est un album de rock très énergique qui vous donnera envie de crier et de hurler ; à l’exception de « Screw You, Man » le « closer » à combustion lente qui en est un surprenant point fort qui sere certainement un hymne pour tous ceux qui couvent cette années tempêtueuse qu’a été 2020.

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Narrow Head: « 12th House Rock »

14 septembre 2020

Le chanteur et guitariste de Narrow Head, Jacob Duarte, avait raison quand il disait : « Personne n’a plus de riffs ». La scène rock actuelle semble avoir peur d’essayer d’écrire des parties méchantes pour faire bouger les gens. Si l’on exclut le métal et le hardcore, on peut dire sans risque de se tromper que la musique rock axée sur les riffs n’a cessé de gagner en popularité depuis les années 90. Le concept de Narrow Head consiste essentiellement à faire revivre les meilleurs éléments de cette époque, avec une sensibilité moderne pour faire bonne mesure. Cet équilibre entre nostalgie et créativité a bien fonctionné pour les débuts du groupe en 2016, Satisfaction, et ce 12th House Rock va encore un peu plus loin dans cette approche. Rêveur et mélodique, mais lourd et monolithique, cet album conforte ainsi Narrow Head dans son rôle de digne gardien du riff.

L’ouverture « Yer’ Song » plaira à tous ceux qui regrettent l’âge d’or des groupes alternatifs lourds et flous comme Helmet et Deftones et la voix rêveuse de Duarte viendra compléter cette vibe immersive, développée sur le « single » « Stuttering Stanley ». Narrow Head nous ramène à l’époque où les groupes alimentaient les sillons des disques à travers un kaléidoscope pop et rêveur. Plus qu’un simple hommage aux Smashing Pumpkins, nos messieurss incarnent l’esprit créatif de l’alt-rock des années 90 avec une volonté d’élever des fondations simples avec des compositions qui font briller les étoiles dans nos yeux.

« Se réveiller maintenant est un tel ennui / Ne pas l’écraser et vous verrez » (Waking up now is such a bore/ Don’t crush it up and you’ll see) chante Duarte sur « Hard To Swallow » alors que le refrain écrasant et criard se noie dans une dépression demblalable à celle éprouvée par un junkie. L’ambiance grandiose et l’agressivité brute de Narrow Head se prolongent sur des morceaux plus rapides comme « Night Tryst ». Le chant de Duarte glisse sur la ligne de basse syncopée de Ryan Chavez, ajoutant de la sérénité aux rythmes explosifs du batteur Carson Wilcox.

Les racines de Narrow Head dans le hardcore donnent à 12th House Rock un son plus dur, mais ces éléments sont plus fondamentaux que le fait de n’occuper que le centre de la scène En réalité, il n’est pas exagéré de résumer des morceaux comme « Ponderosa Sun Club » à un shoegaze joué par des musiciens hardcore. Le groupe sait comment utiliser des instrumentations musculées dans un paysage sonore où tout devient facteur de combustion

Si l’on considère à quel point il doit être amusant de jammer sur le riff central de la chanson titre, il est dommage que cela semble se terminer avant de commencer. Le reste des chansons est bien développé, utilisant des houles dynamiques et des crescendos émotionnels. Le penchant de Narrow Head pour l’impact dévastateur permet au refrain crié et à l’effet de fond qui fait vaciller « Crankcase » de laisser une impression durable en moins de deux minutes. En revanche, « Wastrel » produit un effet similaire avec un chant réfléchi et une écriture de qualité à la guitare acoustique, sansse complaire dans le volume.

L’accalmie floue de « Nodding Off » montre à quel point ce groupe peut être nuancé sur un morceau qui s’incendie lentement alors que le guitariste William Menjivar et Duarte font plus que se doubler sur les mêmes idées. Le potentiel ambiant du groupe atteindra un point culminant lors de la dissonance de ce chant funèbre qu’est « Delano Door ». Poussé par les paroles glaciales et les mélodies de la chanteuse de Casual Hex, Erica Miller, le morceau montre la maîtrise de Narrow Head en matière de guitares, de batterie et de chant, qui en font les éléments de base de cathédrales sonores époustouflantes.

L’album a sa part de formidables murs sonores, mais il est toujours facile de distinguer les morceaux les uns des autres. « Emmadazey » et « Bulma » ne s’excusent pas pour leurs similitudes instrumentales, mais cela n’annule pas leur personnalité distincte. Il en va de même pour le chant de Duarte, qui conserve des mélodies inspirées dans sa prestation semblable à un drone vocal. Le morceau « Evangeline Dream », proche de huit minutes, donne à Narrow Head son véritable test à cet égard, car sa progression patiente fournit certaines des meilleures progressions d’accords et du travail principal du groupe.

Il faut un groupe spécial pour jouer une outro de trois minutes basée sur un motif sans devenir ennuyeux. Les membres du groupe abordent leurs instruments avec l’ingéniosité d’un producteur d’ambiance, mais les refrains pulvérisants l’emportent toujours. La mélodie angélique de Narrow Head et ses constructions audacieuses servent finalement la principale chose dont la musique rock a besoin en ce moment… des riffs, des riffs et encore des riffs.

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William Patrick Corgan: « Cottilions »

10 décembre 2019

William Patrick Corgan, le frontman de Smashing Pumpkins, a démontré il y a quelque temps que son identité musicale ne se limitait pas à faire des concerts de routine en tournées et, à diriger un groupe alt-rock.

Le musicien a passé environ trois semaines à voyager en Amérique centrale. L’idée derrière ce voyage était que, par la musique, il voulait s’immerger et renouer avec les gens et la culture des lieux qu’il fréquentait.

Habitué à jouer à l’intérieur, et se retrouvant presque toujours dans des espaces confinés, l’approche exploratoire choisie semble avoir été libératrice, productive et épanouissante. Cottilions représente les fruits ambitieux de ses aventures de voyage. C’est un album de substance, un récit authentique de ses expériences. Tout vient d’un lieu honnête et sincère, mais en comptant 17 titres au total et indépendamment de la qualité, on peut dire qu’il y a trop de matériel sur ce disque.

Cela dit, c’est un mélange fascinant. Les chansons sont crédibles, montrant des moments de souplesse, d’éclectisme, de curiosité, il y a un véritable intérêt pour les choses. Incorporant l’Americana, le bluegrass, le country et le folk, de nombreux terrains musicaux sont couverts, et ce, avec précision et soin.

Le titre d’ouverture, « To Scatter One’s Own » est une introduction impressionnante avant qu’on ne soit lancé dans « Hard Times », une chanson d’inspiration country qui aborde différents types de peurs tandis qu’un titre comme « Jubilee » changera entièrement le rythme avec ses tempos vibrants et ses sons de violonqui sont comme dansants.

L’intime « Fragile, The Spark » est signe d’un moment autonome où Corgan semble honorer vocalement son travail quotidien. Ce sera le moment le plus proche des Smashing Pumpkins du projet, et il est plus que possible de l’imaginer apparaître sur un des albums du groupe.

Ailleurs, l’effluve d’Americana jaillira sur des morceaux comme  « Faithlessess Darlin’ » ; c’est un moment lumineux et vibrant d’où surgira un titre de la nature « Colosseum » qui créera un contraste énorme avec cette chanson fortement menée par l’introspection et la réflexion. Il y a beaucoup de polyvalence instrumentale sur ce disque, avec la country qui se fera entendre sur « Buffalo Boys » avec ses guitares en acier, il célèbrera vriament cette idée. « Like Lambs » est un moment envoûtant au piano où le jeu subtil de la six cordes soutient des atmosphères mélancoliques et « Apologia » qui ressemble à Grace de Jeff Buckley en esprit, son et dimension permettra se cocher toutes les cases folk-rock.

Le concept de Cottilions mérite certainement quelques applaudissements. C’est un grand et courageux projet à entreprendre, et, plutôt que de décevoir ou d’échouer, il impressionne, et, dans certains endroits, il scintille.

***1/2


Cheshires: « Cheshires »

16 avril 2017

De Remy Zero, un groupe d’Alabama connu par son approche et ses textes ésotériques, est né Cheshires combo réunissant Shelby Tate (le vrai nom de Zero), Louis Schefano et Leslie Van Tresse pour un « debut album » qui sonne comme une extension de ce que fut RZ originalement.

Sur une douzaine de plages,Cheshires rassemble ainsi une collection de titres moroses dont l’élan est néanmoins bien plus extraverti que ce qu’on aurait pu attendre d’un trio.

La musique date un peu par moments avec des tonalités « home demo » mais, comme il arrive cycliquement qu’on se penche sur le passé, son parfum nostalgique ne devrait pas en souffrir. On voyage donc dans une resucée de Pavement ou Dinosaur Jr qui, faute d’être original, n’efface en rien le confort qu’on peut éprouver à l’écouter.

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