Linda Draper: « Patience and Lipstick »

29 janvier 2022

Il est rare que les trois parties principales d’un disque, à savoir le chant, la musique et les paroles, fonctionnent toutes alors que l’album dans son ensemble n’a pas de liant. Sur Patience and Lipstick, Linda Draper, vétéran de l’anti-folk, sait chanter et écrire des textes acérés et cyniques, et la palette instrumentale country-folk est agréable. Cependant, elle répète les mêmes problèmes que sur son dernier album, Modern Day Decay, où son instrumentation high-fi et vivante ne se marie parfois pas avec son chant posé et retenu. En outre, Patience and Lipstick n’exploite jamais la mélancolie qui a fourni certains des meilleurs moments de Modern Day Decay. Alors que ces trois parties individuelles pourraient être bien en soi, elles se combinent de la pire façon possible sur ce disque.

Tout comme sur son dernier opus, Patience and Lipstick est plus proche de la country que de la folk. Il est loin d’être aussi aventureux que le délabré Keepsake ou Snow White Trash Girl, ou même que le morceau « Burn Your Bridges » de l’album précédent. Les guitares acoustiques sont plus tranchantes que sinueuses, avec plus de timbres de pedal steel et d’électrique que d’acoustique, et elles sont produites pour sonner polies et vivantes. L’acier à pédale et le twang profond des premières notes de « 81 Camaro », le strumming brillant de « String » et les acoustiques filiformes contre les notes électriques lourdes de réverbération sur « All in Due Time » sont agréables. C’est sa partition la plus conventionnelle à ce jour, mais la musique est équilibrée et bien exécutée, et constitue l’un des points forts de l’album.

Le problème, cependant, est que, si son instrumentation a changé, Draper elle-même n’a pas changé. C’est une grande chanteuse qui transmet beaucoup d’assurance et de sagesse, mais sa méthode de chant préférée est mieux servie par un tableau acoustique stérile, laissant sa voix se développer et former une atmosphère à elle seule. Avec une instrumentation hi-fi et une ambiance électrique, il n’y a pas de place pour qu’elle puisse respirer, et elle refuse de s’adapter avec une voix plus vivante. Sur « Detroit or Buffalo », elle chante avec une cadence joviale, comme dans un feu de camp, mais elle semble plate, mince et maladroite. « All in Due Time » présente certain potentiel, mais son défaut de falsetto prive la chanson de toute puissance, car elle rétrécit dans le mixage au lieu de se démarquer.

L’approche narquoise et ldésabusée de Draper n’a pas disparu pour autant. Dans « »Tether », elle s’insurge contre les faux concepts d’unité vus pendant la pandémie, qui sonnent faux lorsque certains groupes démographiques refusent de faire preuve de la même solidarité que les autres. Il est révélateur que des deux versions de cette chanson figurant sur l’album, la deuxième version acoustique soit meilleure, car elle permet à sa voix de résonner au lieu de se sentir tronquée et contenue.

La chanson titre est un regard cynique sur l’amour, déplorant les conditions difficiles d’une relation à long terme. Draper chante le défi de souffrir des défauts d’un partenaire tout en changeant elle-même et en ne présentant que le meilleur d’elle-même. C’est plein de bonnes remarques sarcastiques, et il y a des moments où le venin des paroles se glisse dans son discours. Mais une fois de plus, elle a trop souvent recours à un falsetto à des moments où une voix de poitrine plus théâtrale pourrait mieux faire passer une ligne. L’instrumentation ne l’aide pas non plus, avec un solo en finger-picked qui, bien que sympathique, fonctionnerait mieux dans une tonalité plus mélancolique.

À mi-chemin, même la musique commence à perdre de son lustre. Les percussions et la basse sur «  Surrender » se syncopent maladroitement, ce qui rend la chanson beaucoup plus tendue que son titre ne l’indique. La seconde moitié de « Roll With You » fait appel à des chœurs masculins roucoulants tout droit sortis d’un groupe de doo-wop ou de skiffle. Au lieu de paraître insouciantes et célestes, elles semblent comiques par rapport à l’instrumentation, qui ne rend pas compte du sentiment de félicité.

« The Undertow »tente rad’imiter le côté aigrelet et synthétisé de Sharon Von Etten dans « Seventeen « avec ses guitares et ses boîtes à rythmes. Cependant, sa voix n’a pas la même raucité et les harmonies, certes jolies, sont trop propres pour une ligne de basse arrachée à Siouxsie and the Banshees. De façon générale, il y a quelques sons intrigants sur ce disque qui pourraient fonctionner isolément, mais rien n’y formera un ensemble à la fin.

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Martin Ruby: « Heaven Get Behind Me »

8 décembre 2020

Certaines vies sont moins simples que d’autres. Alors que nous approchons de la fin d’une année très étrange, une période où nous serions normalement en train de nous diriger paisiblement vers les vacances, il semble que la musique qui se présente à moi devient de plus en plus intéressante. Rien ne pourrait être plus intrigant que le premier album de Martin Ruby, Heaven Get Behind Me. Martin Ruby, il s’avère que ce n’est pas une personne mais un groupe, dirigé par le créatif multidisciplinaire Marco North, ici crédité comme fournisseur de voix, de guitares acoustiques à 6 et 12 cordes, de guitares électriques, de dobro, de banjola, de saxophone, d’harmonica, de bols de chambre cloud, de calliope, d’orgue de pompe et de pieds-de-poule.

Né à New York, North est connu pour ses histoires, ses poèmes, ses pièces de théâtre, ses films (y compris des prises de vue pour John Lennon et Yoko Ono) et ses interviews avec des personnes comme David Bowie et Liza Minelli. Il a enseigné à l’université de New York et à l’école des arts visuels et a joué du saxophone dans, selon ses dires, un « groupe de surf punk non signé ». Il semble que ce ne soit que la moitié de l’histoire. Lorsque la fille de North, à l’âge de deux ans, a été kidnappée par sa mère et emmenée à Moscou, un North désespéré a suivi. Depuis treize ans qu’il vit à Moscou, il lutte, semble-t-il, depuis longtemps contre le système pour élever et soigner son enfant. Aujourd’hui heureux de se remarier (il réside toujours en Russie), un contact étroit avec la mort a inspiré à North l’écriture et l’enregistrement de Heaven Get Behind Me, à une époque où sa propre mortalité était en danger.

C’est une histoire atypique en effet, et elle nous offre une mise en scène époustouflante pour un album qui porte le nom de Fellini, dont la couverture saisissante rappelle René Magritte et qui a été enregistré chez lui en utilisant, entre autres instruments, une guitare de salon vieille de 100 ans et une banjola Pollman de 1887. « Fellini Was Dying », le premier titre de l’album, se déroule comme un ivrogne fatigué, mais qui n’a pas complètement renoncé à la douceur de vivre. La guitare acoustique de North est aussi rugueuse que sa voix, et tout aussi touchante. Sur un fond de sons de rue, la chanson titube de pathos et de douleur. Mais surtout, elle est aussi pleine de beauté, tant dans le son des cordes qui résonnent et vibrent que dans la prestation émotionnelle de l’artiste. C’est une composition simple, mais intelligente, livrée avec beaucoup d’habileté.

« Long Tall Man » est une œuvre étincelante, qui tourne autour de l’Amérique, avec une guitare qui virevolte comme un vautour ; une ballade confessionnelle profonde et poussiéreuse, ponctuée par une guitare slide, « Burning nothing but bad gasoline » chante le musicien ( Ne brûler rien d’autre que de la mauvaise essence). Le pouvoir de cet opus réside dans la crudité presque insupportable de la musique. La poésie de North est dure et cynique, compatissante et vraie ; son ton est uniquement américain. « Elle lit les lettres, décide lesquelles laisser passer »,(he reads the letters, decides which to let through) entonne North sur « The Letter Reader », une méditation peu décorée, chaque note étant remplie de nostalgie et de peur. Le moment le plus poignant de l’album se produit sur « Sebastopol », où l’on peut entendre la fille de North, Eve, s’harmoniser avec son père.

« Stone Blind Rain » dégouline,, lui, de pathos. L’harmonica et les bols de la chambre des nuages apportent une parure délicate et éclatante. Ce qui est merveilleux, avec cet album, c’est que tout semble intensément réel.  Il n’y a pas d’artifice ici, seulement de l’art, et l’art de North est immédiatement connecté et accessible, rappelant la tradition séculaire de la musique folklorique : de la musique pour le « folk » c’est à dire de la musique pour nous tous. North chante « They say it’s » a good day to die » ( Ils disent que c’est un bon jour pour mourir) et il n’y a, là-dedans, aucun mélodrame, seulement de l’humanité. 

***1/2


Laura Fell: « Safe from Me »

25 novembre 2020

Après une dizaine d’années de poésie indépendante, Laura Fell, psychothérapeute basée à Londres, s’est convertie à l’écriture de chansons pour son premier album, Safe from Me. En plus d’être le premier chapitre musical de Laura Fell, Safe from Me est également le produit phare de Balloon Machine Records, un label récemment converti après une année fructueuse en tant que blog de musique indépendante.

Au travers des huit titres del’albume, Fell explore une gamme de sons différents dans les pièges de l’alt-folk contemporain. Les ballades confessionnelles classiques se retrouvent ainsisur « Until Now » et la chanson titre, mais la collection est plus engageante lorsqu’elle s’oriente vers l’expérimentation.

« Cold », par exemple, est un plaidoyer rampant pour la chaleur, qui s’inspire des meilleurs morceaux de Tom Waits. Les cordes en staccato et les percussions domestiques rencontrent l’ascension et la chute de la voix de Fell pour produire un morceau unique et émotionnel qui est certainement le plus fort du disque. Le premier « single », « Bone of Contention », est un véritable assassinat de personnages qui sonne comme une version filtrée de l’époque duThe Bends de Radiohead, et le style americana  sur « Every Time  continue d’avancer grâce à un rythme subtilement mélangé, soutenu par des guitares électriques intrépides à chaque rémission.

Le tout est accompagné d’une belle production – une guitare acoustique douce et le phrasé lyrique de Fell seront les deux fils conducteurs qui relient la collection, et tous deux sont traités avec la plus grande tendresse et le plus grand respect. Safe from Me se targue d’être interprétée par une troupe de musiciens classiques engagés, mais ne parvient pas à brouiller l’intention des chansons au moyen d’un bugle ou d’un saxophone. Au contraire, ces décisions d’arrangement donnent à l’écriture des chansons de Fell un élan intemporel.

Étant donné la carrière de Fell dans l’introspection externalisée, il est naturel que ce disque passe le plus clair de son temps à regarder vers l’intérieur. Les chansons proposées ici évitent généralement la métaphore étendue au profit de vérités directes et tranchantes, les plus retentissantes étant souvent laissées pour conclure chaque chanson. « Cold » parle de l’expérience trop commune d’être incapable de résoudre ses propres problèmes (« je ne peux pas trouver les réponses par moi-même – il est plus facile d’aider quelqu’un d’autre »), tandis que « Every Time » parle de la stagnation intérieure (« et chaque fois qu’une leçon peut être apprise, j’oublie de l’écrire »). Il y a une aptitude à exprimer des sentiments complexes par un langage concis, et c’est un domaine dans lequel Fell excelle.

Le plus grand atout dela chanteuse est sa voix : un contralto riche et distinctif qui manie aussi bien des duos mièvres de twee pop comme « Left Foot Right Foot » que des chansons mélodramatiques de rumination comme « Glad » et » I Didn’t Mean To ». Lorsqu’elle est placée à côté de fredonnements émis par un chœur (« Glad »), d’accroches discrètes (« Until Now ») et de levées orchestrales de style Mellotron (« Bone of Contention »), elle apporte une nuance rare de personnalité à un genre qui manque trop souvent d’individualité. En fin de compte, Safe from Me est un premier album fort et complexe qui brosse un portrait complet des luttes internes de l’artiste comme l’intitulé de ce « debut album » l’illustre à merveille.

***1/2


Daughter of Swords: « Dawnbreaker »

11 août 2019

Habitées par une guitare timide, une mélodie répétitive et un grésillement comme une pluie, les quatre premières minutes de Dawnbreaker annoncent un cœur débordant de tristesse qui se serait trouvé un petit coin sauvage où se chanter. C’est juste, mais à moitié : si le cœur est en effet incertain, il fait aussi de l’espérance et des fantaisies de ton expansives une manière de passer à autre chose. Au moment d’écrire ce premier album solo, la musicienne Alexandra Sauser-Monnig — l’une des trois vocalistes du groupe folk américain Mountain Man — se trouvait au début de la fin d’un couple, moment qu’on sait fragile et glissant.

Dawnbreaker est donc la matérialisation d’un échec qui, en contrepartie, donne à l’oiseau blessé la force de s’envoler (magnifique « Human »). Si ses basculements pop et americana sont entraînants, Sauser-Monnig est au sommet de son art dans la simplicité, quand sa guitare et sa voix vaporeuse, parfois incroyablement perçante, forment un corps aussi tendu qu’une corde vibrante. Là, elle est plus forte que la tristesse.

***1/2


Damien Jurado: « In the Shape of a Storm »

14 avril 2019

Dans son nouvel album, In The Shape of a Storm, Damien Jurado continue le travail de dépouillement commencé il y a un an avec The Horizon Just Laughed. Et comme revenir aux commandes de la production ne lui suffisait pas, le songwriter change de label et signe dix courts titres guitare-voix impressionnants de maîtrise et d’émotion.

Enregistrés en deux heures, tous sont autant de merveilles de concisions. Hormis les premier et dernier morceau, pas un ne dépasse les trois minutes, pendant lesquelles Damien Jurado parvient néanmoins à faire s’épanouir sa narration sur des mélodies complexes et entêtantes. Le concept était très attendu par les fans qui rêvaient de cet album minimaliste. Et le temps était semble-t-il venu pour le songwriter, engagé dans une grande remise en cause de son travail suite au décès de son ami Richard Swift, l’extraordinaire arrangeur à qui il doit le succès de sa trilogie Maraqopa.

Tout semble facile quand on écoute ici Damien Jurado, alors qu’il faut un talent d’équilibriste remarquable pour dominer cette voix prête à se briser à chaque envolée, et réussir à la mettre en résonance avec les quelques accords qui traversent les compositions. Il y a cette légère réverbération dont il ne se départ jamais qui parvient à unir l’ensemble et quipermet à cette recette de fonctionne du début à la fin, sur ces notes de voyages, de nostalgie, de rencontres et de solitudes.

Après un « Lincoln » ombrageux et mélancolique, hommage (comme souvent) au paysage et à la fugacité, le nonchalant « Newspaper Gown » est une parfaite introduction à « South, » merveille vibrant dans la fébrilité de ses changements de tons et du sifflement détaché qui accompagne les accords en fin de titre alors que « Throw Me Now Your Arms » et « When You Want Me To Be » apporteront, quant à elles, la légèreté de leurs ritournelles.

Puis « Silver Ball » s’imposera alors dès les premières notes comme la clé de voûte de l’album. La voix plus haut perchée, un écho progressif, et un arrangement clavier discret confèrent au morceau un souffle inattendu. Après « Anchors », en forme d’hommage à l’ami disparu, « Hands On The Table » referme le disque dans une invocation lancinante. Le titre nous promettait une tempête, elle est passée en toute émotion.

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The Gloaming: « 3 »

30 mars 2019

En matière de relecture contemporaine du folk, The Gloaming est certainement fort habile — et ce troisième album du quintette démontre que les musiciens n’ont pas perdu leur maîtrise de la nuance et de la tenue des longs mouvements. Ainsi faut-il aborder les soixante-dix minutes de 3 comme on entrerait à l’aube dans un brouillard épais : avec la certitude qu’une lumière percera et que rien ne sera préalablement tracé. Presque rien, précisons-le, car les mélodies avec voix — toujours en sean-nós, ce chant traditionnel irlandais — restent le maillon faible de The Gloaming.

Alors que les pièces instrumentales (à trois têtes : piano, violons et guitare) laissent voir toute la finesse du jeu et des arrangements, comme l’évolutive « The Lobster » ou l’immense ondulation « Doctor O’Neil », les hybrides comme « Áthas » ou « Reo » tombent dans un ton affecté qui surprend, et même déçoit. Mais un album ne tient pas qu’à une chose : avec ses airs traditionnels aux canevas légèrement déconstruits, The Gloaming sait encore nous transporter.


Sarah Cracknell: « Red Kite »

15 juin 2015

Les débuts solo de Sarah Cracknell datent de 197 avec un single, « Love Is All You Need » représentatif de ce dont qu’elle avait développé avec Saint Etienne, prendre une chanson qui semble rétro et l’interpréter d’une façon résolument moderne.

Son esthétique était restée difficile à appréhender au sein du groupe dance-pop, et son premier album solo (Lipslide en 97) l’avait vue conjuguer avec succès rythmiques dance-floors et ballades émollientes comme « Ready Or Not » qui a illustré le film How We Used To Live.

Dix-huit ans plus tard, Cracknell rafraîchit sa carrière solo et son Red Kite la voit totalement éloignée de tout sens londonien, enregistré qu’il a été dans une grange près d’Oxford. Les douze morceaux qui le caractérisent mettent en avant le variété de styles que Saint Etienne véhiculait, une caractéristique que beaucoup n’ont pas perçu, mais cette démarche révisionniste s’effectue de manière tranquille et calme en la basant sur une orchestration décalée et une instrumentation à dominante folk.

On retrouvera le talent qu’a la chanteuse de confectionner des titres mélodiques mais celui-ci se fait de manière beaucoup plus intimiste. Le titre de l’albim fait référence à un oiseau récemment réintroduit, accentuant la sensation de fragilité qui court au long du disque d’autant que l’image d’un cerf-volent (kite) flottant dans l’air évoque le contenu du disque.

Cracknell est la fille du premier assistant directeur de Kubrick et elle n’a pas son pareil pour rendre cinématographique la moindre occurrence du quotidien. Les vignette soniques sont précises et elles nous font revisiter l’environnement rural qui a été celui de son enfance. La voix claire de la vocaliste sait parfaitement mettre en valeur l’existence de ses personnages, comme si l’élément folk acquérait enfin droit de cité.

Le titre d’ouverture, « On The Swings », introduit une douce caresses à la clarinette,  «Ragdoll » reprendra des éléments de country et les aspects émotionnels plus sombres auront leur place sur un « Hearts Are For Breaking » trompeusement enlevé et fuzzy.

Ajoutons enfin le duo avec Nicky Wire (MSP) sur « Nothing Left To Talk About » et réjouissons-nous de cet album élégant et empli de ces moments magiques qui en font une œuvre joliment aboutie.

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Matthew & The Atlas: « Other Rivers »

15 avril 2014

Matthew Hegarty avait sorti en 2010 un E .P., To The North, sous le nom de Matthew & The Atlas. Il s’agissait d’une assez bonne incursion mélancolique dans le monde de la musique folk, sans particularité notable llui permettant d’être remarqué.

L’ouverture de ce premier album, « Into Gold », montre de toute évidence que l l’artiste est devenu conscient de l’éventail de sons mis à sa disposition grâce à une voix assez unique et un talent indéniable pour le « songwriting ». Ce titre concentre les trois principaux thèmes de Other Rivers sur un sul morceau : les sections rythmiques et le synthétiseur, l’allant des percussion qui n’est pas pour autant intrusif et annoncera les subtiles variations qui deviendront des éléments clés de chansons comme « Out of the Darkness ».

Il s’agit ici d’une folk qui a évolué, capitalisant sur des pionniers comme Bon Iver et allant plus loin dans la définition qu’on peut donner à ce genre. On a, en outre, interaction complexe de le section à cordes et, sur chaque plage, un bain de guitares dont le liquide serait fait de reverb spatiales et vives. Un banjo pincé et une acoustique sèche nous rappelleront, toutefois, que les racines de Hagherty sont solidement plantées dans la folk. « Pale Sun Rose » ou « A Memory of You » bénéficieront ainsi de toutes ces entités où ce n’est que plaisir que d’entendre le compositeur maîtriser le pouvoir d’une instrumentation nuancée et comme sous-entendue.

Le facteur le plus décisif sera la voix du chanteur : son identité vocale est très forte et elle peut prendre le pas sur toute production de par sa présence, seul, avec simplement une guitare. Sur le dernier titre, « Another Way », elle bénéficiera de la compagnie de Matt Corby pour y ajouter des vocaux en falsetto à couper le souffle. Ce sera une juste fin à un Other Rivers qui sait à merveille concilier élévation et tonalités plus terreuses.

***1/2


Angel Olsen: « Burn Your Fire For No Witness »

18 février 2014

L’album précédent de Angel Olsen, Half Way, avait beau véhiculer une atmosphère laid back et teintée de country, on sentait que se cachait derrière une « songwriter » plus énergique et vociférante exemplifiée par moments dans des tonalités de guitares rugueuses et un grondement vocal plus amer.

Ces tendances agressives ont, deux ans plus tard, encore plus libre court sur ce Burn Your Fire for No Witness qui se montre plus sauvage, impétueux et rempli de confiance que son prédécesseur.

Finie la langueur d’avant, on a droit à un équilibre précautionneusement mis en place entre textes où affleurent auto-critique pointue et une musique à l’atmosphère remplie cette fois d’éléments de « stoner » rock. « Hi Five » est ainsi structuré comme une envolée désinvolte autour de clichés « classic rock » qui vont se dresser peu à peu en riffs de guitares distendus rappelant Neil Young ou The Seeds, esthétique nonchalante démentie par sa méditation sur la solitude. « Highr & Wild » fonctionnera sur le même contraste :piano et ligne de va-basse détendus se heurtant au phrasé sembleble à celui d’un animal blessé de Olsen digressant sur combien le sentiment d’insécurité dans lequel on se complait peut mener à des relations destructrices et la haine de soi.

https://api.soundcloud.com/tracks/128162811

La plus grande partie de Burn Your Fire for No Witness baignera dans ce climat de colère personnelle, comme pour sous-entendre que la condition humaine se définit par une capacité à simuler le bien-être et ignorer de ce fait le chaos qui nous entoure. Cette vision du monde pour le moins blasée se retrouve sur le titre d’ouverture, un « Unfucktheworld » dépouillé et bref, où Olsen suggère que se dévouer aux autres sert simplement à nous distraire de notre passé, de nos erreurs et du manque d’estime de soi.

Le splendide falsetto de Olsen n’évoque d’ailleurs jamais la fragilité mais plutôt la force comme sur ce « Windows » qui clôture le disque et qui retentit comme une rédemption par rapport à toutes les incertitudes qui précédaient

C’est une affirmation que tout le monde, y compris elle, mérite mieux ; qu’en se permettant de ressentir de la joie est aussi authentique que de sombrer dans la vindicte. Après avoir ainsi évacué les pièges qui entourent notre condition, nous est offerte chance d’y échapper et de trouver beauté dans cette opportunité.

 

guitareguitareguitare1/2

 


Sun Kil Moon: « Benji »

13 février 2014

L‘itinéraire de Mark Kozelek a toujours été plein de circonvolutions depuis que le chanteur indie-folk des Red House Painters s’est embarqué dans une nouvelle carrière sous le pseudonyme de Sun Kil Moon depuis 2002.

Son œuvre se situe confortablement sous l’étiquette « alt-country » mais, même à ses débuts, il était évident que ses intérêts étaient différents de ceux de la plupart des artistes du genre. Il a ainsi réalisé un E.P. Centré autour de reprises de Kiss, un disque solo reprenant du AC∕DC et, enfin, Sun Kil Moon.

C’est sous cette appellation que son style a évolué vers des projets acoustiques et introspectifs mettant en évidence son jeu de guitare cadencé et des textes qui sont plus de la prose que des tentatives poétiques.

Benji continue de distiller ces qualités de manière encore plus spécifique mais offre également quelques allusions vers où il semble vouloir bientôt se diriger.

Le titre d’ouverture, « Carissa » est un bien joli du retour du chanteur chez lui après avoir assisté aux funérailles d’un ami et en retrouve le même côté poignant sur un « Micheline » profondément touchant dans son récit d’une jeune femme affectée de problèmes mentaux. « Ben’s My Friend » se réfère à Benjamin Gibbard, le fondateur de Death Cab For Cutie, et est également une autre composition reprenant le thème de la mortalité. Ce titre qui clôture l’album est peut-être une préfiguration de ce en quoi constituerait le prochain intérêt de Kozelek ; un titre qui démarre comme une chanson rock direct avant de s’adoucir et de s’orner de breaks au saxophone et à la guitare acoustique.

De Kozelek on doit retenir son approche atypique et, par conséquent, ses idiosyncrasies. Il appartient à chacun d’entrer dans son univers ou de ne pas y pénétrer pleinement. Il est certain qu’on pourra trouver récursif ce recours à une thématique essentiellement axées sur le deuil ; heureusement que la musique, elle, parvient à secouer ce qui autrement serait preuve de redite pesante et laborieuse.

★★★☆☆