Todd Snider: « The Agnostic Church of Hope and Wonder »

27 avril 2021

Désormais, dans la pandémie qui a défini l’année 2020 et la première moitié de l’année 21, alors que la plupart d’entre nous travaillaient/étaient scolarisés à la maison, regardaient des séries télévisées à un rythme effréné et grignotaient sans fin pour apaiser le sentiment obsédant d’ennui, beaucoup de nos artistes préférés ont diffusé des concerts en direct sur Internet et, lorsque c’était possible, enregistré de nouveaux albums. Todd Snider a fait encore mieux en créant sa propre religion : The Agnostic Church of Hope and Wonder (L’église agnostique de l’espoir et de l’émerveillement), une excroissance de ses concerts réguliers du dimanche matin diffusés en direct. Cet album est son quatorzième enregistrement studio de matériel original, bien qu’il ait sorti de nombreux albums live et un album hommage à l’une de ses premières influences, Jerry Jeff Walker, l’un des premiers renégats de la country outlaw et l’auteur-compositeur qui nous a donné « Mr Bojangles ».

Alors que Snider s’est promené de-ci de-là dans le spectre des auteurs-compositeurs-interprètes, touchant à la plupart des bases de l’Americana, à savoir le folk, l’alt-country et le roots rock quand cela lui convenait, ce sont ses paroles intelligentes, souvent très drôles, qui lui confèrent ses qualités les plus attachantes et mémorables. Sur Agnostic Church, Snider explore une musique plus funky, plus gospel, tout en conservant son phrasé vocal unique. Dans « The Get Together », l’un des noms qu’il a donné à ses émissions en direct du dimanche matin avant de choisir le titre actuel de l’album, Snider admet avoir « réfléchi au sens de l’existence, et je suis presque sûr que ce n’est pas ça », et avoir continué à « explorer la nature de l’être jusqu’à ce qu’il en atteigne le cœur », mais l’illumination ne l’a réveillé que parce qu’il était désormais au chômage. Ainsi, le credo de Snider, si l’on peut dire, est pour les vrais agnostiques, c’est-à-dire ceux qui savent une chose vraie : qu’ils ne savent rien du tout. Confortablement installés dans leur ignorance, Snider et ses fidèles sont libres de se contenter d’être, de taper des mains, de chanter et de danser, et d’être, simplement être.

Si l’église agnostique a un autre sens de l’identité, « The Battle Hymn of the Album » suggère que c’est que tout le monde et toutes les espèces sont les bienvenus. La chanson adapte un rythme et une phrase de marche des soldats de l’Union, selon laquelle « le corps de John Brown est peut-être mort et parti, les soldats de John Brown marchent toujours », un hommage au héros abolitionniste (anti-esclavagiste). Sinon, tout le monde est invité à descendre pendant que Snider « prêche à la chorale de la maison de merde » sur « Stoner Yodel Number One ». Pour l’essentiel, la philosophie est que la vie est trop brève, alors ne perdez pas un instant, « Never Let a Day Go By », ne succombez pas aux divisions artificielles, vivez et laissez vivre.

Musicalement, l’ambiance est décontractée et funky, avec des voix qui appellent et répondent sur un groove profond et large, mais la légèreté sous-jacente est enracinée dans la conscience que la vie est comme la vieille blague que l’existence est douloureuse et difficile, et somme toute trop courte. Snider, comme le reste d’entre nous, a vu beaucoup de pertes l’année dernière. Walker est décédé en 2020, et le morceau d’ouverture, « Turn Me Loose (I’ll Never Be the Same) », provient d’un commentaire désinvolte qu’il a fait une fois pendant un concert. Snider fait un clin d’œil au colonel Bruce Hampton à la fin de cette chanson, suggérant que la phrase est quelque chose que les cow-boys de rodéo criaient quand ils étaient prêts à partir, avant de poser la question existentielle, « si la foi déplace les montagnes, que faut-il pour les laisser seules ? », une façon curieuse de demander pourquoi nous devons perdre nos héros, nos amis et nos proches. « Sail On, My Friend » est dédié à Jeff Austin, le leader du Yonder Mountain String Band récemment décédé, tandis que le décès de Neal Casal, qui jouait dans le groupe de Snider, Hard Working Americans, est ressenti tout au long de l’album.

Mais le plus touchant est l’hommage de Snider à son mentor, ancien directeur de label et influence majeure, le célèbre chanteur/compositeur John Prine. En rupture avec l’énergie funky présente partout ailleurs sur le disque, « Handsome John » est une ballade douce et simple au piano, où Snider admet « ne pas l’avoir connu aussi bien que je le dis à tout le monde », reconnaissant que l’on a pas besoin d’aller chercher pour trouver ses racines.

Toutes les bonnes choses ont une fin, même les plus louches, et dans « Agnostic Preacher’s Lament », Snider confesse que sa congrégation veut que Dieu, s’il existe, « réussisse tout ce qu’il essaie, vive pour toujours et ne meure jamais », si cela est possible. De plus, il les a peut-être trompés en leur promettant quelque chose qu’il ne peut pas leur offrir. C’est pourquoi Snider termine l’album avec « The Resignation vs. The Comeback », qui commence avec le bon révérend d’effaçant de la scène, pour découvrir que la rédemption peut lui offrir une seconde chance après tout. Snider réalise cet album génial et amusant avec l’aide de Robbie Crowell (Midland), et du multi-instrumentaliste Tchad Blake, mieux connu comme ingénieur du son. Quant à « Hope and Wonder » dans le titre de l’album, la musique entraînante et l’attitude désinvolte de Snider donnent le sentiment qu’il y a des choses dans la vie qui valent la peine d’être vécues, et bien qu’il ne puisse qu’affirmer avec certitude qu’il ne sait pas ce que personne d’autre ne sait vraiment.

***1/2


Esther Rose: « How Many Times »

22 avril 2021

Voici un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient toujours à rendre un genre séculaire aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

Après avoir enregistré avec Jack White et fait la première partie de Nick Lowe, figure emblématique de la new wave, Esther Rose s’est lancée dans une période d’agitation qui l’a vue partir en tournée sans relâche, déménager non pas une mais trois fois et naviguer entre les écueils d’une relation difficile. Pendant cette période, elle a tout de même réussi à écrire son troisième album studio, How Many Times. Le déplacement du cœur brisé causé par ces quelques années instables a clairement filtré dans l’album et lui donne le genre de mouvement perpétuel inhérent qui est habituellement réservé à des actes plus optimistes et plus pop. Il y a un sentiment sous-jacent de positivité, même lorsque la résonance émotionnelle de la musique vous dit qu’il ne devrait pas y en avoir. Le résultat est un album folk intime et stupéfiant qui vous brisera le cœur et vous fera sourire dans la même mesure.

Même le violon regretté de l’ouverture de l’album et de son homonyme « How Many Times » ne suffit pas à entamer l’optimisme. Il y a quelque chose de merveilleusement intrépide dans l’approche de Rose de la douleur d’une rupture. « Je pensais avoir touché le fond mais je retombe vite. Dis-moi pourquoi c’est si difficile de faire durer une bonne chose » (Thought I hit the bottom but I’m falling fast. Tell me why is it so hard to make a good thing last), chante-t-elle, d’une voix qui vous incite à ne pas vous sentir désolé pour elle malgré les paroles. C’est une chanson country classique de chagrin d’amour, mais quelque chose nous dit que, même si elle est sur la corde raide, elle n’est pas encore sortie d’affaire. Les derniers instants de la chanson s’orientent vers un territoire plus triomphant, suggérant qu’il y a de l’espoir à trouver dans tous ces accords mineurs. « Keeps Me Running » accélère un peu le rythme ; un refrain accrocheur et une section rythmique percutante nous assurent, ici, que Rose n’a pas peur de flirter avec les sensibilités pop. Un solo de guitare langoureux et rêveur ajoute au plaisir tandis que la section rythmique le suit avec enthousiasme. Le morceau suivant, « My Bad Mood », est une chanson tellement ancrée dans ses racines country que l’on peut presque sentir les nuages de fumée du bar. « Je suis fatiguée de moi » (I’m getting pretty tired of me”) chante Rose de sa langue bien pendue. 

Avec « Coyote Creek », l’album bascule momentanément dans un territoire plus sombre et plus mélancolique, mais les lumières ne s’éteignent qu’un instant avant l’arrivée d’un refrain folk-pop plus optimiste. Good Time  » fait exactement ce que son titre promet, mais là encore, il y a une tournure tragicomique. « C’est un bon moment. Having a real good time. It’s a real good time for bad timing  » (C’est un bon moment pour un mauvais timing), le refrain ajoute une autre touche douce-amère aux procédures. Les guitares grattent avec vigueur, vous incitant à vous lever et à danser. « Laisse tes problèmes à la porte, chéri. Et laisse ta copine aussi, tu sais qu’elle est tellement chiante» Leave your trouble, honey, right at the door. And leave your girlfriend too, you know she’s such a bore), c’est là que Rose fait preuve de la plus grande ironie lyrique. De plus, l’ouverture façon Temptations sur « When You Go » crée l’ambiance pour une autre chanson anti-amour : « S’il te plaît, emmène-moi avec toi quand tu pars » (Please take me with you when you go) plaide Rose, mais nous avons déjà six pistes et nous connaissons déjà la réponse. Parfois, la chanson donne l’impression d’être à deux doigts du classique des années 50 « Tears on my Pillow »Please take me with you when you go . Alors qu’en temps normal, être aussi dérivé pourrait être un concept négatif, ici ce n’est pas une mauvaise chose du tout. C’est un album qui hérite pleinement d’un lieu différent et qui gagne son droit de s’asseoir à côté de ses prédécesseurs.

Dans un album qui ne contient que peu de compositions superflues, « Songs Remain » parvient à réduire encore le surabondant. C’est un moment où les lumières sont éteintes, où la chanteuse est seule sur scène, ce qui en fait la chanson la plus intime de How Many Times. C’est un exploit en soi, étant donné que nous avons face à nous un album entièrement construit sur des moments intimes. La chanson est touchante et vulnérable, Rose se lamentant : « Mais laisser partir ne signifie pas perdre, car une partie de moi vit en toi. Je suis heureuse que ce soit toi qui m’aies brisé le cœur. Parce qu’il fallait que ce soit toi qui me brises le cœur » (But letting go doesn’t mean you lose, because a part of me lives on in you. I am glad it was you who broke my heart. Because it had to be you who broke my heart ). La chanson se termine brusquement et nous laisse debout sous la pluie, écoutant une voix-mémoire balayée par le vent, enregistrée par Rose au sommet du Mont Philo dans le Vermont. C’est un morceau intelligent de poésie sonore qui prépare le terrain pour le suivant, « Mountaintop ». Ce titre comporte des couplets enjoués complétés par un refrain entraînant. Musicalement, c’est l’un des moments les plus pop. La batterie saute aux côtés des guitares qui traversent la gamme, tandis que Rose nous offre un autre aperçu de ce qui se passe derrière les portes fermées : « L’obscurité s’installe et je veux une nuit de péché de plus. Et n’aimes-tu pas la façon dont je suis. Ne veux-tu pas être mon homme ? » (Darkness settles in and I want one more night of sin. And don’t you like the way I am. Don’t you want to be my man ?). C’est un témoignage d’Esther Rose que ses voix sont toujours retenues, comptant seulement sur l’intimité naturelle de sa voix pour vous attirer.

« Are You Out There » contient des paroles comme « Sitting home alone on Saturday night Boo-hoo, my candle burning » (Assis seul à la maison le samedi soir Boo-hoo, ma bougie brûle ) et « Who knew? Were you pretending? But I really lost my shit, you know I fell for you. It’s never-ending » ( Qui le savait ? Tu faisais semblant ? Mais j’ai vraiment perdu ma merde, tu sais que je suis tombé amoureux de toi. C’est sans fin).. L’explétif bien placé peut vous prendre au dépourvu, mais pas le solo de violon en mode glissé qui vous plonge plus profondément dans les racines country d’un album qui prend des tonalités ouvertes et magique. « Without You » conclut l’album comme il a commencé : un œil sur l’avenir et un autre sur le passé. La basse est montée à un niveau qui fait claquer les cuisses, mais l’humeur est toujours aussi désespérée. « Tu viens à mon concert ? » » (Are you coming to my show ?) Rose s’interroge sur son amant perdu. Encore une fois, nous connaissons déjà la réponse mais cela n’a pas d’importance, quelque chose nous dit qu’elle va s’en sortir. 

How Many Times est une lettre d’amour pourqui veut se relever, se dépoussiérer et être capable de faire un sourire en coin aux choses qui ont failli vous briser. Il ne cherche pas à réinventer la roue, mais il n’a pas à le faire. C’est un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient à rendre un genre vieux comme le monde aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

****


Lydia Loveless: « Daughter »

8 octobre 2020

Née dans l’Ohio, Lydia Loveless a toujours été entourée de musique. Toute sa famille étant musicale, Loveless gravite vers des sonorités différentes allant du country au punk. Son style spécifique de musique country a été découvert à 15 ans par David Rhodes Brown, l’homme à qui l’on doit plus tard la production de son premier album, The Only Man, en 2010. Depuis lors, elle a sorti une série d’albums, de singles, de disques live et de clips vidéo. Son succès a été porté par l’émotion de Loretta-Lynn et la puissance de Pat Benatar.

Souvent, en écoutant un album jusqu’au bout, les chansons commencent à s’embrouiller et à se mélanger. Ce n’est pas un de ces albums. Dans son nouvel album Daughter, sorti en 2020, Loveless est capable de combiner divers aspects de différents types de musique pour créer son propre son original. Il semble qu’à chaque chanson, un nouveau morceau d’un genre ou un nouvel élément a été ajouté à son rythme classique de Loveless. Chaque morceau de ce disque semble avoir sa propre personnalité et son propre » »quelque chose » à dire.

L’album commence sur une note solennelle avec la chanson « Dead Writer », une guitare solitaire et une invitation dans « ma garçonnière » dont elle dit qu’elle « reste ici quand les choses vont mal ». La chanson commence alors à s’ouvrir et la batterie et d’autres guitares viennent soutenir l’instrument original. Tout au long de la chanson, la narratrice garde un ton solennel et réfléchit à la boisson après un amour perdu.

Deux chansons plus tard, c’est le point culminant de l’album, et l’un des morceaux les plus divers de tout le projet, « The Wringer ». La solennité est jetée pour un groove funk semblable à celui de Prince. Loveless y ajoute bien sûr sa propre interprétation, en y ajoutant une guitare acoustique pour la profondeur. Il semble que cette profondeur ait été une bonne décision étant donné que cette chanson parle d’une femme qui en a assez d’une relation qui lui fait toujours subir un autre qui la malmène . Dans un autre exemple étonnant de variance musicale et d’indépendance de la piste, « Never » s’ouvre sur trois accords de piano et une note de synthétiseur en fond. La chanson évolue ensuite vers un morceau punk à forte teneur en basse qui rappelle un vieux disque de Red Hot Chili Peppers.

L’album se termine par deux titres qui rappellent à nouveau la polyvalence de cette artiste. Le premier des derniers morceaux s’intitule « September »; ballade menée uniquement au piano, cette chanson réfléchit aux difficultés du vieillissement et elle laisse transparaître la voix tremblante mais puissante de Loveless. La dernière chanson est un voyage psychédélique à travers la décision mentale d’abandonner nommée « Don’t Bother Mountain », elle et pleine de synthés et de basses en pâmoison, une sensation de calme s’en élève dans la façon dont elle décrit son sentiment de gravir le sommet de la montagne.

Loveless est capable de garder ses racines et sa musique en empruntant à de nombreuses sources différentes. En gardant ses racines, les gens peuvent avoir un aperçu fantastique de ce qu’est Loveless en tant qu’artiste, non seulement à travers sa musique, mais aussi à travers ses influences musicales. Lorsque l’artiste est capable de briller à travers son disque, lorsqu’elle peut garder un album engageant de chanson en chanson et lorsqu’elle peut faire quelque chose de différent, un grand album est fait, et c’est exactement ce que Lydia Loveless a fait avec Daughter, un opus qui fait Lydia Loveless fait revivre les légendes de la musique dans cette nouvelle œuvre éclectique

***1/2