Tegan and Sara: « Crybaby »

22 octobre 2022

Il est difficile de croire que Tegan and Sara en sont à leur dixième LP. Les sœurs jumelles Quin ont fait leur apparition à Vancouver grâce à leur quatrième album, So Jealous, sorti en 2004, et ont depuis été certifiées platine et ont remporté de nombreux prix. Leur nouvel album, Crybaby, a été créé en partie par Sara qui jouait avec une application d’échantillonnage.

Elles ont emmené des démos construites principalement à partir de ces boucles au studio avec le producteur John Congleton (The War on Drugs, St. Vincent). Avec Crybaby, les deux sœurs ne sont pas au mieux de leur forme. Les chansons écrites par Tegan, comme « Fucking Up What Matters », « Pretty Shitty Day » et « Smoking Weed Alone », donnent l’impression qu’elle traversait une période difficile.

Au sujet du titre de l’album, Tegan a dit qu’elle enviait la capacité des enfants à être des pleurnichards : « Je me sentirais mieux si je pouvais me jeter par terre et faire une bonne vieille crise de colère. Et puis me relever et être totalement rétablie, parce que j’ai tout évacué de mon système. »

Cette attitude commence tout de suite avec le titre principal « I Can’t Grow Up », une chanson pop très entraînante. Si cet album a un défaut, c’est que Tegan et Sara se penchent trop sur les boucles vocales. Chaque composition de Crybaby est soit construite autour de boucles vocales, soit généreusement ornée de boucles vocales, mais sous ces boucles, on retrouve les mêmes solides compétences en matière d’écriture de chansons dont les deux femmes ont toujours fait preuve. « So lemme lemme get what I want/ And when you break it off/ Get me up and back to the start/ ‘Cause I can’t grow up »(Alors laisse-moi avoir ce que je veux/ Et quand tu romps/ Remonte-moi et recommence/ Car je ne peux pas grandir) , dit le refrain, et c’est une auto-critique cinglante, même si elle critique son partenaire : « You’re always cut-cut-cutting me off! » (Tu es toujours en train de me couper, de me couper, de me couper !)

Après le stress deu confinement les sœurs sont là pour se défouler, se défouler sur leurs proches et sur elles-mêmes. « Fucking Up What Matters » est optimiste et dansant, même si ses paroles expriment la dépression et le désarroi. « Je n’essaie pas de nous détruire, je déteste juste ce que nous sommes devenus/ Sans toi, je me sens vide mais autour de toi, je me sens engourdie »,( I’m not trying to destroy us, I just hate what we’ve become/ Without you, I feel empty but around you, I feel numb), chantent-elles sur un rythme propulsif et des synthés frénétiques.

Un des points forts de l’album est « Yellow », une chanson plus lente avec une accroche qui va droit au cœur. « Cette ecchymose n’est pas noire, elle est jaune. Mon cœur se brise, alors fais attention » (his bruise ain’t black, it’s yellow/ My sweet heart breaks, so be careful,), chantent Tegan et Sara. Si vous écoutez bien, vous pouvez entendre Luke Reynolds (Guster, Sharon Van Etten) à la basse et Joey Waronker (Beck, Elliott Smith) à la batterie tout au long de l’album, et bien qu’ils soient un peu en retrait dans le mixage au profit des boucles vocales, leur jeu est parfait et sert les chansons avec art.

Tegan et Sara jouent également avec la façon dont nous pensons que les émotions doivent sonner. « Pretty Shitty Time » a un côté jovial, presque country-western, mais les voix des sœurs se combinent pour exprimer des sentiments comme « Je n’ai jamais été très douée pour dire quand je souffre, mais je souffre maintenant ». « Under My Control » utilise une cadence confiante et un chant de pom-pom girls pour déclarer : « Je devrais recommencer à travailler sur moi-même/ Je dois maîtriser ces sentiments que je ressens en moi/ … » (I should start working on myself again/ Get these feelings that I feel within/ … Under my control). Toutes ces chansons sont très chargées en synthétiseurs, comme leur travail l’est depuis Heartthrob en 2013.

Il faut s’attendre à ce que Tegan et Sara, après tout ce temps dans la musique, continuent à chercher de nouvelles idées et de nouvelles façons de construire des chansons. Les boucles vocales sont nouvelles, mais les sons excessivement traités semblent plus gadgets qu’inspirés. Il serait intéressant d’écouter une version acoustique de cet album, comme celle que le duo a enregistrée pour « So Jealous » (intitulée Still Jealous), pour voir si les chansons tiennent la route sans toutes les cloches et les sifflets, car c’est probablement le cas.

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Wild Pink: « ILYSM »

21 octobre 2022

Au début de l’année 2021, Wild Pink a sorti A Billion Little Lights, un album qui a annoncé que John Ross était un auteur-compositeur vraiment doué, capable de contenir de vastes panoramas dans une seule chanson. Moins de 20 mois plus tard, le groupe est de retour avec ILYSM, une collection qui repousse les limites de ce qui constitue le son de Wild Pink sans pour autant démonter complètement ce qu’ils ont tranquillement construit au cours de leurs trois précédents albums.

Pour Ross, ILYSM est une tentative d’équilibrer la catharsis et le chant d’une manière qui peut parfois être diamétralement opposée. Wild Pink est un groupe pour lequel la beauté vient en abondance, mais pour Ross, l’année dernière a été parsemée de défis. Il est un peu obsédant d’apprendre que Ross a enregistré cet album en sachant qu’il avait un cancer dans les ganglions lymphatiques.

Cela s’est évidemment reflété dans le contenu de l’ILSYM, notamment dans le deuxième single de l’album, « Hold My Hand », un duo chuchoté au piano avec Julien Baker qui raconte le moment précédant sa première opération, alors qu’une infirmière lui tient la main pendant qu’on l’endort.

D’un point de vue sonore, cette collection étire un peu les choses, laissant place à plus d’expérimentation que ce que nous avons vu de Wild Pink dans le passé. Sur « Abducted at the Grief Retreat », Ross déforme sa voix en quelque chose d’onirique, mais la question de savoir si ce rêve est un cauchemar plane au-dessus de la chanson comme un nuage noir. « Sucking on a Birdshot » met en œuvre une cacophonie qui éclate dans une scène autrement pastorale d’une manière qui menace de briser l’arrière du disque en deux. C’est une ligne de conduite difficile à tenir pour Ross et sa compagnie, mais qui donne finalement à l’album une certaine vitalité, même si cela implique de renoncer à la beauté pure et ensoleillée de A Billion Little Lights.

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Lorde: « Solar Power »

22 août 2021

L’idée de ce qu’est la musique pop et de ce que peut être une pop star est en constante évolution. Il semble que nous soyons entrés dans une ère où les plus grandes sensations pop adoptent un réalisme émotionnel au lieu des excès grandiloquents du passé. Sur son dernier album, Solar Power, Lorde a créé une collection de chansons discrètes, réfléchies et très conscientes d’elles-mêmes.

Tout en reprenant des éléments du passé, le son Laurel Canyon des années 60 mélangé aux confessions des chanteurs-auteurs de Lilith Fair des années 2000, Lorde a créé un album parfaitement en phase avec notre époque. Les composotions sont aussi drôles que déchirantes et remplies du genre d’ennui contemporain qui vous est certainement familier si vous avez déjà fait défiler Twitter pendant une heure ou deux. Le producteur Jack Antonoff sait comment ajouter la quantité requise de construction dans chaque chanson, superposant des pads de synthé et une tonne de chorus aux guitares acoustiques, tout en gardant les procédures sonnant très organiques. Solar Power est un beau pas en avant pour Lorde en tant qu’artiste. Elle semble extrêmement détendue, confiante et plus naturellement elle-même qu’elle ne l’était auparavant.

Après avoir terminé la tournée mondiale de son dernier album, Melodrama, Lorde est retournée en Nouvelle-Zélande pour récupérer et l’album commence par un aperçu de ce qui se passait dans sa tête pendant cette période. Ressemblant plus à un prélude qu’à une véritable chanson, « The Path » donne le ton parfait pour ce qui va suivre. Sa voix est à l’avant-plan tout au long de l’album et elle chante par-dessus une ligne de guitare bancale, remplie de refrains, « Now I’m alone on a windwept island/Caught in the complex divorce of the seasons/Won’t take the call if it’s the label or the radio » (Maintenant, je suis seule sur une île balayée par le vent / Pris edans le divorce complexe des saisons / Je ne prendrai pas l’appel si c’est l’étiquette ou la radio), avant d’ajouter qu’elle veut juste « The Sun to show us the path » (Quee soleil pour nous montre le chemin), établissant le thème récurrent de l’album de se retirer dans la nature pour trouver une sorte de clarté. « Solar Power » ressemblera à un mash up insolent de « Freedom » de George Michael et de « Loaded » de Primal Scream, et c’est comme attraper un rayon de soleil par une journée froide.

La plupart des titres de l’album oscillent entre des ballades minimales à base de guitare comme « Fallen Fruit », avec son message de préoccupation environnementale, et des titres plus optimistes comme « Secrets from a Girl (Who’s Seen It All) », qui ne dépareillerait pas face à « Torn » de Natalie Imbruglia, avec son acoustique grattée et son breakbeat entraînant. Le point culminant de l’album, « Stoned At The Nail Salon », le deuxième « single » de Solar Power et une chanson qui semblait être un choix étrange pour un « single » mais qui, dans son contexte, prend tout son sens. C’est Lorde au meilleur de sa forme. En tant qu’auteur, interprète et parolier, tout ici s’accorde à merveille. Elle capture la tristesse et l’inquiétude inhérentes à toute décision importante que l’on doit prendre dans la vie et c’est d’une beauté saisissante.

Solar Power semble être le début d’un nouveau chapitre dans la carrière de Lorde. Une sensation pop qui ne se soucie pas de faire de la musique pour quelqu’un d’autre qu’elle-même. L’album conserve l’honnêteté dont elle a fait preuve sur Melodrama, sans le bagage de devoir faire de ces chansons des tubes et l’album tout entier s’en trouve amélioré. Détendue, confiante et hilare, cette idée de ce qu’est la musique pop et de ce que peut être une pop star a évolué en quelque chose de sacrément bien.

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Soula Asylum: « Hurry Up And Wait »

5 juin 2020

Soul Asylum a vu le jour au début des années 80 dans les Twin Cities de Minneapolis/St. Paul, dans les mêmes clubs que Husker Du, The Replacements, The Suburbs, qui ont tous signé des contrats avec de grandes maisons de disques. Dirigés par le chanteur David Pirner et le guitariste Dan Murphy, sous le nom très approprié de Loud Fast Rules, ils avaient changé de patronyme pour devenir Soul Asylum au moment où ils ont enregistré leurs débuts sur le label indépendant Twin/Tone, avec Bob Mould de Husker à la production. Soul Asylum a sorti Grave Dancers Union album qui a donné naissance à trois hits très réussis, « Somebody to Shove », « Black Gold » et « Runaway Train », avant de vendre 3 millions d’exemplaires, et cette dernière chanson a remporté le Grammy de la Meilleure chanson rock cette année-là. Let Your Dim Light Shine contient un autre « single » fort, « Misery », mais alors que le groupe continue à sortir des albums, il plafonnera en terme d’apogée commerciale et créative au milieu des années 90, aux côtés des groupes grunge de Seattle qui se vendent bien.

En 2002, Pirner a sorti un album solo. Le premier bassiste de Soul Asylum, Karl Mueller, est décédé d’un cancer en 2005 et Tommy Stinson des Replacements l’a rejoint jusqu’en 2012. En 2016, Murphy s’est retiré de la musique, laissant à Pirner le dernier membre original restant. Il est actuellement épaulé par le batteur Michael Bland, qui a joué dans le groupe de Prince pendant des années, ainsi que par l’ancien Mat’s Paul Westerberg, le bassiste Winston Roye et le nouveau membre guitariste Ryan Smith, du groupe local de Twin Cities, les Melismatics. Il s’agit donc du 12e album de Soul Asylum, ledernier avec Pirner ,seul membre original restant.

Hurry Up and Wait s’ouvre sur les accords acérés de guitar rock classique avec « The Beginningz, suggérant d’emblée qu’il ne faut pas s’inquiéter de l’absence de Dan Murphy, car Smith est clairement bien adapté au rôle de feuilleton musical de l’auteur-compositeur-interprète Pirner. Alors que Pirner a dépassé les premiers cris et hurlements qui accompagnaient le territoire dans les clubs punk, il a développé une voix naturellement pleine d’âme, et un réel talent pour écrire une solide mélodie de chanson pop, avec peut-être plus de potentiel commercial que la plupart des œuvres plus pop de Westerberg et de Mould. Il y a même un bref passage à la trompette, faisant écho à la mélodie de Pirner, un rapide clin d’œil à l’autre endroit où Pirner a vécu et possède également un studio d’enregistrement, la Nouvelle-Orléans.

« If I Told You », trouve Pirner en pleine forme en train de chanter une ballade rock, à laquelle Smith ajoute un joli solo de guitare. C’est l’une des nombreuses chansons qui évoquent le divorce quelque peu récent de Pirner, mais c’est le genre de morceau qui monterait en flèche dans les hit-parades si la radio rock moderne était encore une chose qui compte. « Got It Pretty Good » est le prochain morceau, une marche rock amusante avec un crochet chanté naturel et de grosses guitares. En tant qu’auteur-compositeur chevronné, Pirner fait ressortir de nombreux accroches mélodiques superbes et intelligentes, et le groupe se montre à la hauteur de l’occasion tout au long du morceau, mêlant les rockers aux ballades des auteurs-compositeurs dans un mélange assez convaincant de sons solides. La voix usée de Pirner a toujours cette qualité qui attire l’auditeur, et lorsqu’il est sollicité, il peut toujours crier et hurler.

Quatre albums ont vu le jour depuis le doublé de Grave Dancers Union et Let Your Dim Light Shine, mais il n’est pas difficile d’imaginer que Hurry Up and Wait a le même facteur qui distingue ces deux œuvres. Il est certain que « Social Butterfly » et « If I Told You » sont des « singles » frappants, tandis que « Dead Letter » et « Here We Go » suggèrent cette période où Bon Joni faisait des albums solo avec une vibe acoustique, tandis que Pirner & Co. apportent le rock & roll à des morceaux comme « Landmines », « Freezer Burn » et « Hopped Up Feelin’ ». Le disque de 13 titres se termine par « Silly Things », qui ressemble à un solo de rock dance de la fin des années 80, assez accrocheur pour ne pas se sentir du tout idiot. Il ne fait aucun doute que Soul Asylum a renoué avec ce qui a toujours rendu le groupe si attrayant, et tout cela s’est réuni dans ce qui pourrait bien être un album de retour, ou du moins le serait si nous faisions et étions encore intéressés par ce genre de choses.

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The Innocence Mission: « See You Tomorrow »

9 avril 2020

La volonté d’aller là où The Innocence Mission veut nous emmener dépendra en grande partie de notre réaction face à la voix plus douce que nature de la chanteuse Karen Peris. The Innocence Mission est le genre de groupe qui se recroqueville sur ses lauriers lorsque Belle & Sebastian se pavane sur le terrain de jeu. Leur 12ème album, See You Tomorrow, les voit labourer un sillon encore un peu plus pianistique qu’auparavant.

À part cela en effet, tous les tropes standards d’Innocence Mission sont présents et corrects. Chant magnifique ; refrains acoustiques furtifs et insistants ; piano joué comme en cas de présomption de pluie imminente. Pour l’essentiel, c’est un album d’un minimalisme absolu et d’une mélancolie mordante, une musique faite pour des gens qui ne sont pas prompts à rejeter quelque chose si cela semble déprimant.

See You Tomorrow est un disque tranquille, un disque pour le matin après une nuit lourde et regrettable. Écoutez J »ohn As Well » avec son contrepoint ponctuel de voix douces avec des chœurs fredonnants, un piano épars et occasionnel et soudain des guitares presque espagnoles. Parfois, Peris chante comme si l’Anglais n’était pas sa langue maternelle, en faisant sonner les mots comme s’ils contenaient un mystère distinct du sens, comme si elle ne les avait entendus qu’une demi-heure plus tôt.

Il faut des jeux répétés pour révéler les profondeurs subtiles, l’orgue à pompe, l’accordéon, la basse électrique, le mélodica, le mellotron. Parfois – comme dans « Mary Margaret In Mid-Air », où Peris joue en duo avec son mari Don, tous deux demandant « Will she love me / Pass it on » – on peut presque entendre le sous-sol dans lequel l’album a été enregistré. Il n’est pas surprenant de découvrir que Sufjan Stevens est un grand fan.

Parfois – sur des chansons comme « We Don’t Know How To Say Why » et « Stars That Fall Away From Us » – elles sont majestueuses, transcendantes, envoûtantes, fascinantes. Vous êtes élevé hors de vous comme s’il était visité par des anges. D’autres fois, comme sur l’ouverture « The Brothers Williams Said », vous voulez leur faire un câlin, leur dire que ça va aller, leur demander s’ils ont besoin d’une bonne tasse de thé. C’est sérieux, c’est ce que nous disons ; pas de la musique pour les gens qui veulent une petite dose de merveille en deux secondes. Il faut vivre avec ça. Admirez sa beauté de loin. Laissez-la opérer sa magie sur vous.

« Je suis toujours à côté de vous » (I’m always on your side), Peris chante très tôt et ça fait du bien, comme si c’était quelque chose que vous vouliez. Oui, c’est précieux et peut-être pas pour tout le monde, mais pour ceux qui aiment ce que fait The Innocence Mission, leur dernière carte postale du bord vous donnera tout ce dont vous avez besoin.

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Rustin Man: « Clockdust »

22 mars 2020

Arrivé juste après le magnifique Drift Code de l’an dernier, Clockdust offre une généreuse seconde portion de merveille atmosphérique du projet solo de Paul Webb, Rustin Man. Vous en attendriez moins d’un homme qui s’est fait les dents en tant que bassiste de Talk Talk ?

De la merveilleuse et pensive « Jackie’s Room » à la gloire dub de « Night In The Evening », en passant par le blues scuzzy de « Love Turns Her On », Webb tisse sans effort une tapisserie complexe à partir d’un ensemble éclectique d’éléments musicaux disparates, créant ainsi le genre de disque somptueux à plusieurs couches qui ne demandent qu’à être écoutées à répétition ; autant un portail vers un autre monde qu’une collection de chansons immaculées. Tput simplemet divin.

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Hawksley Workman: « Median Age Wasteland »

15 septembre 2019

Cela fait maintenant deux décennies que Hawksley Workman est dans les circuits et reste indétrônable dans son milieu. Le musicien multi-instrumentiste canadien avait publié un dernier album nommé Old Cheetah il y a cinq années de cela maintenant. Cette année, il revient en format épuré comme auparavant avec son successeur nommé Median Age Wasteland.

Voici donc onze nouveaux morceaux plus folk et plus mélancoliques qu’auparavant. Les éternels nostalgiques des albums comme Treeful of Starling ou encore Between The Beautifuls seront bien servis car des morceaux épurés et downtempo à l’image de l’introduction nommée « Birds In Train Stations » ou de « Battlefords » et « Italy » en sont légion. Très vite, on se laisse emporter par la grâce infinie des compositions comme « 1983 » et « To Receive » sublimés par des chœurs féminins.

Bien entendu, Hawksley Workman nous réserve tout de même quelques surprises à bord de ce voyage musical placé sous le signe de la quiétude. Ses origines glam peuvent revenir au galop quand on s’y attend le moins notamment sur les plus produits « Song of Summer » mais également sur le plus psychédélique « Stoners Never Dream » pour prouver que l’inventivité du canadien reste toujours aussi intact. Entre temps, on se laisse bercer de nouveau avec « Skinny Wolf » et « Oksana » qui viendra clôturer ce Median Age Wasteland doucereux et planant comme il se doit. Vingt ans d’activité et Hawksley Workman continue de nous ifaire chavirer.

***1/2


The Proclaimers: « Angry Cyclist »

9 août 2018

The Proclaimers ne démentent pas leur patronyme tant ils proclament leurs chansons comme si elles étaient les choses les plus importantes du monde ou plutôt de leur monde.

Les frères Reid, Craig et Charlie, ont, à juste titre été considérés comme des artistes « blue eyed soul » et l’imposant « Streets of Glasgow » met pile le doigt sur ce qui constitue leur gestalt.

Cette démarche n’a pas changé et demeure indifférente au point de vue qu’on peut avoir sur eux, The Proclaimers n’ont de cesse de nous abreuver de leurs refrains, ici il y en a 13, produits par Dave Eringa (Manic Street Preachers, Idlewild) .

Angry Cyclist est leur onzième opus et de colère (« anger ») il est question, que ce soit sur les ballades ou les titres portés par la vindicte.

On entendra donc des « rockers » à la Springsteen (« Then It Comes To Me », « You Make Me Happy »), des lamentations acoustiques étayées par des cordes (la chanson titre attaquée en forcing compulsif), de la country cosmique « (A Way With Words ») ou des compositions plus apaisantes (la merveilleuse composition valsée qu’est « The Hours Between ».

L’essence de Angry Cyclist est de vous atteindre et chaque couplet ne pouura que vous laisser dévasté. Sans doute on trouvera ici moins de gravité et d’engagement que précédemment mais l’utilisation des Telecasters maintient toujours cette tension qui demeure l’image forte du duo.

Ceux qui trouveraient The Proclaimers trop prévisibles, pourront réviser leur opinion avec un « Classy » qui étonne par ses attaques de piano façon McCartney, versatilité sont ils peuvent à loisir s’enorgueillir sur un « Battle of the Booze » dont les textes pourraient bien leur servir de nouveau cantique

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Wilco: « Star Wars »

23 juillet 2015

« Qu’est-ce qui est plus amusant qu’une surprise ? » ; tel était un récent post de Jeff Tweedy sur la page Instagram de Wilco pour annoncer l’arrivée d’un album d’autant plus inattendu qu’il était téléchargeable librement pour un certain temps. Une surprise, c’en a donc été une en effet.

Star War est le premier nouvel album de Wilco depuis The Whole World mais, d’une façon plus abstraite, c’est son premier véritable nouvel opus depuis une bonne décennie. The Whole World avait été bien reçu mais il avait été perçu comme un agrégas des meilleurs moments de Yankee Hotel Foxtrot, A Ghost Is Born et Sky Blue Sky. Le problème, derrière ce compliment, se résumait donc à ce que l’audience de Wilco pourrait avoir à se mettre dans les oreilles après ce dernier opus.

Star Wars n’est pas atteint par cette problématique. C’est l’album le plus court de Wilco, totalisant moins de 35 minutes, et il recèle une énergie punk qui se manifeste sur une grande majorité des titres et qui est assez remarquable.

La majorité des compositions sur Star Wars a totalement laissé de côté les longues jams de plus de dix minutes façon Grateful Dead, en lieu et place nous avons des professions de foi pop agitées comme « Random Name Generator » ou des grooves fuzzy rappelant les mid-70’s étayées par le travail à la guitare sans égal de Neil Cline sur « Picled Ginger ». Hormis le truculent « Random Name Generator » le morceau le plus intéressant se trouvera être « More… ». Muni d’un chorus immédiatement accrocheur c’est l’effort vocal le plus chaleureux de Jeff Tweedy depuis les meilleurs passages de Sky Blue Sky.

Les chansons de Wilco ont tendance à s’éclaircir et à acquérir une nouvelle stature interprétées «en concert. Des titres jugés trop impersonnels ou stérile sur A Ghost Is Born sonnaient parfaitement intimes dans un cadre « live » ; il semblerait qu’un certain nombres de titres sur Star Wars, comme « Taste The Ceiling » ou le « closer »« Magnetized », qu’on aurait tendance à ignorer pourraient prendre une plus grande ampleur dans ces dernières conditions.

Notons également une attitude de type « allez vous faire foutre » qui ne peut que réjouir, une insouciance qui a également servi à d’autres artistes de se faire un nom. Mais le plus important sur ce nouvel opus c’est la capacité qu’a eu Tweedy de se débarsser de certaines idiosyncrasies et d’offrir à nos oreilles de nouvelles possibilités pour Wilco. En se dépouillant d’un son et de lui donner une forme n’excédant pas les trois minutes, le groupe a assumé ses racines punks et, peut-être pour la première fois depuis dix ans, va être capable de nous faire nous demander comment le prochain album du groupe sonnera.

***1/2


LIfehouse: « Out Of The Wasteland »

28 mai 2015

Lifehouse ont vendu plus de 15 millions d’albums avec un succès particulièrement considérable aux USA. Out Of The Wasteland est leur 7° album après un hiatus de deux ans pour lequel ils ont intégré un nouveau label.

La musique, du rock alternatif, n’a pas excessivement varié depuis Almeria et alterne mélodies enlevées (une chose pour laquelle ils sont plutôt doués) et titres plus mélancoliques et de petites incursions dans des beats dance sur une composition dream pop comme « Stardust ».

Dans le premier registre, on retiendra le « »single » « Hurricane », « Runaways » qui sonne comme Snow Patrol et « Fight » qui semble inspiré des Goo Goo Dolls.

À mi-chemin, on notera « Central Park » avec un climat qui puise beaucoup chez REM et, pour ce qui est des chansons où affleure la tristesse, « Wish » avec guitare acoustique douceâtre et arrangements à cordes et « Hurt This Way » accompagné par un xylophone.

Lifehouse savent indubitablement confectionner de belles chansons ; reste qu’ils ne peuvent ambitionner un rôle autre que celui de seconds couteaux. Pour les figures de proue, il faudra écouter ailleurs.

**1/2