Godspeed You! Black Emperor: « G_d’s Pee at State’s End! »

5 avril 2021

Godspeed You ! Black Emperor a toujours été en avance sur son temps. LCes légendes du post-rock montréalais ont repoussé les limites du genre alors naissant avec leurs premières sorties, et ont utilisé leurs notes de pochette comme missives ouvertement politiques il y a deux décennies. Lorsqu’ils ont reçu le Prix de la musique Polaris en 2013 pour leur disque de retour, Allelujah ! Don’t Bend ! Ascend !, ils ont critiqué le faste du gala et ont fait don du prix de 50 000 $ à des organismes de bienfaisance qui se consacrent à donner des instruments de musique aux détenus des prisons du Québec.

Les revendications de longue date du groupe en faveur d’une réforme des prisons et de la police, ainsi que le besoin urgent d’unité, sont depuis devenus des positions populaires parmi un chœur croissant de croyants en l’existence d’un monde meilleur. Godspeed a utilisé sa musique et sa plateforme pour faire campagne en faveur de ses convictions – des idées qui, avec ou sans son influence, ont gagné en popularité ces dernières années.

À une époque où le sous-texte politique du groupe a plus de résonance que jamais, ils regardent curieusement en arrière, à bien des égards, sur leur dernier album, G_d’s Pee AT STATE’S END ! Alors que chaque album a joué avec des structures et des compositions uniques, comme les longues suites latérales des premiers travaux, l’alternance entre les disques 12″ et 7″ d’Allelujah ! ou l’unique composition de 40 minutes d’Asunder, Sweet and Other Distress, G_d’s Pee est – de manière atypique – un amalgame d’idées précédentes, oscillant entre deux longues suites multi-mouvements intitulées et deux pièces plus courtes et plus ambiantes. Qu’ils en aient fini avec cette innovation effrénée ou qu’ils prennent simplement un peu de répit (et peut-on les en blâmer ?), leur dernier album présente un ensemble de choix stylistiques issus de leurs 25 dernières années d’existence : des fragments de sons trouvés absents de leurs deux derniers albums ; une pochette austère à deux images qui rappelle celle de leur deuxième album de 2000, Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven ; le placement de leur surnom de longue date, God’s Pee, préféré des fans, au centre du titre de l’album. Alors que beaucoup ont été contraints de se replier sur eux-mêmes, ils sont allés à l’encontre du modèle et ont rejoint la foule.

Les meilleurs travaux de Godspeed ont toujours été plus axés sur la structure que sur le son, et le retour aux formats précédents a donné des résultats similaires. Comme toujours, le groupe est au sommet de son art lorsqu’il est le plus émouvant. Ces moments sont nombreux sur G_d’s Pee, comme les paysages sonores ondulants de « First of the Last Glaciers », la plainte océanique de « Cliffs Gaze », l’apogée de « ASHES TO SEA or NEARER TO THEE » et les cordes élégiaques qui clôturent le disque, « OUR SIDE HAS TO WIN (for D.H) ». La mélodie a toujours été le point fort du groupe, et il en offre beaucoup ici, qu’il s’agisse de canaliser l’horreur sinistre ou le triomphe du poing levé. Mais lorsqu’on se remémore leurs précédents efforts, on a le sentiment inébranlable qu’ils l’ont déjà fait, mais en mieux – même si on ne peut pas leur reprocher de faire ce que tant de post-rockers ont fait au cours des 20 dernières années.

Avec les modes d’expression et de communication qu’ils ont choisis, l’affect exagéré est devenu la carte de visite de Godspeed, et l’un de leurs traits les plus réussis. Sur G_d’s Pee AT STATE’S END, la plupart des fioritures supplémentaires sont reléguées au second plan, comme les collages de sons de radio amateur qui ouvrent les deux plus longs morceaux. Les tirages menaçants de « ‘GOVERNMENT CAME’ (9980.0kHz 3617.1kHz 4521.0 kHz) » ont disparu avant que le message insurrectionnel puisse être pleinement pris en compte, perdant la puissance de ses prédécesseurs dans « Murray Ostril : ‘. …They Don’t Sleep Anymore on the Beach…' » »de Skinny Fists ou même le refrain en fond sonore similaire de « With his arms outstretched » qui démarre Allelujah.

Contrairement à de nombreux courriers électroniques de l’année dernière, nous ne vivons pas une époque sans précédent, ce dont Godspeed est bien conscient. C’est pourquoi ils font comme d’habitude sur G_d’s Pee AT STATE’S END, même si c’est un mode qu’ils ont typiquement évité auparavant.

***1/2


Piers Faccini: « Shapes Of The Fall »

4 avril 2021

Avec Shapes Of The Fall, Piers Faccini crée une ligne de connexion entre différentes ethnies et traditions, éloignées dans le temps et l’espace. Sorti le 2 avril 2020 chez Nø Førmat ! et Beating Drum, ce nouvel album reflète l’essence « apatride » de l’auteur-compositeur-interprète anglo-italien : douze chansons qui sonnent comme une fusion parfaite entre spiritualité maghrébine, influences méditerranéennes et progressisme occidental.

Ce nouvel opus est enrichi par la présence de Ben Harper (avec qui il avait déjà collaboré sur Tearing Sky) et du chanteur marocain Abdelkebir Merchane, tous deux invités sur All Aboard, le titre le plus lumineux de l’album. Le titre fait référence à l’arche biblique, construite pour préserver l’espèce humaine et les autres êtres vivants.

Les rythmes des percussions s’accélèrent et se prêtent à la danse tandis que les instruments à cordes résonnent en alternant sonneries et sons profonds. Le chant tribal est une prière au dieu Gnawa qui rejoint l’espoir de reconstruction d’une nouvelle fraternité, professé par les mots de Harper et Faccini.

Dans « They Will Gather No Seeds », la voix chaude de Faccini est une invocation à la trêve et à la paix : le faible arpège introductif est remplacé par un crescendo de cordes qui prend progressivement le relais pour créer une douce mélodie sur laquelle résonne puissamment la phrase « Bring me my home back ».

Les notes suspendue dans « Lay Low To Lie » nous entraînent dans un voyage vers l’Orient pour découvrir Chad Gadyà, un chant de Pâques araméen, souvent cité dans la musique de Branduardi.

« Epilogue » reprend rala mélodie du premier morceau en la rendant plus sombre. La chanson de clôture est un instrumental délicat enrichi par des voix utilisées comme un instrument supplémentaire.

Shapes Of The Fall Piers est fortement influencé par les sons du raï berbère et surtout de la musique Gnaw, qui a contaminé la scène parisienne grâce à l’immigration nord-africaine. Un album de chansons et de musiques du monde dont le but est d’unir des mondes éternellement éloignés.

***1/2


Nils Frahm: »Graz »

3 avril 2021

Cet album « perdu » et datant de de 2009 met en lumière le don pour l’émotion et les prouesses techniques du pianiste. Il n’y a guère de meilleur moyen de mettre en perspective l’évolution d’un artiste que d’écouter des œuvres inédites datant du début de sa carrière. Le pianiste allemand Nils Frahm a passé la dernière décennie à innover, à quitter ses zones de confort pour en construire de nouvelles ailleurs. Ambiance, classique, jazz, chorale, électronique, tout y passe. Parfois, son travail électronique a été suffisamment immersif pour faire oublier le talent de son pianiste. En 2015, le compositeur a créé la Journée du piano. Cette journée, qui a lieu le 88e jour de chaque année, célèbre le » « roi des instruments de musique », le pian). Pour célébrer le « Piano Day 2021 », Frahm a sorti un album surprise, enregistré à l’origine en 2009 en Autriche. C’était censé être le premier album qu’il a publié sur Erased Tapes, mais il l’a rangé dans le coffre-fort et a choisi de publier Felt à la place. Frahm déclare que les compositions sur Graz « sonnent comme une version beaucoup plus jeune de moi-même, et beaucoup des expressions musicales de cette époque seraient impossibles à reproduire pour moi aujourd’hui. » Ces morceaux ont des relents d’improvisation, le jeu volatile traduisant un jeune Frahm incertain de ce que l’avenir lui réserve.

Mais l’attention méticuleuse qu’il porte à l’acoustique est évidente dès que l’on appuie sur la touche. Le son est tridimensionnel, presque comme si Frahm et son piano flottaient autour de votre tête. « Because This Must Be » saute et cahote jusqu’à la ligne d’arrivée. C’est un crescendo d’énergie avec des phrases répétées qui sont jouées avec plus de détermination à chaque fois. Il y a une faim inimitable dans ces morceaux de piano, le son de quelqu’un qui ne voulait pas simplement les composer, mais qui en avait besoin. Les chansons plus longues comme « Kurzum » sont émouvantes, le genre de voyage qui vous laisse profondément dans une réflexion introspective sur qui vous êtes et qui vous devenez.

Comparé au travail plus maximaliste de Frahm, il est étonnant de constater à quel point il est capable de recréer un sentiment brut avec une instrumentation aussi minimale. « Crossings » est lumineux et discret, comme les lumières de la rue qui se reflètent sur la peau d’une flaque d’eau. Elle sonne comme une confiance croissante, ou de vieux espoirs qui se réalisent enfin. Les pianistes ont la chance que leur travail ne soit presque jamais périmé ou daté, et des titres comme « Hammer » incarnent l’immortalité des compositions de Frahm. Il l’interprète en direct depuis une décennie et une version plus dépouillée est parue sur son album live Spaces en 2013. Sur Graz, « Hammer » a encore plus de poids émotionnel, grâce à la voix en cascade de Peter Broderick. Ces chansons ne sont pas conçues comme des actes d’expérimentation ou d’innovation, mais plutôt comme une plongée profonde dans l’âme. Les moments les plus dramatiques de Graz évoquent une image de Frahm, frénétique et penché sur son piano comme un savant fou. C’est suffisamment captivant pour qu’on se demande pourquoi il ne l’a pas sorti en 2009, mais d’un autre côté, c’est suffisamment brut pour qu’on ait l’impression de s’immiscer dans quelque chose de profondément personnel en l’écoutant. Frahm affirme qu’il s’agit de « sons qui n’ont aucun rapport avec ce que nous pouvons mesurer », et c’est en grande partie vrai. Graz est l’un de ces rares instantanés musicaux suffisamment vivants pour capturer les aspects intangibles de la condition humaine, sans prononcer un seul mot. C’est lui qui est à l’origine de la journée qui célèbre le piano comme « le roi des instruments de musique », mais dans Graz, Frahm est roi, et le piano est son trône.

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Sibille Attar: « A History of Silence »

2 avril 2021

Il y a déjà eu quelques sorties d’album impressionnantes en 2021, et bien que les comparaisons soient quelque peu vulgaires, il est juste de dire que A History of Silence de Sibille Attar est à la hauteur des meilleurse d’entre eux, avec un opus qui se situe joyeusement entre le rock alternatif (presque psych) et l’électro pop, sans même vous faire considérer un instant que cela pourrait être une chose assez difficile à réaliser.

Sibille Attar a été décrite comme la e Reine de l’Indie suédois e, ce qui semble quelque peu grandiose, mais son premier album de 2013, Sleepyhead, édéployait une telle aurorité mature qu’il a été mis en exergue par tout le monde et qu’il l’a tout simplement catapultée pour qu’on lui donne ce titre – ainsi que, plus formellement, pour qu’elle soit nominée pour un Grammy suédois dans la catégorie ‘Best Newcomer ».

Mais il n’est pas facile d’être un membre de la royauté indé, tant l’attention et la clameur autour des musiciens annoncés sont grandes que beaucoup de gens dans l’industrie veulent une part iu gâteau. Il aura donc fallu attendre 5 ans avant que Sibille Attar puisse sortir une suite, sous la forme d’un EP 6 titres intitulé Paloma’s Hand, et ce n’est qu’aujourd’hui, qu’elle est à mêmem de sortir un album dans lequel elle montre qu’elle a clairement pris conscience de ce qu’elle a traversé.

Comme elle l’explique elle-même, « Pendant longtemps dans ma vie, j’ai essayé de m’asseoir dans certaines constellations pour plaire aux autres. Et ça ne marchait pas, parce que je ne pouvais le faire que pendant un petit moment avant d’être frustrée et de vouloir faire les choses à ma façon. À un moment donné, j’avais l’impression de ne pas pouvoir faire confiance à l’industrie, et cela me vidait de mon amour pour la musique. Finalement, j’ai compris que l’on ne peut pas vivre sa vie en essayant de rentrer dans le moule de quelqu’un d’autre tout le temps. »

En ce qui concerne le processus d’écriture, d’enregistrement et de mixage, elle a clairement compris qu’il y a sa façon ou pas de façon :  « Je me suis dit : merde, je n’ai pas envie de m’occuper des autres et de leurs opinions ».

Tout cela est important pour le contexte, ainsi que pour l’introduction, parce que ce sont ces chaînes du passé et cette pensée unique qui ont conduit à A History of Silence, un album qui semble si dynamique, si plein d’objectifs et si individuel, qu’on a presque du mal à trouver des comparaisons, ou alors quon ne voudrait certainement pas essayer.

Prenez le morceau d’ouverture « Hurt Me », avec un rythme de batterie explosif, des cordes entraînantes, des voix qui font écho, des phases qui s’enchaînent sans effort et un contenu lyrique qui passe du français à l’anglais, il y a certainement beaucoup de choses à se mettre sous la dent. Et si tout cela vous semble un peu étrange, ce n’est pas le cas, et la fin nous rappell d’ailleurs le premier album de Divine Comedy,  » »Promenade « , qui était également influencé par le français – écoutez « When The Lights Go Out «  et vous en aurez preuve et démonstration.

Sibille Attar a posé un cadre dans lequel elle peut faire ce qu’elle veut, mais dans « Somebody’s Watching », bien que la mélodie soit attrayante, c’est en fait le contenu du texte qui est assez clair : « Someone’s watching me… fall from the sky, face down on the pavement, fumble around in the dark, BANG my head against the wall… » (Quelqu’un me regarde… tomber du ciel, face contre terre sur le trottoir, tâtonner dans le noir, me cogner la tête contre le mur…) avec une grande emphase musicale sur le mot « bang »

Les deux points culminants de l’album viennent ensuite, car « Hard 2 Love » s’ouvre au milieu du morceau où la phrase presque monotone « maybe I’m hard 2 love » se développe soudainement avec le thème musical le plus inspiré, d’abord vocalement et ensuite instrumentalement, et prropre ainsi à rester dans la tête. « Dream State » » est encore plus mémorable, une chanson atmosphérique envoûtante qui se construit avec la plus belle section de cordes – principalement du violoncelle, ce qui lui donne bien sûr ce côté sombre et mélancolique. Sans aucun doute un candidat pour la chanson de l’année d’un point de vue émotionnel et sensationnel.

Pour ce qui est du reste, l’accrocheur « Why u looking » semble nous montrer une Sibille Attar qui se donne la réplique : « Why u looking at the past, it’s never coming back ? » » (Pourquoi tu regardes le passé, il ne reviendra jamais ?) avant d’évacuer toute sa frustration avec un bon vieux solo de saxophone, qui, ironiquement, pourrait venir directement du passé. Ensuite, après les bpercussions plus rock et puissants de « Go Hard or Go Home », plus une reprise de Madonna, l’album se termine par l’affirmation de la vie et le défi de la vie « Life Is Happening Now », un énorme hymne à l’orgue qui se termine par un bébé qui bavarde. Le message qu’il véhicule y est ton ne peut plus lair.

***1/2


Lydia Luce: « Dark River »

1 avril 2021

Dès que l’on s’intéresse à la vie de Lycia Luce, on comprend qu’elle était prédestinée à faire de la musique. Cependant, on commence à se demander si ses élans musicaux seraient différents si elle n’avait pas été élevée dans un foyer musical strict, où sa mère attendait de sa fille qu’elle apprenne le violon, ce qu’elle a fait, avant de passer une maîtrise d’alto à la UCLA.

On peut se demander comment elle a échappé à une carrière de musicienne classique ou si, d’un autre point de vue, elle y est parvenue, car son dernier album, Dark River, résonne d’échos de textures classiques et de cordes lumineuses. Bien sûr, des éléments d’alt-rock, d’Americana, de folk, de jazz et de pop défient la désignation « classique », faisant de l’album quelque chose d’entièrement différent.

Dark River suit le premier album de Luce en 2018, un Azalea qui reflétait une aura folk/americana certaine, tandis que le nouvel opus est plus sombre et cathartique, plus puissamment aromatisé par des brocards alternatifs. Luce a traversé une relation débilitante entre les deux albums, suivie de voyages dans le nord-ouest du Pacifique, de randonnées au mont Saint Helen et de camping dans le Colorado. Alors qu’elle sondait sa solitude et sa tristesse, une purge émotionnelle s’est produite.

Composé de 11 titres, l’album s’ouvre sur « Occasionally », une belle chanson débordant de cordes douces et mélancoliques sur une pulsation rythmique sise quelque part entre Leon Russell et Chris Isaak – de la country sophistiquée. Le point culminant de ce morceau est la voix douce et expressive de Luce à la fois nostalgique et tendre. Parmi les points d’entrée, citons « Something To Say », qui rappelle vaguement Fleetwood Mac, mais qui est rehaussé par des saveurs de SoCal alt-country qui rappellent Poco. En même temps, la voix de l’artiste, semblable à celle de Joni Mitchell, envoûte les auditeurs avec des timbres doux et nuancés.

« Never Been Good » fait écho à la couleur entraînante et séduisante de Jackson Browne, produisant des couches de musique infectieuses, basses et captivantes alors que « Leave Me Empty » scintille et brille avec de délicieux arômes country-pop accentuant la voix luxuriante et séduisante de Luce. L’intro baroque de « All The Time » dissimule l’énergie séduisante qui s’ensuit. Ronde et rauque, sur ce morceau, la voix de Lydia prend des teintes émergentes enchanteresses.

Les deux derniers titres de l’album – « Stones » et « Just The Same » – véhiculent un commerce différent de celui des autres chansons. Tous deux sont magnifiques, mais semblent dépeindre des souvenirs plutôt que des sentiments, ou peut-être des souvenirs de sentiments qui n’existent plus. Dark River élève Lydia Luce du rang de bonne auteure-compositrice-interprète à celui de la crème de la crème.

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Kumi Takahara: « See-Through »

1 avril 2021

Sur « Nostalgia », le troisième morceau du premier album de Takahara, deux mains pianistiques se croisent comme des étrangers dans les escaliers. Elles semblent avoir une conscience périphérique l’une de l’autre, mais sont emportées dans leurs propres trajectoires de rêverie, tandis qu’une main descend et que l’autre monte. La pièce dépeint ce moment et rien d’autre. Les deux lignes mélodiques apparaissent comme les personnages d’une photographie non étiquetée, présentée hors contexte et profondément suggestive d’une histoire et d’un sentiment qui s’étendent bien au-delà du cadre.

See-Through est construit sur des scènes comme celle-ci. Les mélodies sont modestes et spacieuses – s’installant dans des répétitions de trois notes, s’effondrant dans la résolution avec une luxuriante inévitabilité – mais la nuance et la contradiction sont convoquées par la façon dont ces mélodies sont jouées : comment les cordes se tiennent sur le bord du piano, balançant leurs pieds et buvant la vue devant elles, ou comment les vocalisations sans paroles glissent comme de la soie sur les pentes des gammes majeures mélancoliques. Lors d’un passage particulièrement frappant de « Chime », Takahara joue le carillon de Big Ben, sorti de nulle part : Londres apparaît comme si elle émergeait d’un brouillard, la douce mélancolie de son jeu plongeant la scène dans une bruine de 5 heures du matin.

Le véritable coup de maître de See-Through est la façon dont il se retient. Les indices sont laissés en suspens et l’auditeur ne peut s’empêcher de les dévider. Une brève apothéose sur « Tide » illustre ce qui est intentionnellement absent du reste du disque, remplissant chaque centimètre de l’image avec des voix, des cordes et des effets visuels scintillants, rendant sans équivoque l’océan en panorama. Cette déclaration grandiose ne fait que rendre encore plus riche la retenue qui règne ailleurs ; Takahara comprend le potentiel qu’il y a à n’offrir que des pages de journal intime déchirées, des cartes postales gribouillées et de faibles flashbacks, permettant à l’auditeur d’encadrer ces images partielles avec ses propres souvenirs et désirs.

***1/2


Cheval Sombre: « Time Waits For No One »

1 avril 2021

Si le nom de Cheval Sombre est familier aux adeptes de tout ce qui est alternatif, c’est peut-être en raison de ses deux premières sorties, ou de sa collaboration en 2018 avec Dean Wareham de Galaxie 500 et Luna. Mais, peut-être que le nom s’est un peu effacé, la collaboration avec Wareham remonte à environ trois ans, et sa dernière sortie en solo remonte à huit ans. Il n’est donc pas étonnant qu’il ait donné à son troisième album le titre de Time Waits for No One.

Au vu de cet album, on peut s’interroger sur son rythme de sortie, mais la qualité de la musique est au rendez-vous. Chris Porpora, alias Cheval Sombre, est l’un de ces poètes qui a décidé de mettre ses poèmes en musique et qui a pris la bonne décision.

Il s’avère que le concept de cet album a été, au moins en partie, inspiré par les traductions de Thomas Merton de la philosophie chinoise ancienne dans la Voie de Chuang Tzu. 

« Le temps linéaire défile, que nous soyons éveillés ou endormis, que nous le voulions ou non. Cette façon de voir le temps peut être un piège et une source profonde de souffrance. Mais j’ai certainement été victime de ces illusions, et je pense qu’il est important de reconnaître cet aspect de notre humanité », explique-t-il.

Des idées nobles, en particulier lorsqu’elles sont intégrées principalement dans la voix feutrée de Porpora, les guitares acoustiques, les embellissements électroniques et les cordes occasionnelles (« Dreamsong »). On pense à Spacemen 3 et à Sonic Boom dans leur version la plus pastorale. Pas étonnant, puisque Sonic Boom a produit cet album.

Cheval Sombre a pris son temps pour composer son nouvel album, mais à l’évidence, son nom pourrait bien rester dans les mémoires. A moins qu’il ne décide de prendre son temps, encore une fois.

***1/2


Nightshift: « Zoë »

31 mars 2021

Les supergroupes ne sont pas toujours la meilleure idée. En parcourant les listes des « meilleurs supergroupes de tous les temps », seuls un ou deux nous semblent être de véritables réussites (Nick Cave and The Bad Seeds, Crosby, Stills, Nash & Young). Il y a tellement d’accidents de voiture prétentieux et de combinaisons grand public qu’il est rafraîchissant de voir arriver un groupe qui fonctionne vraiment. Nightshift, originaire de Glasgow, est composé d’un casting brillant issu de la scène underground britannique : Andrew Doig (Robert Sotelo, Order Of The Toad), David Campbell (anciennement de I’m Being Good), Chris White (Spinning Coin), Eothen Stern (2 Ply) et Georgia Harris. Compte tenu de l’exode massif de ces dernières années de Londres vers Glasgow, la ville est un creuset croissant de créatifs exceptionnels.

Formé en 2019, nous avons complètement manqué leur premier opus autoproduit l’année dernière et nous le visiterons certainement rétrospectivement.

Nightshift a assemblé Zöe pendant le confinement de 2020, enregistrant séparément dans des home studios, se passant des boucles et superposant des idées folles par-dessus. D’une certaine manière, cela semble incroyablement cohérent et très bien produit.

Le premier morceau, « Piece Together », est délicat et presque méditatif. Il tourne autour d’un simple groove de basse semblable à celui de DEUS et nous trompe quelque peu sur ce à quoi nous devons nous attendre. « Spray Paint the Bridge » est fabuleusement tordu. La séquence d’accords simple et bancale et la voix rythmée proviennent de l’école de pop de Terry. Les touches de clarinette jazzy sont fantastiques. Cela rappelle Kaputt, un autre groupe de Glasgow, mais sans le strut.

Les premiers sons de style dEUS (bien sûr, c’est juste notre cadre de référence) reviennent sur « Outta Space ». Les légères courbes et harmoniques bizarres rappellent des morceaux comme « A Shocking Lack Thereof » et « Great American Nude ».

Mais la comparaison s’arrêtera là. En effet, les voix spatiales et les grandioseseffets en pâmoison des synthés créent une sensation presque trip-hop. Et elle est subtilement ludique.

« Make Kin » est plus optimiste. Le son sale de la basse crée une texture satisfaisante dans une sorte de groove no-wave « Need New Body ». C’est le morceau le plus « in your face » jusqu’à présent et Nightshift prend alors un virage légèrement plus pop avec le morceau « Fences » de Doig. Le son y est glorieux presque baîllantet offre oujours un plaisir à entendre, surtout avec des mélodies qui rappeleront Harry Nilsson. Musicalement, il approndira alors tune sensation de jam ouverte qui se marie bien avec le reste de l’album.

« Power Cut » est une composition absolument magnifique. Le drone du synthétiseur et la section rythmique des Talking Heads s’étendent jusqu’à un merveilleux point culminant optimiste et euphorique qui comprend des mélodies feel good à la Sacred Paws, le mur de son de My Bloody Valentine et une ligne de synthétiseur triomphante des années 80 de Springsteen. La voix du refrain nous rappellera étrangement le « Prince Charming » d’Adam Ant ( !).

Il est suivi par le scintillement sinistre d’ « Infinity Winner » arboranr un soupçon de The Sea et de Cake. Les touches staccato et la superbe ligne de guitare soutiennent la voix de Doig, qui semble presque endeuillée. « Romantic Mud » est éparpillé et fusionné, à l’image de Tortoise, avec un chant presque culte et un son de synthétiseur bizarre et guêpier dans le refrain. Cette approche hachée se poursuit dans la chanson titre « Zöe ». Le rythme 5/4 devient lentement méditatif, tandis que la guitare en sourdine et le rythme de la batterie s’installent comme un hamster qui tourne constamment sur une roue.

Le chant se situe quelque part entre la beauté de Bas Jan et le plaisir chantant de Sacred Paws, déjà mentionné. Comme toutes les bonnes choses, cela doit avoir une fin, et Nightshift va, ici, ermr boutique avec le sobre et rêveur « »Receipts ».

Savoir que tout cela a été réalisé en vase clos est remarquable. Tout au long de Zöe, le groupe semble complètement en phase les uns avec les autres. Chaque chanson se développe d’une manière tellement organique qu’on a l’impression qu’elle est le produit de plusieurs sessions de jam en groupe. C’est un album vraiment spécial réalisé par un e réunion de musiciens fantastiques qui, à chaque écoute, nous immergentdavantage dans leur monde cyclique. Un must absolu !

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Lost Horizons: « In Quiet Moments »

31 mars 2021

Dans une interview accordée au média britannique Loud and Quiet en 2014, l’ex-propriétaire du label Cocteau Twins et Bella Union, Simon Raymonde, se souvient d’un simple voyage à New York pour obtenir un inhalateur pour son asthme, qui a donné lieu à un bilan de santé compliqué concluant qu’il aurait dû, à l’époque, être mort. Lles médecins se sont trompés car pisque, six ans plus tard, l’homme a surmonté une pandémie, enregistré un disque incroyable et signé autant d’artistes qu’il a pu faire entrer dans l’immeuble de bureaux de Bella Union.

Lost Horizons est le fruit de la collaboration entre Simon Raymonde et l’ancien membre de Dif Juz Richie Thomas, une relation qui remonte à l’époque où ils étaient frères d’armes au sein de l’emblématique label londonien 4AD, qui a accueilli Cocteau Twins et Dif Juz dans les années 80 et au début des années 90, dans le cas du premier. Cependant, ce n’est pas comme si le plan avait été mis en route à ce moment-là. En fait, les deux musiciens étaient en hiatus depuis 20 ans lorsqu’ils se sont retrouvés en 2017 pour la conception et la sortie du premier album de Lost Horizons, Ojalá. Avec un nouvel espoir dans la musique, fortement soutenus par le formidable roster de Bella Union, les deux ont commencé à poser les bases d’une suite. Le projet a connu son premier coup dur lorsque la mère de Raymonde est décédée, ce qui a fait de Lost Horizons un catalyseur de son chagrin. Seize titres instrumentaux sont écrits de manière improvisée et envoyés à une vaste sélection de chanteurs et de compositeurs, la plupart appartenant au label de Raymonde, qui feront partie de ce deuxième disque.

Le thème de In Quiet Moments a été fixé par la débâcle qu’a été 2020, l’année de Covid-19. En essayant de discerner les petits feux inébranlables qui alimentaient encore chaque cœur humain dans le monde, Raymonde et Thomas ont réalisé que si quelque chose de bon était sorti de la pandémie, c’était que, en général, tout le monde avait pris du recul et s’était arrêté pour contempler et réfléchir. C’est une partie des paroles écrites par le légendaire chanteur de Portland Ural Thomas, qui joue sur la chanson titre, qui a créé l’ambiance sombre mais contemplative des seize morceaux qui forment le deuxième recueil de chansons de Lost Horizons, et qui lui a également donné le titre nécessaire pour représenter cette idée.

Il faudrait beaucoup de temps et d’espace pour entrer dans le détail de chaque morceau de In Quiet Moments, et les points forts seront très probablement différents selon la personne qui se trouve de l’autre côté des enceintes. C’est pourquoi il faudra aborder brièvement la plupart des chansons incluses, en me concentrant sur celles qui, pour une raison ou une autre, peuvent le plus résonner en nous, tout en énumérant, sans ordre particulier, certains des noms qui ont contribué au deuxième album de Lost Horizons. Comme on peut s’y attendre, compte tenu du cursus de Raymonde et Thomas, la base de tous les morceaux et une bonne partie de l’écriture leur est revenue, Raymonde étant en charge de la basse, des guitares et des claviers et Thomas s’occupant de la batterie et, occasionnellement, des claviers et des parties de guitare supplémentaires. Avec Raymonde crédité comme seul producteur et Matt Colton derrière le mastering, l’album a été enregistré dans les studios Bella Union à l’est de Londres et il a été confié à quinze chanteurs différents et quelques musiciens supplémentaires pour lui donner les touches finales et définitives qui ont abouti à l’une des sorties les plus intéressantes de 2021 jusqu’à présent.

La première moitié deu disque sorti en décembre de l’année dernière, s’ouvre sur « Halcyon », un morceau lent et psychédélique, interprété par KookieLou et Jack Wolter, membres des Penelope Isles de Brighton. Peu après, l’album passe rapidement du psychédélisme au funk lo-fi de The Hempolics et à la remarquable performance vocale de Nubiya Brandon dans « I Woke Up With An Open Heart ». C’est un changement de rythme rapide et risqué, qui semble décousu au début, mais au fur et à mesure que le disque avance, on se rend compte que le lien entre eux est plus fort qu’il n’y paraît. Après deux pistes, certains détails commencent à faire surface : la production, qui laisse beaucoup d’air aux chanteurs pour respirer et briller, et l’instrumentation très subtile mais délicieuse de chaque piste de cet enregistrement. L’une de nos chmpositions préférées, la troisième, « Grey Tower », met en scène l’ex-Midlake Tim Smith qui offre l’une des performances les plus émouvantes de l’album. Elle est immédiatement suivie de « Linger », un morceau dark wave broyant et groovy mené par la voix de la sensationnelle Gemma Dunleavy de Dublin.

La première moitié de l’album comprend également des éléments tels que Dana Margolin du groupe post-punk Porridge Radio au chant et Paul Gregory, de Lanterns on the Lake, à la guitare dans « One For Regret », la chanteuse suédoise Kavi Kwai qui fait revivre l’esprit de Cocteau Twins avec « Every Beat That Passed », et John Grant, des Czars, croonant sur le lynchien « Cordelia » sur un arpège de guitare fantôme et les cordes de Fiona Brice (Gorillaz, Placebo) embrassant le morceau comme un manteau d’ombres.

La seconde moitié de In Quiet Moments, est également de très bon goût, avec le titre précédemment mentionné magnifiquement interprété par Ural Thomas, laissant place aux performances de l’auteur-compositeur écossais C Duncan sur  » »Circle » », de Ren Harvieu, nominé 2012 pour le BBC Sound, sur le cinématique «  Unraveling in Slow Motion » et de Laura Groves (alias Blue Roses) sur l’un des morceaux les plus doux de l’album, « Blue Soul », qui comprend également la guitare de Petur Hallgrimsson, musicien de session de Sigur Ros et Kylie Minogue. Lorsque « lutter » arrive, mené par la voix de Rosie Blair, chanteuse de l’école de ballet de Berlin, l’ambiance s’est profondément installée. La deuxième œuvre de Lost Horizons est fortement marquée par un sentiment mélancolique dont il est impossible de se défaire. Les notes de piano disparaissent dans la réverbération tandis que les cordes les guident aux côtés des belles mélodies de Blair, rappelant les compositions d’Akira Yamaoka pour la série Silent Hill. L’un des noms les plus populaires du label, la diva américaine du dark folk, Marissa Nadler, est présente sur « Marie », qu’elle transforme facilement en un morceau à part entière, Richie Thomas livrant également une performance magistrale à la batterie. L’album s’achève sur deux titres interconnectés, la pop onirique de « Heart of a Hummingbird », menée une fois de plus par la voix de Penelope Isles, KookieLou, suivie par le piano endeuillé qui mène « This is the Weather » » qui accompagne le dernier morceau, la voix toujours incroyable de Karen Peris, membre de The Innocence Mission.

In Quiet Moments rappelle un album qui a marqué une génération d’artistes pendant la seconde moitié des années 80, un projet connu sous le nom de This Mortal Coil introduit par un album intitulé It’ll End In Tears, qui a été inspiré par le directeur de 4AD, Ivo Watts-Russell, et auquel Raymonde a participé en tant que membre de Cocteau Twins, aux côtés de membres des Pixies et de Dead Can Dance pour n’en citer que quelques-uns. Après l’une des pires années de l’histoire moderne, Raymonde et Thomas ont rendu possible une célébration différente mais en même temps très similaire. Une célébration qui se réjouit de Bella Union et de sa magnifique liste d’artistes, et en plus, une célébration de la renaissance, de l’espoir, et un doux rappel que la musique traversera les ténèbres les plus épaisses pour vous retrouver de l’autre côté. Une pensée apaisante, bien nécessaire après les trop nombreux moments de calme de 2020.

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Ben Howard: « Collections From The Whiteout »

29 mars 2021

Ben Howard s’est depuis longtemps imposé comme le meilleur auteur de compositions mélancoliques de Grande-Bretagne. Son premier album Every Kingdom – sorti il y a dix ans – est arrivé à un moment où la pop folk acoustique atteignait son apogée. Plein de ballades joyeuses et sincères et de chansons boisées pimpantes, il a lancé Howard dans le grand public et lui a valu deux Brit Awards (Best Male et Breakthrough).

Bien qu’extrêmement réussi, ce n’était pas un indicateur de l’étendue, de la complexité et de la profondeur des émotions que sa musique allait devenir. L’album suivant, I Forget Where We Were, s’éloigne du son acoustique commercialisé et s’oriente vers un monde plus sombre, plus obscur et plus profond, tant dans ses paroles que dans ses mélodies plus complexes. Noonday Dream, sorti en 2018, a une fois de plus orienté Howard vers une direction plus progressive et expansive, dans laquelle la voix de Howard ne fait plus qu’un avec un buzz désormais électronique et distordu, un autre instrument dans une brume encombrée.

Cela nous amène à son nouvel album, Collections From The Whiteout, qui, pour une fois, au lieu d’entraîner l’auditeur dans une nouvelle direction stimulante, se penche sur sa discographie et la fusionne en un bel ensemble. Il est logique qu’à un moment aussi important de sa carrière, Howard ait réfléchi à ce qui l’a précédé, pour créer ce qui pourrait bien être son œuvre la plus intéressante à ce jour. La production du disque a été confiée à l’omniprésent Aaron Dessner de The National, connu pour son incroyable travail d’orchestration, de composition et de production avec le groupe alternatif acclamé par la critique, ainsi que pour ses récentes collaborations avec Taylor Swift et son partenariat avec Bon Iver (sous le nom de Big Red Machine). Son empreinte se fait sentir dès l’ouverture avec un un  « Follies Fixture » enveloppée d’un tournoiement de flûtes électroniques, avec au cœur une belle série de bips, Howard et sa guitare émergeant lentement, comme s’il sortait de son hibernation. De même, l’excellent « Sorry Kid » va se développer à partir d’un battement de tambour de synthétiseur 808, pour devenir une sublime pop-song alternative.

Le premier « single » « What A Day » est tout simplement incroyable : ce n’est pas seulement le point culminant de l’album, mais un exemple fantastique de la vision de l’album dans son ensemble. Le falsetto occasionnel, mais toujours percutant, de Howard est le point focal de ce magnifique morceau acoustique, presque sarcastiquement rhétorique, alors que Howard se demande fréquemment « Où va le temps ? ». Sa magnifique mélodie sous-jacente tirera à la fois sur votre corde sensible et sur votre cerveau pendant des semaines.

Sur le plan thématique, le disque est intriguant et existentiel. « Crowhurst’s Meme », par exemple, est une exploration du côté universel non documenté de l’histoire de Donald Crowhurst, un homme d’affaires britannique mort en mer à la fin des années soixante. Howard, comparant ses parties de guitare synthétiques bancales à un sentiment de mal de mer, fait dériver son esprit vers l’histoire de Crowhurst. Le morceau qui en résulte vous laisse bercé par les synthés ondulants, guidé par l’incroyable lit vocal d’Howard. « The Strange Last Flight Of Richard Russell » reflète, lui, le voyage d’un ingénieur malhonnête qui a détruit un avion et sa propre personne il y a quelques années, une histoire sombre contrastant fortement avec la légèreté et l’impression d’espace de la chanson, on a presque l’impression d’être à des milliers de pieds dans les airs en écoutant la voix ardente de Howard sur la production glaciale et presque spatiale de Dessner.

Collections est l’album le plus paisible qu’Howard ait jamais produit, et même si cette observation peut paraître étrange, elle a un impact significatif sur l’auditeur. Cela commence symboliquement sur la pochette – où Howard est simplement affalé sur une chaise – se poursuit avec son sourire insaisissable dans le clip sombre et comique de « What A Day », et enfin, dans le son, car sa voix semble légère et presque dépourvue d’effets vocaux, flottant au-dessus de la production électronique et expérimentale plutôt que de se cacher sous elle. Le xôté buggé de « Finders Keepers » et le folky blues de « Far Out » en sont des exemples parfaits en s’insinuant lentement à l’esprit. C’est un disque véritablement émouvant, qui s’imprègne de vous, et qui mérite un casque pour en profiter pleinement.

Il y a quelques morceaux, pourtant, qui manquent légèrement leur but, « Rookery » est une chansonnette à la Joni Mitchell, avec un son jovial et piquant qui, bien que joli, semble plus adapté à un café de petite ville qu’au grand paysage sonore expansif qui a été soigneusement créé ici. « Unfurling », quant à lui, a aussi ce petit côté désaccordé qui entre en conflit avec le monde électronique onirique dans lequel vous avez été plongé pendant la majeure partie du disque.

Il aura fallu attendre aussi longtemps pour entendre l’association de Howard et Dessner, un mariage apparemment parfait. Howard offre à Dessner quelque chose de tout à fait différent à travailler, un auteur-compositeur plus intéressé par l’exploration du monde que par lui-même, tandis que la production électronique et les boucles de Dessner mettent au défi et freinent l’envie de Howard de développer ses chansons à l’infini (comme il l’a fait sur Noonday) afin de présenter un mélange irrésistible de folk progressif et d’électronique qui est suffisamment étrange et complexe pour les fans de longue date, mais captivant et accueillant pour les nouveaux auditeurs qui veulent découvrir un son d’un autre monde.

***1/2