Cattle and Cane: « Navigator »

Certains albums divisent l’opinion des gens ; celui-ci peut diviser l’opinion qui prévaut dans votre tête. D’une part, il s’agit d’un jeune ensemble britannique (frère et sœur) qui a produit un album de pop / soft rock très réussi qui pourrait les propulser au niveau des stades – notamment aux États-Unis.

D’autre part, c’est tellement insipide. On pourrait faire une comparaison avec Fleetwood Mac, car il y a des échos de ce groupe mi-britannique sur ce nouvel album, mais ces derniers avaient tellement plus de choses à faire. On peut penser que c’est parce qu’ils ont commencé par du blues – et du blues lourd en plus – et qu’ils sont devenus un mastodonte du soft rock au fil du temps. Les nouveaux groupes se dirigent tout droit vers ce schéma sans avoir travaillé dans les clubs pendant plusieurs années, c chose qui ajoute de la profondeur à leur son. Tout est clairement conçu dans ce seul but, même s’il n’est pas facile d’écrire des chansons aussi bien que ça.

Des comparaisons ont été faites avec Mumfords, mais là encore, ce groupe ne s’attendait pas à ce que son album soit aussi énorme ; ils ont écrit les chansons qu’ils voulaient, pas des chansons pour les catapulter à ce niveau.

D’un autre côté, nous pourrions trouver que la folk / pop de Cattle and Cane était un peu ennuyeuse, mais ce n’est pas le cas. Chaque composition est un cours de maître en matière d’écriture de chansons et la plupart sont instantanément attrayantes à un certain niveau ; vous apprécierez n’importe quelle chanson si vous l’entendez à la radio.

Cela fera l’affaire, il n’y a aucun doute, mais c’est juste un Big Mac jetable et les frites qui se retrouvent au marché, pas le poisson pêché au port et les pommes de terre biologiques cultivées localement.

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Tilman Robinson: « Culturecide »

Le troisième album de Tilman Robinson, Culturecide, est une enquête sur l’anthropocène ; une lamentation en sept parties pour notre monde chaotique. Tilman Robinson est un compositeur et concepteur sonore australien qui crée de la musique électro-acoustique dans une gamme de genres comprenant le minimalisme classique, l’improvisation, l’expérimentation, l’électronique et l’ambient. La production diversifiée de Tilman se concentre sur l’impact psychologique du son dense en utilisant des principes acousmatiques et psychoacoustiques. Culturecide parle des processus qui ont généralement été introduits délibérément et qui entraînent le déclin ou la disparition d’une culture, sans nécessairement entraîner la destruction physique de ses porteurs.

À cet égard, cet opus est un riche collage sonore, récoltant des sons à partir de diverses sources, notamment des enregistrements sur le terrain, des machines médicales qui surveillent le corps humain, des instruments traditionnels et des synthétiseurs, souvent fondus électroniquement. Il en résulte un paradoxe troublant avec des sons constamment à la limite de la reconnaissance. Chaque piste fait référence à une question sociopolitique spécifique allant du colonialisme au néo-libéralisme, en passant par le changement climatique et la singularité imminente des hommes et des machines.

Loin de répondre à ces questions, Culturecide, invite les auditeurs à méditer sur leur place dans la vie et à aborder la compréhension personnelle. Enregistré et produit presque entièrement en Australie, un pays à la pointe de la dévastation du changement climatique,Culturecide, est une tentative de catharsis pour son auteur souvent consterné par l’incroyable apathie et inaction de son pays. Mixées par Daniel Rejmer, un habitué de Bedroom Community, et maîtrisées par Lawrence English, les œuvres de ce disque ambitieux et troublant ont valu à Tilman d’être nominé pour le Prix de Melbourne pour la musique en 2019.

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Vetiver: « Up on High »

Andy Cabic de Vetiver a une voix douce – c’est un peu comme Iain Archer (ex-Snow Patrol, ne sonne pas comme Snow Patrol). C’est mélodique et mélodieux, mais le style de chant de Cabic ne comporte pas beaucoup de variations. Comme les albums solo d’Archer (tous recommandés), c’est un son apaisant et chaleureux.

Il chante sur la vie ; l’ouverture, « The Living End « semble porter sur le vieillissement, « Une course pour la ligne d’arrivée / En retard mais je sais que je suis / Plus proche maintenant » (A race for the finish line / Late though I know that I’m / Nearer now), bien qu’il soit difficile à dire. « To Who Knows Where » est le suivant, et nous rappelle un vieux morceau acoustique des années 70, Traffic ou Blodwyn Pig peut-être, et encore une fois il semble parler de ce voyage connu sous le nom de vie, « Quel est ce fantasme / Cette longue route qui m’appelle / Vers qui sait où » (What’s this fantasy / This long road calling me / To who knows where), sa guitare acoustique accompagnée d’une douce guitare d’acier.

Le balancement est plus joyeux et plus présent, « Viens prendre ma main / Montre-moi où la nuit commence » ( Come take my hand / Show me where the night begins) chante-t-il, le balancement étant celui des palmiers, le son celui de REM. « Hold Tight » évoquera légèrement Steely Dan et on pourra également entendre des nuances de Tom Petty et Sniff ‘n’ The Tears.

Cabic a écrit les chansons à la guitare acoustique et a enregistré les bases dans le haut désert de Californie, et il a toujours la sensation intime d’un musicien jouant en direct et de manière détendue. Un son discret mais séduisant.

***1/2

Ash & Herb: « Ash & Herb »

Le duo du Maine Ash & Herb (Ash Brooks et Matt Lajoie) couve un havre de bonheur psyco-délique dans le Nord-Est depuis quelque temps. Sous la marque Flower Room, ils ont accueilli des sorties de Matt et Ash en solo, combinés, méditant comme Starbirthed et entrecoupés de différentescroisements des deux – avec des centres d’intérêt allant du Kosmiche au folk. Lorsqu’ils sont combinés et qu’ils volent sous la bannière de Ash & Herb, les résultats peuvent varier sur le plan stylistique. Leur dernier « single » a fait un tabac sur un principe Cosmic Americana qui a été bien accueilli. Peut-être qu’un jour ils reviendront dans les grâces rainurées de cette vallée particulière, mais pour « Roughin’ It » ils voyagent vers l’extérieur, dans l’éther gazeux qui s’accroche librement à cette Terra Firma.

Le duo a enregistré la majeure partie de l’album en direct dans les espaces de la Nouvelle-Angleterre et cela les montre en train de pousser leurs démangeaisons d’improvisation jusqu’aux confins de l’harmonie de l’espace aérien. L’album commence avec deux morceaux qui bourdonnent d’une énergie tordue – un bourdonnement insistant qui se transforme en regards cosmiques. Ils adoucissent l’approche au fur et à mesure que le disque se fraye un chemin, ne trouvant pas tout à fait de la brise mais s’installant sur un sifflement balancé pour « Mudra of Creation ». La chanson, et en fait le disque dans son ensemble, a une qualité brute. On a l’impression qu’elle oscille entre la foudre du bootleg live et la bonté de la presse privée locale. Le jeu est libre, mais fluide. Le groupe n’a pas tort d’étiqueter certains des nœuds ifaçon Fripp dans leur approche et nous sommes tous au bénéfice de la magie mutable qui se produit sur l’étendue de cette bande.

« Ascension Tea » fait passer les ondes invisibles à travers les petits os du crâne, en faisant résonner les sens et en cherchant à bloquer l’énergie lysergique dont nous avons tous besoin pour passer la journée, la semaine ou le mois à venir. Les sons se glissent dans le sol de notre conscience, nourrissant l’âme d’une dose rafraîchissante de psychédéliques humides et d’un frémissement de zone libre, vital lorsque l’air s’embue avec le sop du printemps. Même si tout cela serait une prime n’importe quel jour, Matt et Ash ne laissent pas le printemps s’écouler uniquement sur cette sortie. En parallèle, ils proposent un nouveau EP de Ash qui est tout à fait à la hauteur des zones traversées ici et une série de sorties aussi. Plus une réserve de croquis d’Herbcraft qui donnent un contexte à « Wot Oz « tout en se tenant bien debout. Consultez le site de l’étiquette et découvrez tout ce qu’ils ont à offrir. Diffusez l’ensemble de l’album ci-dessous avant sa sortie demain.

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Katie Von Schleicher: « Consummation »

Katie Von Schleicher, basée à Brooklyn, s’est montrée très glamour et décousue sur son album de 2017, Shitty Hits. En enregistrant directement sur l’un de ces quatre titres très appréciés denregistrés sur Tascam, elle nous a offert un kaléidoscope de pop lo-fi, de folk endiablée et de solos de piano tranquilles. Mais malgré tous les avantages, les nuances et la créativité qu’elle inspire à beaucoup, le processus d’enregistrement a peut-être créé une boîte pour son style d’écriture de chansons. Avec le recul, bien sûr, il est possible de faire une comparaison : son nouveau disque, Consummation, qui représente un grand pas en avant.

S’affranchissant du ce quatre pistes, Von Schleicher se glisse dans une pièce plus grande avec une facilité déconcertante. Le disque conserve bon nombre des qualités de ses prédécesseurs – l’énergie et la confiance en soi sur « Wheel », avec ses guitares brutes et piquantes et ses sections rythmiques boxy qui ont suscité la carrière de nombreuses auteures-compositrices, de Courtney Barnett à Anna Burch et Phoebe Bridgers, en est un exemple. Mais la nouvelle ambiance cinématographique et expansive est pour elle un retour à la maison.

Le disque est en partie né de son désir de creuser le sous-texte du Vertigo d’Alfred Hitchcock et explore l’idée d’être la moitié invisible d’une relation. Mais séparément, on a l’impression que Consummation est l’aboutissement d’un voyage qu’elle effectue à la recherche des bons sons, des bons arrangements et de la bonne production dans lesquels elle peut encapsuler ses émotions.

C’est ce que l’on remarque dès le titre d’ouverture « You Remind Me », où des gouttelettes réverbérantes illustrent l’épanouissement de la nouvelle production et où des motifs contrastés de guitare et de batterie donnent des tournures intrigantes à la composition. « Nowhere » est la première d’une série de courtes ballades qui, à côté de « Strangest Thing », s’inspirent de Kate Bush et des Cocteau Twins dans des arrangements à touches, qui traduisent le désir et la frustration.

Von Schleicher s’en tient à ces thèmes en utilisant différents véhicules musicaux. « Can You Help ? » la voit passer à la guitare pendant deux minutes pour un beat-pop indie, chantant « Can’t you just help me, just as well you helped yourself » ; « Hammer » monte le volume et incite à ce qu’on tape du pied avec des lignes de guitare de bon goût ; « Caged Sleep » utilise un combo de basse et de batterie et un refrain de fausset accrocheur et planant, qui fait chanter des Goldfrapp et Weyes Blood. Cette dernière référence est peut-être la plus évidente sur « Messenger » – où le chœur d’harmonies est un mélange de fuzz et de cordes – comme sur tous les points forts de l’album. Alors que le « closer » « Nothing Lasts », plus proche de l’arty « Brutality » et de l’hymne, utilise des motifs mélodiques que l’on pourrait associer à Father John Misty.

Il arrive parfois que l’arrangement et la production cinématographiques s’empilent pour le plaisir. Ici, Von Schleicher n’utilise que ce qui est nécessaire pour apporter une nouvelle dimension à son écriture.

***1/2

Jeff Rosenstock: « NO DREAM »

Votre « oncle punk » préféré, Jeff Rosenstock, est de retour avec une autre surprise, un nouveau disque NO DREAM dans lequel, dès les premiers instants, il est clair qu’il est revenu à ses racines punk rock dans Bomb the Music Industry et Arrogant Son’s of Bitches pour créer un opus inspiré par le chaos, la confusion, la division et le désespoir de ces dernières années. JR a décrit son regard sur la musique comme étant du vocabulaire: « on apprend de nouveaux mots mais on n’oublie pas les anciens » (you learn new words but you don’t forget the old ones).

Dans les premiers morceaux, il est clair qu’il s’agit d’un album plein de fureur. L’ouverture frénétique, « NO TIME, » arrive en moins d’une minute et elle constitue une introduction parfaite à l’album, avec des thèmes musicaux et lyriques qui sont suivis tout au long. Il y a un sentiment de nostalgie pour les groupes punk EpiFat des années quatre-vingt-dix, qui s’accorde parfaitement avec le chant rapide qui mène à un point culminant de rétroaction grinçante.

Le souci du détail dans la transition d’une piste à l’autre est une chose que JR a toujours maîtrisée. La combinaison des intros et des outros crée une libération qui s’accompagne d’un flux chaotique, mais quelque peu réconfortant. Il y a très peu de gens qui peuvent passer d’un riff de guitare écrasant (« Scram ») à une guitare vintage et à un chant émotionnel (« N O D R E A M) », mais cela ne fait qu’ajouter au charme.

Si l’on considère qu’il s’agit d’une sélection de chansons qui s’inspire de projets antérieurs, la fraîcheur et la créativité de cet album sont surprenantes. Même si cela ne devrait probablement pas être le cas, vu la fréquence à laquelle JR repousse les limites et surprend les auditeurs. L’ensemble de la sortie ressemble à un développement, y compris tout ce qui a précédé. Les percussions frénétiques, les chants de gang et les guitares anguleuses qui clôturent le f a m e en sont un excellent exemple et illustrent toute la carrière de Rosenstock.

Il est évident que le back catalogue n’est pas la seule comparaison à faire dans cette collection de chansons. On y trouve des hochements de tête en direction de la musique alternative de toutes les époques, créant ainsi un album qui joue comme une leçon d’histoire de la musique. Les touches vintage de « The Beauty of Breathing » rayonnent de soleil et d’air marin. Les tambours roulants du surf punk, les harmonies et la guitare lointaine combinent The Beach Boys, Surfer Blood et Descendents en une chanson pop parfaite de trois minutes. « Old Crap » a un côté chanteur-compositeur traditionnel qui se construit à partir de la guitare et du chant pour aboutir à quelque chose de beaucoup, beaucoup plus grand avec le soin et la considération nécessaires au rock mathématique.

Cette sortie est un autre exemple d’écriture de chansons bien réfléchies, avec une musicalité éblouissante qui se combine avec une opinion politique et émotionnelle équilibrée, pour créer treize chansons qui vous inspireront à réfléchir. Il y a des moments qui, bien qu’écrits avant la pandémie, semblent importants et prédominants en ce moment, il y a des messages d’espoir et des rappels que tout cela passera (espérons-le) malgré le pétrin dans lequel nous nous trouvons actuellement.

C’est un album qui comprend l’importance d’un riff, que ce soit sous la forme d’une ligne de guitare accrocheuse ou d’un énorme refrain. Ces moments égayent une sortie qui aborde l’émotion sérieuse, la politique et la santé mentale. Ces moments transportent l’auditeur dans des salles en sueur et des chants de gang, et pour l’instant, cela ressemble à une évasion bien nécessaire.

Dans l’ensemble, NO DREAM est un excellent album qui illustre l’évolution de Rosenstock en tant qu’auteur, musicien et personne. Sa maturité s’associe à un sens de l’humour des plus aiguisés pour créer des chansons qui sont réconfortantes et donnent à réfléchir. Cet album est probablement idéal pour ces quelques moments d’évasion dont nous avons tous besoin.

***1/2

Owen Pallett: « Island »

À ce stade de sa carrière, Owen Pallett a tout fait discrètement, gagnant un profond respect et devenant un collaborateur très recherché, travaillant à la fois avec ses pairs et des stars pop internationales. Qu’il s’agisse d’être le joueur de cordes de longue date d’Arcade Fire, de fournir des arrangements orchestraux pour un grand nombre d’artistes comme Taylor Swift, Linkin Park, Pet Shop Boys, Fucked Up, et tout ce qui se trouve entre les deux, ou de co-écrire la bande originale du film Her de Spike Jonze, nominé aux Oscars, Owen Pallett n’aime pas se mettre très souvent sous les feux de la rampe.

Près de six ans après son dernier album, Pallett revient avec son cinquième LP, Island, un disque qui existe dans un monde imaginaire somptueux construit sur des luttes d’identité et des orchestrations parfaitement mûres – des qualités que l’on est en droit d’attendre du multi-instrumentiste. La première œuvre de Pallett, Final Fantasy, a donné naissance à une imagerie fantaisiste pleine de désirs frémissants et de fruits défendus, et Heartland and In Conflict a montré sa magie musicale avec des percussions acérées et une électronique vacillante. Sur Island, Pallett fait reculer sa pop baroque en nourrissant de subtils changements de tonalité et les pétrit doucement pour leur donner vie.

Island poursuit librement l’histoire de Lewis, un fermier violent introduit sur Heartland, qui est aux prises avec un sentiment de perte de but et une existence misérable. Cette fois-ci, Lewis est bloqué sur une île particulière, se déplaçant entre une conscience confuse et des visions oniriques. Un sentiment de légèreté et de détermination se dégage tout au long de l’album, parsemé de guitare acoustique fleurie sur des chansons comme « Transformer », avec le chant de Pallett, « Ce vide est un cadeau, je suis libre d’écrire l’avenir, un homme vide et invaincu » (I’m free to write the future, an empty man undefeated)- des mots qui parlent d’un certain niveau d’acceptation d’une vie imparfaite mais épanouie.

Le fidèle violon de Pallett, qui figure en bonne place sur l’album He Poos Clouds, lauréat du prix Polaris en 2006, n’est pas le point central de l’album Island, qui est plutôt occupé par de longs coups de piano et une guitare acoustique en arpèges. Sur « Paragon of Orde » », la délivrance de l’espoir de Pallett est illuminée par une grandiosité argentée, avec des cordes et des bois, grâce à l’Orchestre Contemporain de Londres. De même, « Polar Vortex » est distillé avec soin par la voix du chanteur, toujours jeune et de formation classique, et sa guitare cristalline.

L’abondance de l’espace et la clarté d’Island rendent la sagesse mélancolique de Pallett si magnifiquement apparente avec quatre intermèdes instrumentaux nostalgiques, chaque accord percolant gracieusement ces sentiments avec une belle réalisation. De l’autre côté du spectre, « A Bloody Morning » sert de sommet sonique à Island, porté par des tambours au trot et des cordes qui soufflent en faisant allusion au chemin orageux de Lewis avant de s’échouer violemment sur les rivages de l’île.

L’album restera en général discrètement bas et duscret jusqu’à ce que « Lewis Gets Fucked into Space » – une chanson qui porte le sens de l’humour toujours aussi effronté de Pallett avec un clin d’œil affectueux à son œuvre précédente.

Au cours des deux décennies de sa carrière, Pallett a créé de grands mondes expansifs – et avec Island, il se concentre sur les brefs moments de douleur et de plaisir avec son intuition intemporelle. Island représente un chapitre tendre et plus mélancolique du répertoire du chanteur, mais qui lui offre une perspective encore plus raffinée.

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The 1975: « Notes on a Conditional Form »

Dans un monde où les temps d’attention sont de plus en plus courts et les distractions constantes, sortir un album de musique nouvelle d’une durée de 81 minutes représente un grand défi, surtout lorsque cet album sera principalement consommé via des services de streaming. Sans l’avantage d’un format double album qui donne des pauses naturelles à une collection mammouth de 22 aventures sonores, se plonger dans le voyage musical qui est la dernière production de The 1975 est une expérience intimidante mais finalement enrichissante.

Pour ceux qui tiennent les comptes, Notes est la quatrième partie d’une trilogie d’albums prévue et un couplage avec l’excellent A Brief Inquiry Into Online Relationships de 2018 et se déroule dans l’ère définie par Music For Cars. Remettre en question la norme et les attentes de la scène musicale et de ses fans, voilà l’objectif de The 1975 et toute la démarche du combo y est exemplifiée.

Notes est un sac empli de sonorités aussi confuses et multiples que l’existence introvertie et extravertie du frontman Matt Healy. Comme il l’observe dans le documentaire promotionnel du groupe, les expressions sur Notes proviennent « d’un désir d’être vers l’extérieur suivi d’une peur d’être vu ».

Écrit et enregistré pendant la tournée de soutien à Inquiry, l’album a été alimenté au goutte-à-goutte par une série de sorties de « single » qui ont commencé avec le turbulent « People » en août 2019, alors que les dates de sortie étaient repoussées à maintes reprises. Y avait-il des problèmes ou simplement de la nouvelle musique ajoutée ?

Il a été d’écise d’aller à l’encontre de la tendance à la sortie rapide de « singles » après celle, en octobre dernier, de Frail State of Mind un album de nouvelles musiques plutôt qu’une collection de nouvelles chansons éparpillées entre des titres connus préalablement.

À props de Frail State Of Mind, Healy a déclaré : «  écrit « Go outside ? / seem unlikely » et une vérité paralysante d’anxiété et d’introversion sonne maintenant comme une alarme COVID-19 pendant le confinement. Mais alors que Frail State procure un sentiment de confort et de réconfort dans son mélange de rythmes sautillants, Notes propose également une partition pour la quarantaine.

L’album est une collection de genres écrasés et mélangés, allant de l’ambiance influencée par Brian Eno de « The End (Music for Cars) » et des cordes luxuriantes de « Streaming » aux voyages électroniques de « Yeah I Know », « I Think There’s Something You Should Know » et « Bagsy Not In Net », en passant par les virées folkloriques contagieuses de « Jesus Christ 2005 God Bless America » avec la chanteuse Phoebe Bridgers, et « Playing On My Mind ».

Et bien sûr, il y a les bops rêveurs d’inspiration pop comme l’éphémère « Then Because She Goes », le bonheur ambulant de « Me & You Together Song » et la nostalgie des années 80, avec une obsession moderne en ligne qu’est « If You’re Too Shy (Let Me Know) ».

L’album contient plusieurs moments forts, surtout dans la deuxième moitié. La réévaluation édifiante de l’ego déconstruit dans « Nothing Revealed / Everything Denied », où Healy s’insurge contre une personne publique encouragée par ses paroles expressives, est la chanson qui est sûre d’avoir une foule de spectateurs.

L’âme rêveuse des Temptations, samplée, « Tonight (I Wish I Was Your Boy » » est un grand moment. Et l’ambiance sonore changeante de « Having No Head » est le titre de gloire du batteur/producteur George Daniel dans un album rempli d’une production brillante et chatoyante.

Des chansons comme « The Birthday Party » et « Roadkil » », qui reflètent une vie accessible, la célébrité, sont les deux faces d’une même pièce, l’une s’orientant davantage vers le rock, l’autre vers l’électronique décontractée.  

Et puis il y a les moments d’émotion brute comme la ballade au piano « Don’t Worry » » un duo entre le père, Tim Healy, et le fils, et « Guys », plus proche, qui offre une appréciation réfléchie du voyage que Healy et ses compagnons ont fait. 

L’enchaînement de l’album permet de séparer les compositions ayant le même esprit, l’expérience s’apparente à l’ouverture de plusieurs onglets sur votre navigateur alors que vous passez constamment d’un trou de lapin à l’autre. C’est un peu déstabilisant par moments, mais on a l’impression que c’est voulu.

Peut-être que les 1975 proposent les différents styles et humeurs de Notes comme un album à déconstruire et à reconstruire selon les penchants de chacun de leurs publics. Vous voulez créer une collection d’ambiance et d’électronique à la dérive ? Découpez-le de cette façon et voilà. Vous voulez composer avec des rockers ? Prenez ce lot ici. Vous voulez vous prélasser dans l’amertume de l’âme contre des arrangements dénudés ? Prenez ceci, ceci et cela. 

En fait, dans un monde où le shuffle pourrait être le défaut, cet album pourrait bien révéler encore plus ses dons de génie à chaque nouvelle incarnation séquencée.

Pour l’instant, c’est un album qui interpellera certains auditeurs et en récompensera d’autres. Il sera aimé et détesté en quantité égale mais la seule chose qui est sûre, est qu’il ne faudra pas l’ignorer.

***1/2

Lauren Redhead: « Imagined Method »

Les trois morceaux composant Imagined Method de Lauren Redhead durent au total un peu moins de 20 minutes. Elle y fait une déclaration concise et passe à autre chose, ce qui est louable. Lauren Redhead est une compositrice électroacoustique et une sculptrice sonore basée au Royaume-Uni qui, du moins dernièrement, se concentre sur la musique chorale associée à l’électronique. Son album Hearmleoþ-Gieddunga, sorti en 2018, est remarquable et figure encore en bonne place sur une liste fantasmée des meilleurs albums de cette année-là.

Sur cette offre, elle mélange les éléments choraux susmentionnés – qui sont souvent présentés de manière quasi-liturgique ou grégorienne – avec des éléments électroniques qui tendent à ajouter de la consonance au chant.  Le style des vocalises rappelle celui de Stockhausen, avec des sons humains et synthétisés qui produisent des couches, des vagues et des sifflements.

Sur la dernière piste, les voix divergent dans une certaine mesure, avec des paroles accompagnant les chanteurs et des crescendos périodiques. L’électronique joue également un rôle plus important et plus particulier, les manipulations sonores présentant les caractéristiques des murs de bruit.

Dans l’ensemble, Imagined Method est une belle façon de passer une partie de l’après-midi avec une expérimentrice en devenir et « en avenir ».

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Tim Stine Trio: « Fresh Demons »

Le guitariste Tim Stine est une présence créative sur la scène musicale de Chicago depuis plus de dix ans maintenant. Originaire du Dakota du Nord, il a sorti des enregistrements avec son quartet et son trio, et a joué en tant que sideman avec de nombreux musiciens parmi les plus intéressants de la ville. Fresh Demons est le deuxième album de son trio avec le contrebassiste Anton Hatwich et le batteur Frank Rosaly ; enregistré en janvier 2018, il fait suite à leurs débuts éponymes de 2016.

Stine a composé les huit titres de l’album et joue de la guitare acoustique sur chacun d’eux. Cela donne un son un peu inhabituel pour un trio guitare-basse-batterie, mais il est très efficace et parfaitement adapté à la substance asymétrique et chromatique typique des compositions de Stine, structurées de manière thématique.

Stine est un excellent guitariste ; lors des passages écrits et improvisés, il joue de longues lignes fluides qui poussent contre le son naturellement staccato de la guitare acoustique. La contrebasse pizzicato de Hatwich, autre voix à prédominance staccato, double et contrepoint les mélodies de Stine et soutient activement ses improvisations. Non moins important pour le son du groupe bien intégré est le battement de tambour de Rosaly – il est fluide et propulsif, et fait swinguer les compositions rythmiquement complexes de Stine.

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