Convulsif: « Extinct »

14 janvier 2021

Convulsif et un quatuor d’avant-garde qui est ensemble depuis 2014 et qui a déjà sorti quatre albums (simplement nommés I à IV) et quelques « single »s. Il n’est pas trop difficile de décrire le son de ces iconoclates musicaux suisses, mais il pourrait être difficile à sonder : jetez des quantités égales de Godflesh, Agoraphobic Nosebleed et Oxbow dans votre mixeur et mélangez bien. Ajoutez une énorme quantité de Sumac, mélangez à nouveau avec une impulsion forte et brutale, puis versez le tout à travers un filtre afin qu’aucune voix ni aucune guitare ne reste dans le mélange. En voilà le résultat condrétisé : une formation composée d’une basse, d’une batterie, d’une clarinette basse et d’un violon qui jouent un des jazz d’avant-garde les plus féroces et les plus éclatants que vous puissiez entendre de ce côté-ci de l’année 2010. Il est froid et battu, séducteur et chasseur, hanté et fougueux. 

Ce cinquième long-métrage de la nouvelle acquisition de la liste de Hummus a toutes les marques nécessaires pour vous faire tomber amoureux. Ou le détester. Ou les deux. La basse à riffs qui s’utilise comme une guitare (au fait, je me demande si Loic Grobéty joue une basse à cinq cordes) et la batterie mal utilisée de Maxime Hänsenberger qui donnent toutes les deux une assise sacrément profonde à la clarinette basse de Christian Muller et au violon de Jamasp Jhabvala. Ces deux derniers ajoutent également de l’électronique pour rendre le son encore plus déformé et incroyable. Les bribes de mélodies clairement construites sont attaquées en quelques secondes par l’un ou l’autre instrument, car il semble que l’auditeur ne devrait pas pouvoir en arriver à une pensée finie.

Si cela peut paraître étrange, il convient, par exemple, de regarder ledeuxième morceau « Five Days of Open Bones ». Ill s’ouvre sur un large fond de clarinette stérile et des perforations de basse grave avant que la batterie ne s’installe et que le violon ne monte lentement au premier plan de tout cela. Au bout de trois minutes environ, la batterie indique au reste du groupe qu’il est temps de passer à la vitesse supérieure, et Maxime donne quelques coups de pied et de poing entre les deux. Après chaque tour de compteur, vous vous dites « OK, maintenant ça va s’installer », mais votre souhait ne se réalise pas, il reste dans sa lente ascension vers la folie. A cinq minutes près, la basse se déforme et les parties électroniques du bruit deviennent non seulement plus apparentes mais aussi dominantes, la clarinette est presque inaudible. Et puis ça commence, l’ouragan est arrivé et est prêt à nous faire tous exploser en morceaux – et la clarinette et le violon indiquent ce changement alors qu’ils se battent à nouveau pour se frayer un chemin vers le front – en devant bien sûr renverser tous les autres instruments de combat en chemin. Nous ne voyons pas comment nous sommes entrés dans l’œil de la tempête, mais après une seconde de calme, tout commence à s’effondrer au-dessus de nos têtes et tout le monde tombe par-dessus bord. Nous sommes arrivés au niveau 1 du grincore, celui où l’enfer nous accueille dans l’abîme. La tempête se calme au bout de deux minutes et la folie s’estompe lentement, la clarinette en forme de godefroidissement étant notre bouée de guidage pour sortir. Mais nous ne pouvons pas sortir sans une dernière attaque rapide de drum’n’bass – aucune échappatoire n’est gratuite.

Le niveau d’exécution de ce disque est tout simplement impressionnant car les quatre musiciens sont de véritables maîtres de leur art. Même sans chant, ils ont beaucoup à dire. Les titres des morceaux le disent, car ils sont des extraits du Journal de Beagle de Charles Darwin. La seule question qui reste est de savoir qui disparaîtra après ce disque. Notre cerveau ? Ou est-ce une analogie sarcastique avec l’année 2020, lorsque l’humanité sera confrontée à l’extinction et ne saura pas comment s’en sortir (comme dans un ouragan ?). Si c’est le cas, espérons que le prochain record de Convulsif ne concerne pas la deuxième loi de Darwin : la survie du plus fort (ou du plus apte à s’adapter). Après une seconde écoute, ne restera plus qu’à attendre un nouvel album de Sumac ; gageons, toutefois, que Convulsif a mis la barre assez haut mais que ça n’est pas pour nous déplaire.

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Širom: « A Universe That Roasts Blossoms For a Horse »

14 janvier 2021

Le deuxième album du trio slovène Širom, A Universe that Roasts Blossoms for a Horse, est un spectacle surréaliste : intelligent, vif et souvent superbe, même s’il devient parfois un peu sédatif dans ses méandres harmoniques. Sifflements mis à part, c’est un disque vraiment intéressant. Il mélange le minimalisme et le folk des Balkans d’une manière qui semble se déformer, fondre et dégouliner comme une horloge de Dali. Des œuvres d’art et des titres de chansons étranges et démoniaques comme « Sleight of Hand with a Melting Key » et « Low Probability of a Hug » donnent ce ton délibérément bizarre, tandis que les trois membres du groupe – Ana, Samo et Iztok – se délectent à explorer les timbres d’une liste d’instruments de plus en plus restreinte.

La topographie du disque peut sembler superficiellement aléatoire – les gémissements cérémoniels et les cordes glissantes qui ouvrent « A Washed Out Boy Taking Fossils From A Frog Shack » nous placent dans une sorte de mise en transe improvisée – cependant, d’un point de vue stylistique, la musique est assez cohérente. Le minimalisme à la Riley est le domaine dans lequel nous évoluons, et le troisième morceau, « A Pulse Expels its Brothers and Sisters », en est un bon exemple. Avec l’habileté délicate et bien placée des meilleurs compositeurs minimalistes, le groupe développe un monde sonore qui voit les accords sifflants sur une variété de cloches métalliques former un ostinato cyclique, usurpant la rigidité mécanique de l’ouverture percussive de la chanson. Ces périodes robotiques – inévitables dans un minimalisme comme celui-ci – ont cependant un certain charme dans leur prévisibilité, surtout si l’on tient compte du contrepoint chaleureux apporté par l’autre thème principal du disque.

Les tendances folk de Širom fournissent cette autre moitié, la fusion qui rend le son de ce disque si unique. Sur « Sleight Of Hand With a Melting Key », le son féroce des mandolines et des chants de type waif compense parfaitement les motifs gamelan, un répit de la frénésie répétitive. Les mélodies qu’ils créent ici sont vraiment douces : »Low probability of a Hug » comporte de longues sections où de jolies lignes émergent, flottant sur le bourdonnement et la confusion créés par la gamme phénoménale d’instruments dont chaque membre joue. Cette combinaison de folk et de minimalisme donne à l’ensemble un aspect rituel, presque anachronique : des images de danses païennes effrayantes autour d’un feu crépusculaire en pleurs s’échappent de la musique.

Cependant, cette fusion est aussi la cause du principal écueil de l’album : à la fin, on a l’impression d’avoir entendu tout ce que ce mélange de genres a à offrir. C’est une combinaison séduisante, mais en fusionnant le folk et le minimalisme, le groupe expose en fait les limites de sa propre création. Alors que la plupart des musiques classiques contemporaines et même le minimalisme du XXe siècle tirent leur intrigue de changements d’accords étranges et conflictuels, en la maintenant dans un contexte folk, les Širom ne sont ancrés que sur une ou deux zones tonales. La musique peut donc sembler plutôt statique : une petite montre-bracelet contenue plutôt que les grandes machines de Rube Goldberg que le minimalisme plus harmoniquement expressif a tendance à ressentir. Ce n’est pas qu’il s’agisse d’un groupe qui n’a qu’un seul tour dans son sac, et le disque ne semble jamais manquer d’aventure – le début de « A Pulse… » met ces deux idées au placard – c’est juste qu’à la fin, on a l’impression que c’est un album piégé par les limites harmoniques qu’il s’est lui-même imposées.

Entre l’ordre et le chaos, A Universe that Roasts Blossoms for a Horse donne l’impression d’un long voyage dans une machine entropique, programmée pour descendre dans la boue et le vacarme. En tant que tel, il n’est jamais ennuyeux, mais on souhaite parfois qu’il ait quelques endroits supplémentaires où aller.

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Dynfari: « Myrkurs er Þörf »

14 janvier 2021

L’Islande est un pays d’une beauté époustouflante qui se trouve dans un environnement naturel épouvantable. L’obscurité et le froid, les tempêtes et la mer démontée font partie de la vie quotidienne normale en Islande. Ainsi, beaucoup d’Islandais se tournent vers leur intériorité, dans la maison, dans le cercle familial ou aussi en soi-même. Ce tournant vers les éléments intérieurs de la vie peut entraîner une sorte de repli sur soi et d’introspection où l’on doit faire face à ses propres démons, parfois même seul. Il est évident que ce mode de vie introverti n’est pas toujours pour le mieux, même s’il ne faut pas sous-estimer la dureté des gens qui vivent sur cette roche volcanique au milieu de l’Atlantique Nord, à un bruit de corbeau de l’Arctique. 

La musique islandaise est donc très variée, même si, pour être honnête, la plupart de ce que nous entendons de l’île est plutôt sombre, Múm, Minus, Gavon Portland du côté alternatif, et MisÞyrming, Almyrkvi, Svartidaudi du côté métal, tandis que Sigur Ros, Björk et For a Minor Reflection servent les post-rock-aficionados. Et puis il y a des groupes comme Dynfari qui marchent sur le fil du rasoir en combinant post-rock et black metal, non pas à parts égales mais avec plus qu’un soupçon. C’est ce que montre également leur dernier opus Myrkurs er Þörf.

Musicalement, le disque offre tout ce que l’on peut attendre de la combinaison de genres susmentionnée, il est plein d’espoir à certains endroits et dépressif à d’autres, ces derniers dominant un peu à première vue. Néanmoins, le premier morceau que l’on entend « Dauðans dimmu dagar » est un pur morceau post-rock avec un crescendo un peu noirci, la batterie dégageant une atmosphère de black metal. Lorsque le deuxième morceau « Langar Nætur » démarre avec le pied clairement un pas plus dur sur le gaz, il devient évident que ce groupe ne sera pas à sens unique. Nous avons ici un groupe qui, avec quatre longs métrages précédents à son actif, sait comment capturer l’auditeur et le guider dans le labyrinthe en spirale vers le bas et vers le haut.

Le chant du bassiste Jóhann Örn, qui joue également de l’accordéon et des synthés sur ce disque, est noirci, mais pas seulement par des cris et des hurlements, mais, chose intéressante, un peu plus clair que d’habitude pour le genre – si l’on peut comprendre le langage ! Il devient évident que sa voix est plus claire que dans la plupart des cas quand on écoute les passages en anglais, par exemple dans le dernier morceau « Of Suicide Redemption ». Ici, il montre également que le texte de la promo du disque pourrait être vrai lorsqu’il dit que Dynfari se concentre sur les côtés les plus sombres de la vie – le suicide et la tristesse, la dépression et la mort. La musicalité n’est pas unique, mais elle est remarquable. Il semble que tout sur ce disque soit à sa place parfaite et comme tout sonne parfaitement équilibré, il faut également reconnaître la production et le mastering de « Myrkurs er Þörf ». 

Si vous aimez votre post-rock un peu moins lumineux et avec des ombres et des ténèbres, ce groupe mérite certainement votre attention. Les puristes (des deux genres) feraient mieux de s’en éloigner, tandis que les autres restent assis et profitent d’un disque aux multiples facettes et aux dimensions multiples, rempli de chansons atmosphériques fantastiques qui vous mèneront facilement sur une route vers ce rock sombre du nord, à l’intérieur d’une des maisons, dans les profondeurs de l’âme en claustrophobie.

***1/2


Oneohtrix Point Never: « Magic Oneohtrix Point Never »

13 janvier 2021

Avec une discographie qui s’avère presque impossible à rattacher à un genre spécifique, on ne peut vraiment pas deviner où le projet solo expérimental Oneohtrix Point Never du producteur Daniel Lopatin pourrait s’aventurer à chaque nouvelle sortie. De l’EDM au new age, en passant par la musique de chambre et les musiques de films, la production de Lopatin au cours de la dernière décennie a toujours été surprenante et une joie à contempler pour les fans de la gauche. Chaque disque enveloppe l’auditeur dans un concept et un style qui ont été conçus par le jeune homme de 38 ans avec une attention digne d’un auteur, ce qui explique en partie pourquoi son nouvel album mérite qu’on lui consacre un peu de temps.

Intitulé d’après le nom erroné d’une station de radio de soft rock appelée « Magic 106.7 » qui lui a inspiré son pseudonyme original, Magic Oneohtrix Point ne trouve jamais l’artiste new-yorkais se livrant à sa fascination de longue date pour la transmission de signaux radio sur les ondes et le style d’écoute aléatoire de ce média. Le résultat est un film absorbant de 47 minutes qui révèle de nouvelles couches à chaque séance, alors que Lopatin explore plus avant les pillage phoniques qu’il a si bien utilisés sur des albums tels que Replica en 2011.

L’album a quelque chose d’une sorte de mixtape – la fin de chaque composition est tissée dans le début de la suivante, ce qui en fait une expérience d’écoute assez dense au départ, mais aussi extrêmement holistique. Il mélange des échantillons déformés de signatures de DJ avec des publicités pour des mantras d’auto-assistance au milieu de ses rythmes et de ses percussions, agissant comme des intermèdes comiques sombres, comme si vous entendiez des transmissions perdues depuis une sorte de zone crépusculaire.

Bien qu’il y ait des moments inquiétants, l’album reste étonnamment apaisant à l’écoute, avec les mélodies réverbérantes de morceaux comme « Long Road Home », « I Don’t Love Me Anymore » et « Nothing’s Special » qui ont une atmosphère réconfortante. C’est également l’un des projets OPN les plus collaboratifs à ce jour, avec la participation d’Arca, Caroline Polachek et Nolanberollin. Cependant, c’est « No Nightmares » qui est le plus mémorable, où la voix de la star du R&B se marie avec les synthés spatiaux de Lopatin de manière nocturne et heureuse.

Magic Oneohtrix Point ne se sent finalement jamais plus abstrait que le dystopien Age Of de 2018 et le score époustouflant de l’année dernière pour Uncut Gems, mais il ne sacrifie aucune des qualités peu orthodoxes qui l’ont toujours fait sortir du lot. C’est une affaire complètement kaléidoscopique qui s’avère être l’un des disques les plus imaginatifs et les plus provocateurs en cette fin d’année 2020 qui a vu saaparution

***1/2


Steven Wilson: « The Future Bites »

13 janvier 2021

Bienvenue dans l’avenir de Steven Wilsons à bord d’un train, qui a déjà connu quelques arrêts. Peut-être êtes-vous encore à bord, mais vous vous demandez nerveusement si c’est vraiment l’itinéraire que vous vouliez emprunter. Ou peut-être avez-vous embarqué pour la première fois, attiré par une nouvelle que vous avez entendue récemment ? Veuillez noter que les panneaux d’avertissement sont placés bien en vue pour vous dignaler que Seven Wilson est un artiste. Si ce n’est pas votre sauce musicale, n’hésitez pas à tirer le frein à main à tout moment et à sortir du wagon.

Oui, M. Wilson se considère comme un artiste. Et Dieu merci, comme l’ont montré Bowie, Fripp et Prince, la musique a besoin de véritables artistes qui se mettent toujours au défi, eux ainsi que leur public. Peu nombreux sont les fans qui apprécient honnêtement chaque tournant, mais pour les personnes ouvertes d’esprit, le changement constant peut conduire à de nouvelles découvertes et à des récompenses plus importantes. Il s’avère que même si The Future Bites est une nouvelle approche sonore, radicalement différente de The Raven Who Refused to Sing, par exemple, il existe de nombreuses similitudes dans la plupart des enregistrements de Steven Wilson. Pour ceux qui aiment le cœur de l’art du bonhomme, il y a ici de quoi s’identifier, malgré le nouveau terrain. Eti vous êtes encore dans ce coup-là, nulle raison de ne pas commencer.

Moderne et élégant, mais toujours dépourvu de vulnérabilité émotionnelle, Wilson a créé, selon ses dires « un album qui ne pourra être réalisé qu’en 2019 ». Après ses hommages aux décennies passées par le biais d’albums récents, la machine à remonter le temps de Wilson s’est tournée vers le présent (et au-delà) pour TFB en ce qui concerne l’instrumentation, la production et l’éthos. Oui, c’est un changement choquant. Même si l’on se penche sur le précédent album To The Bone – qui a suscité pas mal de controverses en raison de sa sensibilité pop accrue – on peut dire que le récent album de 2017 ressemble à un classique de Wilson par rapport à ce nouveau TFB. Bien qu’il ne soit pas un album concept narratif, The Future Bites a certainement des thèmes centraux impliquant le consumérisme, l’ego et le pouvoir, et nous commençons donc par le coup de poing de « Unself » acoustique (et beaucoup trop court) qui cède la place à un »Self »serré qui place le public carrément dans l’ère moderne, et avec une certaine assurance en plus. En effet, il est difficile de rester assis sans bouger pendant ce petit bijou, avec une ligne de guitare rythmique percutante, des choristes féminines et un arrangement compact qui tue. On peut à peu près voir le rideau tomber sur la scène alors que sa prochaine tournée commence par cette salve d’ouverture, des lumières flamboyantes sur une scénographie futuriste (avec, espérons-le, Nick Beggs en nuances et cheveux tressés).

« King Ghost » suit, peut-être un peu trop tôt dans la liste des titres étant donné l’impact de cette pièce d’une beauté dévastatrice. Paradoxalement, tout en conservant un aspect organique, cette pièce est l’une des plus électroniques jamais réalisées par Wilson. C’est un exemple où le falsetto douloureux de Wilson brille vraiment, même s’il est manipulé électroniquement. Un point fort de l’album pour ceux qui n’ont pas peur des claviers et du manque de guitares. « 12 Things I Forgot » passe rapidement en terrain connu. La raison pour laquelle cette chanson n’a pas été proposée à Aviv Geffen pour le récent album de Blackfield est un mystère (ne manquez pas les chansons écrites par Wilson-sung/Geffen sur cet album, d’ailleurs), mais c’est un répit bienvenu par rapport aux synthés et à la production soignée de la plupart des autres chansons de l’album.

La présence de Roger Waters semble être présente sur une grande partie de l’album, peut-être en raison de la forte conviction thématique de son auteur, ou peut-être de l’utilisation abondante de choristes féminines tout au long de l’album, mais nulle part les ruminations cyniques sur le pouvoir et le contrôle ne sont plus apparentes que dans la fanfaronnade de « Eminent Sleaze ». Ce morceau délicieusement acerbe, dont les basses sont très enracinées, contraste avec les lignes orchestrales. Il s’agit d’une chanson faite pour la vision plus grande que nature de Wilson de The Future Bites et il serait intéressant de savoir s’il a aimé jouer le protagoniste dans la vidéo d’accompagnement.

Comme beaucoup le savent, The Future Bites a subi l’impact dramatique de l’ère COVID, changeant la liste des titres et retardant sa sortie de plus de sept mois, sans parler de la suppression de toute une tournée de 2020 où Wilson aurait dû jouer dans ses plus grandes salles. Le retard qui s’en est suivi a peut-être donné à son public plus de temps pour se préparer à ce changement de direction, même si les singles qui ont suivi ont été publiés et représentent maintenant collectivement plus de la moitié de la durée de l’album complet. Le premier « single », « Personal Shopper » est sorti en mars 2020, presque comme un coup de semonce de ce qui allait suivre. Bien qu’il soit de loin le morceau le plus long de l’album, il est à plusieurs générations de « Detonation » (le seul long morceau de To The Bone), un entraînement progressif qui a en fait replongé dans le territoire de Porcupine Tree.  En revanche, « Personal Shopper » est plutôt une bande-son de danse de rythmes électroniques – quoique avec des sous-entendus sinistres – avec Wilson qui s’écrie en falsetto. L’inclusion de l’icône du rock classique Elton John est assez épique, mais ne fait rien pour éloigner l’atmosphère futuriste qui s’en dégage. Néanmoins, le refrain reste Steven Wilson en son cœur et donc, pour les esprits ouverts, il s’agit apparemment de notre artiste bien-aimé qui essaie simplement un nouveau costume. L’ajustement ou non de ce costume dépend d’un jugement subjectif et, pour beaucoup, ce sera probablement un moment d’amour ou de haine.

Et qu’en est-il des autres nouvelles chansons, qui ne sont pas encore sorties sous forme de singles ? Le grand vainqueur est « Man of the People », cinq minutes de Wilson ambient qui sont extrêmement satisfaisantes. Il est toujours dans un format pop compact, mais l’arrangement permet au morceau de respirer, de se balancer et de séduire avec certaines des plus belles voix de Wilson à ce jour. « Follower » est une pièce entraînante qui s’inscrit parfaitement dans l’esprit de l’album, sonnant quelque part entre « Personal Shopper » » et « Eminent Sleaze », mettant en avant à un moment donné des grincements de guitare punk bruyants et méchants. « Count of Unease » conclut l’album avec un adieu typique de Wilson (pensez à « Collapse the Light into Earth » ou « Song of Unborn » », offrant une descente naturelle de la bombe futuriste de la plus grande partie de l’album.

Le tout dans un emballage bien rangé de 42 minutes. En fait, cela passe si vite qu’il est facile de recommencer l’album à sa conclusion. Soyons honnêtes : pour la plupart des fans de longue date de Steven Wilson/Porcupine Tree, cet album ne figurera pas dans leur Top 5 des sorties. Mais cela n’a pas besoin d’y figurer. C’est un sacré bon album en soi, qui attirera probablement un bon nombre de nouveaux auditeurs qui, espérons-le, feront leur chemin à travers le catalogue. Brillamment produit par Wilson et David Kosten, il sonne très bien d’une manière qu’aucun autre album de Steven Wilson n’a. Même s’il ne suscite pas un enthousiasme débordant, il a peut-être simplement suscité quelque chose de plus important : le respect de l’artiste. Car, quelle que soit l’opinion subjective de l’auditeur, il est reconnu qu’en Steven Wilson, nous avons trouvé un musicien qui a soif de nouveaux défis, de nouveaux sons, de nouvelles inspirations. Un artiste qui n’a pas peur d’y aller. Et quelqu’un qui ne se vend pas du tout… il fait plutôt ce qu’il veut faire et pourrait, à cet égard, être un nuveau sauveur du « prog ».

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Sleaford Mods: « Spare Ribs »

13 janvier 2021

Spare Ribs est le sixième album studio des punks de Midlanders Jason Williamson et Andrew Fearn de Sleaford Mods. Deux ans après leur dernier disqueSpare Ribsnous propose un confetti de paroles pleines d’esprit au milieu d’une couverture électronique en pleine effervescence. 

Le prodige excentrique qu’est « The New Brick » se glisse avec force dans les quarante minutes qui suivent, suivi rapidement par le « single » « Shortcummings ». Sorti au début de l’année 2020, ce titre est un morceau de new-wave au style marmonné pour véhiculer une mauvaise humeur impérieuse mais avec une accroche mémorablequi vous fait réitérer à l’envi « il a short, short, short, short, short cummings ». Explorant la crise actuelle de perte d’emploi extrême due à la crise sanitaire et existentielle qu’est COVID-19, Williamson chante « c’est une telle honte que tous les emplois ici sont morts » (it’s such a shame that every job here is dead), suivi sciemment par « c’est une telle honte que chaque personne que je rencontre a besoin de se faire taper sur les doigts » (It’s such a shame, that every person I meet needs smacking in the ‘ed.).

Dans le basique « Nudge It »), les Mods s’associent à la chanteuse australienne Amy Taylor, et leur voix s’entremêlent comme le ferait un phrasé acide qui serait superposé à un autre – c’est du pur punk et ça marche très, très bien. 

Les Mods n’hésitent jamais à s’exprimer de façon controversée et, sur Spare Ribs, leur esprit fougueux est admirable. En faisant passer leurs opinions sur Brexit, un gouvernement jugé inutile et l’industrie de la musique par l’électronique grunge, Sleaford Mods est l’un des rares groupes à pouvoir le faire correctement. « Bonjour, je suis ici aujourd’hui pour parler de l’importance des salles indépendantes », dit Williamson en ouvrant le morceau « Elocution ». Et c’est un beau moment pour l’introduire, après avoir enregistré Spare Ribs dans le chaos ddu premier confinement ; ce cri pour sauver les salles de concert ne pourrait pas être plus urgent aujourd’hui

Spare Ribs met vraiment ainsi votre humour à l’épreuve, alors que lle combo balance des insultes sans ménagement et on peut promettre que vous n’avez jamais un jour écouté un album avec lequel vous aurez tout autant ri tout en hochant la tête avec enthousiasme par exemple sur ce « Je ne veux pas te parler, connard, ennuyeux, putain, connard » ( don’t want to talk to you, you cunt, you boring, fucking, cunt)s’esclaffe Williamson sur « Out There ». 

« Mork N Mindy », au son inquiétant, contient des mots de Billy Nomates, récemment découverts, qui vous emmènent dans un voyage tranquille de sons déformés. Sleaford Mods n’en ont rien à foutre, et nous adorons ça : Spare Ribs est, de ce fait, littéralement une liste de treize « Fuck Yous » adressés à un gouvernement incompétent et sans pitié. 

Cet album est , de ce point de vue, d’irréprochable dans la manière qu’ont Sleaford Mods à vouloir sauver l’année 2021 grâce à leur lyrisme endiablé et à leur production percutante. 

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Shame: « Drunk Tank Pink »

13 janvier 2021

Shame a sorti son premier album Songs of Praise dans un monde très différent de celui que nous connaissons aujourd’hui, et pas de la manière la plus évidente qu’on puisse imaginer. Appelez cela la genèse d’une scène, ou quelque chose de beaucoup plus cynique, mais de nos jours, vous pouvez difficilement gribouiller dans une playlist, feuilleter une programmation de festival ou parcourir une liste typique d’Album de l’année sans tomber sur une bande d’hommes délabrés en tenue formelle qui se disent « post-punk ».

Depuis le double coup de théâtre de 2018 qu’a été Songs of Praise et la joie fulgurante constiruée par l’apparition de IDLES en tant qu’acte de résistance, ces groupes ne manquent pas ; l’inconvénient étant que, quelle que soit la scène, il est plus difficile de se démarquer. Le genre exige d’un groupe qu’il soit franc, subversif et fort. Sachant cela, il est difficile de distinguer si un groupe ne fait que s’approprier l’image de Mark E Smith comme un costume d’Halloween hagard ou s’il porte aussi cette même étincelle d’ingéniosité, d’imagination et de rébellion. Avec leur deuxième album, Shame aurait pu facilement s’en tenir à la formule gagnante de leur premier album – mais heureusement, l’étincelle a prévalu et Drunk Tank Pink est une obsédante et excellente suite à l’opus précédent.

Alors que le morceau d’ouverture et le premier « single » « Alphabet » reprend là où l Songs of Praise s’était arrêté, il se transforme rapidement en « Nigel Hitter », inspiré par Talking Heads, avec ses rythmes new-wave syncopés. Ailleurs, on peut entendre des hochements de tête à des titres comme Deftones, les B-52 et la trilogie berlinoise de Bowie. Une boîte à rythmes peu familière introduit l’entraînement chaotique de « March Day » alors que « Water in the Well » est accentué par une fantastique sélection de percussions. Des castagnettes, des agogos (instument de percussion africain) et des blocs de bois illuminent le morceau comme un cours de musique d’école primaire incontrôlable. Musicalement, nous sommes en territoire imprévisible ; comme Dorothy dansThe Wizard of Oz, nous avons abandonné la familiarité teintée de sépia au profit de traits de couleur expansifs, déconcertants et fascinants. 

Comme nous l’avons déjà dit, les groupes du genre de Shame ont tendance à ne faire que du bruit ; des guitares déformées et bruyantes convoquent les moshpits à travers le pays et un chanteur en sueur hurle directement dans les tympans de la foule. Bien que Drunk Tank Pink ait encore des nuances de ce genre, le bruit est utilisé de manière beaucoup plus inattendue – comme un contraste direct avec le silence. Le silence, et le fait d’y faire face, est le thème principal de l’album – le nom de l’album lui-même fait référence à la couleur (une nuance de rose utilisée pour calmer les détenus de la cellule de dégrisement) de la pièce où le frontman Charlie Steen a écrit les paroles de l’album. Dans « Human, For a Minute », Steen chante « IJe suis la moitié de l’homme que je devrais être » (I »m half the man I should be) ; le poids psychologique de la sortie de la vie rigoureuse d’un musicien en tournée pour revenir à une relative normalité s’attarde sur les mots illustrés par des guitares dures et abrasives. Dans une vie imprégnée de bruit, le retour au silence peut souvent être ressenti comme un coup de fouet ; Drunk Tank Pink parvient à transmettre ces thèmes d’une manière rafraîchissante, honnête et complexe. 

Malgré la lourdeur des thèmes lyriques, Shame porte toujours en elle son humour franc. « Station Wagon » commence par une phrase typique de Steen : »j‘ai besoin d’une nouvelle résolution et ce n’est même pas la fin de l’année » (I need a new resolution and it’s not even the end of the year), et se termine par ce qui ne peut être décrit que comme un sermon cacophonique. Dans le premier « single » du groupe, « The Lick », Steen appelle à la fin d’une musique qui est « racontable, pas discutable ». D’une certaine manière, Drunk Tank Pink parvient à frapper ce milieu en étant racontable ET discutable. C’est un album qui démontre l’énergie, l’esprit et le charisme de Shame, pourquoi leur voix est vitale et pourquoi ils méritent d’être des influenceurs à part entière. 

***1/2


Orla Wren: « The Blind Deaf Stone »

12 janvier 2021

La personnalité artistique d’Orla Wren en tant qu’authentique étrangère connaît des intervalles créatifs irréguliers et des applications expressives changeantes. Dédié dans la dernière période à l’élaboration de Filmscores de tous genres (disponibles à la fin de l’année dernière en sept volumes au format numérique), l’énigmatique artiste britannique revient pour publier un album entièrement sous son propre nom depuis l’époque de Moccasin Flowers (2015), le fait évidemment à sa manière, tant pour le format que pour le mode de réalisation.

The Blind Deaf Stone est, en fait, articulé en quatre pistes de long format, d’une durée de douze minutes chacune, créées avec l’utilisation exclusive d’un synthé analogique monophonique. Bien que lointaine puisse paraître l’époque de l’ascèse acoustique du splendide Book Of The Folded Forest (2013), l’approche de l’instrument par Orla Wren est oui extrêmement minimale mais toujours orientée vers un paysage bucolique parsemé d’éléments organiques et de tessons de mélodie déconstruits.

Tout au long de l’œuvre, les fréquences de tremblement du synthé sont en effet modulées dans des boucles liquides et brodées de débris sonores, dont les segmentations donnent aux pistes une dynamique oblique et parfois tordue. Mais c’est surtout les fondus lumineux du second morceau et les délicates itérations du dernier qui matérialisent à nouveau, sous un autre son, la fragile mélancolie qui sous-tend les contemplations naturalistes d’Orla Wren, une fois encore créatrice ascétique de paysages imaginaires.

***1/2


The Dirty Nil: « Fuck Art »

11 janvier 2021

L’ingrédient clé de la formule rock ‘n’ roll de The Dirty Nil est une touche d’humour. C’est un groupe qui ne se prend pas trop au sérieux et cette notion est omniprésente sur leur troisième LP, Fuck Art, une collection de 11 chansons qui oscillent entre pop-punk/rock anthemique, sous-entendus grunge et breakdowns thrash metal inspirés par Slayer (sic !).

Sur le plan thématique, le dernier album de la formation ontarienne contient une réflexion sur les dernières pensées d’Elvis lorsqu’il est mort aux toilettes, le narcissisme des médias sociaux, le traitement des pires maux de tête provoqués par la mère de toutes les gueules de bois, le vol de vélos et la jalousie musicale aiguë, pour n’en citer que quelques-uns. Fuck Art n’est pas un disque de comédie même s’il y a une nature joviale dans la façon dont les Dirty Nil abordent leurs chansons, car sa nouveauté n’est pas destinée à éclipser le véritable sentiment de l’album.

Toutefois, si vous vous demandez pourquoi Slyayer, voici la réponse « Doom Boy » ouvre Fuck Artsous un barrage de riffs métalliques tordus, qui fusionnent avec des chants hymniques et un refrain pop-rock massif. Selon le chanteur/guitariste Luke Bentham, le morceau a été inspiré par leur camionnette de tournée et la bande-son limitée à plusieurs heures de route : « C’est basé sur la Dodge Caravan noire de ma mère que nous parcourons tous ensemble. Et nous avons effectivement écouté « Reign in Blood » de Slayer parce que c’était le CD qui était coincé dans le lecteur ». Un autre détournement de Slayer se manifeste avec « Ride or Die »  avec un ravail sur le métal, les tpercussions et une influence centrée sur Bonnie et Clyde qui confèrent au titre une immédiateté débordante.

Bien que le reste du disque ne s’appuie pas tant sur les titans du heavy metal,l’album contient toujours un gros morceau de riffs gras et stupides et une turbulence qui évoque les images mentales des chants de masse et des foules de festival. « Possession » est morceau sur lequel n’importe quel combo pourrait jongler dans un stadet et on pourrait en dire autant de l’enchevêtrement sonique qu’est « Done with Drugs ».

Fuck Art , ailleurs, se situe à la frontière entre pop, punk, rock et grunge ; « Hello Jealousy » fait des étincelles avec d’énormes percussions et un ensemble encore plus grand de riffs à grande vitesse, tandis que « Damage Control » oscille entre le rock noueux et le grunge lent et chatoyant. « Hang Yer Moon » est la chanson qui distille la notion de gueule de bois, qui est caractérisée par une ligne de basse lourde qui imiterait le malaisequ’on éprouve après avoir bu un peu trop de bières, le défi qu’on se lance de ne pas vomir, et bien sûr, le mal de tête qui écrase le crâne, grâce à un riff métallique.

Un peu bête, lourd de riffs et la langue bien enfoncée dans la joue, Fuck Art est une distraction bienvenue pour l’après 2020 et le nettoyage de 2021, quelle que soit la teneur de cette nouvelle année.

***1/2


Sam Moss: »Shapes »

10 janvier 2021

Sam Moss peit être un guitariste d’enfer quand il est d’humeur, il « parle » couramment le folk, le jazz, le blues et le country, et il est capable de jouer de la six cordes sans le moindre problème. Il joue localement dans un groupe de reprises country et western appelé Rear Defroster, dont la rauque « feell good » atmosphère éclate périodiquement dans une démonstration de virtuosité technique. Mais Moss a aussi le don de la retenue. Son dernier album, Shapes, est réduit à de la fumée et des ombres, les parties instrumentales sont réticentes, les mélodies fortes mais tremblantes, livrées dans un ténor filiforme et murmurant, le backing band réduit au minimum, la batterie à la basse, les cordes occasionnelles et pas grand chose. Tout comme Richard Buckner, Damien Jurado et d’autres artistes à la voix douce, Moss a la capacité de faire beaucoup de choses avec peu de moyens et d’obtenir un coup de poing dévastateur avec très peu de force.

Le morceau d’ouverture, « Shapes Out of the Dark », est du Moss stricto-sensuen matière de guitare, avec lumière et l’air se frayant passages dans les espaces entre les notes. Ici, Moss met un rebond jazzy, façon Django Reinhardt dans son frappé de guitare, mais en gardant le volume bas. Le ton est triste, la mélodie se courbe en douceur, comme il le fait remarquer : « Vous n’étiez pas préparés à la façon dont le monde s’est effondré sur vous/ avec un coup lourd et sourd, cette lueur de jeunesse est assommée » (You were unprepared for the way the world came down on you/with a dull heavy blow, that youthful glow is knocked out of you).

Ailleurs, un petit ensemble remplit ces chansons adroites et épurées. Moss lui-même joue de la guitare et parfois du violon, Benjamin Burns de Honeysuckle est à la batterie, Michael Siegel joue de la basse et Stephen Ambra, très occasionnellement, comme sur le subtil « Ways », ajoute un peu de violoncelle. Parmi les morceaux denses et complets, « Talkers » est peut-être le plus fort, avec son rythme endiablé à trois bases, son son de guitare et de violoncelle au timbre profond, son battement, sa voix chargée d’émotion. Un break instrumental particulièrement fin coupe la mélodie en deux, permettant une interaction riche et vibrante entre la guitare électrique, la basse et le violoncelle.

Les paroles de Moss sont plutôt bonnes aussi, pleines de la contemplation tranquille du vieillissement et de la mort, mais pas du tout effrayées par elles. Le morceau « Morning Light », choisi en treillis et surtout optimiste, évoque l’agréable surprise de se réveiller avec un être cher. Il équilibre finement le contentement et l’angoisse existentielle dans la phrase : « Nos jours ne seront pas assez longs pour dire que j’avais assez connu ton toucher pour être satisfait, je me demande ce qui va suivre ? » (Our days will not be long enough to say I had known your touch enough as to be satisfied, I wonder what is next ?)

Shapes est un album drôle, dans la mesure où il se rétrécit un peu à l’écoute. Il insiste pour se glisser dans le fond. Il détourne l’attention de lui-même. Pourtant, si vous l’écoutez un moment, vous vous rendez compte qu’il est calme mais résonnant, comme un diapason que vous entendez à peine, mais qui vibre avec tous les sons qui vous entourent. Penchez-vous un peu. Cela en vaut la peine.

***1/2