Like Steele: « Listen to the Water »

4 juin 2022

Laissant de côté la vision grandiose de son groupe, le musicien australien Luke Steele nous offre un premier album solo étonnamment poignant. Mieux connu comme l’un des membres de l’énigmatique duo électro-pop Empire of the Sun, Steele a troqué sa couronne d’empereur pour un chapeau à bord noir beaucoup plus humble, bien que la musique qu’il produit soit suffisamment excentrique pour transcender les tropes folk indé standard. Auto-enregistré dans une cabane de la campagne californienne, Listen to the Water permet au chanteur/compositeur d’explorer les thèmes de la vie intérieure, de la domesticité, de la famille et de la société au milieu d’une palette de guitares acoustiques, de synthés lumineux et d’ornements sonores chatoyants. Lorsqu’il est bien fait, l’album solo fait maison rassemble la personnalité, les excentricités et les affections d’un artiste en un bouquet unique qui ne pourrait pas être produit dans un environnement de studio plus conventionnel. Cet album ressemble à l’un de ces disques.

Les fans des groupes précédents de Steele – les chouchous de l’indie pop du milieu des années 2000, les Sleepy Jackson, et le groupe Empire of the Sun déjà mentionné – devraient trouver beaucoup de choses à aimer dans ces chansons plus discrètes, mais toujours aussi idiosyncratiques, qui, malgré leurs racines acoustiques, ne semblent que partiellement terrestres.

Des titres comme « Common Man » et « Get Out Now » sont ainsi à la limite de la liminalité avec des arrangements éthérés qui s’efforcent d’atteindre la grandeur de l’époque d’Avalon de Roxy Music tout en transmettant des messages sur la faillibilité et la nature humaine. Une guitare pedal steel larmoyante et des tambours numériques marquent le déclin implacable de la jeunesse vers l’âge adulte sur l’étrange « Gladiator », tandis que l’anxieux « Running, Running » se construit tout doucement en un crescendo de ses éléments sonores disparates. Ce qui est unique dans Listen to the Water, c’est la façon dont il distille l’ambitieux personnage de Steele dans le petit théâtre d’un one-man-show. Il s’agit peut-être d’une collection plus discrète et personnelle, mais son sens inné de la dramaturgie s’adresse toujours à ceux qui sont assis et occupent les derniers rangs des travées.

***1/2


Andrew Bird: « Inside Problems »

4 juin 2022

Alors que le titre peut évoquer une paranoïa induite par une pandémie, le dernier album d’Andrew Bird, Inside Problems, offre un sentiment d’ouverture accueillant alors que la pop indé luxuriante et acoustique coule à travers l’offre solide de cet artiste en constante évolution. 

Aux côtés de Bird, Alan Hampton et Mike Viola (basse/guitare/voix), Abe Rounds (batterie) et Madison Cunningham (voix de soutien) s’associent avec brio à Bird sur le morceau d’ouverture et bien d’autres. Viola a également produit l’album, tandis que le violon, les guitares et le chant de Bird se fondent dans un environnement acoustique riche.

Commençant par l’excellent « Underlands », la chanson s’articule autour des talents de siffleur de Bird, de superbes chants de fond et d’une batterie légèrement funky qui s’inscrit dans un schéma soul, courant et constamment engagé. Le groupe est à l’aise depuis la promenade facile « Faithless Ghost », avec l’invité Jimbo Matthus (Squirrel Nut Zippers) pour les méandres, jusqu’à la chanson « Eight », influencée par le rock LA des années 70 et sifflée, qui se prolonge trop longtemps avec une fin superflue.

Une ambiance jazz sulfureuse s’infiltre dans « Lone Didion », dans le style d’un film noir, alors que Bird nous livre un récit cinématographique, tandis que la guitare folk et les sifflements font place à l’Americana sur « Fixed Positions ». Les nappes de cordes de la chanson titre sont exaltantes alors que Bird chante sur le fait d’être nouvellement né, d’évoluer en tant que personnes, parents et société, tandis que « Make a Picture » utilise des chœurs ooh et aah, une caisse claire percutante, un violon léger et dynamique, et une basse bouillonnante pour créer un effort fort sur un album qui en est rempli.  

Il y a un flair gitan dans « Atomized » et des vibrations très perceptibles de l’école d’art du Velvet Underground dans un trio de chansons. « The Night Before Your Birthday », « Stop n’ Shop » et « Never Fall Apart », qui clôt l’album, montrent tous que Bird chante dans un style Lou Reed distinct, jusqu’à ce qu’il atteigne les notes aiguës que Reed n’a jamais pu atteindre.   

Bird ajuste constamment son son et son style, créant un large éventail de chansons sur diverses sorties et bien qu’il soit probablement déjà passé à d’autres pâturages, Inside Problems est une collection chaleureuse de morceaux excentriques et accrocheurs qui capturent un sens de la distance apaisant les auditeurs en ces temps troublés.

***1/2


Horsegirl: « Versions of Modern Performance »

3 juin 2022

Horsegirl, ce sont sont trois amies qui font de la musique dans un sous-sol. C’est vrai, et elles veulent que vous le sachiez, non pas parce qu’elles sont gênées par l’attention qu’elles ont reçue en tant que dernière percée du rock indépendant, mais parce que le trio de Chicago composé de Penelope Lowenstein, Nora Cheng et Gigi Reece veut que vous sachiez qu’elles s’amusent. Elles y parviennent comme seuls des adolescents passionnés peuvent le faire : en professant leur admiration pour Kim Gordon, en peignant des T-shirts au hasard et en lançant des riffs contre le mur jusqu’à ce qu’ils se transforment en chansons. Le produit final de ces séjours en sous-sol, Versions of Modern Performance, combine de manière impressionnante des influences bruyantes et punk qui se fondent dans une merveilleuse concoction de post-punk, no-wave, shoegaze précoce, etc. Bien qu’inspiré par les cadres des années 80 et 90 des acteurs les plus bruyants du rock indé émergent, le son de Horsegirl est singulier, curieux et recouvert d’une bonne dose d’ironie que la génération Z porte comme une paire de bottes de travail fiable.

Avec l’aide de John Agnello (Kurt Vile, Hop Along) à Electrical Audio, Horsegirl profite pleinement de son studio tout en maximisant le son DIY qui a charmé les fans sur les premières sorties. S’ouvrant sur une batterie rebondissante et des guitares bourdonnantes sur « Anti-glory », Horsegirl met en scène le plaisir et la danse avant tout sur une chanson qui a émergé de leurs sessions de répétition comme par enchantement. « Beautiful Song » oppose des voix en coucou à un chœur de guitares en écho, tourbillonnant dans les cieux et empiétant sur le shoegaze. Le morceau « Live and Ski », rythmiquement difficile et acoustiquement abrasif, donne l’occasion à Cheng et Lowenstein de chanter en harmonies feutrées tout au long de l’album, introduisant un mystère passionnant dans leur discours. Le disque se termine par l’une des trois pistes instrumentales, « Bog Bog 1 », une expérience d’improvisation shoegaze lo-fi qui pourrait facilement être confondue avec une démo de My Bloody Valentine. Chaque instrumental de Versions est unique ; « Electrolocation 2 » met l’accent sur des drones qui encapsulent tout, manifestant les perturbations du champ électrique que le titre de la chanson évoque. Le titre ludique « The Guitar Is Dead 3 » est une expérience de piano réverbérant d’une durée de moins d’une minute, avec des touches guidées par l’entropie spirituelle dans un moment de doux répit pour le disque autrement propulsif.

Aussi expérimentale que soit la tonalité de l’album, Horsegirl joue également avec une musique pop plus reconnaissable, en donnant sa propre tournure au son et à la structure de la pop. Des chansons comme « Dirtbag Transformation (Still Dirty) » et « World of Pots and Pans » offrent les structures astucieuses de la pop et inspirent des émotions comme la célébration et la nostalgie. « World of Pots and Pans » s’enfonce dans un espace jangly, twee-adjacent, suggérant ce qui pourrait arriver si quelqu’un faisait exploser sa stéréo en essayant d’écouter The Pains of Being Pure at Heart. Les personnages qu’ils évoquent révèlent la profondeur du paysage imaginatif de Horsegirl : « On ne la verra pas danser ou courir / Il n’y a simplement rien à faire / Quand Emma balaie le sol, il devient plus gris » (Won’t see her dance or see her run / There’s simply nothing to be done / When Emma sweeps the floor it turns more gray). L’esprit punk du groupe est à l’origine du discours désordonné et impassible qui fascine les auditeurs. À l’opposé du spectre, « The Fall of Horsegirl » offre une atmosphère sinistre qui ressemble à une chute libre dans le vide, mais avec un titre aussi ironique, étant donné l’ascension fulgurante du sujet, on peut se demander s’il n’y a pas une couche de BS qui empêche l’humeur de la chanson d’être légère. « The Fall of Horsegirl  » projette de manière créative les angoisses du perfectionnisme qui réapparaissent sur  » Option 8 « , un morceau post-punk plein de crochets, si entraînant qu’on pourrait manquer les ordres : « Tiens-toi droit, ne sois pas en retard ! »

Horsegirl fait monter l’intrigue sur « Homage to Birdnoculars », dont les suppliques répétées, « Fall into my / Wormhole », sont à la fois déconcertantes et charmantes. A un certain niveau, on peut se demander si le morceau n’est pas une tentative d’hypnose avant la conclusion de l’album, « Billy », un morceau pensif et bruyant qui suit une autre invention de l’imagination inspirée du groupe. Horsegirl invite Steve Shelley et Lee Ranaldo à l’aider à clore ce morceau avec un peu plus de volume et de déchiquetage, clôturant ainsi l’album sans réponse (comme c’est postmoderne) mais avec des murs de son. Par coïncidence, « Billy » était également le premier single de l’album, et le premier du groupe pour Matador ; dans son contexte, il est évident que la chanson est une conclusion efficace.

Aussi évocateur et excitant que soit chaque chanson, qui montre le plaisir du groupe et illustre les styles/genres qui les inspirent, l’un des meilleurs aspects de Versions est son enchaînement. Le disque atteint un équilibre entre les divers envois stylistiques du groupe et les transitions instrumentales aident à manifester les changements d’ambiance qui permettent au groupe de faire de la marelle. Ils oscillent entre les styles plutôt que de regrouper des morceaux grandiloquents et de leur permettre d’éclipser le reste du disque, un péché malheureusement courant. Entre les réalisations stylistiques qui semblent rafraîchissantes sans être trop référencées, la livraison vraiment pince-sans-rire sur un lit de bruit enroulé, et (enfin) un séquençage correct, Versions of Modern Performance est un disque intelligent qui prouve que Horsegirl est une vraie affaire. Leur sous-sol sera, selon toute vraisemblance, à l’origine d’enregistrements encore plus excitants à l’avenir.

***


Sergeant Thunderhoof: « This Sceptred Veil »

3 juin 2022

Sergeant Thunderhoof, originaire de Bath, s’est régulièrement fait un nom dans le « West Country » et plus largement au Royaume-Uni avec une série d’albums de grande qualité, acclamés par la critique et agréables à écouter. Combinant des atmosphères psychédéliques épiques et des riffs stoner tonitruants, ce groupe n’a pas peur de vous pousser plus loin dans l’éther à l’aide de quelques champignons magiques et d’une bonne dose de spiritualité mystique. Aujourd’hui, le groupe explore la riche tapisserie de l’histoire qui entoure sa maison du West Country, tout en incorporant le prochain chapitre de l’histoire de « The Sergeant » qu’il cultive continuellement depuis sa création. Alors qu’il est fermement ancré dans le monde de « The Hoof », ce personnage mythique qui voyage dans le temps est confronté à l’histoire mystique du West Country, tout en rencontrant les pensées et les émotions complexes qui ont changé la vie de beaucoup d’entre nous pendant la pandémie.

Avec This Sceptred Veil, Sergeant Thunderhoof s’aventure dans des territoires plus sombres et plus denses que leurs précédents albums, explorant les limites de leur son avec des émotions et des atmosphères plus intenses. Bien que le son de Sergeant Thunderhoof reste indéniable, il y a un nouveau mysticisme et une nouvelle intrigue qui transcendent les grooves inquiétants du groupe, les mélodies somptueuses et les rythmes robustes, bas de gamme et fuzzing. Au cours de ces 68 minutes de riffs épiques, on découvre le groupe sous un jour nouveau. Avec une grande quantité d’introspection, de réflexion et de mélancolie dans les profondeurs atmosphériques de l’album, vous pouvez vraiment ressentir les effets des émotions fortes et des circonstances qui ont influencé le processus d’écriture de This Sceptred Veil.

En dehors des domaines réalistes de l’album, vous pouvez certainement sentir le mysticisme, le mythe et la légende du West Country qui s’est infiltré dans chaque pore de This Sceptred Veil. Des images de Glastonbury Tor apparaissent alors que les histoires semi-factuelles d’Avalon nous viennent à l’esprit. Le « sergent » est définitivement entré dans un royaume où les ombres se déplacent et où rien n’est vraiment ce qu’il semble être. Le fait d’être si profondément ancré dans les mythes et l’énergie de l’environnement immédiat du groupe fait de This Sceptred Veil une tapisserie sonore riche et merveilleuse. C’est un album qui, dès qu’on appuie sur la touche, fait disparaître le monde et envoûte l’esprit par son charme intense et hypnotique.

Le disque est rempli de chansons monumentales, dos à dos. Chacune a son propre charme indélébile, mais ensemble, elles créent un conte héroïque à travers la lumière, l’obscurité et les ombres. En s’ouvrant sur « You’ve Stolen The Words », vous pouvez sentir la teinte de cynisme et de tristesse qui entoure cet album, mais il reste finalement plein d’espoir. Vous obtenez également la première dose solide de ce que le groupe a toujours été, des riffs tonitruants et hypnotiques qui captivent et enthousiasment. « Devil’s Daughter » maintient l’énergie en ébullition, une solide plaque de stoner rock avec une sensation de blues qui ne cesse de s’estomper. « Absolute Blue » montrera le côté plus vulnérable du groupe. Avec un accent plus psychédélique, les mélodies mélancoliques de Daniel Flitcroft s’envolent au-dessus de passages de guitare qui provoquent la réflexion. Il est suivi par l’épopée de dix minutes qu’est un « Foreigner » qui va reprendre certains éléments d’ « Absolute Blue » et les combine avec des rythmes d’accords lourds qui ont leur propre poids gravitationnel. Cette chanson passe par plusieurs sections aux dynamiques contrastées ; les tons boisés et terreux d’une guitare acoustique ajoutent une couche de tons riches alors que la réverbération balaie les mélodies vocales pour atterrir inconnues sur le vent.

« Woman Call » voit les grooves lourds de la basse de Jim Camp prendre le devant de la scène et son rythme lent vous plonge dans une transe. » King Beyond The Gates » sonne comme la chanson thème de la mort du roi Arthur à Avalon, de puissantes mélodies vocales vous transportent dans les collines ondulantes du Somerset à l’époque turbulente d’antan. « Avon & Avalon Parts I & II « clôtureront l’album avec une splendeur qui ne peut être égalée ailleurs. Sergeant Thunderhoof a sans aucun doute créé un magnum opus à travers ces deux chansons. Le flux élégant, la livraison sombre et la nature profondément réfléchie des deux chansons sur fond de psychédélisme obsédant et de passages doom hymniques est une expérience qui s’apparente à une illumination spirituelle.

Il serait juste de dire que This Sceptred Veil est entouré d’une aura indescriptiblement agréable et séduisante. La sensation de fouler un sol sacré et sacré ne vous échappe jamais dès la première écoute, l’album vous prend l’esprit, le corps et l’âme. Que cela soit dû à la nature des émotions, à la maîtrise de la narration ou à l’environnement dans lequel l’album a été conçu reste à voir, mais c’est une expérience d’écoute extrêmement agréable du début à la fin.

****


Patricia Wolf: « See-Through »

3 juin 2022

Le « debut album » de Patricia Wolf, I‘ll Look For You in Others, était une lourde méditation sur la nature globale et évolutive du deuil, mais See-Through, son deuxième opus, se situe dans des domaines plus éloignés. On y trouve toujours des traces de cet esprit contemplatif, mais il est porté par l’espièglerie et le mystère. Le design sonore impeccable de Wolf chante comme toujours sur ces 12 morceaux, mais ils sont interconnectés par une série d’explorations lucides et remplis des restes de la mémoire du néon.

Des rêveries ombragées se faufilent dans une immobilité visqueuse sur « The Flâneur », gravées à jamais dans des mosaïques sonores vibrantes. Des séquences concurrentes se croisent, se fondent comme deux rivières convergeant à l’horizon. Les synapses s’enflamment à l’apex de chaque passage ascendant, ouvrant de nouvelles voies vers le contentement et la connexion. « Le Flâneur » se fond dans des tons bleus cristallins et doux, éparpillés sur la toile pointilliste de « Upward Swimming Fish », où la nostalgie s’installe et reste apaisée dans l’air frais. Dans cet espace, on ne peut s’empêcher de rêver.

La voix désincarnée de Wolf plane avec un voile d’impermanence sur l’envoûtant « A Conversation With My Innocence ». Les silhouettes se dissipent et se reconfigurent en vagues tactiles, montant et descendant avec les respirations lentes de la consolation de minuit.

L’ouverture « Woodland Encounter » prend ces mêmes ombres et les recouvre d’une collection de feuilles. Des enregistrements sur le terrain ajoutent une jolie touche de fantaisie aux explorations synthétiques. Ce même air imprègne les impulsions rythmiques qui propulsent « Pacific Coast Highway » sur la terre ferme, se déplaçant en zigzag vers un point fixe au loin. Des nuages dérivent dans les pads ambiants et les arrangements brumeux, vacillant au-dessus de nos têtes en des motifs expressifs. 

Tout au long de See-Through, Wolf surprend avec d’innombrables nouveaux outils, procédés et sortilèges auditifs. Le court mais puissant « Psychic Sweeping » fait appel à une guitare acoustique. Wolf fait tourner des motifs oniriques et enchanteurs, transformant un simple instrument en quelque chose d’autre que le monde. Faire de chaque brin de musique un monde autonome et vibrant est un thème récurrent dans See-Through. Wolf a une voix si spéciale et unique que chaque détail granuleux est porteur de sens et que chaque expression nous attire.

***1/2


Dean Spunt & John Wiese: « The Echoing Shell »

3 juin 2022

On a tous ces semaines où rien ne va plus. Même les oiseaux dans les arbres vous disent d’aller vous faire voir. Le fardeau du quotidien qui vous serre l’esprit comme un étau industriel. Votre tête, remplie de turbulences, est au bord du chaos existentiel.

Entrez Dean Spunt et John Wiese. Le premier est plus connu en tant que moitié de No Age, tandis que Wiese s’est fait connaître au fil des ans grâce à son travail solo et à sa participation à Sissy Spacek. Les deux hommes s’associent pour leur premier album en collaboration, The Echoing Shell – un album rempli de la turbulence susmentionnée, ce qui en fait une arrivée opportune dans cette grande église de la folie.

Sur The Echoing Shell, Spunt, qui n’est pas étranger à l’expérimentalisme (souligné par son premier album solo dn 2018, EE), n’a rien à voir avec le punk shoegaze de No Age ni avec les explorations de genre de Sissy Spacek, mais est entraîné dans le vortex du monde bruitiste et dentelé de Wiese. Un monde qui met en avant la peur de la crise de panique.

Composé de deux longues dalles de bruit acerbe, « Fruit From Color Vapor » et « Black Fruit », The Echoing Shell est essentiellement le son de cette semaine tumultueuse. L’enfer sur terre avec une série de bleeps fracturés, de dissonances de brûlures d’estomac et de bruits de glissière de sécurité comparables à ceux de Wolf Eyes qui perdent complètement la tête. A bien des égards, il reprend les origines du punk et du hardcore et les passe à la moulinette.

Ce n’est pas quelque chose qui occupera constamment le plateau de la platine, mais dans ces moments de besoin, quand vous êtes dans la zone d’explosion de quelque chose, The Echoing Shell capture le chaos aussi bien que n’importe quoi d’autre. Cette seule raison le rend essentiel.

C’est le son de l’anxiété qui se déplace vers l’avant de l’esprit, et grâce à leur amour partagé pour le punk et le hardcore, ce que Spunt et Wiese ont réalisé sur The Echoing Shell s’apparente à du rendu digestif, mais sonore, sur bande.

****


H A U N T E R: « Dream the Day Away »

2 juin 2022

Dream the Day Away sonne comme sa couverture : un flou apaisant et détaillé. Désormais composé de Sander Bryce et Jonah Levine, le duo de production H A U N T E R, basé sur la côte Est, se décrit avec justesse comme une « approche organique et échantillonnée du jazz et du hip-hop ». Dès le premier morceau de ce deuxième album à la chaleur sombre, on assiste à un jeu d’équilibre entre spontanéité et réticence qui finit par payer.

Dream the Day Away se situe dans une catégorie presque sans genre, mais suit avec assurance les traces de Thundercat ou de Flying Lotus. En même temps, les années passées par Bryce à jouer dans Really From confèrent à l’album des aspects plus jazz. Alors que nous sommes presque habitués au jazz ambiant moderne et aux mesures punchy parfois agressives sur fond d’échantillonnage créatif et de cornes, un son mathématique scintillant rappelant Minus the Bear vient comme un coup de poing bienvenu.

La narration est intriquée avec la nature onirique de l’album, moins de surréalisme et plus d’un journal de rêve donné son. « 888″ nous donne immédiatement des paroles chantantes avec une sélection d’instruments divers et chaleureux, et les cymbales augmentent progressivement pour ponctuer la sensibilité rock de Lady Pills. Même au plus fort de la chanson, elle a toujours une qualité contemplative. Un son ambiant et rêveur avec des paroles poppy, « I reach for the arms that knew from my ship of friends while I learnt of the love that holds me » (Je tends les bras que j’ai connus sur mon bateau d’amis pendant que j’apprenais l’amour qui me tient » semble être un album presque différent du morceau suivant « Brain Cells » : un rap commençant par « I can’t stay focused » qui garde une vibe de film western bluesy Tarantino qui pourrait faire d’une promenade nocturne un strut.

Le séquençage de H A U N T E R est cette fois-ci surprenant mais cohérent avec le flux narratif de l’album, ce qui est un exploit pour un album de 22 titres. Certains auditeurs peuvent se demander si cette longueur est nécessaire, ce qui est discutable. Il y a quelques chansons que j’ai balancées en me demandant si ce morceau n’était pas la thèse de Dream the Day Away, et c’est plus une question de goût que de contenu du morceau. Différentes versions de la rêverie pop ambiante débattant de la manière d’éviter de céder à un cauchemar éveillé, sur le plan lyrique ou autre. Un fan de H A U N T E R avant l’ère Jonah Levine souhaitera peut-être plus de morceaux instrumentaux, mais la direction prise montre l’ampleur dont le duo est capable.

Alfred sur « Peace Sign »s peut vous faire sourire solennellement à la ligne « fuck out my face » sur une soirée d’été. Je vais certainement tester cette théorie cet été. Les morceaux plus courts comme « Believe in It » souffrent d’un manque de rubato lyrique lorsqu’ils ne sont pas des interludes, car une grande partie de Dream the Day Away est consacrée à la subversion sur une base de mesure à mesure. Des percussions précises complètent la voix apaisante de Lo Artiz, qui reste étonnamment ancrée dans le sol pour sonner comme un morceau abstrait de Yasmin Lacey qui demande « si je parle à Dieu, me répondra-t-il un jour » et répond à cette question la ligne suivante par un peut-être.

A la fin de « Witching Hour », on nous berce et on nous demande de réécouter l’album un autre jour pour bien comprendre chaque ligne, chaque batterie et chaque échantillon, ou bien on essaie de comprendre ce que Paige Chaplain dit à partir de tant de morceaux. Les singles de l’album seront probablement mes morceaux les plus écoutés ici, les instrumentaux seront sur mes playlists personnelles jusqu’à ce que je n’aie plus d’oreilles, et notre plus grande surprise aura été d’être fortement impressionnée par M. Rhodes, basé à Sydney, qui apporte un flux lyrique abstrait accompagné de cornes dans « Floatin' ». Agréable à écouter dès la première écoute et doublement avec des écoutes répétées, ce single a du punch, de l’ambiance et une qualité plus pop que ce à quoi on pourrait s’attendre, mais il reste en phase avec le reste de l’album. On ne voudrait pas gâcher quoi que ce soit tant on ne peut que saluer un tel « l’accomplissement ». H A U N T E R est à la hauteur de son nom, avec un sentiment rêveur et presque incessant de juxtaposition d’instruments, d’artistes vedettes et de signatures temporelles. Nous avons hâte d’entendre le prochain morceau qu’ils sortiront tout en souhaitant que personne ne s’endormira sur un tel opus.

****


Biff Bang Pow !: « A Better Life : Complete Creations 1984-1991 »

2 juin 2022

Biff Bang Pow ! est à l’origine de nombreux singles classiques, d’une série d’excellents albums et a contribué à établir le son et le style de Creation Records lors de sa création. Composé des fondateurs du label et de sommités (Alan McGee, Dick Green, Andrew Innes), il n’est pas étonnant qu’ils aient établi le son de Creation ; ce qui est amusant, c’est qu’ils n’ont pas reçu beaucoup de crédit pour cela à l’époque. Si on les mentionnait, c’était pour les réduire à un projet vaniteux de McGee. La collection exhaustive de Cherry Red, A Better Life : Complete Creations 1984-1991, raconte l’histoire du groupe à l’aide de singles, de faces B, d’extraits d’albums, de démos et d’enregistrements live rares, et, ce faisant, démonte totalement cette théorie et les révèle comme l’un des premiers groupes pop indépendants de l’époque. Le groupe a commencé comme des punks endiablés, construisant un son sur les Dexy, le garage rock, le punk et les Byrds qui sonne aussi frais des décennies plus tard qu’à l’époque. À partir du single « Fifty Years of Fun », le groupe s’est montré habile dans la juxtaposition d’accroches et de mélancolie, donnant à McGee une belle toile de fond pour des récits de frustration et de malheur. The Girl Who Runs the Beat Hotel, en 1987, est l’apogée de cette première approche, mélangeant la production en écho de Joe Foster avec les chansons nostalgiques écrites par McGee et la chanteuse Christine Wanless, pour aboutir à une chanson intemporelle épicée d’un flash occasionnel de bizarrerie art pop.

Un changement subtil s’est produit avec Oblivion, sorti la même année. Le groupe s’est chargé lui-même de la production et a réalisé un disque plus soigné destiné à rivaliser avec les meilleurs groupes de Creation de l’époque. Il serait difficile de trouver un autre disque de pop à guitare fait à l’époque qui l’égale ; des chansons comme « In a Mourning Town » et « She’s Got Diamonds in Her Hair » ont tout le drame captivant, les mélodies langoureuses et les paroles pleines de larmes que l’on peut désirer, et dans l’ensemble, c’est un classique. Love Is Forever n’est pas loin derrière en termes de qualité et a apporté de nouvelles influences comme Neil Young. Les chansons de McGee sont devenues de plus en plus personnelles et déchirantes, et les deux derniers albums du groupe sont essentiellement constitués de l’épanchement de ses tripes au son d’une guitare acoustique. Moins pop avec un grand « P » mais toujours douloureusement efficace. Si le coffret ne contenait que les albums rassemblés, il vaudrait la peine d’être acheté, mais les suppléments en font un rêve pour les fans. Non seulement il y a des démos – dont une pour « She’s Got Diamonds » qui brille comme l’objet en question – mais il y a aussi un set live super fun de 1987, tous les morceaux hors LP et le mini-album perdu Sixteen Velvet Fridays, qui était censé suivre Beat Hotel, mais qui a été mis au placard à la dernière minute. S’ajoute à cela un disque complet de titres des groupes pré-BBP !, The Laughing Apple et Newspeak, ainsi qu’une démo de quatre chansons que McGee a enregistrée avec Jowe Head. Tout cela donne quelque chose d’assez beau ; un artefact approprié pour un groupe qui a créé une des musiques les plus excitantes, les plus mélancoliques et les plus durables du début de l’ère Creation/post-C-86, même si personne ne l’a vraiment remarqué à l’époque.

****


Brigitte Bardini: « Stellar Lights »

2 juin 2022

La pochette de l’album est une perle pour cette nouvelle artiste de Melbourne. Il y a les textures art déco, le clin d’œil au héros glam méconnu Jobriath, Goldfrapp, la ressemblance avec Veronica Lake dans les années 40, et le personnage de jeu vidéo Noir Elizabeth de l’extension solo BioShock Infinite : Burial at Sea. Elle s’appelle Brigitte Bardini.

Nous avons découvert la musique de Bardini sur son podcast. Les arrangements qui ont été faits en arrière-plan ne ressemblaient à rien de ce que l’ on avait entendu auparavant.

C’était très différent de ce que faisaient Sigur Ros, Jane Weaver et Alison Goldfrapp. Avec son premier album galactique, Stellar Lights, elle va aussi loin qu’elle peut aller tout en se préparant à faire le saut à la vitesse de la lumière.

Le morceau d’ouverture « Heartbreaker » est un voyage cosmique vers le dancefloor, alors que Brardini pose des rythmes électro avec de magnifiques synthés en morse pour commencer la journée, tout en partant à la campagne pour une atmosphère relaxante de pop symphonique sur ce « Wild Ride ».

Elle élève son esprit en conduisant dans ces différents endroits sans savoir où le prochain chapitre l’emmènera, mais elle fait un atterrissage en douceur dans une respiration « Everyday » en canalisant à la fois le seul début éponyme de Roxy Music et Ultravox. Brigitte a très bien fait ses devoirs en prenant des aspects sur les groupes et artistes qui ont pu l’influencer pendant la réalisation de l’album.

Nous avons aussi ressenti des tiraillements entre Steven Wilson et Tim Bowness, combinés en un seul, lorsqu’elle se dirige vers la voie de la berceuse du « Danube Ble »u de Johann Strauss avec « Inside Your Head ». Bardini se dirige une fois de plus vers la piste de danse. Elle se lance dans un groove et donne aux habitants de sa ville natale une chance de se détendre, de s’éloigner de toute la merde qui se passe à la télévision et de se rendre dans son club pour une méditation calme et claire.

Elle sort ensuite sa guitare acoustique pour prendre un peu de repos en réfléchissant au chemin parcouru avec « All My Life ». Made of Gold  » et  » Breathe  » sont une combinaison de Joy Division et de l’a période Pornography de The Cure, et s’enfoncent dans un endroit profond et sombre dont elle ne veut pas que vous vous approchiez.

La section de batterie joue en boucle avec des guitares électriques vives pour une section médiane hypnotique en se dirigeant vers ces tunnels remplis d’images étranges. Pendant ce temps, « Aphrodite » fait un clin d’œil à Bardini qui plonge dans les styles lyriques de Simple Minds et John Foxx avec une musique proche des années « Brat Pack » de John Hughes.

Ensuite, nous nous dirigeons vers un son de type Mellotron provenant d’un orgue de vicomte qui se transforme en carrousel sur « Could’ve Been ». En écoutant les sons de l’orgue, on peut entendre les sons du groupe français méconnu de rock progressif, Ange. Il y a des croisements intéressants avec Caricatures et Au-delà du délire que Bardini canalise.

Stellar Lights n’est pas seulement un de ces albums que l’on emporte dans sa voiture et que l’on passe en boucle sur son lecteur de CD, il vous accompagne jusqu’à la fin des temps. Bardini elle-même a apporté beaucoup d’idées massives à sa table de cuisine. Ces chansons sont comme autant de structures d’histoires qu’elle a écrites. Et ces images visuelles qui sont sur Stellar Lights en sont une présentation hors du commun.

***1/2


Beauty In Chaos: « Behind The veil »

2 juin 2022

Les années 80 ont été la décennie où la tendance à créer autant de catégories de genre que possible, tant pour les critiques que pour les fans, était en vogue, mais c’était aussi la décennie où tous ces genres nouvellement créés, disons gothique et éthéré, se chevauchaient plus qu’on ne pouvait les discerner.

Il semble que ce soit exactement la décennie, la méthode et le mélange de genres que le collectif de L.A. Beauty In Chaos emploie sur son dernier album Behind The Veil. Ici, le son d’innovateurs et de piliers des années 80 tels que The Cure, Cocteau Twins, This Mortal Coil et Echo & The Bunnymen, pour n’en citer que quelques-uns, sert de source et de tremplin au noyau de Tish Ciravolo, Michael Rozon et Michael Ciravolo de jeter les bases d’une distribution vocale entièrement féminine (six en tout – Tish Ciravolo, Cinthya Hussey, Betsy Martin, Whitney Tai, Elena Alice Fossi et Pinky Turzo) pour créer leur vision de ce son multigenre, tant sur le plan musical que lyrique.

D’une certaine manière, ils suivent ici les traces de This Mortal Coil, à la fois dans la diversité du son et des interprètes vocaux, mais en conservant cette ambiance sombre dominante, en donnant également une version et une vision alternatives grâce à un ensemble de remixes réalisés par un autre groupe d’invités, donnant à Behind The Veil une autre dimension et un autre ensemble de possibilités pour les auditeurs d’entendre ce qui se trouve réellement, après tout, derrière cedit voile.

***