Drive-By Truckers: « Welcome 2 Club XIII »

5 juin 2022

Après une double dose de colère d’inspiration politique sur les deux sorties de 2020 (The Unraveling et The New OK), les Drive-By Truckers ont présenté ce nouvel album comme un retour dans le passé pour créer une sorte d’album hommage à une salle où Patterson Hood et Mike Cooley ont commencé leur carrière avec Welcome 2 Club XIII

C’est la ligne de conduite de l’entreprise, mais contrairement à d’autres albums à thème réussis de DBT (Southern Rock Opera, The Dirty South), ce disque n’aborde le club qu’avec la chanson titre. Un titre plus approprié pour l’album serait basé sur une autre chanson, « Forged in Hell and Heaven Sent », car la religion, la douleur, la perte et la peur existentielle sont examinées avec plus d’attention que celle d’une vieille salle oubliée.

La chanson d’ouverture « Drivers » utilise une ambiance heavy metal/hard rock dans la veine de « The Boys from Alabama » pour mettre en chanson le chaos sans fin de la longue carrière du groupe sur la route, avec un excellent soutien vocal de Schaefer Llana, tandis que la chanson titre est une ode enjouée à la bière bon marché et à la cocaïne bon marché des clubs pourris. 

Les choses deviennent beaucoup plus lourdes sur le plan lyrique, avec une remise en question directe de la vie sur le deuxième effort de Hood pour faire face à son ami imaginaire « Billy Ringo in the Dark » et le précédemment mentionné « Forged in Hell and Heaven Sent » qui utilise des couches de guitares floues, des violons et de l’harmonica avec Margo Price aidant sur les chœurs. Wilder Days », qui clôt l’album, est un plaidoyer nostalgique, avec le retour de Llana qui ajoute une voix magnifique aux guitares slide, tout en se rappelant des sentiments d’invincibilité et en riant de l’absurdité de la vie à la surface. Ce sont des sujets profonds dans lesquels Hood n’a jamais peur de s’aventurer.

Lorsque cette itération de DBT est à son apogée, les tâches d’écriture sont partagées équitablement entre Cooley et Hood, mais ici, comme sur les deux offres de 2020, Hood domine, mais les deux chansons de Cooley sont puissantes de différentes manières. « Maria’s Awful Disclosures » est inspirée d’un exposé (ou d’une œuvre de fiction) de 1836 concernant une religieuse et les horreurs qui lui ont été infligées dans un couvent de Montréal, une inspiration très éloignée d’aujourd’hui en termes de distance et de temps, mais absurdement pertinente de nos jours concernant l’hypocrisie religieuse.

« Every Single Storied Flameout », contient des couches de textes sur l’angoisse père/fils autour des cuivres de Randall Bramblett, Tom Ryan et J.R. Beckwith ; c’est l’album le plus réussi de tous. Ce morceau rejoint quelques autres sur l’album en rappelant les efforts passés du groupe, tant au niveau des paroles que du son, mais sous de nouvelles formes cette fois-ci.   

La capacité de Hood à canaliser la douleur et le mal, à se souvenir d’amis tombés au combat avec toutes leurs verrues et leurs meurtrissures intactes, sont des dons évidents. « We will never wake you up in the morning » évoque un compatriote succombant à la dépendance tandis que « Shake and Pine » est une ode countrifiée émouvante aux rêves ratés et aux cœurs brisés. 

Ce n’est pas l’album à thème qu’on nous présente, mais un autre effort complexe et solide des Drive-By Truckers, l’un des grands groupes américains, qui est heureux de continuer à écrire des chansons sur les trains et les gens qui sont morts sur Welcome 2 Club XIII.

***1/2


Eva-Maria Houben: « Together on the Way »

5 juin 2022

Elle ne se contente pas de commencer, elle ouvre, elle initie ou peut-être est-ce tout simplement un accueil. Lire la partition d’Eva-Maria Houben pour cette pièce de 2020 est une expérience aussi belle que de l’écouter. Composée pour orgue – l’instrument principal de Houben – en tandem avec le duo composé du pianiste Siwan Rhys et du percussionniste George Barton, l’expérience est évidemment celle de la croissance et de l’actualisation par l’art symbiotique de la collaboration. Dans la partition, publiée par Wandelweiser et disponible en ligne, Houben décrit les événements dans un langage poétique aux temps présents évolutifs, semblable à celui que vivent les dédicataires de l’œuvre lors de ce concert.

L’orgue se met en évidence, ou plutôt une vue s’offre à nous lorsque la porte entre le silence et le son glisse sans bruit hors de vue. Ce que nous entendons au cours de l’heure et demie qui suit n’est pas tant un accord qu’une série de complexes en mouvement, un vocabulaire absolument unique à l’orgue. Dans l’interview publiée sur la page d’Another Timbre consacrée à l’album, Houben élucide les caractéristiques individuelles de chaque orgue, utilisant de manière intrigante le pronom personnel « elle » pour parler de l’instrument et de ses qualités de respiration. Cette respiration est à l’origine de cet accord en constante évolution, qui s’enfle et change lentement, le son sensuel de l’air soutenant chaque tonalité et sonorité. Écoutez-le gronder à 7:23, puis chuchoter à peine à 37:29, juste pour le contraste, mais ces deux points ne constituent même pas un fragment de la vaste courbe de l’œuvre. Comme dans les grandes formes similaires d’Eliane Radigue, l’harmonie et la mélodie perdent de leur importance à mesure qu’une présence sonore unifiée devient de plus en plus familière.

Suggérer que Rhys et Barton travaillent avec ou contre l’orgue s’apparente aux concepts de structure que Houben réfute dans son interview. De telles choses ne sont utiles que pour l’écrivain qui tente de verbaliser l’ineffable. Houben cite Berlioz dans sa partition, et il se peut très bien que sa conception du fluide musical soit la plus proche de ce que ces trois musiciens accomplissent, des sons étant projetés dans l’espace pour ne jamais revenir. Barton et Rhys jettent des objets sonores de densités et d’intentions diverses dans la marmite lentement bouillante de sons d’orgue-drone, chacun provoquant des ondulations qui modifient à leur tour la perception de chaque instant. En choisir plusieurs ne revient pas à les élever au-dessus des autres ni à nier l’impact de l’ensemble. La dyade de piano pincé à 9:43 est particulièrement belle sur la toile de fond de l’orgue, alors qu’une sonorité ouverte devient un accord, et puis, à 19:15, il y a les exquis sons de cloche qui augmentent un agrégat d’orgue déjà complexe. Toute microdescription supplémentaire nuirait à l’expérience. Il suffit de dire que peu importe le nombre de sons qui se produisent dans un espace, et parfois ils sont nombreux, un sentiment de réflexion se dégage, une aura de calme face à un voyage partagé aussi simple et enveloppant que le titre de l’œuvre.

***1/2

 


Nala Sinephro: « Space 1.8 »

4 juin 2022

Nala Sinephro excelle dans la construction de mondes minuscules. Sur son premier album sur Warp Records, Space 1.8, la compositrice belgo-caribéenne crée des espaces luxuriants qui regorgent de sentiments de rajeunissement et de créativité. Il s’agit d’une collection de sessions chaleureuses et libres qui combinent le jazz et la harpe à pédales, les cors et le travail de synthé modulaire, le tout arrangé et exécuté avec une fluidité impressionnante. Allant de la tranquillité d’un enregistrement sur le terrain au synthé-jazz en passant par des explosions maniaques d’énergie bruyante, cet album instrumental témoigne d’un talent brut associé à une profonde intelligence émotionnelle. Sinephro a enregistré Space 1.8 après avoir vaincu une tumeur, ce qui a déclenché une passion pour la création d’une musique curative et joyeuse – pour chérir la vie pendant qu’elle existe encore. Cet entrelacement de chaleur et de guérison est palpable sur le morceau d’ouverture « Space 1 ». Le chant des grillons et la sensation de fraîcheur de l’air du soir sont soigneusement effleurés par une harpe luminescente et des passages mesurés au clavier. La chanson crée son propre écosystème miniature de paix électroacoustique, une introduction aussi accueillante qu’un album puisse l’être. La fascination de Sinephro pour le mélange de sons électroniques et plus conventionnels s’étend sur « Space 2 », où elle troque les sons verdoyants de la nature pour l’atmosphère enfumée d’un concert de jazz. Un saxophone grave et enveloppant envahit la scène sonore, tandis qu’un piano ondulant et une batterie légère complètent l’ensemble. Mais les synthés modulaires de Sinephro prennent le relais à la fin pour un outro hypnotique, renforçant la dualité acoustique et électronique qui définit Space 1.8. Chaque nouveau morceau révèle une facette différente du travail de Sinephro. « Space 6 », en particulier, est d’une intensité inattendue au milieu d’un disque aussi calme, où des trilles de saxophone pulsés s’accumulent et s’entremêlent progressivement pour former un crescendo imposant.

Et sur le ludique « Space 3 », des synthés ondulants se mêlent à une batterie jazz galopante (interprétée par le percussionniste des Sons Of Kemet, Eddie Hick). Bien qu’il s’agisse des moments les plus audacieux et les plus intéressants de l’album, ils se terminent brusquement, juste au moment où ils prennent de l’ampleur – en particulier « Space 3 », qui dure un peu plus d’une minute. On a l’impression que c’est juste au moment où Sinephro s’apprête à aller dans un endroit inattendu qu’elle coupe court à l’expérience, de peur de casser sa propre ambiance délicate. Mais ces moments laissent présager des orientations futures passionnantes pour Sinephro, comme si Space 1.8 n’était qu’une rampe de lancement pour des choses plus fortes et plus grandes. À l’autre bout du spectre, le morceau de clôture « Space 8 » est un chef-d’œuvre méditatif et stupéfiant. D’une durée de plus de 17 minutes, il s’imprègne de l’environnement montagneux et printanier que Sinephro construit si habilement. Des vibrations de saxophone dignes d’une berceuse, une électronique douce et des cordes de harpe brumeuses s’attardent et percolent, l’exemple le plus clair de sa quête d’une musique réconfortante et apaisante. Mais le plus grand moment de clarté de Space 1.8 arrive dans « Space 5 », beaucoup plus court. Dans ce bain sonore centré sur le saxophone et la harpe, le son d’un battement de cœur amplifié et régulier garde le rythme. Sa position au centre même de l’album semble intentionnelle : Les espaces de Sinephro ne sont pas seulement pleins de vie, ils sont aussi construits avec les sons mêmes de celle-ci, nous rappelant de ne pas la prendre pour acquise.

***1/2


Lightning In A Twilight Hour: « Overwintering »

4 juin 2022

Après un premier album qui faisait la part belle à l’électronique légère, à la noise avant-gardiste et aux ballades tristes, le deuxième album de Lightning in a Twilight Hour, Overwintering, change considérablement la donne. Le collectif pop mélancolique (dirigé par Bobby Wratten, anciennement de Field Mice/Trembling Blue Stars, et composé d’anciens membres de son groupe et de ses collègues, du bassiste Michael Hiscock, des chanteuses Beth Arzy et Anne Mari Davies, et du producteur Ian Catt) se plonge dans le folk britannique et le slowcore américain pour ajouter des textures plus sombres et dévastatrices à leur son déjà presque insupportablement bleu. Dans le premier cas, ils ajoutent de doux bois, des guitares acoustiques grattées et, pour la première fois, de magnifiques harmonies vocales mettant en vedette les trois chanteurs. L’influence du second est incarnée par la longueur des chansons, l’espace entre les notes et la morosité générale qui rappelle parfois un American Football plus doux et plus fragile. Ils n’ont pas supprimé les textures électroniques qui ont fait de leurs premiers enregistrements un léger écart par rapport aux projets précédents ; au contraire, ces éléments sont intégrés de manière plus organique.

Ainsi, les voix sans fioritures se mêlent aux sons électroniques bourdonnants, les guitares acoustiques s’intègrent parfaitement aux boîtes à rythmes et les espaces vides s’harmonisent avec l’écho de la réverbération. Il s’agit d’une prouesse audacieuse et subtile d’arrangement qui est rendue invincible par les voix déchirées que les trois chanteurs font apparaître avec un minimum d’effort, et par la beauté austère avec laquelle les pièces sont assemblées.

Les morceaux les plus longs, comme « Delphinium » – qui se déroule lentement sur une boîte à rythmes en marche, des accords de guitare qui s’entrechoquent, des voix qui font écho, et un sentiment de morosité pastorale – créent une atmosphère inébranlable que l’on peut qualifier de désespérée. Il en va de même pour l’amère et spacieuse « The Cinematographer as Painter ». Le crépitement et le claquement de la piste rythmique se fondent dans le chatoiement précis de la guitare électrique, et le chant soigneusement élaboré transmet un sentiment de tendresse brisée auquel il est difficile d’échapper. Les chansons plus courtes opèrent le même genre de magie, bien qu’elles varient un peu plus. « Leaf Fall Is Over » est une ballade presque entraînante à la Field Mice qui se rapproche le plus (à une centaine de kilomètres) d’un single ; le bijou d’avant-pop « Her Own Refrain » mélange des bruits chatoyants, des sons de synthé oscillants et des voix traitées ; et « Slow Motion Spirits » est une complainte dub doucement triste avec un jeu de basse mélodique caractéristique de Hiscock. Les premières sorties de Lightning in a Twilight Hour semblaient être un bon premier pas vers quelque chose de nouveau de la part de Wratten et de ses amis, qui promettait de nouveaux plaisirs tout en restant fidèle aux aspects de leur son qu’il était important de conserver. Overwintering remplit toutes ces promesses et fait un nouveau pas, géant cette fois, dans une direction que tous ceux qui ont été fans d’un groupe de Wratten doivent suivre. Coeur brisé garanti, beauté garantie.

***1/2


Like Steele: « Listen to the Water »

4 juin 2022

Laissant de côté la vision grandiose de son groupe, le musicien australien Luke Steele nous offre un premier album solo étonnamment poignant. Mieux connu comme l’un des membres de l’énigmatique duo électro-pop Empire of the Sun, Steele a troqué sa couronne d’empereur pour un chapeau à bord noir beaucoup plus humble, bien que la musique qu’il produit soit suffisamment excentrique pour transcender les tropes folk indé standard. Auto-enregistré dans une cabane de la campagne californienne, Listen to the Water permet au chanteur/compositeur d’explorer les thèmes de la vie intérieure, de la domesticité, de la famille et de la société au milieu d’une palette de guitares acoustiques, de synthés lumineux et d’ornements sonores chatoyants. Lorsqu’il est bien fait, l’album solo fait maison rassemble la personnalité, les excentricités et les affections d’un artiste en un bouquet unique qui ne pourrait pas être produit dans un environnement de studio plus conventionnel. Cet album ressemble à l’un de ces disques.

Les fans des groupes précédents de Steele – les chouchous de l’indie pop du milieu des années 2000, les Sleepy Jackson, et le groupe Empire of the Sun déjà mentionné – devraient trouver beaucoup de choses à aimer dans ces chansons plus discrètes, mais toujours aussi idiosyncratiques, qui, malgré leurs racines acoustiques, ne semblent que partiellement terrestres.

Des titres comme « Common Man » et « Get Out Now » sont ainsi à la limite de la liminalité avec des arrangements éthérés qui s’efforcent d’atteindre la grandeur de l’époque d’Avalon de Roxy Music tout en transmettant des messages sur la faillibilité et la nature humaine. Une guitare pedal steel larmoyante et des tambours numériques marquent le déclin implacable de la jeunesse vers l’âge adulte sur l’étrange « Gladiator », tandis que l’anxieux « Running, Running » se construit tout doucement en un crescendo de ses éléments sonores disparates. Ce qui est unique dans Listen to the Water, c’est la façon dont il distille l’ambitieux personnage de Steele dans le petit théâtre d’un one-man-show. Il s’agit peut-être d’une collection plus discrète et personnelle, mais son sens inné de la dramaturgie s’adresse toujours à ceux qui sont assis et occupent les derniers rangs des travées.

***1/2


Andrew Bird: « Inside Problems »

4 juin 2022

Alors que le titre peut évoquer une paranoïa induite par une pandémie, le dernier album d’Andrew Bird, Inside Problems, offre un sentiment d’ouverture accueillant alors que la pop indé luxuriante et acoustique coule à travers l’offre solide de cet artiste en constante évolution. 

Aux côtés de Bird, Alan Hampton et Mike Viola (basse/guitare/voix), Abe Rounds (batterie) et Madison Cunningham (voix de soutien) s’associent avec brio à Bird sur le morceau d’ouverture et bien d’autres. Viola a également produit l’album, tandis que le violon, les guitares et le chant de Bird se fondent dans un environnement acoustique riche.

Commençant par l’excellent « Underlands », la chanson s’articule autour des talents de siffleur de Bird, de superbes chants de fond et d’une batterie légèrement funky qui s’inscrit dans un schéma soul, courant et constamment engagé. Le groupe est à l’aise depuis la promenade facile « Faithless Ghost », avec l’invité Jimbo Matthus (Squirrel Nut Zippers) pour les méandres, jusqu’à la chanson « Eight », influencée par le rock LA des années 70 et sifflée, qui se prolonge trop longtemps avec une fin superflue.

Une ambiance jazz sulfureuse s’infiltre dans « Lone Didion », dans le style d’un film noir, alors que Bird nous livre un récit cinématographique, tandis que la guitare folk et les sifflements font place à l’Americana sur « Fixed Positions ». Les nappes de cordes de la chanson titre sont exaltantes alors que Bird chante sur le fait d’être nouvellement né, d’évoluer en tant que personnes, parents et société, tandis que « Make a Picture » utilise des chœurs ooh et aah, une caisse claire percutante, un violon léger et dynamique, et une basse bouillonnante pour créer un effort fort sur un album qui en est rempli.  

Il y a un flair gitan dans « Atomized » et des vibrations très perceptibles de l’école d’art du Velvet Underground dans un trio de chansons. « The Night Before Your Birthday », « Stop n’ Shop » et « Never Fall Apart », qui clôt l’album, montrent tous que Bird chante dans un style Lou Reed distinct, jusqu’à ce qu’il atteigne les notes aiguës que Reed n’a jamais pu atteindre.   

Bird ajuste constamment son son et son style, créant un large éventail de chansons sur diverses sorties et bien qu’il soit probablement déjà passé à d’autres pâturages, Inside Problems est une collection chaleureuse de morceaux excentriques et accrocheurs qui capturent un sens de la distance apaisant les auditeurs en ces temps troublés.

***1/2


Horsegirl: « Versions of Modern Performance »

3 juin 2022

Horsegirl, ce sont sont trois amies qui font de la musique dans un sous-sol. C’est vrai, et elles veulent que vous le sachiez, non pas parce qu’elles sont gênées par l’attention qu’elles ont reçue en tant que dernière percée du rock indépendant, mais parce que le trio de Chicago composé de Penelope Lowenstein, Nora Cheng et Gigi Reece veut que vous sachiez qu’elles s’amusent. Elles y parviennent comme seuls des adolescents passionnés peuvent le faire : en professant leur admiration pour Kim Gordon, en peignant des T-shirts au hasard et en lançant des riffs contre le mur jusqu’à ce qu’ils se transforment en chansons. Le produit final de ces séjours en sous-sol, Versions of Modern Performance, combine de manière impressionnante des influences bruyantes et punk qui se fondent dans une merveilleuse concoction de post-punk, no-wave, shoegaze précoce, etc. Bien qu’inspiré par les cadres des années 80 et 90 des acteurs les plus bruyants du rock indé émergent, le son de Horsegirl est singulier, curieux et recouvert d’une bonne dose d’ironie que la génération Z porte comme une paire de bottes de travail fiable.

Avec l’aide de John Agnello (Kurt Vile, Hop Along) à Electrical Audio, Horsegirl profite pleinement de son studio tout en maximisant le son DIY qui a charmé les fans sur les premières sorties. S’ouvrant sur une batterie rebondissante et des guitares bourdonnantes sur « Anti-glory », Horsegirl met en scène le plaisir et la danse avant tout sur une chanson qui a émergé de leurs sessions de répétition comme par enchantement. « Beautiful Song » oppose des voix en coucou à un chœur de guitares en écho, tourbillonnant dans les cieux et empiétant sur le shoegaze. Le morceau « Live and Ski », rythmiquement difficile et acoustiquement abrasif, donne l’occasion à Cheng et Lowenstein de chanter en harmonies feutrées tout au long de l’album, introduisant un mystère passionnant dans leur discours. Le disque se termine par l’une des trois pistes instrumentales, « Bog Bog 1 », une expérience d’improvisation shoegaze lo-fi qui pourrait facilement être confondue avec une démo de My Bloody Valentine. Chaque instrumental de Versions est unique ; « Electrolocation 2 » met l’accent sur des drones qui encapsulent tout, manifestant les perturbations du champ électrique que le titre de la chanson évoque. Le titre ludique « The Guitar Is Dead 3 » est une expérience de piano réverbérant d’une durée de moins d’une minute, avec des touches guidées par l’entropie spirituelle dans un moment de doux répit pour le disque autrement propulsif.

Aussi expérimentale que soit la tonalité de l’album, Horsegirl joue également avec une musique pop plus reconnaissable, en donnant sa propre tournure au son et à la structure de la pop. Des chansons comme « Dirtbag Transformation (Still Dirty) » et « World of Pots and Pans » offrent les structures astucieuses de la pop et inspirent des émotions comme la célébration et la nostalgie. « World of Pots and Pans » s’enfonce dans un espace jangly, twee-adjacent, suggérant ce qui pourrait arriver si quelqu’un faisait exploser sa stéréo en essayant d’écouter The Pains of Being Pure at Heart. Les personnages qu’ils évoquent révèlent la profondeur du paysage imaginatif de Horsegirl : « On ne la verra pas danser ou courir / Il n’y a simplement rien à faire / Quand Emma balaie le sol, il devient plus gris » (Won’t see her dance or see her run / There’s simply nothing to be done / When Emma sweeps the floor it turns more gray). L’esprit punk du groupe est à l’origine du discours désordonné et impassible qui fascine les auditeurs. À l’opposé du spectre, « The Fall of Horsegirl » offre une atmosphère sinistre qui ressemble à une chute libre dans le vide, mais avec un titre aussi ironique, étant donné l’ascension fulgurante du sujet, on peut se demander s’il n’y a pas une couche de BS qui empêche l’humeur de la chanson d’être légère. « The Fall of Horsegirl  » projette de manière créative les angoisses du perfectionnisme qui réapparaissent sur  » Option 8 « , un morceau post-punk plein de crochets, si entraînant qu’on pourrait manquer les ordres : « Tiens-toi droit, ne sois pas en retard ! »

Horsegirl fait monter l’intrigue sur « Homage to Birdnoculars », dont les suppliques répétées, « Fall into my / Wormhole », sont à la fois déconcertantes et charmantes. A un certain niveau, on peut se demander si le morceau n’est pas une tentative d’hypnose avant la conclusion de l’album, « Billy », un morceau pensif et bruyant qui suit une autre invention de l’imagination inspirée du groupe. Horsegirl invite Steve Shelley et Lee Ranaldo à l’aider à clore ce morceau avec un peu plus de volume et de déchiquetage, clôturant ainsi l’album sans réponse (comme c’est postmoderne) mais avec des murs de son. Par coïncidence, « Billy » était également le premier single de l’album, et le premier du groupe pour Matador ; dans son contexte, il est évident que la chanson est une conclusion efficace.

Aussi évocateur et excitant que soit chaque chanson, qui montre le plaisir du groupe et illustre les styles/genres qui les inspirent, l’un des meilleurs aspects de Versions est son enchaînement. Le disque atteint un équilibre entre les divers envois stylistiques du groupe et les transitions instrumentales aident à manifester les changements d’ambiance qui permettent au groupe de faire de la marelle. Ils oscillent entre les styles plutôt que de regrouper des morceaux grandiloquents et de leur permettre d’éclipser le reste du disque, un péché malheureusement courant. Entre les réalisations stylistiques qui semblent rafraîchissantes sans être trop référencées, la livraison vraiment pince-sans-rire sur un lit de bruit enroulé, et (enfin) un séquençage correct, Versions of Modern Performance est un disque intelligent qui prouve que Horsegirl est une vraie affaire. Leur sous-sol sera, selon toute vraisemblance, à l’origine d’enregistrements encore plus excitants à l’avenir.

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Patricia Wolf: « See-Through »

3 juin 2022

Le « debut album » de Patricia Wolf, I‘ll Look For You in Others, était une lourde méditation sur la nature globale et évolutive du deuil, mais See-Through, son deuxième opus, se situe dans des domaines plus éloignés. On y trouve toujours des traces de cet esprit contemplatif, mais il est porté par l’espièglerie et le mystère. Le design sonore impeccable de Wolf chante comme toujours sur ces 12 morceaux, mais ils sont interconnectés par une série d’explorations lucides et remplis des restes de la mémoire du néon.

Des rêveries ombragées se faufilent dans une immobilité visqueuse sur « The Flâneur », gravées à jamais dans des mosaïques sonores vibrantes. Des séquences concurrentes se croisent, se fondent comme deux rivières convergeant à l’horizon. Les synapses s’enflamment à l’apex de chaque passage ascendant, ouvrant de nouvelles voies vers le contentement et la connexion. « Le Flâneur » se fond dans des tons bleus cristallins et doux, éparpillés sur la toile pointilliste de « Upward Swimming Fish », où la nostalgie s’installe et reste apaisée dans l’air frais. Dans cet espace, on ne peut s’empêcher de rêver.

La voix désincarnée de Wolf plane avec un voile d’impermanence sur l’envoûtant « A Conversation With My Innocence ». Les silhouettes se dissipent et se reconfigurent en vagues tactiles, montant et descendant avec les respirations lentes de la consolation de minuit.

L’ouverture « Woodland Encounter » prend ces mêmes ombres et les recouvre d’une collection de feuilles. Des enregistrements sur le terrain ajoutent une jolie touche de fantaisie aux explorations synthétiques. Ce même air imprègne les impulsions rythmiques qui propulsent « Pacific Coast Highway » sur la terre ferme, se déplaçant en zigzag vers un point fixe au loin. Des nuages dérivent dans les pads ambiants et les arrangements brumeux, vacillant au-dessus de nos têtes en des motifs expressifs. 

Tout au long de See-Through, Wolf surprend avec d’innombrables nouveaux outils, procédés et sortilèges auditifs. Le court mais puissant « Psychic Sweeping » fait appel à une guitare acoustique. Wolf fait tourner des motifs oniriques et enchanteurs, transformant un simple instrument en quelque chose d’autre que le monde. Faire de chaque brin de musique un monde autonome et vibrant est un thème récurrent dans See-Through. Wolf a une voix si spéciale et unique que chaque détail granuleux est porteur de sens et que chaque expression nous attire.

***1/2


Beauty In Chaos: « Behind The veil »

2 juin 2022

Les années 80 ont été la décennie où la tendance à créer autant de catégories de genre que possible, tant pour les critiques que pour les fans, était en vogue, mais c’était aussi la décennie où tous ces genres nouvellement créés, disons gothique et éthéré, se chevauchaient plus qu’on ne pouvait les discerner.

Il semble que ce soit exactement la décennie, la méthode et le mélange de genres que le collectif de L.A. Beauty In Chaos emploie sur son dernier album Behind The Veil. Ici, le son d’innovateurs et de piliers des années 80 tels que The Cure, Cocteau Twins, This Mortal Coil et Echo & The Bunnymen, pour n’en citer que quelques-uns, sert de source et de tremplin au noyau de Tish Ciravolo, Michael Rozon et Michael Ciravolo de jeter les bases d’une distribution vocale entièrement féminine (six en tout – Tish Ciravolo, Cinthya Hussey, Betsy Martin, Whitney Tai, Elena Alice Fossi et Pinky Turzo) pour créer leur vision de ce son multigenre, tant sur le plan musical que lyrique.

D’une certaine manière, ils suivent ici les traces de This Mortal Coil, à la fois dans la diversité du son et des interprètes vocaux, mais en conservant cette ambiance sombre dominante, en donnant également une version et une vision alternatives grâce à un ensemble de remixes réalisés par un autre groupe d’invités, donnant à Behind The Veil une autre dimension et un autre ensemble de possibilités pour les auditeurs d’entendre ce qui se trouve réellement, après tout, derrière cedit voile.

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Sweeney: « Stay for the Sorrow »

1 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Sweeney qu’on attend avec impatience et que’on redoute à chaque fois que jl’on reçoit une de ses nouvelles parutions de SIS. D’un côté,on sait que la musique sera intéressante. De l’autre, on est conscient que ce sera vraiment triste. Le dernier album de Sweeney, Misery Peaks (2021), était assez sombre, mais le titre nous enavait prévenu. Avec le quatrième album de Sweeney, Stay for the Sorrow, je pensais être assez bien préparé à ce qu’on allait écouter. Vraisemblablement, on avait tort.

Non, il ne s’agit pas, en effet, d’une joyeuse parade au titre trompeur, mais plutôt d’une plongée plus profonde dans Sweeney que ce à quoi on s‘attendait. L’amour, la perte, le chagrin et la rédemption occupent une place prépondérante dans cet album de 38 minutes composé de 10 titres, dont aucun ne dépasse 4 minutes et demie. IL est vrai que l’on avait déjà fait des commentaires à ce sujet, mais la voix de Jason Sweeney est remarquablement similaire à celle de David Sylvian par moments, mais, maintenant, on entend un aspect différent dans la voix de Sweeney, une fragilité qui avait peut-être négligée auparavant. C’est cet aspect vulnérable qui rend les chansons de Sweeney si personnelles et émouvantes.

Parfois, Sweeney est en mode chanson directe, comme dans le morceau d’ouverture, « Lonely Faces », qui est principalement composé de Sweeney et de son piano. La suite, « The Break Up », a un fond électronique plus abstrait mais reste riche en mélodies, et l’orchestration qui prend éventuellement le relais fait des merveilles. En fait, cet album semble plus orchestré que le précédent. Par exemple, le saxophone de Melinda Pianoroom donne beaucoup d’atmosphère à « Home Song ». Des chansons délicates et semi-abstraites comme « Fallen Trees Where Houses Meet » et « You Will Move On » sont difficiles à décrire, mais si vous imaginiez une collaboration Eno/Sylvian, ce serait plus proche de la vérité.

Au milieu de l’album (« Years »), vous vous trouverez peut-être dans une humeur très introspective, vous interrogeant sur vos propres relations, passées, présentes et futures. Il est facile de se laisser aller à écouter Sweeney, surtout si l’on se sent un peu brisé. Le fait est qu’il ne va pas vous aider à vous débarrasser de votre blues avec des chansons pop entraînantes. Il va cependant vous donner une très, très bonne chanson avec « Anxiety », peut-être la meilleure de l’album. On n’a pas été aussi convaincu par la chanson titre, qui a semblé un peu exagérée. Le très abstrait « To Be Done » est bref mais lui ressemble terriblement, et le dernier morceau « I Will Be Replaced » pourrait être le thème non planifié du travailleur du spectacle, mais a un attrait universel pour ceux qui se sentent un peu inutiles, et le saxophone de Melinda à la fin perpétue le chagrin. Oui, Sweeney a livré un autre album plein de mélancolie, mais il s’en faut de peu que ce soit un chef-d’œuvre.

***1/2