Really From: « Really From »

14 avril 2021

Il ne faut que 34 minutes et 21 secondes au quatuor de Boston Really From pour vous dire que, oui, ils contiennent des multitudes, et, non, vous ne pourrez pas déballer les couches de leur album éponyme en une ou deux écoutes seulement. Anciennement connu sous le nom de People Like You, Really From a fait ses débuts en 2014 avec un son qui combinait un emo moelleux et technique et un jazz grandiose et triomphant. Une maîtrise impressionnante de la dynamique et un lyrisme complexe ont toujours défini la musique de Really From, mais leur troisième disque est sans conteste l’entreprise la plus étoffée du groupe à ce jour. S’attaquant à l’identité culturelle et à la famille, Really From enveloppe son écriture intelligente de couches tourbillonnantes de cuivres, de riffs de guitare cristallins et de grooves de batterie rudimentaires. L’ensemble donne l’impression que American Football s’essaie au ska, ou que Crumb reprend Tera Melos.

Tirant son nom de la question « D’où venez-vous vraiment ? » (Where are you really from ?), Really From est un groupe composé à 75 % de personnes non blanches. Les thèmes de la vie en tant qu’enfant d’immigrés en Amérique traversent la prose honnête de Chris Lee-Rodriguez et Michi Tassey. S’échangeant des voix magnifiques tout au long de l’album, les chanteurs partagent tour à tour leurs perspectives sur une toile emmêlée d’expériences douces-amères. « Try Lingual » est une tentative de parler à un membre de la famille qui parle peu l’anglais : « J’écoute attentivement ce que tu dis / Et dans ma tête, je traduis que je pourrais répondre de la mauvaise façon / Pardonne-moi, j’apprends encore »(I listen hard to what you say / And in my head I will translate I might respond the wrong way / Forgive me, I’m still learning), tandis que « In The Spaces » est une ode semi-sardonique aux attentes des adultes. Des phrases comme « Continue comme ça, fais des gosses / Fais cuire du riz, c’est pas cher / Fais-en assez, juste assez / Élève-les, élève-les bien » (Keep it up, have some kids / Cook some rice, cheap enough / Made enough, just enough / Raise them up, raise them right) font place au refrain « Don’t think, just work ». Alors que le jam noué clôt le morceau, celui-ci commence à prendre l’essence d’une conversation frénétique avec soi-même dans le miroir. Les meilleurs moments de l’écriture des chansons de Really From ressemblent à des dialogues internes douloureux mais importants.

Sur le papier, Really From pourrait ressembler à un album conceptuel, et c’est le cas à bien des égards. Cependant, si on l’écoutait sans contexte, l’intellectualisme magique caché dans sa narration serait probablement éclipsé par sa musicalité. Chaque membre du groupe a fait ses armes en tant que joueur de jazz, tout en s’imprégnant de la scène DIY de Boston. Cette dualité transparaît dans le dernier album de Really From. C’est un disque qui reste rarement au même endroit pendant longtemps, et ses meilleurs moments sont ceux qui n’occupent pas du tout un espace définissable.

Le premier morceau, « Apartment Song », passe d’une ambiance balayée, digne de Dntel, à un funk distant, proche de Brainfeeder, en moins de quatre minutes et demie. L’instrumental « Last Kneeplay » associe un scratch de guitare en nylon de style classique à une partie de corne hurlante qui donne l’impression d’être assis sur un quai au milieu de la nuit, en écoutant votre album préféré de Miles Davis des années 70 sur le haut-parleur d’un téléphone. La chanson « I’m From Here » réussit à s’attaquer à une accroche de radio alt-rock, à un pont sourd et à des nouilles luxuriantes au piano électrique. Les mots ne peuvent rendre justice aux arrangements immaculés de Really From, mais pour replacer les choses dans un certain contexte, je dois imaginer que c’est le seul album sorti sur Topshelf Records qui comporte un bugle.

Sorti en pleine résurgence du rock progressif, le dernier album de Really From s’inscrit dans les tendances populaires d’un moment musical en rupture de genre, tout en faisant preuve d’une désinvolture rafraîchissante quant au goût prononcé pour l’expérimentation de ce groupe de quatre musiciens. Bien qu’ils aient été catalogués comme un groupe d’emo jazz, avec leur dernier album, Really From a continué à créer un genre en soi. Really From est un voyage intelligent et fougueux. C’est une écoute instructive pour une personne blanche issue d’un foyer anglophone, mais d’une certaine manière, cela donne aussi envie d’aiguiser nos compétences en maths rock et de monter un groupe avec un joueur de trombone.

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Mattie Barbier: « Three Spaces »

13 avril 2021

Three Spaces de Mattie Barbier nous propose un rassemblage non conventionnel de sons dans un genre tout sauf académique. Il s’agit d’un seul morceau de 38 minutes qui offre des textures rugueuses et grondantes, des bourdonnements prolongés et un peu de statique sur les bords. Bien que Barbier affirme qu’il a été « réalisé à la maison avec un euphonium, un trombone, un orgue de roseaux et un jardin », Three Spaces va au-delà de la sortie typique d’un solo pandémique.

L’instrumentation n’a presque aucune importance et il aurait été difficile de la démêler sans les notes du livret. Au début, l’album semble offrir un long drone monolithique. Mais après plusieurs écoutes, des variations et des profondeurs apparaissent. Des notes claires sont submergées sous le premier plan tourmenté, et ce premier plan change de nature à un rythme glacial.

Au cours de ces multiples écoutes, on sera enclin à augmenter le volume à un niveau étonnamment élevé afin d’apprécier les détails. Compte tenu de la gamme dynamique étroite de l’album, cela n’a pas été sans rappeler le polissage d’un vieux meuble pour en découvrir les subtilités.

Si vous voulez passer un après-midi à creuser dans un seul album, Three Spaces est un candidat intéressant et excellemment adapté à la chose.

***1/2


The Secret Combination: « Finally »

11 avril 2021

On peut espérer que ceci n’est pas le dernier album du groupe americana néerlandais The Secret Combination. Le disque marque le 20e anniversaire d’un combo qui n’a, jusqu’à présent, connu qu’un succès est relatif. Leurs nombreuses compositions sont modestes mais elles sont conquis le cœur des Néerlandais pendant toutes ces années. Le groupe de six musiciens ose sortir de temps en temps des sentiers battus et ajoute même un switch funky, un rythme rock’n roll ou un jeu de cordes virtuose. Le fait que le country rock soit proche du cœur du disque est renforcé par la pedal steel de Johan (JJ) Jansen. En fait, Finally n’est que le cinquième album, ce qui suggère la lenteur mais aussi la solidité. L’auteur-compositeur-interprète Jeff Mitchell prend son temps et consulte ses collègues avant d’enregistrer une version finale.

Quatorze chansons sur un double CDavec « Real Love » comme titre phare ; outre le large éventail de styles, cette collection des vingt dernières années se distingue par l’artwork dans lequel les vinyles ou les cd ont été emballés. L’artiste Jeroen van Merwijk, apparemment décédé récemment, a dessiné la couverture pleine de belles images mythiques. Pour compléter le bijou, le CD contient également un livret de 32 pages avec les paroles et encore plus du magnifique travail de Jeroen van Merwijk.

The Secret Combination touche leurs (et nos) cordes, voici un album que vous écouterez plusieurs fois et par lequel une chanson malmenée ou oubliée d’hier devient votre préférée le lendemain. Et c’est un signe de qualité !

***1/2


Ian Nyquist: « Endless, Shapeless »

11 avril 2021

Endless, Shapeless crée sans effort un paysage électronique, ambient et post-classique, où des fragments mélodiques tourbillonnants et chargés d’émotion sont rencontrés par une douce brise ambiante. Au début, des noyaux électroniques sont doucement insérés de temps en temps, mais un son électronique trouve bientôt une plus grande présence, faisant avancer certains des morceaux sans rien d’autre pour le soutenir. Cependant, il y a toujours une sorte de pause mélodique après une tempête électronique, où un piano fait son entrée, ou une orchestration plus douce passe au premier plan.

Ce qui pourrait ressembler à une collection désordonnée de sons ressemble en fait à un ensemble connecté, car tous ses sons se rejoignent en un seul. Les styles de musique électronique, ambiante et post-classique partagent déjà des similitudes, de sorte qu’il n’y a rien d’incongru ou de déplacé ici.

Bien sûr, cela est également dû à l’habileté considérable de Ian Nyquist à mélanger ces éléments. Un expert dans n’importe quelle entreprise artistique sait quand ajouter et quand enlever, quand le moment est venu d’augmenter et quand de diminuer, et la musique de Nyquist est presque un ballet dans son mouvement de va-et-vient.

Comme la soie qui danse dans la brise, Endless, Shapeless est né d’un élan magnifique et fluide, et il est rendu encore plus puissant par ses mouvements calmes et discrets. Réservée par ses influences classiques et expansive par son caractère ambiant et électronique, la musique palpite dans l’air comme les ailes d’un papillon, les éléments musicaux de tension et de relâchement se rapprochant magnétiquement puis s’éloignant. Dans certains cas, la tension est telle qu’on peut presque entendre la musique se déchirer, son atmosphère pulsant sauvagement avant d’être ramenée dans sa coquille électronique. Mais toute pression est relâchée avec « Sanctuary (Epilogue) », un morceau d « ambiance » apaisant. À la fin, tout est comme il se doit.

***1/2


BirdPen: « All Function One »

11 avril 2021

BirdPen – Dave Pen (voix, guitare) et Mike Bird (guitares, claviers) – sont de retour avec leur sixième album, enregistré au début de l’année 2020 alors que le duo assistait à la pandémie mondiale. C’est sur cette base que sont nés les thèmes lyriques de l’album, centrés sur l’auto-isolement et la peur du monde extérieur.

Tout d’abord, cet album de BirdPen est un grand classique et il faut persévérer dans l’écoute car c’est un bon morceau de musique. Bien sûr, il y a quelques tubes instantanés comme « Modern Junk », qui se rapprochent le plus de la pop au sens commercial du terme. Sinon, BirdPen emprunte diverses voies musicales, de l’électronique sur « Flames «  à l’étrange et,, le merveilleux « Blackhole ». 

« Changes » , avec son chant monotone, est très austère et souligne à quel point nous dépendons de la technologie et sommes, à bien des égards, contrôlés par elle. « Universe » est plus enjoué, même si, pour être honnête, il n’est pas si enjoué que ça ! La guitare hypnotique sur « Invisible » fait briller cette chanson, preuve que BirdPen est plus qu’un simple groupe d’électronique.

Une musique pour l’ici et le maintenant, car BirdPen capture dans sa musique et ses paroles beaucoup de peurs et de problèmes auxquels nous avons tous été confrontés ces dernières années, ainsi que l’utilisation croissante et la dépendance de la technologie dans nos vies quotidiennes. Un album qui vaut la peine d’être écouté.

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Alaskan Tapes: « For Us Alone »

10 avril 2021

For Us Alone est le nouvel album d’Alaskan Tapes. Le musicien Brady Kendall, basé à Toronto, insuffle à sa musique ambiante une essence profondément apaisante, qui, aussi étrange que cela puisse paraître, est liée à sa vie musicale antérieure en tant que batteur, lorsqu’il a commencé sa carrière musicale au lycée, en écoutant les groupes de métal avec lesquels il a grandi – « des trucs criards… aussi lourds que possible ». La musique ambient peut sembler très éloignée des punching-bags percussifs, mais elle est peut-être plus proche qu’on ne le pense ; tout est question de contexte. Kendall a trouvé sa dose musicale dans la drum and bass, puis est tombé dans le sous-genre plus détendu, atmosphérique et fluide de la liquid drum and bass, avec ses fonds ambiants harmoniques et ses synthés luxuriants et étoffés. En tant que tel, son alias Alaskan Tapes ressemble plus à une évolution régulière (et complètement naturelle) qu’à quelque chose qui sort du champ gauche ; rien n’est disloqué ou déplacé.

« Alaskan Tapes a commencé par de la musique électronique downtempo, où j’ai consciemment pris la décision de retirer la batterie. J’avais toujours commencé mon écriture avec une batterie et construit tout le reste autour d’elle. Je voulais vraiment être capable de me concentrer sur autre chose. Je voulais faire quelque chose qui ne soit pas aussi relaxant ou chill, mais plutôt quelque chose d’intime. »

La batterie constitue une partie essentielle de For Us Alone, mais elle est utilisée avec modération, malgré une vague vibration post-rock, qui coule comme du sang dans les veines de ses morceaux. Des guitares chatoyantes, des lignes de basse enracinées et une batterie écrasante parviennent à ancrer le morceau. L’album a été écrit en trois groupes de trois, avec trois chansons comportant une batterie (une dans chaque suite). La musique semble à la fois spacieuse et connectée au rythme général (comme cette batterie et cette basse liquides d’il y a longtemps). Le rythme semble solide et fiable plutôt qu’agité et instable, ce qui en fait une bête puissante sur laquelle un seul morceau peut s’appuyer. L’atmosphère minimale permet aux textures ambiantes de flotter librement, même lorsqu’elles sont liées à la batterie, et une qualité magique et éthérée transparaît.

Kendall comprend la musique ambient et les chansons sont suffisamment libres pour inclure et absoudre toute erreur, car » »les erreurs créent des textures et permettent à la profondeur d’exister afin de rendre l’expérience d’écoute plus honnête ». For Us Alone est capable de refléter et de transmettre quelque chose de la condition humaine, car ses imperfections ajoutent de la personnalité et du cœur à sa musique.

***1/2


Andy Stott: « Never The Right Time »

10 avril 2021

Never The Right Time (Modern Love, 16 avril) est la première sortie d’Andy Stott depuis Too Many Voices, paru en 2016. Dans les années qui ont suivi, le monde a connu des changements sismiques, mais l’approche innovante de Stott est toujours aussi pointue. Never The Right Time comprend une foule de chansons presque amoureuses. À mi-chemin de la romance, mais toujours ancrée dans les épines et le faux confort de la nostalgie, sa bouillie électronique préchauffée s’accommode bien de la brume de trois heures du matin. Andy Stott est un expert dans l’élaboration d’un cocktail de techno chaude et de pop mutante pétillante, mais Never The Right Time est un disque de renouveau, d’esprit ressuscité et du pouvoir primordial de la musique comme vecteur de changement.

Tous les morceaux s’enchaînent sans heurts et la toile électronique crée une rencontre musicale intime, dégageant une forte chaleur de club tout en continuant à avancer. L’aspect humain des chansons de l’album – plus doux, plus chaud – donne un sentiment de fragilité, d’ouverture et de vulnérabilité. Les chansons peuvent se briser à tout moment, et certaines d’entre elles le font. « Repetitive Strain », par exemple, avec ses palpitations rythmiques et ses stroboscopes mélodiques denses, s’interrompt sans prévenir, sa ligne de vie coupée.

Dans l’ensemble, l’album est empreint d’une chaleur indéfectible, et les batteries ont toujours un rythme énergique, malgré une mélancolie perceptible, qui recouvre le disque. Il est difficile de tourner la page sur un événement d’une telle ampleur sans replonger dans la tragédie, qui ne s’oublie pas ou ne s’efface pas facilement. La pandémie de coronavirus y est pour quelque chose, bien sûr, car Stott s’est retrouvé en état de pause. Cependant, la croissance se produisait même dans cet état de stase. Les changements de vie massifs et les turbulences générales de 2020 ont déclenché un nouvel objectif et une explosion de créativité musicale, et Stott s’en est servi comme d’une force positive, dirigeant son flux de pensées et reprenant un semblant de contrôle lorsque rien d’autre ne pouvait être contrôlé. Le virus était un événement extérieur qui a pris le manteau de dictateur, changeant des milliards de vies et infligeant des souffrances à des millions de personnes, directement ou indirectement.

Avec la voix chaude d’Alison Skidmore, le disque a pris une forme différente, devenant rapidement plus humain et empathique, même s’il a été conçu électroniquement. Le message émotionnel du disque est d’une férocité qui n’a rien à envier à un assaut monstrueux issu de la techno, mais qui habite un corps différent, avec un changement de ton et d’humeur. Il est plus lent, plus réfléchi et plus chaleureux – peut-être même plus reconnaissant de ce qu’il a traversé – tout en continuant à élever la musicalité de Stott. Les mélodies rayonnantes se mêlent à la voix d’Alison, mais certains morceaux sont plus mordants, comme « Answers », qui rembobine l’horloge et sert de bonnes tranches de viande de basse.

Les rythmes sont toujours épais, mais c’est la chaleur du disque qui transparaît littéralement. Contenant des angles novateurs et des coups émotionnels surprenants, Never The Right Time est sorti au bon moment, et il ne rate jamais un beat.

***1/2


Reid Karris: « Obscure Sorrows »

9 avril 2021

L’improvisateur de Chicago Reid Karris est de retour avec un nouvel album solo, Obscure Sorrows, un opus qui a été enregistré en décembre 2020, et met en scène Karris sur tous les instruments. Il s’agit notamment de la batterie et de diverses percussions d’objets, ainsi que de la guitare électrique. Je ne serais pas surpris qu’il y ait aussi quelques skatchboxes et/ou post-traitements.

L’approche de Karris est extérieure et libre, avec très peu de structures ou de motifs répétitifs. Au lieu de cela, il crée un amalgame bruyant de deux ou trois pistes de percussions qui se chevauchent, ainsi que des techniques étendues à la guitare. La percussion est lourdement chargée en cymbales, avec des cloches, des bols et des éléments de craquement.

Son approche de la guitare est bruyante et expérimentale, avec le frottement et le grattage des cordes pour créer des textures granuleuses, ainsi que la distorsion et l’écho des pédales d’effets. Mais le sentiment général qui se dégage d‘Obscure Sorrows est celui de la densité. Karris a beaucoup de choses à faire ici, surtout pour un album solo, et il est à l’aise pour remplir l’espace libre avec autant de sons qu’il peut. Ainsi, l’album avance à un rythme rapide.

Si l’on devait considérer l’improvisation sur un spectre allant du plus systématique au plus libre, Karris se situerait carrément à la dernière extrémité. Contrairement à ses précédents albums, celui-ci explore les extrêmes sans prétention.

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Odd Circus: « Mantha »

9 avril 2021

Odd Circus est un trio avant-rock relativement récent, composé de Graham Robertson au saxophone et aux effets, Partin Whitaker à la batterie et Crews Carter à la basse et aux effets. Ils abordent leur matériel avec un penchant pour l’improvisation tout en jouant du rock avec un R majuscule. En conséquence, Mantha a plus en commun avec les offres psychédéliques et le Krautrock qu’avec le jazz que leur instrumentation pourrait suggérer.

En effet, le saxophone de Robertson est le principal instrument principal, et pourtant sa signature sonore est traitée au point de ressembler parfois à la guitare ou aux claviers en termes de texture et d’attaque.

En d’autres termes, son jeu ne crie pas « sax » et ne fait pas non plus penser «jazz ». Il reste dans les limites des rythmes prog-rock fournis par Whitaker et Carter, tout en parvenant à explorer des pistes fascinantes et émotives. Les effets susmentionnés sont centrés sur les touches, avec des laves sonores et des lignes de soutien pour Robertson. Un titre représentatif est « Amarok », avec une ligne de synthétiseur séquencée, un saxo bruyant et traité, et un rythme entraînant mais chargé.

Mantha est une jam session intense et structurée qui ne s’arrête jamais. Il parvient à être à la fois spacieux et plein de notes, ce qui en fait une expérience agréable et enrichissante.

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Alex Bleeker: « Heaven On The Faultline »

7 avril 2021

Quand on est le bassiste de Real Estate, l’un des groupes d’indie-rock les plus sympathiques de ces derniers temps, que fait-on en tant qu’artiste solo ? Vous faites quelque chose de tout aussi agréable, à en juger par le premier album solo d’Alex Bleeker en six ans. Ce n’est pas rendre service à Heaven on a Faultline, car il s’agit d’une collection de sons artisanaux qui témoignent de l’intention de Bleeker de se souvenir de la musique qui l’a fait tomber amoureux de cette forme de musique. On a donc droit à un indie-rock sautillant qui rappelle Yo La Tengo, un autre groupe du New Jersey, et à un country folk qui rend hommage à Neil Young.

Et le terme « homespun » n’est pas utilisé comme un simple descripteur ici : Bleeker a initialement réalisé l’album dans sa chambre, le terminant en janvier 2020 avant que le monde ne s’embrase. Après avoir vu le cinquième album de Real Estate sortir en février dernier et avoir été avalé par la pandémie de COVID-19, il a passé le reste de l’année à essayer de communiquer avec ses fans par tous les moyens possibles, et son effort solo a enfin vu la lumière du jour.

Étant donné qu’il s’agissait essentiellement d’un disque destiné à permettre à Bleeker lui-même d’explorer ses racines musicales, le fait que les chansons se connectent à un autre auditeur témoigne de leur qualité. Il s’agit d’une promenade douce et chaleureuse à travers son histoire musicale, pleine de basse qui groove et de guitare qui tord. Des morceaux agréables sur le plan sonore, comme l’instrumental jangly « AB Ripoff » et les méandres de « Swang », abondent. Les mélodies, simples mais mémorables, viennent à Bleeker avec une apparente facilité, comme sur le vintage « Mashed Potatoes » ou le swinguant « La La La La » seule exception en sera le morceau psychédélique sale et groovy « Heavy Tupper ».

Heaven on a Faultline est un album de transitions. Sur le plan lyrique, Bleeker traite des angoisses d’un monde en mutation : « D Plus » a beau contenir des guitares carillonnantes, elle a été écrite le jour de l’investiture de Donald Trump à la présidence ; le jovial « Felty Feel » le voit réfléchir au changement climatique et à son sentiment d’impuissance face à celui-ci, marquant la juxtaposition de mots sombres et de rythmes enjoués d’une certaine passivité : » »N’en parlons pas/ A quoi bon sérieusement/ Je ne veux pas être déprimant/ Mais je ne peux rien faire » (Let’s just not talk about it/ Seriously what’s the use/ Don’t mean to be a downer/ But there’s nothing I can do).

Bleeker utilise également l’album comme un moyen de traiter ses racines géographiques. Le double succès de « Tamalpai » » (lui-même un sommet en Californie) et « Twang » sont ses réflexions sur le fait de quitter la côte Est pour la Californie ; « Je n’arrive pas à trouver le rythme » (I can’t find the rhythm), soupire-t-il sur ce dernier. Il termine l’album avec « Lonesome Call », un cri comme issu du dust bowl, un doux morceau de folk acoustique. Bleeker semble être un homme coincé entre des lieux et des sentiments : »Vous aviez un style du 20ème siècle, mais nous sommes au 21ème siècle maintenant », dit-il à un personnage dans « Mashed Potatoes » (You had a 20th century style but it’s the 21st century now), mais cela pourrait facilement être une remarque lancée à sa propre manière. Pourtant, il ne devrait pas en être autrement : alors que la musique évolue de plus en plus vers un chaos post-générique, un doux rappel des qualités des meilleurs styles musicaux du siècle dernier est le bienvenu. Bleeker ne fera peut-être jamais un disque qui soit accablant, mais ce que cette petite collection d’extraits de guitare fait, c’est vous donner envie de vous retirer dans votre propre chambre et d’enregistrer immédiatement avec cet instrument.

***1/2