Andrew Bird: « Inside Problems »

4 juin 2022

Alors que le titre peut évoquer une paranoïa induite par une pandémie, le dernier album d’Andrew Bird, Inside Problems, offre un sentiment d’ouverture accueillant alors que la pop indé luxuriante et acoustique coule à travers l’offre solide de cet artiste en constante évolution. 

Aux côtés de Bird, Alan Hampton et Mike Viola (basse/guitare/voix), Abe Rounds (batterie) et Madison Cunningham (voix de soutien) s’associent avec brio à Bird sur le morceau d’ouverture et bien d’autres. Viola a également produit l’album, tandis que le violon, les guitares et le chant de Bird se fondent dans un environnement acoustique riche.

Commençant par l’excellent « Underlands », la chanson s’articule autour des talents de siffleur de Bird, de superbes chants de fond et d’une batterie légèrement funky qui s’inscrit dans un schéma soul, courant et constamment engagé. Le groupe est à l’aise depuis la promenade facile « Faithless Ghost », avec l’invité Jimbo Matthus (Squirrel Nut Zippers) pour les méandres, jusqu’à la chanson « Eight », influencée par le rock LA des années 70 et sifflée, qui se prolonge trop longtemps avec une fin superflue.

Une ambiance jazz sulfureuse s’infiltre dans « Lone Didion », dans le style d’un film noir, alors que Bird nous livre un récit cinématographique, tandis que la guitare folk et les sifflements font place à l’Americana sur « Fixed Positions ». Les nappes de cordes de la chanson titre sont exaltantes alors que Bird chante sur le fait d’être nouvellement né, d’évoluer en tant que personnes, parents et société, tandis que « Make a Picture » utilise des chœurs ooh et aah, une caisse claire percutante, un violon léger et dynamique, et une basse bouillonnante pour créer un effort fort sur un album qui en est rempli.  

Il y a un flair gitan dans « Atomized » et des vibrations très perceptibles de l’école d’art du Velvet Underground dans un trio de chansons. « The Night Before Your Birthday », « Stop n’ Shop » et « Never Fall Apart », qui clôt l’album, montrent tous que Bird chante dans un style Lou Reed distinct, jusqu’à ce qu’il atteigne les notes aiguës que Reed n’a jamais pu atteindre.   

Bird ajuste constamment son son et son style, créant un large éventail de chansons sur diverses sorties et bien qu’il soit probablement déjà passé à d’autres pâturages, Inside Problems est une collection chaleureuse de morceaux excentriques et accrocheurs qui capturent un sens de la distance apaisant les auditeurs en ces temps troublés.

***1/2


Horsegirl: « Versions of Modern Performance »

3 juin 2022

Horsegirl, ce sont sont trois amies qui font de la musique dans un sous-sol. C’est vrai, et elles veulent que vous le sachiez, non pas parce qu’elles sont gênées par l’attention qu’elles ont reçue en tant que dernière percée du rock indépendant, mais parce que le trio de Chicago composé de Penelope Lowenstein, Nora Cheng et Gigi Reece veut que vous sachiez qu’elles s’amusent. Elles y parviennent comme seuls des adolescents passionnés peuvent le faire : en professant leur admiration pour Kim Gordon, en peignant des T-shirts au hasard et en lançant des riffs contre le mur jusqu’à ce qu’ils se transforment en chansons. Le produit final de ces séjours en sous-sol, Versions of Modern Performance, combine de manière impressionnante des influences bruyantes et punk qui se fondent dans une merveilleuse concoction de post-punk, no-wave, shoegaze précoce, etc. Bien qu’inspiré par les cadres des années 80 et 90 des acteurs les plus bruyants du rock indé émergent, le son de Horsegirl est singulier, curieux et recouvert d’une bonne dose d’ironie que la génération Z porte comme une paire de bottes de travail fiable.

Avec l’aide de John Agnello (Kurt Vile, Hop Along) à Electrical Audio, Horsegirl profite pleinement de son studio tout en maximisant le son DIY qui a charmé les fans sur les premières sorties. S’ouvrant sur une batterie rebondissante et des guitares bourdonnantes sur « Anti-glory », Horsegirl met en scène le plaisir et la danse avant tout sur une chanson qui a émergé de leurs sessions de répétition comme par enchantement. « Beautiful Song » oppose des voix en coucou à un chœur de guitares en écho, tourbillonnant dans les cieux et empiétant sur le shoegaze. Le morceau « Live and Ski », rythmiquement difficile et acoustiquement abrasif, donne l’occasion à Cheng et Lowenstein de chanter en harmonies feutrées tout au long de l’album, introduisant un mystère passionnant dans leur discours. Le disque se termine par l’une des trois pistes instrumentales, « Bog Bog 1 », une expérience d’improvisation shoegaze lo-fi qui pourrait facilement être confondue avec une démo de My Bloody Valentine. Chaque instrumental de Versions est unique ; « Electrolocation 2 » met l’accent sur des drones qui encapsulent tout, manifestant les perturbations du champ électrique que le titre de la chanson évoque. Le titre ludique « The Guitar Is Dead 3 » est une expérience de piano réverbérant d’une durée de moins d’une minute, avec des touches guidées par l’entropie spirituelle dans un moment de doux répit pour le disque autrement propulsif.

Aussi expérimentale que soit la tonalité de l’album, Horsegirl joue également avec une musique pop plus reconnaissable, en donnant sa propre tournure au son et à la structure de la pop. Des chansons comme « Dirtbag Transformation (Still Dirty) » et « World of Pots and Pans » offrent les structures astucieuses de la pop et inspirent des émotions comme la célébration et la nostalgie. « World of Pots and Pans » s’enfonce dans un espace jangly, twee-adjacent, suggérant ce qui pourrait arriver si quelqu’un faisait exploser sa stéréo en essayant d’écouter The Pains of Being Pure at Heart. Les personnages qu’ils évoquent révèlent la profondeur du paysage imaginatif de Horsegirl : « On ne la verra pas danser ou courir / Il n’y a simplement rien à faire / Quand Emma balaie le sol, il devient plus gris » (Won’t see her dance or see her run / There’s simply nothing to be done / When Emma sweeps the floor it turns more gray). L’esprit punk du groupe est à l’origine du discours désordonné et impassible qui fascine les auditeurs. À l’opposé du spectre, « The Fall of Horsegirl » offre une atmosphère sinistre qui ressemble à une chute libre dans le vide, mais avec un titre aussi ironique, étant donné l’ascension fulgurante du sujet, on peut se demander s’il n’y a pas une couche de BS qui empêche l’humeur de la chanson d’être légère. « The Fall of Horsegirl  » projette de manière créative les angoisses du perfectionnisme qui réapparaissent sur  » Option 8 « , un morceau post-punk plein de crochets, si entraînant qu’on pourrait manquer les ordres : « Tiens-toi droit, ne sois pas en retard ! »

Horsegirl fait monter l’intrigue sur « Homage to Birdnoculars », dont les suppliques répétées, « Fall into my / Wormhole », sont à la fois déconcertantes et charmantes. A un certain niveau, on peut se demander si le morceau n’est pas une tentative d’hypnose avant la conclusion de l’album, « Billy », un morceau pensif et bruyant qui suit une autre invention de l’imagination inspirée du groupe. Horsegirl invite Steve Shelley et Lee Ranaldo à l’aider à clore ce morceau avec un peu plus de volume et de déchiquetage, clôturant ainsi l’album sans réponse (comme c’est postmoderne) mais avec des murs de son. Par coïncidence, « Billy » était également le premier single de l’album, et le premier du groupe pour Matador ; dans son contexte, il est évident que la chanson est une conclusion efficace.

Aussi évocateur et excitant que soit chaque chanson, qui montre le plaisir du groupe et illustre les styles/genres qui les inspirent, l’un des meilleurs aspects de Versions est son enchaînement. Le disque atteint un équilibre entre les divers envois stylistiques du groupe et les transitions instrumentales aident à manifester les changements d’ambiance qui permettent au groupe de faire de la marelle. Ils oscillent entre les styles plutôt que de regrouper des morceaux grandiloquents et de leur permettre d’éclipser le reste du disque, un péché malheureusement courant. Entre les réalisations stylistiques qui semblent rafraîchissantes sans être trop référencées, la livraison vraiment pince-sans-rire sur un lit de bruit enroulé, et (enfin) un séquençage correct, Versions of Modern Performance est un disque intelligent qui prouve que Horsegirl est une vraie affaire. Leur sous-sol sera, selon toute vraisemblance, à l’origine d’enregistrements encore plus excitants à l’avenir.

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Patricia Wolf: « See-Through »

3 juin 2022

Le « debut album » de Patricia Wolf, I‘ll Look For You in Others, était une lourde méditation sur la nature globale et évolutive du deuil, mais See-Through, son deuxième opus, se situe dans des domaines plus éloignés. On y trouve toujours des traces de cet esprit contemplatif, mais il est porté par l’espièglerie et le mystère. Le design sonore impeccable de Wolf chante comme toujours sur ces 12 morceaux, mais ils sont interconnectés par une série d’explorations lucides et remplis des restes de la mémoire du néon.

Des rêveries ombragées se faufilent dans une immobilité visqueuse sur « The Flâneur », gravées à jamais dans des mosaïques sonores vibrantes. Des séquences concurrentes se croisent, se fondent comme deux rivières convergeant à l’horizon. Les synapses s’enflamment à l’apex de chaque passage ascendant, ouvrant de nouvelles voies vers le contentement et la connexion. « Le Flâneur » se fond dans des tons bleus cristallins et doux, éparpillés sur la toile pointilliste de « Upward Swimming Fish », où la nostalgie s’installe et reste apaisée dans l’air frais. Dans cet espace, on ne peut s’empêcher de rêver.

La voix désincarnée de Wolf plane avec un voile d’impermanence sur l’envoûtant « A Conversation With My Innocence ». Les silhouettes se dissipent et se reconfigurent en vagues tactiles, montant et descendant avec les respirations lentes de la consolation de minuit.

L’ouverture « Woodland Encounter » prend ces mêmes ombres et les recouvre d’une collection de feuilles. Des enregistrements sur le terrain ajoutent une jolie touche de fantaisie aux explorations synthétiques. Ce même air imprègne les impulsions rythmiques qui propulsent « Pacific Coast Highway » sur la terre ferme, se déplaçant en zigzag vers un point fixe au loin. Des nuages dérivent dans les pads ambiants et les arrangements brumeux, vacillant au-dessus de nos têtes en des motifs expressifs. 

Tout au long de See-Through, Wolf surprend avec d’innombrables nouveaux outils, procédés et sortilèges auditifs. Le court mais puissant « Psychic Sweeping » fait appel à une guitare acoustique. Wolf fait tourner des motifs oniriques et enchanteurs, transformant un simple instrument en quelque chose d’autre que le monde. Faire de chaque brin de musique un monde autonome et vibrant est un thème récurrent dans See-Through. Wolf a une voix si spéciale et unique que chaque détail granuleux est porteur de sens et que chaque expression nous attire.

***1/2


Beauty In Chaos: « Behind The veil »

2 juin 2022

Les années 80 ont été la décennie où la tendance à créer autant de catégories de genre que possible, tant pour les critiques que pour les fans, était en vogue, mais c’était aussi la décennie où tous ces genres nouvellement créés, disons gothique et éthéré, se chevauchaient plus qu’on ne pouvait les discerner.

Il semble que ce soit exactement la décennie, la méthode et le mélange de genres que le collectif de L.A. Beauty In Chaos emploie sur son dernier album Behind The Veil. Ici, le son d’innovateurs et de piliers des années 80 tels que The Cure, Cocteau Twins, This Mortal Coil et Echo & The Bunnymen, pour n’en citer que quelques-uns, sert de source et de tremplin au noyau de Tish Ciravolo, Michael Rozon et Michael Ciravolo de jeter les bases d’une distribution vocale entièrement féminine (six en tout – Tish Ciravolo, Cinthya Hussey, Betsy Martin, Whitney Tai, Elena Alice Fossi et Pinky Turzo) pour créer leur vision de ce son multigenre, tant sur le plan musical que lyrique.

D’une certaine manière, ils suivent ici les traces de This Mortal Coil, à la fois dans la diversité du son et des interprètes vocaux, mais en conservant cette ambiance sombre dominante, en donnant également une version et une vision alternatives grâce à un ensemble de remixes réalisés par un autre groupe d’invités, donnant à Behind The Veil une autre dimension et un autre ensemble de possibilités pour les auditeurs d’entendre ce qui se trouve réellement, après tout, derrière cedit voile.

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Sweeney: « Stay for the Sorrow »

1 juin 2022

Il y a quelque chose à propos de Sweeney qu’on attend avec impatience et que’on redoute à chaque fois que jl’on reçoit une de ses nouvelles parutions de SIS. D’un côté,on sait que la musique sera intéressante. De l’autre, on est conscient que ce sera vraiment triste. Le dernier album de Sweeney, Misery Peaks (2021), était assez sombre, mais le titre nous enavait prévenu. Avec le quatrième album de Sweeney, Stay for the Sorrow, je pensais être assez bien préparé à ce qu’on allait écouter. Vraisemblablement, on avait tort.

Non, il ne s’agit pas, en effet, d’une joyeuse parade au titre trompeur, mais plutôt d’une plongée plus profonde dans Sweeney que ce à quoi on s‘attendait. L’amour, la perte, le chagrin et la rédemption occupent une place prépondérante dans cet album de 38 minutes composé de 10 titres, dont aucun ne dépasse 4 minutes et demie. IL est vrai que l’on avait déjà fait des commentaires à ce sujet, mais la voix de Jason Sweeney est remarquablement similaire à celle de David Sylvian par moments, mais, maintenant, on entend un aspect différent dans la voix de Sweeney, une fragilité qui avait peut-être négligée auparavant. C’est cet aspect vulnérable qui rend les chansons de Sweeney si personnelles et émouvantes.

Parfois, Sweeney est en mode chanson directe, comme dans le morceau d’ouverture, « Lonely Faces », qui est principalement composé de Sweeney et de son piano. La suite, « The Break Up », a un fond électronique plus abstrait mais reste riche en mélodies, et l’orchestration qui prend éventuellement le relais fait des merveilles. En fait, cet album semble plus orchestré que le précédent. Par exemple, le saxophone de Melinda Pianoroom donne beaucoup d’atmosphère à « Home Song ». Des chansons délicates et semi-abstraites comme « Fallen Trees Where Houses Meet » et « You Will Move On » sont difficiles à décrire, mais si vous imaginiez une collaboration Eno/Sylvian, ce serait plus proche de la vérité.

Au milieu de l’album (« Years »), vous vous trouverez peut-être dans une humeur très introspective, vous interrogeant sur vos propres relations, passées, présentes et futures. Il est facile de se laisser aller à écouter Sweeney, surtout si l’on se sent un peu brisé. Le fait est qu’il ne va pas vous aider à vous débarrasser de votre blues avec des chansons pop entraînantes. Il va cependant vous donner une très, très bonne chanson avec « Anxiety », peut-être la meilleure de l’album. On n’a pas été aussi convaincu par la chanson titre, qui a semblé un peu exagérée. Le très abstrait « To Be Done » est bref mais lui ressemble terriblement, et le dernier morceau « I Will Be Replaced » pourrait être le thème non planifié du travailleur du spectacle, mais a un attrait universel pour ceux qui se sentent un peu inutiles, et le saxophone de Melinda à la fin perpétue le chagrin. Oui, Sweeney a livré un autre album plein de mélancolie, mais il s’en faut de peu que ce soit un chef-d’œuvre.

***1/2


Slang: « Cockroach In A Ghost Town »

31 mai 2022

Le premier album de Slang, combo basé à Portland, OR, a mis du temps à sortir. Drew Grow et Janet Weiss ont formé le groupe il y a plus de dix ans et nous livrent enfin aujourd’hui leur premier opus studio, Cockroach In A Ghost Town

Grow (guitare, chant) et Weiss (batterie, claviers, chant) forment la base de cet album de neuf chansons qui ne s’arrête jamais, changeant de style et de substance tout au long de l’album, avec le soutien de Sam Coomes et Kathy Foster à la basse, Anita Lee Elliot à la guitare et au chant, et d’autres amis.  Le morceau d’ouverture « Wilder » donne un ton inquiétant, avec des battements de tambours caverneux, des voix envolées et une touche de gothique grandiose, tandis que les percussions et les claviers flottent partout. 

La pop bourdonnante et décalée de « King Gunn » apporte une touche de Breeders alors que le groupe étend ou resserre les sons autour de la voix désespérée de Grow et de la guitare de l’invitée Mary Timony (Ex Hex, Wild Flag). Hit The City » et « In Hot Water » amplifient les sons tourbillonnants et les synthétiseurs autour de la grosse batterie avec Weiss qui rocke lourdement, tandis que les « ooh and ahh » spatiaux cascadent autour d’un rythme de batterie boom-bap dans « Time Bomb » qui brille dans un style rétro-glam à la David Bowie.

Slang va ainsi déployer une énergie nerveuse et frénétique tout au long de Cockroach In A Ghost Town, notamment dans le crépitement acoustique/électrique de la schizophrénique « Wrong Wrong Wrong » et le bourdonnement pulsé et serré de « Chipped Tooth ». Ce type de convulsions mentales caféinées (ou pire) est à la fois séduisant et rebutant, exactement comme le groupe l’a prévu, jouant avec les émotions et ne laissant jamais l’auditeur à l’aise dans sa propre peau.    

Le groupe apporte des touches électro bizarres, de gros grooves et un flair théâtral, alors que le disque solide se termine par deux morceaux qui rappellent le son de Flaming Lips. L’effort titre s’envole autour du refrain de Grows « I Have Dreams About The Ending/But I Don’t Dream About The End » tandis que l’album se termine avec son titre le plus accrocheur, « My #1 », qui frémit et prend le large avec une mélodie béate grâce au chant de Weiss et aux riffs de guitare flous de Stephen Malkmus (Pavement). 

Il y a une génération, on aurait qualifié cette musique d’alternative, mais aujourd’hui, une alternative à quoi ? Cockroach In A Ghost Town, le « debut album » du groupe, est une tranche de rock étrange qui se tortille avec les questions frénétiques d’un monde hors de contrôle, tout en se frayant un chemin dans vos oreilles. 

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Shrine: « Nausicaä »

30 mai 2022

Shrine est le patronyme de Hristo Gospodinov, dont les œuvres sont souvent classées dans la catégorie grossière de la dark ambient. Mais les paysages sonores futuristes de Gospodinov sont très variés, bien que souvent influencés par la science-fiction dystopique.

Explorant une Terre future recouverte d’une flore mortelle, il utilise des textures granuleuses, des drones brumeux et haletants, ainsi qu’une quantité surprenante de percussions régulières. Ces dernières, lorsqu’elles sont présentes, font avancer ces pièces à un rythme rapide. En effet, il y a une bonne dose de répétition en général, avec des thèmes qui se développent lentement au cours de plusieurs minutes, allant crescendo. Ces fragments vont et viennent à la fois au premier et au second plan.

Premier album de Shrine depuis près de trois ans, Nausicaä est une déclaration suffocante sur la relation fragile de l’humanité avec la nature. Bien que synthétisés, les sons sont organiques, leur aspect brumeux ajoutant peut-être un degré d’imperfection attrayant aux tonalités. La production est dense et claustrophobe, mais aussi balayée par le vent et étrangère. On ne peut pas faire beaucoup mieux comme exemple de musique de synthèse aux atmosphères obsédantes de dark ambient combinée à des éléments d’electronica et de post-industrialisme.

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Pup: « The Unraveling of PupTheBand »

30 mai 2022

Stefan Babcock, le leader du groupe pop-punk torontois Pup, est une sorte de type incolore. Mais ce qui fait de Pup un groupe si intriguant, c’est la conscience qu’il a de lui-même. Il est sarcastique, un peu grossier, mais il est aussi implacable dans son autodérision, avec une écriture colorée et juste pour l’étirer sur un album entier. Sur leur dernier album, The Unraveling of PupTheBand, les Pup élargissent leur son avec le producteur Peter Katis, connu pour son travail avec The National et Gang of Youths. Il est clair que le groupe expérimente cette fois-ci, essayant même de construire une quasi-narration présentant Pup comme un produit à vendre, mais le meilleur de The Unraveling se reflète dans leur formule éprouvée.

Le chant collectif, l’écriture, tout cela fait toujours partie de l’ADN du groupe, et bon sang, Pup déchire toujours autant. Avec l’album Brave Faces Everyone de Spanish Love Songs, sorti en 2020, comme point de référence, il est facile de voir Pup exprimer un sentiment similaire de malheur imminent parmi les mondanités quotidiennes, la différence essentielle étant le sens de l’humour de Pup comme mécanisme d’adaptation.

Sur « PupTheBand Inc. is Filing for Bankruptcy », Babcock se lamente sur leur destin de purgatoire industriel, en chantant « Je vais être honnête, c’était plutôt génial/ Les chaussures gratuites et les critiques élogieuses/ J’ai vendu ces Nikes, j’ai acheté un nouvel étui à guitare/ Ça s’appelle protéger ses investissements » (I’ll be honest, it felt pretty great/ The free shoes and the critical acclaim/ I sold those Nikes, I bought a new guitar case/ It’s called protecting your investments). L’anxiété de Pup quant à la mise en place de produits vendables s’exprime à travers trois morceaux au piano, tous intitulés « Four Chords », qui sont disséminés dans la liste des titres, mais qui ne sont jamais liés à une déclaration plus importante. Leur message est clair : Babcock ne peut pas exprimer ses frustrations plus clairement. Mais entre ces segments, les sujets des chansons varient énormément, allant de la chanson d’amour à la crise existentielle standard du chiot. Avec le titre de l’album, il serait facile de le faire passer pour intentionnellement désordonné, mais leur inclusion ne fait que brouiller inutilement les pistes en impliquant un but plus grand que tout autre album de Pup.

Pourtant, ce changement de direction artistique s’accompagne d’une bonne dose de Pup classique, et même lorsqu’un titre comme « Robot Writes a Love Song » est d’une douceur à donner la nausée, avec une mélodie de guitare jangly et des paroles comme « Please tell me, is there any room in your aorta/ For a beta test ? », c’est trop cucul pour être détesté, et le groupe est assez charmant pour le faire (même si le gimmick s’estompe après la première écoute).

En plus de la rare chanson d’amour, le pain et le beurre de Pup servent de base à The Unraveling. « Totally Fine » et « Waiting » semblent avoir été conçues pendant l’enregistrement de Morbid Stuff, ce qui en fait la partie la moins intrigante de ce nouvel album, mais aussi l’un des meilleurs titres de Pup à ce jour. L’avantage supplémentaire d’exister au sein de The Unraveling est que le récit de la marque recontextualise l’attitude délavée de Babcock mentionnée plus haut. Même s’il est acclamé, il arrive à peine à garder la tête hors de l’eau. « Habits » les montre en train d’exercer leurs muscles créatifs avec un instrumental qui semble avoir été arraché à une chanson d’AJR avec quelques synthés et hi hats. L’instrumental s’adoucit et finit par se dissoudre dans une palette complètement distincte, mais il laisse tout de même un goût amer dans la bouche, et on se demande ce qui a bien pu inspirer un tel choix hors marque.

Comparé à Morbid Stuff, il devient évident que cet album est une œuvre cohérente sans effort. Même s’il s’agit de l’album le plus luxueux de Pup à ce jour, The Unraveling est aussi le plus hâtif. Pas en termes de performances ; leurs premiers travaux les battent. Mais en termes de décisions et de justifications de ce qu’ils voulaient accomplir, il y a tellement d’angles morts logiques qu’il vaut mieux apprécier tout en ignorant carrément tout ce qu’ils pourraient vouloir dire. Heureusement, dans les chansons individuelles, Pup n’a pas perdu une once de son avance et avantage.

***1/2


Young Guv: « Guv III »

30 mai 2022

L’histoire d’origine du troisième album de Young Guv, Guv III, suggère l’étoffe d’une saga épique et psychédélique. En 2020, alors que le monde entier était contraint de s’ancrer sur place, Ben Cook et ses compagnons se sont réfugiés dans le désert du Nouveau-Mexique, dans une maison surnommée « The Earthship ». Ils ont partagé une existence communautaire, cuisinant tous les jours, se baignant dans le Rio Grande et admirant la majesté des montagnes qui les entouraient. Leur histoire évoque des visions de hippies cherchant l’illumination dans la vaste inspiration de la générosité de la nature, ou peut-être juste une toile de fond idéale pour prendre beaucoup de champignons, mais probablement pas pour écrire les chansons qui deviendraient un ensemble infectieux et chatoyant de power pop jangly.

Avec Guv III, le groupe ne se plonge pas dans des passages prolongés de claviers new age doux comme la plume ou dans des jams de stoner rock noueux, mais plutôt dans le polissage et le perfectionnement de ses hymnes pop immaculés à trois et quatre accords. En tant qu’ancien membre de Fucked Up, Cook a prouvé sa polyvalence, mais avec le temps, il devient de plus en plus évident qu’il est capable de créer des accroches pop qui peuvent rivaliser avec les meilleurs de Teenage Fanclub, Big Star ou même Tom Petty. Sur un morceau comme « Lo Lo Lonely », par exemple, il y a beaucoup de bombardements de guitare, mais c’est dans les couches sonores subtiles et les harmonies vocales hypnotiques qu’il se transforme d’une chanson rock parfaitement agréable en une chanson qui vous fait réaliser à quel point la musique rock peut encore être amusante.

Premier d’un double album prévu (mais sorti en plusieurs parties), Guv III ne donne pas l’impression qu’il lui manque un deuxième élément et ne s’embourbe pas dans un concept – si tant est qu’il y en ait un, si ce n’est l’idée de deux albums écrits dans le même laps de temps. En fin de compte, le concept se résume à faire sonner les guitares de façon formidable, Cook et compagnie créant quelques-unes des meilleures pop à la guitare contemporaines grâce à une approche faussement simple. Le refrain de « Only Wanna See You Tonight » offre une application transcendante et innocemment romantique de l’accroche de type samedi soir dans les seventies qu’est « Good Time » trouve un terrain de prédilection dans la juxtaposition éprouvée de guitares électriques et acoustiques, et « She Don’t Cry For Anyone » porte plus qu’un petit air badass dans son tourbillon de riffs de 12 cordes Rickenbacker.

Bien qu’il y ait peu de visions psychédéliques sur Guv III, il y a une harmonie indéniable dans ces 11 chansons, au sens propre comme au sens figuré. Ce sont toutes des chansons impeccablement écrites et arrangées, aucune d’entre elles ne franchit la limite des quatre minutes et aucune n’est capable de s’épuiser. Young Guv ne repense pas radicalement le rock, mais prouve simplement que, lorsqu’il est aussi bien fait, il ne perd jamais vraiment son attrait.

***1/2


Crystal Eyes: »The Sweetness Restorad »

30 mai 2022

La vie a été dure pour ceux d’entre nous qui vivent sur la planète Terre, en proie à une peur existentielle persistante qui bouillonne au plus profond de nos cœurs – aggravée par une pandémie qui ne veut pas lâcher son étouffoir – il est donc important de se délecter des petits moments, l’un d’entre eux étant toutes les nouvelles musiques formidables que nous pouvons découvrir.

L’une d’entre elles nous vient de Crystal Eyes, un projet de dream pop et de shoegaze basé à Calgary, et de son deuxième album The Sweetness Restored. Pour tous les fans de Leonard Cohen (et qui ne l’est pas ?), le titre est tiré d’une de ses dernières chansons « Leaving The Table ».

Bien que Crystal Eyes ne ressemble en rien à la crème de la crème des auteurs-compositeurs canadiens, leur musique a le même esprit ludique, bien qu’au lieu de ballades folk sombres, ils optent pour un psycho-rock lumineux et halcyon à la Alvvays ou Beach House.

L’album compte également quelques talents notables avec Scotty « Monty » Munroe de Preoccupations/Chad Van Gaalen, la puissante chanteuse Basia Bulat aux chœurs, et Eve Parker Finley aux cordes.

« Wishes », le morceau d’ouverture, ressemble à l’intro d’un film de John Hughes sur le passage à l’âge adulte, et ce petit crochet de guitare a une grande force d’attraction. « Like a Movie » a également une qualité cinématographique avec ses paysages sonores luxuriants d’orgue Hammond et de guitare imprégnée de réverbération.

La voix brumeuse de la chanteuse Erin Jenkins est également très séduisante sur The Sweetness Restored, vous entraînant dans une transe de danse et de rêverie étoilée. « A Dream I Had » est un autre morceau remarquable avec son utilisation de thérémine de l’ère spatiale et ses lignes de basse succulentes. Il ressemble à The Cure dans tous les bons sens du terme.Crystal Eyes est un groupe qui sait créer une atmosphère, et The Sweetness Restored vous laissera avec un sourire béat et bienheureux sur le visage.

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