Koki Nakano: « Pre-Choreographed »

Lorsque le pianiste Koki Nakano était en formation à l’Université des Arts de Tokyo, il n’a probablement pas vu sa carrière l’emmener en France, et signer pour le label de pointe No Format ! fondé par Laurent Bizot.

Nakano affirme que son deuxième album est la continuation de son désir d’explorer les relations binaires entre la musique et la danse. Comme il le note : « Quand je compose, je garde toujours une image des corps en mouvement dans ma tête. »

Ses compositions ont été en partie inspirées par le spectacle de la compagnie de danse L-E-V devant les Nymphéas de Monet au Musée de l’Orangerie à Paris. Le ton et les textures de ses compositions souvent délicates conviennent beaucoup mieux aux spectacles de danse moderne que les partitions orchestrales plus grandioses qui accompagnent habituellement le ballet classique.

Son style de jeu épuré, mais d’une grande dextérité, se prête aux espaces ouverts qu’il crée pour le travail de ses danseurs imaginaires, et est caractérisé par « Overlay » comme son jeu hypnotique et répétitif s’appuyant sur des effets électroniques de drone.

« Bloomer », plus réfléchissant, est imprégné d’égratignures et de rayures, comme si Nakano encourageait les danseurs à s’épanouir comme des fleurs au fur et à mesure du développement de la pièce. Les effets électroniques de Choreographed Mollusk sont éthérés et dérangeants, tandis que le jeu texturé de Nakano les contourne.

Les notes piquées de Minim sont un moment rare de quasi-flagellation qui conviendrait bien à un ensemble qui danse sur des riffs et des courses. Les cordes pincées et les percussions légèrement chaotiques de « Palinopsia » donnent au jeu de Nakano une sensation de colère et de désorientation. « Genou Respirant », qui se termine en tonnerre mécanique, est également une écoute sinistre, avant que les accords relativement gros pour lui sur Faire le Poirier ne rassemblent plusieurs des thèmes que Nakano explore.

Toutes ces compositions fonctionnent selon leurs propres mérites, car Nakano est un compositeur intelligent et un pianiste doué, qui n’abuse jamais de sa technique, mais elles prennent vraiment vie dans une série de vidéos qui sont chorégraphiées par des danseurs de premier plan du monde entier. La vision d’Amala Dianor sur la synchronisation quasi parfaite donne un sens physique à la pensée de Nakano alors qu’il danse autour d’un site de vente aux enchères de machines d’usines lourdes

Comme beaucoup de compositeurs contemporains, Koki Nakano cherche à relier son travail au monde chaotique qui l’entoure, et même si vous ne regardez pas les interprétations vidéo, vous ne pouvez pas vous empêcher d’admirer les œuvres de Koki Nakano.

***1/2

Joe Chester: « Jupiter’s Wife »

Joe Chester est dans le tristes remous. Pris dans le naufrage d’un mariage raté, son sixième album capture les impasses, les regards vides et les lourds silences qui traînent les jours et bloquent toute lueur d’espoir. Dans des chansons écrites à une époque où le divorce n’était pas une option viable, l’auteur-compositeur-interprète et producteur irlandais – et ancien guitariste des Waterboys, de Sinéad O’Connor et de Gemma Hayes – apaise la tension entre deux personnes autrefois follement amoureuses et, dans cet espace émotionnellement confiné, il brosse un tableau plus vaste du besoin par rapport au désir.

Cette poussée et cette attraction sont immédiatement évidentes dans le livre qui s’explique d’elle-même, « Stay Together for the Children », où Chester se compare à un évangéliste dans le colisée qui doit choisir entre l’amour et la liberté (« n evangelist in the colosseum who has to choose between love and freedom »). Alors qu’il perd pied dans ce mariage, il constate que sa propre spiritualité s’amenuise. Il perd tout sens de lui-même et, sur le plan plutôt larmoyant de « My Shipwrecked Mind », se demande s’il peut encore faire confiance à ses sentiments. Alors que l’amour s’estompe, sa foi dans le monde s’estompe également, ce qui rend l’écoute plutôt sinistre.

Des morceaux instrumentaux tels que « Is Cuimhin Liom » (« I remember ») et le triste « Synge’s Chair », aux violons, donnent beaucoup d’importance au désespoir de cette période sinueuse. Combinant des cordes traditionnelles avec des guitares contemporaines, ces arrangements remplissent l’air quand il n’y a plus rien à dire, et ajoutent à l’exaspération de cette période tortueuse. Si cet album était une feuille de couleur, ce serait un blues dévastateur, des blancs écrasants et des gris étouffants.

Enregistré entre le Sun Studio de Memphis et le home studio de Chester dans le sud de la France, Jupiter’s Wife comporte des contributions de Julie Bienvenu de A Lazarus Soul et des membres des Waterboys. Projet collaboratif mais profondément personnel, ce disque est chargé d’émotion, mais les moments les plus marquants – à savoir le Coeur de Saint Laurence O’Toole – arrivent lorsque les musiciens se perdent dans leur environnement.

Bien qu’il remarque qu’il voit encore le bonheur dans les yeux de son amant à la neuvaine, il raye tout rallumage d’amour avec des paroles évocatrices comme « Je suis la canicule qui brûle le bouquet, je suis le sang du défilé » (I am the heatwave burning the bouquet, I am the blood on the parade ). Cette union n’est pas seulement terminée, elle est anéantie. 

La femme de Jupiter était Junon, la déesse romaine du mariage et de l’accouchement – et, comme Chester chante « l’amour pardonne tout au début et ne pardonne rien à la fin » ( love forgives everything at the beginning and forgives nothing at the end) sur le long « Nothing at the End », il montre clairement sur cet album douloureux que même les dieux ne peuvent pas sauver ce qui est irrémédiablement perdu.

***1/2

Ai Aso : « The Faintest Hint »

La voix d’Ai Aso est accrochée à une seule voyelle, frémissant comme des ailes d’oiseau qui s’ajustent au vent. Chaque pincement de sa guitare acoustique est encadré par le bout des doigts qui arrêtent prématurément les notes ou grincent la touche pour préparer l’accord suivant. Chaque geste sur The Faintest Hint (l’allusion la plus légère) se voit accorder l’espace nécessaire à l’existence. Chaque syllabe lyrique, chaque résonance de corde. Ils émergent dans l’air, accrochés au silence comme des mobiles en porcelaine, partageant un moment d’intimité avec leur entourage avant de disparaître, offrant l’espace entier à la prochaine proclamation d’Aso. Ce sont des chansons pop lorsqu’elles sont considérées dans leur intégralité. Il y a des couplets et des refrains. Il y a des sentiments manifestes de solennité, de doux espoir, des inclinaisons de nostalgie ensoleillée. Pourtant, là où tant de pop s’effondre dans une explosion de présent, cet album montre clairement l’enchaînement des actions individuelles qui culminent d’une manière ou d’une autre dans le temps qui passe. Chaque morceau est un paradoxe de Zeno ; Aso est tellement envoûté à chaque instant que l’écoulement d’un morceau entier semble être une erreur logique.

L’album aurait facilement pu être réduit à une seule guitare et une seule voix. Lorsque Aso s’étire pour les notes aiguës chuchotées sur « Floating Rhythms », vacillant de la manière la plus exquise, la présence d’instruments supplémentaires aurait été ressentie comme une distraction. La décision d’orner occasionnellement ces chansons de synthétiseurs, d’harmonies ou de boîtes à rythmes n’est jamais prise à la légère, chacun révérant la quiétude exigée par la configuration de base. Les carillons s’égouttent sur les bords de « Move », disparaissant aussi vite qu’ils viennent. La guitare de Stephen O’Malley trace un berceau fantomatique autour du refrain mélancolique de « Gone », qui, de même, refuse de résider plus longtemps que nécessaire. La principale aberration est « Scene » : une ballade dans laquelle Aso est soutenu par les membres de Boris, avec des motifs de brosses comme une pluie légère et des guitares qui se déploient comme des fleurs à l’horizontale. Elle illumine brièvement le terrain qui, autrement, se résigne à l’ombre, agissant comme un dépôt pour l’inclinaison vers l’excès afin que le reste de The Faintest Hint puisse se libérer, sans être gêné par des tentations divergentes, dans le calme.

***1/2

The Coronas: « True Love Waits »

Vers la fin de l’année 2019, le guitariste Dave McPhillips a décidé de quitter le groupe après avoir été avec les Coronas pendant plus de dix ans. Malgré la réaction mélancolique, cette nouvelle reçue des membres restants du groupe et des fans n’a pas empêché la productivité musicale ni les tournées prévues en 2020 au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Malheureusement pour ce trio désormais irlandais, la majorité de ces dates de tournée ont été annulées en raison du virus mondial dont ils partagent le même nom, auquel le frontman Danny O’Reilly a réfléchi.

The Coronas sont un groupe qui cherche toujours à se remettre en question et à rester sur sa faim alors que O’Reilly réfléchit à « l’incroyable montée d’adrénaline » et à « la connexion que vous ne pouvez pas obtenir… dans une arène ». Tout en admettant qu’ils changeraient de nom s’ils étaient plus récents et s’ils n’étaient pas déjà connus, les choses auraient pu être pires s’ils avaient conservé leur nom initial de groupe Corona, que The Coronas’ a changé pour éviter toute confusion avec le groupe de danse des années 90 qui a connu un succès retentissant avec « Rhythm of the Night ».

Néanmoins, l’engouement pour le sixième album s’est exacerbé avec l’augmentation du nombre de titres sur Spotify. Le groupe s’est vanté d’avoir utilisé de vrais cuivres pour la première fois et d’avoir recruté le « jeune » producteur George Murphy pour injecter des idées nouvelles et fraîches afin de refléter « un groupe qui mûrit, qui arrive à l’âge adulte tout en ne jouant pas trop prudemment ». À en juger par la pochette de l’album (qui présente une figure du style Matisse sur une toile de fond minimaliste des débuts de l’ère moderne) et le « single » « Find the Water » enregistré au parc national de Joshua Tree en Californie, on peut s’attendre à un développement et une maturité musicale.

En ouvrant avec une chanson qui partage le même titre que ce LP, on n’est pas séduit par les guitares diluées, et on est sans émotion et sans passion, ce qui donne un son terne et sans mordant. Malheureusement, la majorité des morceaux suivants ne parviennent pas à donner un élan à ce faux départ. L’intro fade et mécanisée au piano sur le fait d’être « Cold » avec des percussions distinguées mais étouffées sur le fait d’être seul sans partenaire ne parvient pas à susciter des émotions humaines. Malheureusement, ces défis font que l’auditeur n’est pas touché par cette expérience probablement douloureuse et personnelle. De même, « Heat of the Moment » manque d’intensité et les touches de synthétiseur, la batterie diluée et les guitares acoustiques sont toutes imbriquées les unes dans les autres, à tel point qu’il est difficile de retracer les différents éléments individuels qui composent cette chanson. Le principal problème est que la chanson incite rarement à s’y intéresser.

Il y a des poches d’espoir où l’on voit une réanimation réussie. Le deuxième morceau, « Never Ending (On Your Side) », comporte des riffs de piano impressionnants qui complètent ceux de « Smokers Outside the Hospital Doors » et de Death Cab pour « I Will Possess Your Heart » de Cutie. Le feu et la passion qui manquent au premier morceau sont libérés et renforcés par une injection de vrais cuivres (comme promis par le groupe) sans pour autant atteindre un crescendo et monopoliser ce morceau aux couches élégantes. « Brave » impressionne également en sonnant comme une version teintée d’irlandais et plus mainstream d’une ballade au piano de Bright Eyes. La force réside dans la détection d’un sentiment et d’une inquiétude véritables dans le fait de vouloir « vous entendre crier ». L’avant-dernier titre, « Light Me Up » dispose d’un rebondissement accrocheur servi par le rythme de la batterie et de la guitare comme « Crash and Burn » de Savage Garden.

Malheureusement, la majorité des sons vous rappellent d’autres chansons sans créer d’exaltation, comme « Haunted » qui ressemble à « Jealous » de Nick Jonas et « Need Your Presence » qui résonne comme « Halo » de Beyoncé. Si « Light Me Up » est un bon titre autonome, le voyage d’écoute décevant pour atteindre cette destination ne semble pas justifié, d’autant plus que le titre de playout « LA at Night » revient à la typographie initiale.

En conclusion, alors que la présence des guitares a toujours été destinée à être minimisée, le piano compense trop souvent sans imagination. Les cuivres ne sont pas pleinement accueillis et utilisés comme un nouvel ami de confiance. Alors que True love Waits ne déçoit pas au niveau des paroles, l’absence d’essence musicale dans les chansons, y compris « Find the Water », fait que l’on ne veut pas faire d’effort pour essayer de déchiffrer la métaphore que représente l’eau.

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bdrmm: « Bedroom »

bdrmm est un quintette de Hull, en Angleterre, et il est peut-être l’ensemble musical le plus chargé en consonnes de la planète en ce moment. Mais ce qui leur manque peut-être dans l’utilisation des voyelles, ils le compensent largement dans le domaine de la musique.

C’est une introduction captivante pour le groupe, qui est sorti de ses humbles débuts dans l’East Yorkshire en 2016 pour sortir le « single » « Kare » deux ans plus tard. Il n’est pas étonnant qu’ils aient été signés sur un label bien établi très tôt après avoir reçu de nombreuses critiques élogieuses. Ainsi, lorsque l’estimé label indépendant Sonic Cathedral Recordings a fait appel à nous, l’alliance entre bdrmm et le label est née.

L’année dernière un EP a fait du combo l’un des nouveaux groupe à guitares les plus excitants et prmetteur du Royaune-Uni et Bedroom, leur premier LP, rconfirme pleinement sa promesse tout en laissant entrevoir des choses encore plus grandes à venir. Le titre, qui explique le nom du groupe en anglais plutôt qu’en langage textuel, démontre une maturité qui va bien au-delà de ce que leur surnom suggère.

Composé de 10 titres, Bedroom donne l’impression d’être transporté dans un drame de cuisine où se mêlent des histoires de grossesse non planifiée, d’abus d’alcool, de santé mentale et les montagnes russes générales de la vingtaine dans l’Angleterre post-Brexit qui se retrouvent noyées dans un paysage sonore chatoyant qui rappelle l’époque d’Oshin DIIV, de Deerhunter ou même The Cure dans leur version la plus grandiose et la plus ambiante.

Bedroom est une sorte d’album concept qui change d’ambiance à chaque tonalité, qu’il s’agisse de l’ouverture instrumentale subtile « Momo » ou de sa transition vers les hauteurs vertigineuses de « Push/Pull ». Le couple délirant de « Gush » et « Happy » est pris en sandwich au milieu, et se retrouve écrasé dans « (The Silence) », un autre instrument sombre (cette fois-ci) qui sert de tampon pour la suite.

« If…. » »reprend le rythme avant que l’avant-dernier moment épique de Bedroom, « Is That What You Wanted To Hear ? », ne conduise à un dernier crash où l’album s’arrêtera. Le prochain chapitre de ses créateurs semble être sur le fil du rasoir, laissant tout le monde en suspens après ce « debut » album confiant et assuré qui exige une suite.

***1/2

NOFX & Frank Turner: « West Coast VS Wessex »

Les split EPs (EPs partagés) sont malins à bien des égards, ils nécessitent moins de production musicale de la part de chaque groupe/artiste, permettent éventuellement de faire des économies, vous permettent de travailler avec et d’être associé à des personnes que vous admirez, et vous permettent d’accéder à un public plus large. C’est notamment le cas de West Coast vs Wessex, un split dans lequel les punk rockers américains NOFX reprennent les chansons du chanteur folk-punk anglais Frank Turner et vice versa. C’est un exercice qui permet de faire connaître les paroles introspectives de Frank Turner à la masse des fans de NOFX, et la bravoure de NOFX aux fans de Turner.

West Coast Vs Wessex commence avec NOFX qui reprend cinq des chansons de Frank Turner. « Substitute » cdébute lentement, avec un morceau de guitare ska avant de passer à la NOFX dans un style punk rock. Un traitement similaire est donné à « Worse Things Happen at Sea », avec une bonne dose de mélancolie. « Thatcher Fucked The Kids » est relooké en ska et « Ballad of Me and My Friends » est transformée en une chanson punk rock frénétique et au rythme rapide. Alors que « Glory Hallelujah » affiche un chant enjoué, qui inclut les voix de nombreux invités, avant que les 30 dernières secondes ne se transforment en un mur de punk rock.

Les chansons sont très éloignées de votre tarif habituel, les paroles de Turner permettant à NOFX de superposer sa musique avec des chœurs de qualité et de superbes riffs de guitare. Prendre les chansons de quelqu’un d’autre et les faire vôtres semble permettre à NOFX de faire ce qu’ils font le mieux : créer du punk mémorable.

La dernière partie de l’EP commence avec Frank Turner et son groupe, The Sleeping Souls, qui s’attaque à « Scavenger Type », en lui donnant une touche de folk punk britannique. Alors que « Bob » est dépouillé, il devient ce que l’on attend d’une chanson de Frank Turner. « Eat The Meek » a une ambiance gothique des années 80, new wave. La juxtaposition de la musique joyeuse avec les paroles sombres de « Perfect Government » donnera au titre une nouvelle profondeur. L’EP se termine par « Falling In Love », avec son ambiance et ses échos obsédants.

La capacité de Frank Turner à transformer chacune des chansons de NOFX en quelque chose de différent et de varié est un exploit en soi et reflète son talent de musicien. Il a pris des chansons très connues et très appréciées et les a fait siennes.

Le plaisir que vous éprouverez en écoutant cet EP sera directement lié à votre allégeance. Préférez-vous NOFX ou Frank Turner ? C’est ce qui déterminera la partie du split que vous martelerez. Dans l’ensemble, c’est un exercice intéressant, surtout si vous connaissez un ou deux artistes originaux. Si vous êtes un fan, n’oubliez pas d’y préter l’oreille.

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Taylor Swift: « Folklore »

Tout au long de sa carrière, Taylor Swift a respecté un cycle strict de deux ans pour la sortie de ses albums. Son dernier, Folklore, est le premier à briser ce cycle. Annoncé un jour et sorti le lendemain, ce cycle rapide semblait approprié pour un monde qui a été jeté dans une réalité alternative inconnue et intimidante. 

Dans un post sur Instagram Swift, elle écrit : « Avant cette année, j’aurais probablement trop réfléchi au moment où il fallait sortir cette musique au moment « parfait », mais l’époque dans laquelle nous vivons me rappelle sans cesse que rien n’est garanti. Mon instinct me dit que si vous faites quelque chose que vous aimez, vous devriez simplement le mettre au monde ». L’isolement de l’enfermement a permis à beaucoup de gens de réévaluer leurs priorités et d’explorer des débouchés créatifs sans être dérangés par les distractions de la vie ordinaire. Comme tout le monde, Swift n’a pas été à l’abri de ce réajustement de style de vie, et avec cette libération, il semble clair qu’elle a pu prendre du recul et se prélasser dans l’intimité, et cela a permis de couronner sa carrière.

Le folklore baigne dans cette paix retrouvée, avec 16 titres délicats et obsédants qui obligent à reconsidérer Swift. Si la star de la pop country n’est pas étrangère aux albums qui redéfinissent les genres, aucun ne l’a fait avec autant de douceur et de fluidité que son huitième effort. Sa sortie opportune offre aux auditeurs une couverture de confort de délicat indie-folk avec une légère dentelle de la pop de Swift. Le morceau d’ouverture « the 1 » plante le décor de l’album avec un doux mélange des genres. Il s’agit d’une réintroduction de Swift en tant qu’artiste plus mature, qui a achevé son évolution d’une jeune starlette de la country-pop à un auteur-compositeur-interprète sûr de lui. 

Les collaborations de Swift sur l’album sont tout aussi peu conventionnelles. Aaron Dessner du groupe indépendant The National a produit l’album, le qualifiant de magique, et Justin Vernon de Bon Iver apparaît sur le spectre de « l’exil ». Leurs influences sont évidentes tout au long de l’album, particulièrement perceptibles sur les morceaux « cardigan », « peace », et en particulier « seven » qui est un exemple remarquable de l’étreinte de Swift sur le folk américain qui fait rêver d’une randonnée dans les bois et du calme d’un porche de cabane.  

Le folklore dépasse largement les attentes et redéfinit son créateur. C’est le genre d’album qui devrait être consommé avec tout le soin et l’appréciation d’un paquet de papier brun de biscuits aux pépites de chocolat faits maison. Dans une période d’incertitude et de conflits, Swift a créé un album parfait pour les moments difficiles, qui évoque sans effort des images de partage d’histoires de feu de camp et de l’assise sous un ciel laiteux éclairé par les étoiles, ce dont nous avons tous eu envie pendant que nous étions enfermés à l’intérieur.

***1/2

CMON: « Confusing Mix Of Nations »

Bien qu’ils viennent de sortir leur premier album, le duo CMON n’est pas un nouveau venu sur la scène musicale. Auparavant, deux morceaux du groupe de rock alternatif Regal Degal, Josh Da Costa et Jamen Whitelock, étaient connus pour leur esthétique rock psychédélique insaisissable et en constante évolution. Costa et Whitelock transmettent à CMON la même palette musicale et le même esprit ludique. Leur premier album, Confusing Mix of Nations, marie des éléments nostalgiques et futuristes, donnant naissance à une œuvre unique et passionnante.

CMON utilise au maximum les guitares et le chant spatiaux familiers, tout en accentuant leur composition par des choix de production audacieux et accrocheurs. Sur le morceau d’ouverture de l’album, « Coo », les synthés inspirés par la réverbération des années 80 s’associent à la batterie pour créer un groove hypnotique. Si le groove est impressionnant en soi, la chanson est plus intéressante lorsque le groove est interrompu par les bruits industriels inattendus de la section breakdown.

« Zoo » montre également cet esprit. Cette chanson pop atmosphérique et nostalgique utilise avec goût les ruptures dans ses motifs mélodiques pour jouer avec une intensité subtile. Le titre infectieux « Mindboggling » montre leurs talents de producteurs dans ce savoureux mélange de pop beat direct et de mélodies vocales douces avec des synthés abrasifs et des cris frustrés. La capacité de CMON à mettre en place des motifs répétitifs accrocheurs et leur tendance à perturber ces répétitions, et donc les attentes, font que les compositions sont incroyablement engageantes.

Ce motif de répétition/perturbation n’est que la surface du sens aigu de la composition de CMON. Au fond, les points forts de Confusing Mix of Nations sont réussis parce qu’ils sont ludiques, audacieux et avant-gardistes. « Celluloid » illustre cet esprit. Alors qu’il existe d’innombrables groupes qui s’accrocheraient fermement au beat énergique et aux guitares spatiales du morceau pendant toute la durée de leur album, CMON décide de ne pas ennuyer les auditeurs, et cela les distingue.

Incarnant des techniques issues de l’expérience du duo en live, la section breakdown contient des échantillons vocaux déformés et hachés qui dansent avec les percussions imaginatives et cliquantes pour faire un refrain désorientant mais accrocheur et futuriste. Dans « Base », la ligne vocale intentionnellement monotone et robotisée joue le rôle de second plan sur les tambours et les synthés qui attirent l’attention, ne revendiquant le devant de la scène que vers la fin lorsqu’elle est agrémentée d’audacieuses harmonies métalliques. Chaque fragment mélodique de « Base » tient son propre poids, mais s’assemble également pour créer une fugue attachante.

Si Da Costa et Whitelock ne sont pas des étrangers pour les fans de musique, leur premier effort en tant que CMON, à savoir Confusing Mix Of Nations, vient comme une bouffée d’air frais. L’album combine des instrumentations nostalgiques avec des choix de production futuristes tout comme il mélange des éléments psychédéliques familiers aux fans de Regal Degal avec des grooves serrés et orientés vers la pop. Confusing Mix Of Nations établit CMON comme un groupe à suivre dans le monde de la pop alternative.

***1/2

Seasick Steve: « Love & Peace »

Love and Peace sera le dixième album studio de Seasick Steve, et le vétéran du blues continue sur sa lancée. On pourrait dire que la production d’albums de blues est devenue sa raison d’être.

La chanson titre commence avec une étrange distorsion vocale et un écho lorsque Steve nous interpelle : « Hé mec, quel est le problème ici ?  (Hey man, what’s the issue here?)  Mais un authentique riff country fait bientôt son apparition. « Il faut arrêter la haine maintenant, revenir à l’amour et à la paix », chante-t-il ( Got to stop the hatred now, get back to love and peace). Le morceau est un hymne nous demandant de regarder comment nous nous traitons les uns les autres, demandant un peu plus de gentillesse et de compassion. C’est aussi une ode aux hymnes de paix dorés des années 60.

En posant ses instruments électriques pour le morceau acoustique hypnotique « Carni Days », Steve joue de la guitare slide en solo et brosse un tableau d’une époque de l’Americana longtemps perdue. « Tôt le matin, il y a de la rosée sur l’herbe », chante-t-il en plantant le décor d’un carnaval qui arrive en ville (Early in the morning, there’s dew on the grass).

« Clock Is Running » montrera parfaitement comment un morceau de musique n’a pas besoin d’être complexe pour être apprécié. La beauté est dans sa simplicité. Il met en scène ses riffs bluesy, ses solos de guitare lo-fi et ses percussions qui s’écrasent, et est une ode à la vie dans l’instant. Il se qualifie lui-même de « walkin’ man », un titre qu’il a souvent été fier de porter.

Le « single » explosif « Church of Me » est un autre morceau qui se démarque ; une ode grésillante à suivre son chemin, plutôt qu’à s’installer dans l’amour. Il se construit lentement, avant que le riche harmonica ne le transforme en rock bluesy.

Seasick Steve apporte sa bonté bluesy-soupy habituelle à l’album, une recette mixte d’américana rootsy, de rock classique et de folk twangy, qui se passe toujours bien.  Seasick Steve a beau être détenteur d’une formule, c’est une formule qu’il a réussi. Bien que de nombreux morceaux de Love and Peace ne se démarquent pas de sa discographie, il offre certainement quelques joyaux et un goût authentique de nostalgie des années soixante.

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Golf Alpha Bravo: « The Sundog »

L’un des enregistrements les plus intéressants et les plus invitants de ce début d’été nous vient d’Australie. Il s’appelle The Sundog, c’est le premier disque de la carrière solo de Gab Winterfield, guitariste et chanteur de Jagwar Ma et a été édité par le propre label du musicien, Treasured Recordings Label. The Sundog contient onze chansons et sur leur passage nous voyageons dans l’espace et le temps, vers le meilleur héritage du rock psychédélique du nord, un coup de pinceau épique avec des tics impressionnants du meilleur jazz et du meilleur blues qu’il est possible de conférer à la plus récente histoire de la musique contemporaine, une sorte de surf blues inspiré des expériences personnelles de Gab durant son enfance et son adolescence dans la zone côtière australienne près de Sydney, où il a grandi.

Cet opus est un de ces disques que l’on écoute avec le même plaisir qu’un coquillage s’appuie sur l’oreille en prétendant que pendant cet acte si simple, mais aussi symbolique, on peut écouter tout le vaste océan qui est devant nous ainsi que les êtres qui l’habitent ;nos amis et nos confidents. Si dans Jagwar Ma Gab a voyagé dans le monde entier, chanté à Coachella ou à Glastonbury et connu le côté le plus frénétique de ce qu’est la vie pleine et confuse d’une pop star, The Sundog est pour l’auteur un disque de recueillement, une tentative de retour à la terre, aux origines et à la simplicité où il a grandi et qui l’ont façonné. Et en fait, les trente-huit minutes du record sont réussies dans cette fonction d’auto-absorption. Pour l’auditeur, elles peuvent également donner des résultats similaires, car il s’agit d’un enregistrement simple et agréable. En y faisant du stop jusqu’à des explorations sonores éminemment minimalistes, faites uniquement avec la basse, l’alto et la batterie, on crée des points d’intersection sûrs et étroits entre le rock et le jazz, toujours avec un toada éminemment lo fi et psychédélique, qui n’a même pas renoncé à quelques gadgets d’enregistrement maison. Le résultat conduit à la fois notre esprit à voyager à travers l’immensité cosmique, ainsi qu’à entrer dans les profondeurs de notre plus petite cellule, étant le disque parfait pour faire face au besoin primaire que nous avons tous, de loin, d’échapper au rythme hallucinant de cette modernité qui nous absorbe, tout en allumant dans nos cœurs des feux de joie autour desquels nous nous asseyons ensemble avec tous les visages de notre individualité, dans le but évident de trouver les meilleurs moyens de sortir des dilemmes qui nous affligent ou simplement de profiter de la compagnie de toutes les facettes de notre moi.

The Sundog provoque immédiatement un sourire inconscient, non seulement parce qu’on l’écoute d’un seul trait, presque sans le remarquer, mais aussi parce qu’il est rempli de chansons optimistes et joyeuses, et sans cesser d’avoir l’indispensable contenu réfléchi et intime qui sous-tend toujours un alignement qui veut laisser une trace tandis qu’il se concentre sur certains des dilemmes existentiels typiques de l’adolescence, qu’ils soient plus ou moins incisifs dans la façon dont ils régissent notre présence dans ce monde.

Ainsi, et en regardant plus concrètement les chansons de l’album, si « Stuck Being Me « est une de ces compositions qui nous font automatiquement réfléchir sur ce que nous sommes et si tout va bien ou non, alors « Unwind » est le thème parfait pour nous laisser divaguer, pendant que nous nous laissons séduire par une brise légère et confortable qui nous emmène on ne sait où. Déjà complètement absorbés par un début d’alignement aussi intense et incandescent, nous prenons un coup de poing dans le bas-ventre lorsque la basse narcotique dans laquelle navigue « Blue Wave » entre dans nos oreilles, une chanson qui, en ce qui me concerne (et comme personne ne le lira, je peux le dire ouvertement), a dans sa genèse tout pour être sexuellement très attirante et fonctionner comme un stimulant réel et efficace. En fait, tant cette « Blue Wave » que la plus répandue « Rainbow Island « semblent être une sorte de paire inséparable, deux thèmes qui se sont enroulés sans appel ni aggravation, enveloppés dans un son qui les fait sembler avoir été piégés dans un quelconque transit pendant plusieurs décennies et finalement libérés avec le confort que l’évolution technologique de ces jours permet, étaient disponibles quelque part dans un siège rembourré face à une plage ensoleillée, au début de cette aube que nous vivons tous une fois dans notre vie, ou dans le lit le plus confortable de la maison, surplombant un vaste océan de questions existentielles, qui entre l’audace et la densité, nous offre un séjour d’une magie et d’une délicatesse inhabituelles.

Jusqu’à la fin nous attendent de nombreuses autres surprises et des moments de catalogage sonore difficiles mais tout à fait accessibles et gratifiants, qui ont connu la chevauchée du cynisme hypnotique de « Comet Loop », la simplicité brute et bohème de « Love In The Clouds » et l’exubérance et la majesté de « Groove Baby Groove », nous permettent l’absorption complète et dévouée d’un calme supposé quelque chose de céleste, où le rétro se mêle au charme, une symbiose à laquelle il est impossible de rester indifférent, notamment parce qu’elle se situe à un niveau de couverture plus élevé.

The Sundog possède ce groove qui ne laisse personne indifférent et un contenu, à la fois lyrique et instrumental, suffisamment solide pour offrir à l’auditeur une expérience d’écoute particulièrement frappante et immersive, mais aussi pour qu’il se sente entouré de sensations agréables et relaxantes. C’est, au fond, un mélange équilibré, sobre et réussi entre passé et présent et un voyage épique de confort et de plaisir parfait pour un été qui exige des fêtes et des joies incontrôlées, mais aussi des périodes de recueillement et de revue personnelle. On peut espérer que ette suggestion sera appréciée…

****1/2