Jasmine Guffond & Erik K Skodvin: »The Burrow »

21 octobre 2020

Après le dixième anniversaire de Sonic Pieces à Berlin l’année dernière, la patronne du label, Monique Recknagel, a personnellement choisi trois duos parmi l’impressionnante liste du label pour se produire en concert. Recknagel, a été tellement surprise par la performance de la compositrice électronique Jasmine Guffond et d’Erik K Skodvin du Deaf Center qu’elle a commandé un disque complet. Six mois plus tard, Guffond et Skodvin ont fait équipe pour produire The Burrow. Les deux musiciens se sont rendus au studio VOX-TON de Berlin, où ils ont enregistré pendant deux jours et ont été rejoints par la musicienne finlandaise Merja Kokkonen, qui leur a fourni un ensemble de voix obsédantes.  Guffond a utilisé son ordinateur portable et une cymbale, tandis que Skodvin s’est servi d’un piano, de larsen, d’un orgue farfisa et de percussions.

The Burrowest une nouvelle inachevée, écrite par Franz Kafka environ six mois avant sa mort en 1924. Publiée à titre posthume en 1931, elle est centrée sur une petite créature qui construit à la hâte un terrier pour tenter de se protéger contre les attaques qu’elle perçoit. En se concentrant sur la peur du monde extérieur et la prévalence de l’anxiété, il est facile de comprendre pourquoi l’album est si pertinent ; la peur et l’isolement ont été amplifiés en 2020, et à des degrés étonnants. Chaque morceau de The Burrow porte, en effet, le nom d’un animal soit éteint, soit en voie d’extinction, ce qui met encore plus en évidence la fragilité et la mortalité. La musique donne l’impression de figurer sur une liste d’animaux en voie de disparition, elle aussi. Le chant obsédant et muet crie ou semble être perturbé, criant d’angoisse sur l’état du monde et son érosion continue. Le chant de Kokkonen glisse dans une caverne électronique tandis que des drones grondants et vrombissants sont laissés à l’entrée.

Qu’il s’agisse de deuil ou de rage, les murmures et les cris sont la seule façon d’articuler et de répondre aux horreurs ; oubliez le besoin de paroles distinctes et articulées ou leurs significations poétiques, car le chant ici est capable de frapper plus fort que tout autre mot dans n’importe quelle autre langue. Des échos électroniques et un piano sombre ajoutent au sentiment que ce terrier particulier a été conçu pour ressembler davantage à une petite grotte claustrophobe, ses motifs retentissants déviant des murs sombres et s’enfonçant toujours plus à l’intérieur. Le cliquetis constant des cymbales sur « White Eyes » renforce un esprit nerveux et angoissé, mais, comme le son d’un serpent à sonnette, il devient un avertissement pour les personnes non invitées à rester à l’écart, approfondissant sa nature solitaire ; il pourrait presque être enfermé.

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A Certain Ratio: « ACR Loco »

21 octobre 2020

Lorsque les groupes restent si longtemps inspirés par les artistes qui se sont tournés vers eux, leur production devient souvent prudente. ACR Loco en est un exemple intéressant, puisqu’il s’agit en gros de l’équivalent musical d’un oncle réservé mais un peu cool qui vous raconte des histoires sur son passé de scénographe. C’est exactement ce à quoi on peut s’attendre du premier disque de A Certain Ratio en douze ans, car le groupe a continué à faire des choix intéressants sur le plan stylistique. Cependant, une sécheresse persistante demeure.

Dans le meilleur des cas, le disque conserve l’ornementation percussive caractéristique de A Certain Ratio. L’ajout de cloches à vache, de sifflets et de xylophones permet aux chansons d’évoluer comme sur une piste de danse lente. Cela a pour effet de donner l’impression que les chansons sont plus longues qu’elles ne le sont en réalité. Ce n’est pas toujours une mauvaise chose, car cela permet aux éléments les plus électroniques de se démarquer sans devenir envahissants.

Cela dit, toutes les ornementations de l’album ne sont pas à son avantage. Bien que le chant ait ses moments de gloire, notamment sur des morceaux comme « Friends Around Us », où la voix de Jez Kerr a un effet de phaseur apaisant et pourtant minuscule, le vocoder de « Supafreak » et de « Bouncy Bouncy » est trop lent. C’est ainsi qu’ACR Loco sonn, en effet, comme un effort tardif de Franz Ferdinand.

Parce qu’il est assez épuré, tous ses éléments sont capables de transparaître, pour le meilleur ou pour le pire. Il n’y a rien de super mémorable dans ce disque, et il n’y a rien d’horriblement offensant non plus. En fin de compte, ACR Loco ne correspond pas aux gloires passées d’A Certain Ratio, mais il n’efface pas non plus leur héritage.

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Hundredth: « Somewhere Nowhere « 

20 octobre 2020

Sur leur album auto-produitSomewhere Nowhere, ce combo plyvalent et versatile originaires de Caroline du Sud, présente une pop méditative et rêveuse, qui s’épanouit dans des vagues d’anxiété et de soulagement critique, avec des nappes de synthésse voulant cohésives et ensoleillées qui tiennent le disque ensemble. 

Les mélodies vacillantes de l’album sonnent comme un instantané musical de la détermination à trouver et à s’accrocher à la sécurité émotionnelle au milieu de nuages de tempête métaphoriques, et Hundredth se contente souvent de rythmes étouffants qui capturent de façon poignante une partie de cette sécurité tant désirée. 

En ce qui concerne la structure des chansons, le disque est parfois presque jazzy, avec des paysages musicaux dans lesquels les auditeurs peuvent s’immerger pour découvrir des moments plus tendus tout en ayant la possibilité d’apprécier le soulagement. Le disque retrace un voyage dans cette luminosité, qui occupe une place de choix. L’expérience d’écoute semble refléter des moments juste après la catharsis, comme si l’on s’installait dans une danse – ou, peut-être, que l’on regardait une piste de danse à peine vidée, en essayant de donner un sens à tout cela. 

Des synthés au son chaud et quelque peu terreux ouvrent constamment la voie à Somewhere Nowhere. Quelle que soit la texture, les chansons, souvent contemplatives, se sentent ancrées dans une exploration émotionnelle plutôt que concentrées uniquement sur des rythmes de danse, bien que ceux-ci soient, bien sûr, également très bons.

Les mélodies vacillent, se construisent et éclatent comme les marées que pourrait trouver un vagabond solitaire sur un bord de mer. Dans l’ensemble, les chansons ne sont pas forcément anxieuses et ne sont pas énergiques, même si les synthétiseurs sont bien visibles. « Leave Yourself », par exemple, est une sorte de surf-rock dans ses rythmes décontractés.

Souvent, le groupe parvient à atteindre un « autre côté » émotionnel – il y a un sentiment de libération et un sentiment de percée, et ces éléments sont émotionnellement palpables pour les auditeurs. Parmi les moments forts de l’album, citons les pulsations chaudes des synthés sur « Silver », le passage à la house music sur « Why », qui comporte quelques basses retentissantes et un rythme qui fait sauter la poitrine, et le passage au trip-hop sur les deux derniers morceaux de l’album, « Way Out » et « Too Late. 

Le chanteur Chadwick Johnson a d’ailleurs peut-être le mieux résumé ce sentiment lorsqu’il chante sur « Forever » : « Je veux juste me sentir bien aujourd’hui… Je veux juste être ce que je veux être. » ( just wanna feel something good today … I just wanna be whatever I wanna be)

Dans les sons luxuriants de leur musique plutôt florissante, Hundredth capture l’ambiance de ces paroles. Elles présentent une recherche de libération sans drame ni tension trop oppressante. Au lieu de cela, ils ont placé les vagues de leur musique dans un endroit accessible et facile d’accès, comme si le disque était une bande sonore pour trouver son chemin dans le monde, avec des rebondissements et tout.

Parfois, c’est la mondanité qui peut vous entraîner vers le bas – un ronronnement dans le fond de l’esprit que quelque chose ne va pas ou qu’il manque quelque chose. Pour un centième d’entre eux, ce ronronnement se fond dans leurs paysages sonores de rêve, dans lesquels ils plongent musicalement dans les plus beaux moments de la vie, comme s’ils flottaient béatement dans un océan musical grouillant.

***1/2


Body Double: « Milk Fed »

20 octobre 2020

Ce nouvel album de Body Double est une agréable surprise. Ce n’est pas exactement « agréable », mais plutôt inattendu. Le groupe, dirigé par Candace Lazarou, fait une musique qui fait référence au meilleur alt-rock sombre d’une décennie ou deux auparavant, tout en offrant des itérations uniques de post-punk moderne. À cet égard,Milk Fed, le dernier-né, est vif et étrangement amusant.

« The Floating Hand » fait penser à Siouxsie, tandis que « Ready to Die » est superbement crépitant et plein de ces riffs que L7 maîtrisait auparavant. Lazarou parvient à rendre ce son frais et ceci, même si tant de choses ici semblent familières d’une manière ou d’une autre.

L’excellent « Prisonous Mind » rappelera Nina Hagen ou Lydia Lunch, tandis que le déferlant « Embrace the Bomb » sera tout sauf un numéro de Banshees. Si l’ensemble ressemble à des élémenats datant de de la classe de 1979, Lazarou en fait une libération énergique. Et si plus de choses avaient été aussi troublantes que « Head Axe » , on en aurait été encore plus plus heureux. Toutefois, comme c’est le cas ici, Milk Fed sait se saisir des points d’inspiration qui ont tant influencé nos habitudes d’écoute dans les années 80 que l’on se doit de se presque extasier sur cette sortie.

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Good Sad Happy Bad: « Shades »

20 octobre 2020

Intégrant grunge, modèles bruitistes et approches avant-pop, Good Sad Happy Bad (le nouveau nom d’une version actualisée de Micachu and the Shapes, du nom de leur album de 2015) offre des rythmes et des riffs exaltants, des mélodies inébranlables et une ambiance surréaliste. Si les points de référence du groupe sont évidents, leur éclectisme sans faille donne un son transcendant, un mélange de modernité qui peut séduire des auditeurs très divers.

Après les cacophonies instrumentales et les breaks mélodieux du morceau d’ouverture, les morceaux deux à cinq de Shades se déploient comme des joyaux pop, avec des mélodies enjouées, des lignes de guitare et de basse exaltantes et des intermèdes de bruit de cor et de synthétiseur, gracieuseté de CJ Calderwood. La voix de Raisa Khan est immédiatement et durablement convaincante, sa prestation, comme celle de Trish Keenan de Broadcast, est paradoxalement cérébrale et viscérale, détachée et vulnérable, automathique et séduisante.

« This Skin » est animé par un riff de guitare répétitif mais fascinant qui évoque la face B de Nevermind. Les fioritures ambiantes de Calderwood apparaissent et disparaissent, un hommage, peut-être, aux entreprises de free jazz de John Coltrane et Ornette Coleman. L’accouchement de Khan, un drôle de mélange de chant et de parole, peut rappeler à certains auditeurs Rakel Mjöll de Dream Wife.

Sur « Reaching », la voix de Khan s’élève d’une fourmilière de guitares, de basse et de batterie déformées qui rappelle les débuts de Sleater-Kinney. « Bubble » est un retour à la virtuosité de l’avant-pop. « Continuer à chercher sans / continuer à chercher en vous » (Keep looking without / keep looking within you), chante Khan, juxtaposant l’éthique New Age et le nihilisme satirique du néo-punk.

« Il neige en août / et il fait soleil à Noël » (t’s snowing in August / and it’s sunny at Christmas), chante Khan sur la chanson titre, un hymne pop stoner ironique sur le réchauffement climatique. « Taking » est une attaque contre la dépendance du monde occidental aux produits pharmaceutiques : « Cette pilule est pour mon sang / Cette pilule est pour mon coeur / Cette pilule est pour ma confiance / Celle-ci est pour la chance » (This pill’s for my blood / This pill’s for my heart / This pill’s for my trust / This one’s for luck) Le riff moteur de « Universal » réinterprète ra à cet égard la partie de guitare de Kurt Cobain dans « Dive » la chanson un peu plus proche, en intégrant le bruit, une mélodie impeccable, une instrumentation expérimentale et le chant de Khan, qui est à la base.

Shades met en lumière un groupe aux influences diverses et la capacité à les recontextualiser de manière cohérente et convaincante. De plus, l’album présente une mélodie infectieuse après l’autre, Raisa Khan émergeant comme l’une des voix les plus intrigantes de sa génération.

***1/2


Holy Motors: « Horse »

20 octobre 2020

Créé à Tallinn, en Estonie, en 2013, Holy Motors a reçu les éloges de Pitchfork, Stereogum et Bandcamp et a joué avec des groupes comme Low. Aujourd’hui, ils s’apprêtent à sortir Horse, la suite de Slow Sundown, acclamé par la critique, sur le label new-yorkais Wharf Cat Records, en un disque toujours aussi brillant.

Eliann Tulve se plaint de la lenteur avec laquelle l’église n’est plus accessible tous les jours de la semaine, alors qu’un doux son de basse la fait glisser vers l’avant. « Endless Night » est plus sombre et plus atmosphérique, avec un son qui se situe quelque part entre Cigarettes After Sex et Beach House pour commencer, avant de se plonger dans quelque chose de plus éthéré : « It’s another endless night ». La chanson parle de disputes et de désaccords avec une histoire captivante : deux hommes semblent se disputer. Un homme vole le bijou, tandis que l’autre joue de la guitare, « parce que c’est une star ». Le nostalgique « Midnight Cowboy » est tout aussi sombre, car Eliann se souvient qu’il était « un peu en retard à la fête, tout le monde a quelqu’un dans l’air qui est plein d’amour » (A little late to the party, everybody’s got somebody in the air that’s full of love).

« Matador » contient des paroles sur la tristesse et le réconfort qui nous rappellent Scott Hutchison : « Je ne m’inquiète pas, je n’ai pas d’amis à qui parler sur la route où je suis sans fin » (I don’t worry I ain’t got no friends to talk to on the road that I’m on with no end) avant de devenir plus une histoire sur la façon de sortir de la banalité de la vie – machine à glace cassée et tout le reste : « Dois-je rester ou dois-je en chercher d’autres ? » «Trouble » est une autre chanson teintée de country avec juste ce qu’il faut de noirceur : « Au bord de la mer où je suis né, dans tes rêves, mais ensuite tu m’as quitté » (Down by the sea where I was born into your dreams but then you left me) ; « Maintenant, toutes mes peurs me retiennent, elles me retiennent jusqu’à l’arrivée du soleil » (Now all my fears they hold me up, they hold me till the sun comes). « Ensuite, je mets une croix sur mon cœur et j’espère, je prie, que je ne mourrai pas » ( hen put a cross on my heart and I hope, I pray, that I won’t die) avant que l’instrumental de « Life Valley », dans le style des Raconteurs, ne mette un terme à l’album, un disque que vous voudrez chevaucher malgré ses thématiques mélancoliques.

***1/2


Helena Deland: « Someone New »

19 octobre 2020

Après un premier EP sorti en 2016, Drawing Room, la musicienne canadienne Helena Deland a décidé de sortir sa musique de façon peu orthodoxe. Elle a choisi de diviser les morceaux suivants en courts volumes d’une série qu’elle a baptisée Altogether Unaccompanied. Aujourd’hui, deux ans plus tard, elle a abandonné ce format sériel pour un premier album plus traditionnel.

Celui-ci s’intitule justement Someone New et il nous fait découvrir une nouvelle Deland, plus concentrée et plus raffinée. Contrairement à Altogether Unaccompanied, où le Deland oscillait entre indie-rock audacieux, folk électrique et synth-pop dansante, Someone New utilise un ensemble de sons beaucoup plus modeste. Cette nouvelle franchise est la bienvenue pour Deland, mais elle agit parfois comme une épée à double tranchant. Someone New procure, de ce fait,une écoute agréable et concise, mais les morceaux semblent parfois indistincts les uns des autres.

En termes de ton, Someone New est plus sombre que les précédents travaux de Deland. La pochette représente une Deland peinte entourée d’un fond noir forme une image maussade qui crie l’isolement et la dissociation – ce sont des sentiments que Deland a décrits en discutant des thèmes de l’album. J’ai remarqué ma relation trouble avec mon corps, qui échappe à mon contrôle et donne aux autres tellement d’informations qu’il semble me cacher », déclarait-elle. Elle aborde ce sujet tout au long du disque, mais l’idée est mieux résumée dans le morceau « Pale » où elle chante : « Passer autant de temps / Dans mon corps nu / Ne pas me le rendre familier ». Spending this much time / In my naked body’s / Not making it familiar to me) La franchise avec laquelle l’artiste affronte des réalités inconfortables fait de ses chansons des sujets passionnants même si elles se perdent souvent dans leur propre malaise. 

Deland a le plus de succès quand elle joue avec sa sensibilité pop. Le premier temps fort, « Truth Nugget », s’ouvre sur un ensemble de lignes de basse lourdes et duel et un rythme endiablé qui est bientôt accompagné d’une belle performance vocale de Deland. La façon dont elle encadre les paroles est presque voyeuriste : « Regarde-moi me maquiller et me coiffer / Pendant que tu fais des hypothèses de toutes pièces / Je suis un autre mystère solide quand il s’agit de toi / Michael, je suis le puzzle dans l’autre pièce » (Watch me do my makeup and hair / While you make up hypotheses out of thin air / I am another solid mystery when it comes to you / Michael, I’m the puzzle in the other room), décrit-elle dans le refrain. Deland nous place ici dans la perspective de Michael, en se replongeant dans ses angoisses sur la façon dont les autres perçoivent son corps. « Comfort, Edge », un autre morceau qui se démarque, comprend le travail de guitare le plus intéressant de l’album ainsi qu’un refrain indéniablement accrocheur. Rien ne dépasse le mid-tempo sur « Someone New », mais les chansons optimistes ont tendance à mieux transmettre les émotions brutes de Deland. La principale exception à cette règle sera « Clown Neutral », une ballade saisissante où elleoffre une performance vocale émouvante sur une guitare électrique aux cordes douces et un chœur qui lévite en arrière-plan. 

La palette limitée que Deland utilise contient quelques techniques de production intéressantes qui aident à donner vie à des enregistrements autrement froids et austères, mais de nombreux morceaux sont à mi-chemin entre la retenue volontaire et le manque de profondeur musicale. Lorsque vous arrivez à la dernière partie de l’album, des morceaux comme « Mid-Practice » et « Fill the Rooms » vous semblent trop familiers. Pourtant, la musique de Someone New est d’une beauté obsédante et étrangement séduisante. Vous pouvez sentir les chansons vous rapprocher, comme un désir inexplicable d’explorer l’inconnu. 

C’était une décision audacieuse de la part de Deland que d’opter pour un ton aussi sobre sur son premier album, et il faut lui reconnaître le mérite d’être restée fidèle aux sujets qui ont résonné avec elle sur le plan émotionnel pendant le processus d’écriture. Bien qu’il manque de révélations musicales, il y a plus de quelques moments sur l’album qui mettent en évidence ses instincts aigus d’auteur-compositeur. La catharsis de Someone New est palpable, et si Deland exploite cela à l’avenir, les choses ne pourront que s’améliorer à partir de là.

***1/2


Vacations: « Forever In Bloom »

19 octobre 2020

Deux ans après la sortie de leur premier album, ce quatuor indie pop de Newcastle est de retour avec son second opus, Forever In Bloom. Ce disque marque la première fois que le groupe travaille avec un producteur, avec Oscar Dawson de Holy Holy (qui a produit pour de nombreux artistes australiens dont Ali Barter, Alex Lahey et Bec Sandridge), ce qui a permis d’affiner et de façonner leur son léger et ensoleillé. 

Des couches de synthés chatoyants crescendo sur des sons d’oiseaux ambiants sur l’instrument d’ouverture Floraison, donnant le ton pour les morceaux de rêve inspirés de la pop et du shoegaze à suivre.

Une ligne de basse percutante traverse le jingle de la guitare sur « Panache », qui met en scène Sarah Sykes de la formation Sunscreen de Sydney ainsi que d’autres habitants de Newcastle, Craterface et teddie (saxophone). « Lavender » est à la fois rêveur et puissant, avec des synthés brillants et des guitares aériennes et flottantes, le tout soutenu par une batterie serrée et percutante, offrant des grooves dansants et rebondissants – une combinaison dont ils ne s’éloignent jamais. Les vacances font très bien monter les chœurs, le chanteur/guitariste Campbell Burns se glissant souvent dans le faussetto pour livrer des crochets mémorables, imprégnés de réverbération, comme en témoignent « Ego » et « Something Here ».

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Glass Ocean: « The Remnants Of Losing Yourself In Someone Else »

19 octobre 2020

The Remnants Of Losing Yourself In Someone Else est un titre énigmatique, enveloppée dans le mystère d’un album, créée par nu groupe tout aussi énigmatique.

Les cinq membres de Glass Ocean y s’inscrivent librement dans le spectre alt-prog australien et empruntent un peu aux Karnivools et aux Dead Letter Circuses de ce monde, mais ils se forgent en même temps leur propre chemin musical. C’est un combo qui déborde d’idées, et c’est la première fois qu’ils ont l’occasion de se défouler, de mettre en valeur leurs considérables compétences en matière d’écriture, d’instruments et de production, après quelques EP (qui étaient excellents en eux-mêmes). Et tout cela fonctionne à merveille, au fil de 11 titres et 40 minutes de musique. 

En effet, cet album est de qualité de bout en bout, chaque piste est forte. Ils ont résolument évité tout ce qui ressemble à du remplissage ici. S’il y a un prix pour le meilleur morceau, il devrait être décerné au magnifique « Bolero » pour sa combustion lente, et il met sans doute en valeur la voix unique et résonnante du chanteur Tobias Atkins.

L’un des meilleurs aspects de ce groupe est qu’il parvient à projeter un son très puissant sans s’appuyer sur des guitares implacablement surmenées. En fait, leur son de guitare est bien plus jazzy et chatoyant que craquelé, écrasant et dans votre visage. Mais ils font quand même du rock puissant. 

Glass Ocean conserve cette approche rès classe etplutôt originale ; il serait dommage de ne pas être sensible à ce petit monceau de joie au milieu de cette période si affligée par la pandémie.

***1/2


Seaway: « Big Vibe »

17 octobre 2020

Le groupe pop punk canadien Seaway a produit certains des albums les plus sous-estimés du genre au cours de la dernière décennie. Depuis leurs débuts avec Pure Noise en 2015, Colour Blind, jusqu’à Vacation, leur album de 2017, tout aussi énorme, les quatre musiciens torontois ont réussi à tout déchirer pour sortir des hymnes pop punk consistants, optimistes et contagieux. L’annonce tant attendue de leur quatrième album a été très bien accueillie par le monde de la musique et cette fois-ci, c’est une Big Vibe qui nous attend.

Le disque démarre avec « Brain in a Jar » qui introduit un rythme de batterie puissant sur le pré-chœur , idéal pour qui est nostalgique des jeunes sitcoms comme That 70’s Show. Les chœurs offrent une atmosphère décontractée mais froide et, avec le chanteur Ryan Locke, c’est comme un voyage dans le temps. Le « single » principal et la chanson titre, « Big Vibe », poursuit ces chœurs endiablés, avec des rythmes de batterie puissants et croustillants et des paroles incroyablement accrocheuses : « Wide-eyeed, radiating / I’m tongue tied, can’t seem to handle your / Big vibe » (J’ai les yeux écarquillés, je rayonne / J’ai la langue liée, je ne peux pas supporter tes / Grande vibratios ). Cette chanson résume parfaitement l’ensemble de ce disque et s’inscrit parfaitement dans la collection de brulôts de Seaway. Big Vibes, doit-on en dire plus ?

Avec deux albums solides à leur actif, Seaway semblaient avoir réussi à faire ressortir l’attrait de la pop punk. SurBig Vibe, ils ont entrepris de diversifier leur musique en changeant quelque peu de genre. Alors que le rock est toujours aussi évident, les quatre musiciens ont plongé dans un son rock universel et assoupli. Pensez à un « Violent Soho » un peu plus pop. « Mrs David » les verra, de son côté, jouer avec des riffs plus enlevés et un son des années 90 qui semble vraiment apaisant à écouter. Ce riff émo est un peu rehaussé par le morceau suivant,  « Still Blue », et le groupe revient avec son groove contagieux. Ce titre a un rythme pop incroyablement dansant qui rappelle le dernier album d’All Time Low. À la fin, vous chanterez sans arrêt : « Ne serait-il pas agréable de rester sous sédatif / quand tous nos amis deviennent vieux et blasés ? » (Wouldn’t it be nice to stay sedated / when all our friends are getting old and jaded?)

« Wild Things » est le « single » le plus lent des trois sorties du combo ; et il nous a fait découvrir l’évolution du son du groupe. En s’appuyant sur ce son rock grungey, entrelacé avec leurs paroles de bonne humeur, Seaway fait en sorte qu’une chanson pop édifiante devienne un morceau de rock iindie. « Pathetic » accélèrera alors le rythme grâce à son énergie punk rapide, et mettra ainsi en valeur les sentiments de dégoût de soi et de manque d’estime de soi. Cela vous frappera au bon endroit, surtout si vous vous sentez mal aujourd’hui.

La nouvelle attitude, plus assagie, de Seaway se poursuivra sur « Sweet Sugar », mais à un tout autre niveau. S’envolant dans un fort refrain rock/pop, ces Canadiens canalisent les tendances musicales de leurs pairs, All Time Low. Ce riff d’intro à la guitare est éloquent et se poursuit sur le morceau suivant, « Peach ,» qui est un grand air d’été avec ce riff de guitare croustillant et des riffs pop en son centre. Tout fan de pop punk qui n’a pas encore entendu Seaway sera conquis par ce son en un clin d’œil.

Dans « If You Let Me », le groupe combine des riffs émotifs avec une mélodie pop accrocheuse, en liant le tout pour créer l’hymne parfait au mal d’amour. Ces « Ooh-ooh-ooh’s » s’accorderont ainsi parfaitement avec la notion nostalgique du disque, tandis que « Wicked » nous renvoie à ces tendances Soho. Honnêtement, c’est loin d’être de la pop punk. Avec des riffs de guitare déformés qui semblent presque psychédéliques, ce morceau pourrait parfaitement se placer à côté d’une chanson des Dune Rats. C’est du Seaway à un nouveau niveau. Pour compléter l’album avec « Sick Puppy », le groupe fait de son mieux pour conserver sa nouvelle identité musicale. À partir de maintenant, c’est du riff, de l’accroche et du bon temps.

Il est inévitablement clair que Seaway est vraiment doué pour créer une mélodie accrocheuse. La pause de trois ans entre les sorties en valait absolument la peine, car Big Vibe voit le groupe faire ce qu’il fait le mieux et en même temps, se lancer des défis avec de nouveaux styles. Alors que les refrains pop punk bruyants abondent partout, Seaway a pris ce temps pour explorer le rock doux et grunge qui leur a donné un nouvel avantage en musique. Big Vibe présente un son rafraîchi pour le groupe, un combo trop sous-estimé.

***1/2