Sylvie: « Sylvie »

28 octobre 2022

Membre de la scène psychédélique de Los Angeles ayant joué dans des groupes comme Golden Daze et Drugdealer, Ben Schwab a eu l’idée de créer son propre projet, Sylvie, après avoir trouvé une boîte de cassettes de 1975 enregistrées par son père, John Schwab, et ses camarades. Sans imiter le groupe (Mad Anthony, qui n’a jamais signé), il s’est plongé dans l’ambiance et les textures de la scène réfléchie de Lauren Canyon et de la pop d’auteur-compositeur-interprète des années 70 pour les débuts nostalgiques de son projet. L’une des chansons figurant sur les cassettes était une reprise de « Sylvie » de Matthews Southern Comfort, et le jeune Schwab a pris l’habitude d’appeler les chansons découvertes « Sylvies » avant d’adopter ce surnom pour son projet et son premier album éponyme.

Dans la lignée de l’époque du Laurel Canyon ainsi que de sa scène contemporaine, on retrouve une approche collaborative des morceaux réalisés pour la plupart par Schwab et enregistrés dans son garage de Silver Lake. L’album a été mixé par Jarvis Taveniere de Woods. La chanteuse Marina Allen est invitée à chanter sur le morceau d’ouverture « Falls on Me », ce qui donne à l’album un caractère chaud et doux, sur une chanson qui parle de chagrin d’amour et de retour à la maison. Le titre fait également appel à des collaborateurs tels que le guitariste pedal steel Connor Gallagher, le batteur Sam Kauffman Skloff et le corniste JJ Kirkpatrick. Allen réapparaît plus tard, sur le morceau « Further Down the Road », tandis que Sam Burton prend la tête du groupe sur deux autres morceaux, dont le morceau « Sylvie », rêveur et imprégné de pedal steel. La septième piste, « 50/50 », est un instrumental langoureux, agrémenté de cordes, précédé d’un segment de conversation enregistrée entre les deux Schwab au sujet des cassettes. Au moment de la sortie de l’album, on ne savait pas si d’autres Sylvie suivraient, mais Schwab a rendu public son intention de publier les bandes de Mad Anthony.

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Walter Campbell: « Walter Ego »

27 octobre 2022

Walter Campbell a commencé comme vocaliste pour un certain nombre de groupes gothiques industriels, alternatifs et punk à partir du milieu des années 90. Bien qu’il dise qu’il n’a pas pleinement adopté la musique ambiante et expérimentale avant 2014, ses projets musicaux ont toujours fini par devenir de plus en plus déséquilibrés en raison de traumatismes personnels et d’une nature intrinsèquement performative. Bien qu’il soit difficile de naviguer dans le concept d’ « Outsider Music » à cette époque, et qu’il y ait certainement des influences d’artistes comme Coil, William Basinski et Nurse With Wound, Walter Campbell apporte un enthousiasme et une naïveté enfantine indéniables à son travail, surtout, dit-il, après avoir suivi un cours de musique expérimentale donné par Jamie Stewart de Xiu Xiu.

Le paragraphe ci-dessus est tiré directement du site Bandcamp de l’artiste et du verso de la pochette du CD. Il n’y a pas vraiment d’autres informations sur cet artiste, et si vous faites une recherche sur Google, vous risquez de tomber sur le mauvais Walter Campbell (un nom qui n’est pas inhabituel).

Walter Ego est un album électronique expérimental composé de 9 titres en 45 minutes. Nous aimons le titre de la première piste – « Valiant Death Flies Circling the Kenmore » qui est un morceau de 1:28 de synthétiseur en drone à résonance ouverte et aux accords soutenus. « It follows you, followed by the moments before it catches you » (Il vous suit, suivi par les moments avant qu’il ne vous attrape) est presque six minutes de drone ambiant parmi les plus calmes que j’ai jamais entendus, jusqu’à environ une minute et demie avant la fin où le volume augmente un peu, puis grésille à la fin et s’arrête soudainement. « Edward Scissorman » utilise une séquence répétitive de triolets accentuée par des coups de basse sur le rythme et se transforme en quelque chose de très différent lorsque Campbell la filtre.

On dirait un voyage dans l’espace avec un subtil bourdonnement de moteur sur « Your Suffering Is Our Inconvenience » (Chine, Russie, quelqu’un ?) avec une atmosphère douce mais grondante qui ne manquera pas de faire trembler vos enceintes si vous montez le volume. J’ai aimé l’écho électronique de « In Deep With The Deep Ones », enveloppé d’une atmosphère de drone ; très trippant. « Gazpacho Dream Police » sonne comme un titre de Frank Zappa et c’est le morceau le plus long avec 10 minutes. Bien qu’il ne soit pas notre préféré, il a quelque chose d’étrangement intriguant et d’extra-terrestre. « Abandon Ship » est une combinaison de sons en boucle de type foley, et nous nous dirigeons ici clairement vers le territoire de Nurse With Wound. C’est assez actif, mécanique et industriel. « My Friends Are Gonna Be There Too » a tout de l’ambiance d’un grand film d’horreur, y compris la voix pseudo-opératique. Bizarre, étrange, effrayant et délicieux ! « Samus Eats Mother Brain » est une tentative de quelque chose de mélodique, peut-être comme Devo filtré par The Residents. Pas sûr que ça marche vraiment, bien qu’elle a été modifiée en quelque chose de beaucoup plus bruyant à la fin.

Même si nous n’avons pas tout aimé sur l’album,Walter rend justice à la plupart de ses influences, à sa manière, ce qui est vraiment la meilleure façon de faire.

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Robert De Leo: « Lessons Learned »

26 octobre 2022

Si un rocker a mérité le droit d’appeler son premier album solo Lessons Learned, c’est bien Robert De Leo. Au cours de sa carrière, De Leo a connu des hauts et des bas, qui se sont parfois entremêlés au même moment, comme lorsque Stone Temple Pilots était au sommet de sa forme à l’apogée du rock alternatif dans les années 1990. Pendant l’un des hiatus de STP, De Leo s’est éloigné du groupe pour former Talk Show, un congé d’absence qui lui a permis d’exploiter une veine similaire à celle de son concert principal. Il a répété ce schéma au fil des ans, et c’est ce qui fait que l’aspect chaud et bruni de Lessons Learned est un peu surprenant : De Leo s’aventure ici en territoire inconnu. S’appuyant sur le country-rock décoloré par le soleil du début des années 1970, De Leo ancre son album solo dans les instruments acoustiques, élargissant suffisamment ses horizons pour englober un psychédélisme doux et tourbillonnant qui rappelle vaguement Led Zeppelin dans son mode folk.

De Leo invite une foule de chanteurs – dont Jimmy Gnecco de Ours, Kara Britz, Tim Bluhm de Mother Hips, Pete Shoulder et Gary Wright – pour mieux exprimer l’humeur d’une chanson particulière. De Leo lui-même chante la chanson murmurante « Is This Goodbye ». Malgré ce large éventail de personnages, Lessons Learned semble unifié grâce au fait que De Leo se concentre sur l’émotion, la transmettant à travers des chansons et une production calmement texturée, des sons qui mettent l’accent sur une chaleur douce et enveloppante autant que sur la mélodie. C’est un album discret mais pas léger : c’est un disque riche et réfléchi, qui sert de réconfort dans les moments de contemplation.

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Tailor Swift: « Midnights »

26 octobre 2022

Jusqu’à récemment, les caractéristiques qui ont défini un album de Taylor Swift ont toujours été dans un état de flux. De la pléthore de fusions country-rock colorées de Red, en 2012, aux animations théâtrales de Reputation, en 2017, chacun des derniers albums studio de l’auteure-compositrice-interprète lui a offert, avec plus ou moins de succès, la marge de manœuvre créative nécessaire pour embrasser une esthétique sonore et visuelle différente.

Avec Folklore en 2020 et son suivant, Evermore, et maintenant avec son 10e album studio, Midnights, le modèle de Swift devient un peu plus facile à cerner. Pas dans un sens stylistique strict, bien sûr, car Midnights est loin de l’instrumentation folklorique du diptyque cottage-core de Swift, se rapprochant le plus de la palette électro-pop plus uptempo de 1989. Au lieu de cela, les trois derniers albums de Swift sont unis par leur tempérament plus mûr et l’intimité de l’écriture des chansons de Swift, avec la nature comparativement réduite de son son servant d’extension naturelle de cette méthodologie.

L’exemple le plus notable de ce type de synergie musicale est l’hivernal « Snow on the Beach », dont la combinaison exquise de cordes pincées, de carillons et de basses fortement réverbérées évoque magnifiquement les premières chutes de neige d’un matin d’hiver. C’est une sensation que Swift décrit avec précision et sans ambages comme « bizarre mais putain de belle » sur le refrain aérien du morceau, en s’harmonisant avec Lana Del Rey, dont les voix fantomatiques sont à peine perceptibles dans le mixage sonore de la chanson.

De même, « You’re on Your Own, Kid » présente une progression harmonique subtile et gonflante construite autour du pré-chœur agité de Swift (« Search[ed] the party of better bodies/Just to learn that you never cared ») avant qu’elle ne répète le titre idiomatique du morceau comme s’il s’agissait d’une blague cruelle qu’on lui faisait. Mais c’est la ligne suivante qui est beaucoup plus profonde : « You always have been ». L’instrumentation d’accompagnement du morceau s’arrête complètement, et le silence est bref mais assourdissant.

Cela ne veut pas dire que Swift a totalement oublié son sens de l’humour, car il y a encore beaucoup de moments ludiques d’auto-dépréciation dans Midnights. Avec son refrain affirmé mais entraînant, où la chanteuse s’adresse à elle-même comme étant « le problème » dans la vie de tout le monde, « Anti-Hero » se sentirait tout à fait à sa place sur Reputation, bien que fonctionnant dans un registre beaucoup plus respectable socialement que le grandiloquent « Look What You Made Me Do ».

Le minimaliste « Vigilante Shit » est également plus réservé que les précédents appels de Swift à ses supposées rivales. Alors que les menaces pas si voilées de Swift visant les moulins à rumeurs sur Internet peuvent sembler extrêmes – « Je ne commence pas la merde, mais je peux vous dire comment elle se termine » ( I don’t start shit, but I can tell you how it ends) – sa voix est sournoisement suspendue au-dessus d’une série de lignes de synthétiseur sourdes et d’arpèges égarés. Sur le clinquant « Karma », elle prie pour la chute d’un certain « Spider-Boy » qui est le « roi des voleurs », partageant de façon suspecte les initiales d’un certain cadre musical bien connu.

Périodiquement, Midnights se heurte à des problèmes de redondance, qui ont plus à voir avec les déficiences de Jack Antonoff en tant que producteur qu’avec les compétences de Swift en tant qu’auteur et interprète. Ses contributions ici sont uniformément propres et efficaces, mais beaucoup de ses tics de production caractéristiques, même s’ils sont présentés ici dans un contexte nouveau, commencent à être surutilisés. Il y a une quantité excessive de réverbération tout au long de l’album, comme les premières secondes suffocantes de « Lavender Haze » qui engloutissent presque le morceau, ainsi que de nombreux motifs de batterie préétablis (« Anti-Hero » et « Maroon ») et des voix abaissées (« Midnight Run »).

Pourtant, en abordant l’album sous cet angle scrupuleux, on se pose une question qui n’a pas de réponse facilement quantifiable : Quelles caractéristiques pourraient définir avec précision ce à quoi un album de Taylor Swift devrait ressembler de nos jours ? Folklore et Evermore étaient novateurs dans leur façon de reconstruire le son de Swift à partir de zéro, mais malgré ses propres délices idiosyncrasiques, Midnights semble finalement trop redevable à ses efforts passés pour vraiment la faire avancer. En tout cas, l’album prouve qu’elle ne veut pas se contenter uniquement de ses propres termes.

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Witch Fever: « Congregation »

25 octobre 2022

Congregation est peut-être le premier album de Witch Fever, mais le collectif britannique a déjà trouvé sa voie. Fusionnant l’attitude et l’énergie du punk, les riffs du grunge, les sensibilités gothiques et parfois les textures du doom metal, leur musique est implacable, poussée par une instrumentation qui fait tilt et le chant singulier d’Amy Walpole, toujours puissant et parfois déséquilibré.

La musique grinçante et passionnée, remplie d’indignation à l’égard de certains des suspects habituels : patriarcat bien établi, religion organisée, politique réactionnaire, etc. Le plus gros reproche que l’on puisse faire à Congregation est un sentiment général de « banalité », bien que cela soit quelque peu atténué par la brièveté de la plupart des chansons et par la plus grande variété introduite par le coup de poing final que constituent l’inhabituelle retenue et le titre approprié « Slow Burn » et le final absolument frénétique « 12 ». Congregation convient parfaitement à l’écoute de la saison d’Halloween, ou vraiment à tout moment où l’humeur appelle à des morceaux hargneux, furieux, « in your face ». Mis à part quelques détails, il s’agit d’un premier album solide comme le roc et il sera intéressant de voir où ces dames vont mener leur musique par la suite.

**1/2


Sarah and the Safe Word: « Strange Doings in the Night »

25 octobre 2022

Pour tous ceux qui se sentent aussi à l’aise dans un concert pop-punk que dans une comédie musicale, il y a le « cabaret rock queer » de Sarah and the Safe Word. Leur premier album, Strange Doings in the Night, fraîchement remixé, remasterisé et partiellement réenregistré, n’est pas sorti en octobre par hasard. Ce n’est pas seulement effrayant, c’est aussi théâtral et flamboyant et tout ce qui est flashy et excitant dans le punk rock et le cabaret.

Le titre d’ouverture s’intitule à juste titre « Act I, Scene I » car ce qui suit est clairement une production entière. Ensuite, « So Metropolitan » a un son qui pourrait fonctionner soit comme le numéro d’ouverture d’une grande production de Broadway, soit comme une chanson appropriée pour un groupe faisant la première partie de Panic At the Disco. La chanson titre fait descendre le son dans l’obscurité avec un mélange pop-punk et classique digne des Desden Dolls pour créer quelque chose de ludiquement obsédant. « You’re the Sort of Man I Like » apporte une touche moderne et homosexuelle à un duo vaudevillesque très classique. Puis « Pill Pusher » revient au présent avec un morceau de hard rock lisse, à la Jimmy Eat World.

« How Veronica Vanquished the Wolf » est un morceau magnifique soutenu par un récit lyrique fort, et le jeu de violon n’est que la délicieuse cerise sur le gâteau. « The Business Practices of Spiders » est exactement aussi gothique qu’il en a l’air, mais cet album a une sorte de style fantaisiste de gothique qui est moins Edgar Allen Poe et plus Nightmare Before Christmas. Le violon s’avère particulièrement utile dans le sombre et folklorique « D.K.Y. », qui signifie apparemment « Don’t Kill Yourself ». Le solo de violon sur ce morceau est remarquable.

Il y a quelque chose de profondément romantique dans le style de Sarah and the Safe Word. Et ce qui est encore plus étonnant que toutes les différentes influences qu’ils mélangent, c’est la façon dont ils les mélangent sans effort. C’est à la fois exactement ce que vous attendez et différent de tout ce que vous avez entendu auparavant. La frontwoman Sarah Rose est une chanteuse exceptionnelle et une compositrice imaginative, mais avant tout une interprète. Il s’agit de la sortie la plus excitante de la saison effrayante de cette année, et de la bande-son parfaite pour votre fête d’Halloween en mode hipster.

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Sloan: « Steady »

22 octobre 2022

Trente ans après leurs débuts, les grands noms de l’Indie Pop canadienne, Sloan, sont de retour avec leur 13e album studio. Heureusement, peu de choses ont changé au cours des trois dernières décennies. Les quatre membres fondateurs sont toujours dans le groupe et ils continuent de marteler un mélange intelligent de power pop qui mélange une variété d’influences allant des Beatles à Cheap Trick en passant par les Pixies. Steady n’est pas différent. Sur une douzaine de titres, le quatuor – qui s’échange toujours les voix – s’en tient à son mélange caractéristique de pop rock intelligent, drôle et souvent ensoleillé, avec des guitares pointues et une batterie rapide. 

Le nouvel album s’ouvre sur « Magical Thinking », une chanson clairement inspirée par certaines théories en ligne ineptes apparues ces dernières années, qui montrent des personnes confrontant leurs sentiments et leurs théories personnelles à la science réelle. C’est une chanson amusante qui semble musicalement agnostique à une époque spécifique.

On peut dire la même chose de « Spend The Day », l’un des premiers singles de l’album et malgré les paroles centrées sur le guitariste/chanteur Patrick Pentland qui est au plus bas après la rupture de son mariage, la chanson est étonnamment dynamique. Deux des meilleurs moments de l’album tournent autour de sujets plus banals, comme dans « Human Nature », une chanson amusante et addictive sur les ragots. « Nice Work If You Can Get It », une chanson sur les inconvénients des tournées, est aussi étonnamment satisfaisante, en partie grâce au fait qu’ils se plaignent d’une situation que beaucoup endureraient volontiers. 

Sloan est un groupe qui est souvent cité par d’autres musiciens et qui s’est certainement construit un public fidèle au fil des ans, mais qui, inexplicablement, n’a jamais été très connu en dehors de son Canada natal. Steady ne fera probablement pas grand-chose pour changer cela, mais il est certain que même les fans les plus occasionnels du groupeen seront d’autant plus heureux.

***1/2


Tegan and Sara: « Crybaby »

22 octobre 2022

Il est difficile de croire que Tegan and Sara en sont à leur dixième LP. Les sœurs jumelles Quin ont fait leur apparition à Vancouver grâce à leur quatrième album, So Jealous, sorti en 2004, et ont depuis été certifiées platine et ont remporté de nombreux prix. Leur nouvel album, Crybaby, a été créé en partie par Sara qui jouait avec une application d’échantillonnage.

Elles ont emmené des démos construites principalement à partir de ces boucles au studio avec le producteur John Congleton (The War on Drugs, St. Vincent). Avec Crybaby, les deux sœurs ne sont pas au mieux de leur forme. Les chansons écrites par Tegan, comme « Fucking Up What Matters », « Pretty Shitty Day » et « Smoking Weed Alone », donnent l’impression qu’elle traversait une période difficile.

Au sujet du titre de l’album, Tegan a dit qu’elle enviait la capacité des enfants à être des pleurnichards : « Je me sentirais mieux si je pouvais me jeter par terre et faire une bonne vieille crise de colère. Et puis me relever et être totalement rétablie, parce que j’ai tout évacué de mon système. »

Cette attitude commence tout de suite avec le titre principal « I Can’t Grow Up », une chanson pop très entraînante. Si cet album a un défaut, c’est que Tegan et Sara se penchent trop sur les boucles vocales. Chaque composition de Crybaby est soit construite autour de boucles vocales, soit généreusement ornée de boucles vocales, mais sous ces boucles, on retrouve les mêmes solides compétences en matière d’écriture de chansons dont les deux femmes ont toujours fait preuve. « So lemme lemme get what I want/ And when you break it off/ Get me up and back to the start/ ‘Cause I can’t grow up »(Alors laisse-moi avoir ce que je veux/ Et quand tu romps/ Remonte-moi et recommence/ Car je ne peux pas grandir) , dit le refrain, et c’est une auto-critique cinglante, même si elle critique son partenaire : « You’re always cut-cut-cutting me off! » (Tu es toujours en train de me couper, de me couper, de me couper !)

Après le stress deu confinement les sœurs sont là pour se défouler, se défouler sur leurs proches et sur elles-mêmes. « Fucking Up What Matters » est optimiste et dansant, même si ses paroles expriment la dépression et le désarroi. « Je n’essaie pas de nous détruire, je déteste juste ce que nous sommes devenus/ Sans toi, je me sens vide mais autour de toi, je me sens engourdie »,( I’m not trying to destroy us, I just hate what we’ve become/ Without you, I feel empty but around you, I feel numb), chantent-elles sur un rythme propulsif et des synthés frénétiques.

Un des points forts de l’album est « Yellow », une chanson plus lente avec une accroche qui va droit au cœur. « Cette ecchymose n’est pas noire, elle est jaune. Mon cœur se brise, alors fais attention » (his bruise ain’t black, it’s yellow/ My sweet heart breaks, so be careful,), chantent Tegan et Sara. Si vous écoutez bien, vous pouvez entendre Luke Reynolds (Guster, Sharon Van Etten) à la basse et Joey Waronker (Beck, Elliott Smith) à la batterie tout au long de l’album, et bien qu’ils soient un peu en retrait dans le mixage au profit des boucles vocales, leur jeu est parfait et sert les chansons avec art.

Tegan et Sara jouent également avec la façon dont nous pensons que les émotions doivent sonner. « Pretty Shitty Time » a un côté jovial, presque country-western, mais les voix des sœurs se combinent pour exprimer des sentiments comme « Je n’ai jamais été très douée pour dire quand je souffre, mais je souffre maintenant ». « Under My Control » utilise une cadence confiante et un chant de pom-pom girls pour déclarer : « Je devrais recommencer à travailler sur moi-même/ Je dois maîtriser ces sentiments que je ressens en moi/ … » (I should start working on myself again/ Get these feelings that I feel within/ … Under my control). Toutes ces chansons sont très chargées en synthétiseurs, comme leur travail l’est depuis Heartthrob en 2013.

Il faut s’attendre à ce que Tegan et Sara, après tout ce temps dans la musique, continuent à chercher de nouvelles idées et de nouvelles façons de construire des chansons. Les boucles vocales sont nouvelles, mais les sons excessivement traités semblent plus gadgets qu’inspirés. Il serait intéressant d’écouter une version acoustique de cet album, comme celle que le duo a enregistrée pour « So Jealous » (intitulée Still Jealous), pour voir si les chansons tiennent la route sans toutes les cloches et les sifflets, car c’est probablement le cas.

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Archers of Loaf: « Reason in Decline »

21 octobre 2022

29, 24 et 10. Il s’agit respectivement du nombre d’années écoulées depuis la sortie du premier album culte d’Archers of Loaf, Icky Mettle, celle de leur dernier opus studio, White Trash Heroes, et leur reformation officielle.

Le single « In The Surface Noise » a donné le coup d’envoi de leur premier cycle d’albums depuis plus de deux décennies. C’est la meilleure chanson de Reason In Decline – en apparence une ode aux adolescents rebelles, il y a un sous-entendu politique évident dans des lignes comme « Insurrection / You ask no questions / You take what belongs to you » (Insurrection / Vous ne posez pas de questions / Vous prenez ce qui vous appartient…). Un rocker hystérique qui offre toute l’extase d’une chanson classique de Loaf sans sonner comme un retour en arrière daté, il représente une soudure parfaite entre le personnel et le politique ; un hommage à ceux qui se sentent en droit de demander plus et, à tort ou à raison, vont de l’avant pour l’obtenir.

Ailleurs, Reason in Decline fonctionne par à-coups – souvent en proie à certaines des maladresses que l’on peut attendre d’un groupe qui a passé si longtemps séparé. Le quatuor passe une grande partie de son cinquième album à essayer de rédiger un hymne politique, mais si leurs intentions sont nobles et leur message juste, ils ne parviennent pas à délivrer un slam dunk. Souvent, ils identifient correctement une source de décadence sociétale, mais n’ont pas grand-chose à dire à ce sujet, si ce n’est « cette chose est mauvaise » – ce qui est particulièrement remarquable sur « Misinformation Age », une chanson dont le refrain central consiste simplement en des répétitions de sa phrase-titre. Pour un groupe qui a traditionnellement excellé dans l’art de raconter des histoires, il peut être difficile de ne pas voir qu’il s’appuie ici sur des slogans – le même groupe qui a créé « Web in Front » a sûrement plus à dire que « vous ne pouvez pas croire tout ce que vous entendez » et que le « rêve est vivant » (can’t believe everything you hear – dream is alive! .

Pourtant, même lorsque les prouesses lyriques font défaut, la voix passionnée d’Eric Bachmann et le jeu de guitare furieux d’Eric Johnson – qui est plus que jamais au centre de la musique du groupe – suffisent à vous convaincre d’acheter ce que le groupe vend. C’est ce que l’on retrouve dans l’hymne et la chanson d’ouverture « Human » – un portrait touchant d’une personne troublée mais sympathique. Certains des moments les plus puissants de l’album se produisent dans cette chanson – notamment lorsque Bachmann prévient notre protagoniste que « tu seras ma mort » et, alternativement, que « seule la mort peut te libérer ».

À l’inverse, « Aimee », qui se trouve à mi-chemin, réussit pour les raisons opposées à « Human » – une démonstration de la puissance du groupe dans ses moments les plus calmes et les plus retenus. Ce numéro acoustique est un hommage touchant à un partenaire et au réconfort que l’on éprouve à être main dans la main avec quelqu’un d’autre quand on se sent perdu et confus. « Ça ne me dérange pas si nous ne pouvons pas trouver notre chemin hors d’ici / Ça ne me dérange pas si nous ne pouvons pas trouver notre chemin vers la maison » (I don’t mind if we can’t find our way out of here / I don’t mind if we can’t find our way home), déclare chaleureusement Bachmann dans le premier couplet de la chanson. La seconde moitié de la chanson est dominée par des cris répétés de « ohhhh », mais ces moments s’avèrent tout aussi puissants – témoignant de l’incroyable pouvoir évocateur de la voix de Bachmann ; elle peut transmettre tant de douleur, de désir et de chaleur en une seule syllabe. Tout cela pour dire que, hormis quelques ratés occasionnels, il est bon de retrouver le groupe avec de nouveaux titres.

***1/2


Departure Duo: « Immensity Of »

21 octobre 2022

Les quatre œuvres figurant sur l’album Immensity Of de Departure Duo représentent un échantillon du répertoire que les deux musiciens – la soprano Nina Guo et le contrebassiste Edward Kass – ont rassemblé pour contrebasse et soprano. Ils espèrent montrer que cette association, bien qu’inhabituelle, est également exceptionnellement musicale. Cet enregistrement dépouillé mais d’une beauté exquise leur donne raison.

Guo et Kass se concentrent sur les œuvres contemporaines, dont la plupart ont été commandées par eux. Ainsi, trois des quatre compositions de l’album, qui couvre la période 2017-2019, ont été écrites pour eux. La quatrième, du compositeur hongrois György Kurtág, date de 1999. La pièce de Kurtág consiste en de courtes mises en musique, à la manière d’une explosion, de vingt-deux sélections spirituelles et aphoristiques tirées des albums (ou « livres de gribouillages ») du physicien Georg Christoph Lichtenberg du XVIIIe siècle.

Conformément à certaines des observations de Lichtenberg, l’écriture de Kurtág est souvent astringente, avec des lignes vocales bondissantes et expressionnistes soutenues par des lignes de basse qui soulignent l’opposition entre les gammes et les timbres de la voix de soprano et des cordes graves. Phrases de Katherine Balch, qui met en scène des fragments du poème Illuminations de Rimbaud, comble le fossé entre la contrebasse et la soprano grâce à une utilisation généreuse de la technique étendue pour la contrebasse, qui la tire vers le haut dans une approximation du registre de la soprano. Tiergarten (« zoo ») de John Aylward, en trois mouvements, étaye l’exécution par Guo des poèmes de Rilke sur le cygne, la panthère et la licorne avec des harmoniques arpégées, des accords épais à l’archet et des lignes staccato à l’archet et pizzicato, respectivement. Immensity Of d’Emily Praetorius est une pièce microtonale calme et lente qui oppose la voix sans paroles de Guo à la basse de Kass, chacun produisant de longues notes glissant vers le bas et vers le haut, s’éloignant et se rapprochant l’un de l’autre.

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