Lauren Redhead: « Imagined Method »

Les trois morceaux composant Imagined Method de Lauren Redhead durent au total un peu moins de 20 minutes. Elle y fait une déclaration concise et passe à autre chose, ce qui est louable. Lauren Redhead est une compositrice électroacoustique et une sculptrice sonore basée au Royaume-Uni qui, du moins dernièrement, se concentre sur la musique chorale associée à l’électronique. Son album Hearmleoþ-Gieddunga, sorti en 2018, est remarquable et figure encore en bonne place sur une liste fantasmée des meilleurs albums de cette année-là.

Sur cette offre, elle mélange les éléments choraux susmentionnés – qui sont souvent présentés de manière quasi-liturgique ou grégorienne – avec des éléments électroniques qui tendent à ajouter de la consonance au chant.  Le style des vocalises rappelle celui de Stockhausen, avec des sons humains et synthétisés qui produisent des couches, des vagues et des sifflements.

Sur la dernière piste, les voix divergent dans une certaine mesure, avec des paroles accompagnant les chanteurs et des crescendos périodiques. L’électronique joue également un rôle plus important et plus particulier, les manipulations sonores présentant les caractéristiques des murs de bruit.

Dans l’ensemble, Imagined Method est une belle façon de passer une partie de l’après-midi avec une expérimentrice en devenir et « en avenir ».

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Tim Stine Trio: « Fresh Demons »

Le guitariste Tim Stine est une présence créative sur la scène musicale de Chicago depuis plus de dix ans maintenant. Originaire du Dakota du Nord, il a sorti des enregistrements avec son quartet et son trio, et a joué en tant que sideman avec de nombreux musiciens parmi les plus intéressants de la ville. Fresh Demons est le deuxième album de son trio avec le contrebassiste Anton Hatwich et le batteur Frank Rosaly ; enregistré en janvier 2018, il fait suite à leurs débuts éponymes de 2016.

Stine a composé les huit titres de l’album et joue de la guitare acoustique sur chacun d’eux. Cela donne un son un peu inhabituel pour un trio guitare-basse-batterie, mais il est très efficace et parfaitement adapté à la substance asymétrique et chromatique typique des compositions de Stine, structurées de manière thématique.

Stine est un excellent guitariste ; lors des passages écrits et improvisés, il joue de longues lignes fluides qui poussent contre le son naturellement staccato de la guitare acoustique. La contrebasse pizzicato de Hatwich, autre voix à prédominance staccato, double et contrepoint les mélodies de Stine et soutient activement ses improvisations. Non moins important pour le son du groupe bien intégré est le battement de tambour de Rosaly – il est fluide et propulsif, et fait swinguer les compositions rythmiquement complexes de Stine.

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Jeremy Ivey: « The Dream and The Dreamer »

Jeremy Ivey sort de l’ombre proverbiale pour sortir son premier LP en solo. L’idée qu’il ait suivi la carrière de sa femme s’évanouit après un premier tour de piste. Ivey s’y connaît certainement en mélodies, il écrit de superbes paroles et possède les qualités vocales nécessaires pour les mettre en valeur. À 41 ans, Ivey a une voix chaude et chaude qui vous fait du bien quand vous la pompez dans vos oreilles.

Inspirée par Dylan, Neil Young et Leonard Cohen, les neuf titres d’Ivey font l’affaire pour un après-midi dans le jardin. L’album s’ouvre avec « Diamonds Back to Coal, » une sorte d’appel aux armes sur ce que nous faisons à notre terre.

La voix d’Ivey est presque suppliante à certains moments, ce qui semble approprié à notre situation actuelle. Margo Price, qui a produit l’album, rejoint son mari pour un joli duo sur « Greyhound ». Le titre « Road Weary » donne le coup d’envoi d’une ambiance rappelent Shovels & Rope le duo folk, composé, lui aussi, d’un maret de son épouse. L’album se termine sur la jolie chanson titre, un morceau au piano qui vous ramène là où nous devons d’être, une maison où il fait bon se percher et, en même temps, se nicher.

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Retirement Party: « Runaway Dog »

Lorsqu’un chien s’enfuit, il revient généralement. Mais parfois, il ne revient pas, et la possibilité d’une telle issue peut être paralysante. L’incertitude exacerbe la peur de la perte.

C’est la métaphore qui donne le ton à Runaway Dog, l’album très énergique de Retirement Party. Somewhat Literate, qui fait suite au premier album du trio de Chicago en 2018, passe la plupart du temps à réfléchir à des choses qui ont disparu – la famille, les amis, les passions – mais c’est loin d’être une affaire solennelle. L’album sort des enceintes avec une power-pop en plein essor et optimiste, et le groupe fait bien plus de bruit que ce que l’on pourrait attendre d’un trio.

Poussé par le rythme tonitruant du bassiste Eddy Rodriguez, « Runaway Dog »- » s’anime avec une énergie palpable, en commençant par l’analogie du chanteur-guitariste Avery Springer qui tente de retrouver sa créativité. « Compensation » développe cette analogie avec un grand air accrocheur sur les pièges et les écueils de la navigation dans le monde de la musique tout en essayant de rester fidèle à soi-même. Dans ces deux chansons, le groupe est au sommet de son art. Elles ne sont pas nécessairement représentatives de Runaway Dog dans son ensemble, mais elles sont une excellente vitrine de ce que Retirement Party fait de mieux.

Par rapport aux albums similaires sur le plan sonore et thématique sortis la même année par Worriers, Diet Cig et Ratboys, Retirement Party se démarque par un son d’une ampleur bouleversante. C’est un son qui se pulvérise de façon désinvolte et charmante. Le morceau de milieu d’album « I Wonder If They Remember You » se détache sur tous les fronts, avec la guitare de Springer qui siffle, la batterie de James Ringness qui s’écrase et clique et la basse de Rodriguez qui s’envole de manière titanesque.

Sous ce chaos contrôlé se cachent de sobres réflexions sur la perte. Avec « Old Age », Springer réfléchit à la mort de deux personnes dans sa vie, et à la façon dont elles lui ont donné une nouvelle perspective sur la condition humaine : « J’en ai perdu et c’était plus qu’une simple perte de poids / Pour une seconde en accord avec tout le monde autour de vous. » (Lost some and it was more than just shedding weight / For a second in tune with everyone around you.) Pendant ce temps, le « Ebb », très joyeux, et l’emo façon Promise Ring qu’est « Fire Blanket » traitent tous deux des retombées d’une amitié qui n’a pas duré. Au lieu de s’appesantir sur la perte, le groupe va de l’avant et se laisse guider par un plus grand sens de l’empathie, de la compassion et de l’appréciation. « Je me suis laissé aller à la complaisance, mais je suis mieux maintenant » ( Messed around with complacence but I’m better off now) chante Springer dans l’aberration réservée « Better Off Now ».

Runaway Dog est bruyant, amusant et attentionné. Il n’a peut-être pas la force d’un auteur-compositeur pour faire crier la foule à chaque ligne du dernier rang, mais le groupe devrait satisfaire ce public en faisant sauter le toit d’un côté ou de l’autre. Retirement Party n’a pas encore atteint son plein potentiel, mais son son son gigantesque, son dynamisme et ses promesses lumineuses devraient suffire à séduire les fans aujourd’hui et dans les années à venir.

***1/2

Woods: « Strange to Explain »

Woods est un groupe de folk indie-électrique,tendance « feu de camp », qui se compose actuellement de Jeremy Earl (chant, guitare), Jarvis Taveniere (divers instruments, production), Aaron Neveu (batterie), Chuck Van Dyck (basse) et Kyle Forester (claviers, saxo). Jeremy Earl et Jarvis Taveniere ont créé un groupe sous le nom de Meneguar, où Earl (actuellement chant et guitare) jouait uniquement de la batterie et Taveniere (actuellement guitare, basse et producteur) était le chanteur et le guitariste principal. Meneguar a sorti trois albums, avant de passer au groupe Woods et d’intégrer Neveu, Dyck et Forester comme membres. Jeremy Earl porte de nombreuses casquettes, car il est non seulement le fondateur du groupe mais aussi le fondateur de leur société de production musicale basée à Brooklyn, intitulée Woodist. Strange to Explain est le dixième album de Woods, influencé par les Grateful Dead mais avec une touche pop progressive façonnée par du mellotron.

« Where Do You Go When You Dream » est une chanson instrumentale, de style boîte à musique, avec des voix douces et pensives venant de loin. Ce « single » contemple la question philosophique de ce qui constitue le domaine inconnu du rêve ; qu’est-ce qui se trouve dans les parties les plus sombres de notre esprit ? « Next to You and the Sea » est une composition électronique surréaliste, avec une mélodie rapide de trilles et de « ahs ». « Before They Pass » transmet une configuration rythmique qui mélange la musique et les paroles en une unité de son où, de manières très concluante, on peut à peine distinguer où le chant se termine et où la musique commence.

« The Void » va réunir le funk et l’électrique pour créer une mélodie douce qui a un soupçon de guitare flamenca et de section de cuivres. C’est un morceau instrumental qui superpose les sons les plus excentriques dans une œuvre d’art. La chanson-titre est l’un des morceaux les plus marquants. « Strange to Explain » utilise des bruits de fond réverbérants pour commencer la chanson, suivis d’une guitare simple mais magnifique et d’un tambourin. L’accent de la chanson repose sur une impression de déjà-vu, comme le dit Earl, « ça peut sembler étrange / suis-je déjà venu ici ? » ( it may feel strange/ have I been here before?). De subtiles onomatopées commencent à s’harmoniser au fur et à mesure que la chanson progresse, illustrés par des dings au xylophone pour relier les couplets au refrain.

Inspiré des symphonies, « Can’t Get Out » suit un style orchestral, rempli de voix lointaines qui résonnent. Woods met en scène des chants faibles, imprégnés de désespoir, lorsqu’ils crient : « Je ne peux pas sortir/ je ne peux pas respirer/ ne le vois-tu pas ? » (can’t get out/ can’t take a breath/ can’t you see?) « Just to Fall Asleep » arbore un chant divin tourbillonnant qui comprend des tambours spatiaux et des voix de falsetto. De même, « Be There Still »- » est une berceuse d’intimité, transmise par des chœurs, des clarinettes et des tambourins de grande qualité, qui souligne la capacité de Woods à mélanger avec succès n’importe quel instrument. Rempli de jingles uniques complétés par une diversité très ciblée de percussions, Woods a ouvert une nouvelle dimension de sa musique dans Strange to Explain.

***1/2

Church Of Trees: « New Bold Dawn »

Church Of Dreams est une création du musicien/écrivain/producteur extraordinaire, Bernard Frazer. Depuis leur premier EP en 2017 (Primitive Creatures), il n’a cessé d’inventer certaines des plus belles œuvres électroniques créées aujourd’hui. La musique de Church Of Dreams est basée sur des mélodies très fortes, des paroles formidables, et une production et des arrangements stellaires.

Pour New Bold Dawn, Frazer est rejoint par deux chanteuses très fortes, Allison Stanton et Tara Hope, mais sur cet album, il trouve aussi sa propre voix et celle-ci est beaucoup plus présente que sur leur premier opus, The Dark And The Light (2018). Si Stanton et Hope sont des chanteuses fantastiques, la présence de Frazer ajoute une nouvelle dimension au son global du groupe. Les trois ensemble ont un son incroyable. Dans l’ensemble, l’album sonne puissant.

Sur le plan des textes, le disque est étincelant. Son timing est également parfait. Les thèmes abordés ici tournent autour de l’isolement, du désespoir et d’un monde quelque peu post-apocalyptique. Écoutez « End Of Days » avec les paroles incroyables « Les magasins sont vides, les bars sont fermés/larmes apocalyptiques, qui sait » ( Stores are empty, bars are closed/Apocalyptic tears, who knows ). Ailleurs, l’album ressemble beaucoup à un très bon film de science-fiction. Les paroles sont très descriptives et se déroulent comme des mini-films quand on les écoute.

Ceci dit, cela reste un album de danse remarquablement bon. Plusieurs des morceaux pourraient facilement être remixés pour être joués en club et, très franchement, avec le son plus dur de New Bold Dawn, on peut penser qu’il sera bien joué dans les clubs et sur la piste de danse. Il rappelle ainsi les albums classiques des années 1980 qui étaient parfaits pour la danse, mais qui pouvaient aussi être appréciés simplement en écoutant et en se concentrant sur les paroles. Ce n’est pas une tâche facile, mais Frazer a réussi.

Cela ne veut pas dire qu’il s’agit d’un album à la sonorité rétro, au contraire. New Bold Dawn est futuriste. Frazer emmène l’électronique et la musique de danse dans de nouvelles directions et de nouveaux domaines. Son mélange de voix, de paroles fortes, de mélodies fortes et de rythmes forts est à l’origine d’un album remarquablement solide. New Bold Dawn est un album parfait pour ces temps d’angoisse.

***1/2

Sailing Stones: « Polymnia »

 « Je voulais vraiment entrer dans le côté sombre de ce avec quoi nous luttons en tant qu’êtres humains, et qu’il n’y a pas de solution facile », dit Jenny Lindon à propos des chansons de Polymnia.

De la pop brillante à la production plus expérimentale, Sailing Stones apporte habilement ses influences d’auteurs-compositeurs des années 70 vers de nouveaux territoires plus ambitieux. Produit par TJ Allen, les morceaux se déroulent à un rythme dramatique et progressif alors qu’elle explore le thème de la consolation dans l’obscurité.

Les connaisseurs apprécieront l’analogie avec Emma Ruth Rundle sur une échelle plus légère. Le grondement à basse fréquence et les rythmes faciles du rythme et de la tonalité de « Free As I’m Gonna Be » saturent les neuf morceaux suivants.

Une pulsation façon « Albatross » viendra étayer le doux « Comfort » avec quelques bruissages rêveurs de son spatial ; cette dernière ambiance servant de lit à quelques lignes de basse fluides sur « The Fire Escape ». La douleur de l’amour et l’amour perdu sont accompagnés d’un subtil ajout de cuivres de deuil.

« Emmanuel » peut très bien apparaître comme l’un des morceaux les plus rares, ce qui ajoute au thème de la fixation sur le répit pendant l’isolement. Cependant, il y a aussi le sentiment très bref qu’il pourrait se transformer en gospel avec l’arrachement des chœurs.

Le morceau le plus emblématique est sans doute « Wasted Moon », qui offre un contraste sublime avec le plus radiophonique « Receive » qui suivra. Le premier est magnifiquement formulé, avec un accompagnement tellement décontracté qu’il est presque statique. L’obscurité, les fenêtres de nuit pluvieuses et la lumière des bougies évoquent une atmosphère nostalgique.

Un autre morceau qui se consume progressivement en drame est le morceau-titre avec des saxophones et des guitares électriques qui s’entrechoquent sur son outro. Le rideau se referme sur des réflexions sur la façon d’échapper aux hauts et aux bas du quotidien. Un « I’ll be free and I’ll survive » provocant et de plus en plus confiant, qui figure sur la dernière chanson, est le message central de l’album.

Le producteur et multi-instrumentiste TJ Allen (Bat For Lashes, Laura Groves) est chargé de la production et de la basse, Dan Moore des claviers et des synthés et Daisy Palmer de la batterie et des boîtes à rythmes. À eux deux, ils ont aidé Jenny Lindon à créer et à peaufiner un ensemble de paysages sonores éthérés et luxuriants. Polymnia est tout simplement un très bel album, un exutoire à son travail qui sonne ici naissance à une collection assurée et confiante.

***1/2

Andi Otto & F.S. Blumm: « Entangleland »

F.S.Blumm est entré dans le studio d’Andi Otto avec toute une palette de cordes et la mission de créer des paysages sonores excentriques et paisibles. Les artistes mêlent guitares acoustiques et électriques, harpes, basse électrique, psaltérion et violoncelle dans onze compositions électroniques allant de la gravité néo-classique (« Entangleland ») à des jams dub espacées (« Active Fault Map »). « Yukiyama » évolue dans des motifs multicouches tressés sur un bruit de bande chaud. « Kilani » rappelle les enregistrements ECM de Rabih Abou Khalil, avec sa gamme orientale et un rythme qui compte jusqu’à sept. Les airs brillent le plus quand le silence prend le dessus, quand les sons trouvent l’espace pour se déployer et se décomposer. Loin d’être des berceuses ambiantes triviales, ces compositions regorgent de détails : Les cloches cliquettent, une kalimba résonne et des synthés vintage induisent leur tension dans la trame acoustique. Andi Otto et F.S.Blumm collaborent en studio et sur scène entre Berlin et Tokyo depuis plus d’une décennie maintenant, l’apogée étant leur précédent album en duo The Bird And White Noise en 2014. Sur Entangleland, Andi Otto contribue à l’enregistrement des violoncelles, de la harpe et des synthés et s’occupe du mixage.

Par rapport à ses récentes sorties, ces morceaux sont moins orientés vers les pistes de danse. Le calme de cet album est un environnement florissant pour Otto, qui peut s’adonner au violoncelle acoustique que l’on entend habituellement de manière plus élaborée dans ses œuvres solo. F.S.Blumm contribue aux enregistrements de guitare et de basse ainsi qu’aux échos de percussions saturées de sa boîte à spirales qu’il a lui-même fabriquée. Blumm est célèbre pour ses productions acoustiques en solo depuis ses premières sorties sur Morr Music ou Tomlab. Il est également apparu à quelques reprises sur Pingipung, par exemple avec son album Up Up And Astray (2013) ou en tant que collaborateur de Lee « Scratch » Perry avec le projet Quasi Dub Development en 2014. Il a enregistré trois albums en duo avec Nils Frahm et est membre du puissant collectif Jeff Özdemir & Friends à Berlin. Entangleland voit les deux artistes tisser ensemble une masse de motifs acoustiques, de mélodies synthétiques, de séqyences musicales joueées à la basse et aux claviers et de jams d’improvisation où la magie émerge de la somme des parties. « Il ne s’agit pas d’accompagner un thème de violoncelle avec la guitare ou vice versa », explique Andi Otto. « L’enchevêtrement des sons signifie qu’il faut lâcher les hiérarchies, que personne n’est le premier. Notre studio n’est pas une salle de contrôle, c’est un lieu d’imagination où l’on démonte les choses et où l’on les assemble ». Dont acte.

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Liar, Flower: « Geiger Counter »

Liar Flower, le nouvel album de Geiger Counter – le dernier projet de KatieJane Garside (Daisy Chainsaw, QueenAdreena, Lalleshwari) et Chris Whittingham – est une collection de compositions qui mêlent des voix douces comme le miel à des paysages sonores instrumentaux rêveurs et magnifiquement produits.

Le morceau d’ouverture « I Am Sundress (She Of Infinite Flowers) » est d’une beauté obsédante qui laisse place à la concoction rock hypnotique de « My Brain Is Lit Like An Airport ». Le paysage sonore en colère se transforme ensuite en « 9N-AFE » psychédélique et déconstruit. Ses sonorités robotisées et décalées en font un titre à part entière.

Le style rock de « Mud Stars », juxtaposé à la mélodie de « Broken Light », vous enchantera par sa variété alors que le morceau suivant, « Even The Darkest Cloud », résonnera à vos oreiles en utilisant des guitares lacérées et des rythmes endiablés avec des voix brutes, ce qui met Geiger Counter dans un état de désarroi total, et en fait essentiellement une cacophonie de musicalité mal assortie.

En comparaison, le morceau suivant, « Blood Berries », est une berceuse lente avec une touche de pressentiment. Les brillantes compétences de production des deux musiciens sont fièrement mises en valeur sur le morceau post-punk « Little Brown Shoes ». La fin du disque sera comme un soleil après une tempête, alors que les instrumentaux commencent à s’éloigner des teintes de morosité, de luxure et de dégoût qui sont restées au premier plan pendant la plus grande partie du disque.

Le sensuel et séduisant « Baby Teeth » se fondra, lui, parfaitement dans le country ‘Hole In My Hand’, tandis que les légères touches du titre « Geiger Counter » offrent une mélodie simple, mais mémorable. Le dernier morceau, » »Doors Locked, Oven’s Off », est le parfait rapprochement entre les sonorités sombres de l’album et ses coins aérés, terminant le disque avec les instruments les plus puissants jusqu’à présent.

Une combinaison déroutante de violence bruyante et de caresses douces qui tient les auditeurs en haleine tout au long de l’album. Geiger Counter est aussi méditatif que cauchemardesque, aussi mystérieux que omniscient. Le disque grandit avec chaque écoute et à la fin, s’imprègnera jusqu’à ce qu’on soit prête à le rejouer.

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Locate S,1: « Personalia »

Christina Schneider s’est identifiée sous de nombreux noms musicaux dans le passé, tels que Jepeto Solutions, CE Schneider Topical et Christina Schneider’s Genius Grant, mais depuis la sortie de son disque Healing Contest en 2018, vous pouvez la trouver en train de créer Locate S,1. Produit, conçu et mixé par le partenaire et frontman de Of Montreal Kevin Barnes, Locate S,1 est , ici, l’avatar une artiste qui aime vraiment le processus d’écriture et de jeu avec ses passions personnelles à l’esprit, en enregistrant sa musique ici à Athens en Géorgie. Son dernier LP, Personalia, guide l’auditeur à travers une réverbération obsédante grâce à sa pop space-age. Élégant mais discordant, Locate S,1 entrelace avec précision des refrains de rock électro-psychique et prend des tournures funky tout au long de sa tracklist, pliant des notes et dappant des mélodies avec des voix de fée.

L’album, propice à la danse et aux clubs, a un son pétillant avec une mentalité punk qui s’en fout, formant un sentiment pétillant avec une transe édifiante. Les progressions d’accords inspirées du jazz ont un rythme imposant tout en maintenant une âme en fusion, séparant les chansons du monde à une distance éthérée. Trippant et tendre, Personalia présente une version à multiples facettes de la pop de chambre qui prouve que Locate S,1 ne peut pas être limité par un seul genre.

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