Irreversible Entanglements: « Open The Gates »

24 novembre 2021

Irreversible Entanglements a été qualifié de groupe de free jazz, mais il serait malvenu de cataloguer ces cinq explorateurs musicaux. Nés d’une nécessité sociopolitique, Moor Mother (voix, synthé), Keir Neuringer (sax), Aquiles Navarro (trompette), Luke Stewart (basses) et Tcheser Holmes (batterie, percussions) sont en train de devenir collectivement une force emblématique des années 2020. Leur utilisation du jazz comme base – libre mais aussi orientée vers le groove – sert de point de départ à des excursions vers d’autres formes musicales ainsi que vers des préoccupations de justice sociale, d’afro-futurisme et de notre relation avec le grand univers. Les comparaisons avec Sun Ra et l’Art Ensemble of Chicago, tant sur le plan musical que spirituel, ne seraient pas erronées.

Les textes de Moor Mother sont des poèmes parlés. Il n’est pas clair dans quelle mesure elles sont préconçues ou en flux de conscience. Quoi qu’il en soit, l’auditeur n’a pas besoin de suivre au départ le fil sémantique de ses passages – le sens devient clair à travers le choix de ses mots. On ressent ce qu’elle dit avant même d’avoir la possibilité d’appliquer la cognition. Et ses histoires et observations sont des représentations tranchantes d’événements actuels et d’histoires réfléchies.

Sur le plan musical, Irreversible Entanglements couvre un large éventail de structures, allant d’explosions de formes libres à des rythmes denses. En plus des influences mentionnées ci-dessus, il y a une touche de soul, de funk et de fusion. Mais Open The Gates – un double album – donne au groupe l’occasion d’explorer son côté spacieux et psychédélique, avec des morceaux plus longs comprenant des mouvements atmosphériques. On y trouve également une forme d’exaltation, qu’il s’agisse des cornes de Neuringer et Navarro, qui s’élèvent et discordent simultanément, ou du refus de Stewart et Holmes de rester assis ou de jouer de manière conventionnelle.

Qu’ils aient demandé ce rôle ou non, Irreversible Entanglements est devenu un porteur de culture, lançant des avertissements sur les inégalités passées, présentes et futures. Leur musique peint une image de l’Amérique sombre – où l’espoir s’estompe mais n’est pas perdu… pour autant.

***1/2


Richard Skelton: « A Guidonian Hand »

24 novembre 2021

A Guidonian Hand possède un lien fort et pur avec le passé antique. Dans la musique médiévale, la main guidonienne était un moyen mnémotechnique qui aidait les chanteurs à apprendre à chanter à vue, un système dans lequel chaque partie de la main était associée à une note particulière. La musique de Richard Skelton s’est enfoncée dans l’histoire gonflée et souvent violente de l’Angleterre, ses marais troubles, ses forêts anciennes, ses chapelles sacrées et ses villages couverts de brouillard. En ce sens, A Guidonian Hand s’inscrit dans la continuité de son style, où le souffle vicié des siècles passés résonne dans la nuque.

La musique de Skelton semble aussi vieille et froide que les os d’un squelette, ses cordes se corrodant comme un bronze séculaire. Tantôt criarde, tantôt rampante, la musique se tord dans des tons tortueux et vibre aux coups de poignard d’Halloween de rythmes électroniques subtils. C’est un déterrement.

Ainsi, les mélodies résonnent encore et encore, comme des hymnes inquiets et tremblants, écrits sur des morceaux de parchemin jaune érodés et provenant d’une période de l’histoire perdue depuis longtemps. Il est possible d’imaginer que la musique s’est logée à l’époque médiévale, attendant le bon moment pour sortir de sa cellule imprégnée de terre.

Les cordes abrasives sont épaisses et ont du mal à bouger sans craquer, faisant des gestes légèrement désordonnés et des mouvements bégayants. La musique vient d’en bas et du passé, où les drones soutenus et luisants et les rythmes en pointillés passent à l’âge moderne. Et l’âge n’est pas un problème pour la musique, car elle émane du paysage anglais vivant, une présence dynamique et incessante. Les mélodies sont éparses et sont enveloppées, ou restreintes, par des vêtements étroits et entravés, ce qui fait monter la tension. Les collines, les vallées, les crêtes, les rochers – ces choses ne vieillissent jamais, et la musique non plus.

***1/2


Courtney Barnett: « Things Take Time, Take Time »

23 novembre 2021

Courtney Barnett n’est pas exactement la voix de sa génération. Après tout, la musique de cette auteure-compositrice-interprète australienne de 33 ans ne fait qu’effleurer certaines des caractéristiques qui définissent les milléniaux, qu’il s’agisse d’un engagement constant en faveur de la justice sociale, de l’exploration de nouvelles identités raciales, sexuelles et de genre, ou de dépendances en ligne.

Eourtant, le troisième album solo de Barnett, Things Take Time, Take Time, capture quelque chose de profondément vrai et profond sur la façon dont elle, et ses contemporains, se rapportent au monde et aux autres. Alors que nous aspirons constamment à une véritable connexion humaine à travers le vide numérique, le dernier lot de chansons douces et ouvertes de la chanteuse ne se contente pas d’exprimer les angoisses sociales endémiques d’une génération, mais fournit même un plan infiniment empathique pour y faire face.

Barnett a déjà accumulé un petit catalogue, mais incroyablement formidable, qui regorge de textes d’observation intelligents et d’accroches power-pop contagieuses. Things Take Time, Take Time n’est donc pas une rupture avec Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit datant de 2015 ou Tell Me How You Really Feel en 2018, mais plutôt une cristallisation complète de ses instincts mélodiques et des thèmes qu’elle a précédemment explorés. Elle a écrit la plus grande partie de l’album en 2020, enfermée seule dans un appartement de Melbourne pendant qu’elle surmontait la pandémie de Covid-19, et c’est pourquoi un sentiment de solitude imprègne ses 10 compositions.

En effet, plutôt que d’enregistrer avec son groupe de tournée, Barnett n’est accompagnée que de Stella Mozgawa de Warpaint, qui a coproduit l’album avec l’artiste. Le résultat est confortable et intime, avec plusieurs morceaux utilisant des motifs de base de boîte à rythmes à la place de kits live plus puissants. Il n’y a pas de chansons rock trépidantes comme « Pedestrian at Best » ici, plusieurs morceaux – « Here’s the Thing », « Splendour » – se délectant plutôt de leur langueur.

Malgré cela, et malgré les explorations candides de Barnett sur ses difficultés à accomplir ne serait-ce que sortir du lit, Things Take Time, Take Time ne cède jamais au découragement. En fait, c’est l’album le plus joyeux de Barnett à ce jour, le résultat de sa persistance à tendre la main au reste du monde plutôt que de s’y soustraire. Par exemple, dans le morceau d’ouverture viscéral, « Rae Street », Barnett se réveille le matin avec rien à attendre : « Il se peut que je change mes draps aujourd’hui », dit-elle en haussant les épaules. Mais plutôt que de se complaire dans le désespoir, elle voit une opportunité de passer la journée à regarder par la fenêtre et à observer les gens. Elle énumère des observations apparemment banales, son jeu de guitare décontracté reflétant le rythme tranquille de la journée qui se déroule devant elle : un camion à ordures qui passe, des peintres qui travaillent sur une maison de l’autre côté de la rue, une mère fatiguée à côté qui hurle que ses enfants sont déchaînés.

Mais de ces petits moments éparpillés dans « Rae Street » émergent de profondes intuitions humaines : « Pose tout sur la table/Tu sembles si stable/Mais tu ne fais que t’accrocher » (Lay it all on the table/You seem so stable/But you’re just hanging on), observe Barnett. Elle chante probablement autant sur elle-même que sur les autres, mais cela ressemble davantage à un appel direct à l’auditeur.

Barnett passe une grande partie du reste de l’album à nous chanter directement. Des paroles comme « Est-ce que tu vas bien, est-ce que tu arrives à joindre les deux bouts ? /À la fin de la journée, tu es réveillé par tes pensées / Et je ne veux pas que tu sois seul » (Are you good, are you making ends meet?/At the end of the day you’re awake with your thoughts/And I don’t want you to be alone) ressemblent aux mots d’encouragement d’un vieil ami. Barnett n’a pas inventé cette astuce, qui existait déjà bien avant que YouTube et TikTok ne fassent des relations parasociales une réalité. Selon Paul McCartney, John Lennon et lui ont fait appel à leurs fans en leur adressant de manière subliminale des chansons comme « She Loves You » et « Thank You Girl » ; cela a fonctionné de manière spectaculaire à l’époque et, dans les mains de Barnett, cela fonctionne toujours.

Cependant, autant qu’elles offrent de la solidarité aux autres, ces chansons sont clairement très personnelles pour Barnett, qu’elle s’ouvre à un nouvel amour sur la charmante « If I Don’t Hear from You Tonight ou qu’elle se saisisse des méthodes pour surmonter la dépression sur « Turning Green » et « Write a List of Things to Look Forward To ». Ce sentiment de réalisation de soi s’étend à la musique elle-même. La voix plate et ironique de Barnett et son style de chant conversationnel ont toujours conféré à ses chansons un flair personnel. Mais il est remarquable de constater à quel point elle est capable de synthétiser tant de souches musicales familières – le fingerpicking bluesy de « Before You Gotta Go », l’ambiance indie-pop pétillante de « Write a List of Things to Look Forward To », les synthés new-wave excentriques de « Sunfair Sundown » »- que les chansons sonnent comme si personne d’autre n’avait pu les écrire. La simplicité des arrangements signifie que chaque mélodie doit faire le gros du travail pour souligner l’impact émotionnel des paroles.

Les choses se précipitent sur le dernier morceau de Things Take Time, Take Time, « Oh the Night » » où Barnett exploite au maximum les caractéristiques de l’album. Au début, le piano austère qui anime la chanson semble être un signe inutile d’intimité et d’authenticité. Mais dès que Barnett entre dans le vif du sujet, la puissance émotionnelle de la chanson devient indéniable. « Désolé » d’avoir été lent », tu sais qu’il faut un peu de temps pour montrer ce que je ressens vraiment, ne me rejoindras-tu pas quelque part au milieu, sur notre propre fuseau horaire ? » (Sorry that I’ve been slow, you know it takes a little/Time for me to show how I really feel/Won’t you meet me somewhere in the middle/On our own time zone). Et où que soit ce fuseau horaire, vous aurez l’impression de vouloir l’y rencontrer. Comme on le dit souvent, Bob Dylan avait le doigt sur le pouls de sa génération. Si c’est le cas, alors Barnett aura toujours une main réconfortante posée sur l’épaule de la sienne.

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Flyying Colours: « Fantasy Country »

19 novembre 2021

Flyying Colours est l’un des combos favoris de la scène psyche-pop et, depuis sa formation en 2011, on a pu constater qu’il a su tirer parti du genre psycho-gazeux. Cela fait partie intégrante de leur son jdistrayant, de la musique pour une longue virée en voiture ou une journée ensoleillée à la plage. Au début de l’année 2020, ils ont sorti leur « single » « Goodtimes », mais ils ont attendu la sortie de Fantasy Country, en partie à cause de la pandémie.

Ce quatuor, composé des membres fondateurs Brodie J Brümmer et Gemma O’Connor ainsi que de Melanie Barbaro et Andy Lloyd-Russell, travaille dur et le fait de ne pas pouvoir partir en tournée a dû être difficile, c’est le moins qu’on puisse dire. La façon dont ils parviennent à tirer le meilleur parti de leur magnifique pop psychédélique me fait croire à une intervention divine. Mais peu importe la manière dont cela se passe, ils réussissent un nouvel exploit sur ce deuxième opus Les deux premiers « singles », « Goodtimes » et  « Big Mess », sont déjà connus depuis un certain temps, et il n’y a pas grand-chose qui puisse entraver les éloges des critiques musicaux qui n’ait déjà été dit.

« Goodtimes » présente, en effet, une dichotomie intéressante entre la mélodie enjouée et les perspectives lyriques quelque peu douteuses. Le chanteur répète même « gonna have gonna have a good time » »dans le refrain, comme s’il avait besoin de se convaincre lui-même. Il se peut qu’elle ne soit pas proche de la vérité mais, quoi qu’il en soit, cette chanson s’envole et ne manquera pas de vous faire sourire. « Big Mess «  est encore plus accrocheuse, avec une mélodie principale qui vous fera tapee du pied et un titre qui décrit au mieux le chaos que nous avons tous traversé. La composition est antérieure à la pandémie, mais elle s’accorde parfaitement avec des événements mondiaux dont on aurait tous aimé qu’ils ne soient jamais arrivés.

« Ok », le troisième « single » est sans doute la chanson-phare de l’album. Une fois de plus, elle affiche une perspective grise qui surplombe la mélodie enjouée et qui montre que le groupe a exploité les meilleurs sons des années 90 et les a associés à leur propre vision des genres mêlés du shoegaze et du psychisme. « Its Real », de son côté, est une affaire discrète, bien qu’elle soit chargée d’un fond dream-pop et d’un bel échange de voix masculines et féminines.

« White Knuckles », un space rock bourdonnant, avec une montée massive du volume, fera sûrement vibrer vos sens. C’est le morceau le plus long, avec un peu plus de cinq minutes, et dès que vous serez pris dans son ambiance lourde, il se fondra dans le noir avec un « Eyes Open » qui vantera une sorte de psychisme cosmique, un autre voyage interstellaire avec des houles sonores presque douces, qui vous submergent vague après vague avec des paroles marmonnées en arrière-plan comme un mantra, empli de froidure. « This One » sera un autre brulot garage avec des accroches et riffs de tueur, éléments qui pourraient en faire un quatrième et évident « single ». « Boarding Pass’ » fermera la marche ; un beau morceau avec le même penchant pour la mélodie et l’harmonie que ce groupe possède à la pelle ! Dans l’ensemble, il s’agit d’une excellente sortie de l’un de nes groupes préférés dans ce genre. Hautement recommandé pour tous les fans de shoegaze, dream pop et psych pop des années 90.

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She Spread Sorrow: « Huntress »

19 novembre 2021

Le quatrième album du groupe italien She Spread Sorrow (Alice Kundalini) est censé narrer l’histoire d’une chasseresse et de sa relation morbide et psychotique avec sa proie . Bien qu’il y ait six titres d’une durée totale de quarante minutes, ils s’enchaînent et ressemblent davantage à une suite unifiée. Le communiqué de presse précise qu’il est né après 3 ans d’enregistrements intenses (et) poursuit le besoin de murmurer des histoires secrètes et interdites et de stimuler les ombres les plus profondes de l’être humain, en explorant les frontières entre le délicat et le violent.

L’expérience d’écoute est tout à fait gratifiante pour celui qui trouve cette description intrigante. L’effet global est cette rare réalisation artistique où la brutalité et la beauté s’entremêlent dans un paysage hypnotique d’émotions profondes. Le son unique de Kundalini est à la fois industriel et dark ambient, avec des brosses de death metal, de noise rock et de grands espaces psychédéliques comme les premiers Pink Floyd.

Le morceau d’ouverture, « Blue » (qui est aussi le nom du protagoniste), commence par des tambours tribaux et un drone à combustion lente qui rappelle le space rock, voire le krautrock par moments. Les voix, qui restent les mêmes pour la plupart des morceaux, sont des chuchotements étouffés, souvent déformés, et si bas dans le mix que les paroles sont à peine discernables tout comme le deuxième morceau, « Get Me ».

 

Le titre suivant, « Stand », est plus industriel, de type old school, avec des synthétiseurs et une boîte à rythmes dans la veine de NIN, mais le chant continue de façon unique. « Dragonflies » commence avec des claviers en mode drone et des grognements de mort sont ajoutés au chant. Ces cinq minutes obsédantes rapprochent l’album d’une musique qui conviendrait à une bande originale de film d’horreur, troublante, tout en étant parfois simultanément luxuriante et apaisante.

« Inside », à cet égard, existe sur deux couches uniques – la même répétition minimale et un paysage de rêve rythmique Floydien, et aussi divergentes qu’elles puissent paraître, elles fonctionnent parfaitement l’une sur l’autre. Les deux se construisent lentement et sinistrement jusqu’à un crescendo et les voix réapparaissent avec les chuchotements sinistres désormais familiers, ainsi que des cris noise-rock, similaires à ceux utilisés par des groupes comme The Body.

La dernière piste, « Parasomnias », est aussi de loin la plus longue, avec 10:33. Tous les tropes utilisés jusqu’ici sont répétés avec de subtils changements de tempo et de dynamique, il y a juste plus de tout à la fois alors que l’album s’élève vers un point culminant émotionnel et sinistre.

Pour une première expérience avec She Spread Sorrow, on ne pourra pas dire comment il se compare à d’autres œuvres et jc’est pour cette raison que l’on définitivement Huntress à tout lecteur qui apprécie ces styles musicaux.

***1/2


Zuzu: « Queensway Tunnel »

17 novembre 2021

Le tourbillon liverpudlien qu’est Zuzu a enfin sorti son premier album Queensway Tunnel et il récompense votre patience à chaque chanson alors que la gloire se déploie dans vos oreilles. Alors, sans plus attendre, plongeons dans l’univers de l’album un opus à faire découvrir. Les choses démarrent avec l’indie stomp de «  Timing » » qui présente parfaitement l’étalage de Zuzu avec des mélodies entraînantes, de l’énergie à chaque tournant et ces voix brillamment uniques et pleines de caractère. « Lie To Myself «  a une vibration plus alt-pop, mais ce n’est pas un produit édulcoré de Los Angeles, Zuzu chante avec son cœur le côté honnête et laid d’une rupture sur un morceau qui mérite d’être joué fort devant une mer de fans qui l’adorent lorsque le soleil se couche et que quelqu’un allume les torches. Le récent « sngle », « My Old Life », complètera la trilogie d’ouverture et s’il existe un morceau plus cru et ouvert sur le fait de repartir à zéro après une relation toxique, on ne l’a encore jamais entendu.

« The Van Is Evil » » nous emmène dans une direction plus originale, Zuzu étant confrontée au conflit entre son désir de sauver la planète et son besoin de se rendre à des concerts dans un van déglingué pour gagner sa croûte. Ensuite, « Toaster » nous invitera à un slow, en nous chuchotant à l’oreille « You know you’re getting on when you get given a toaster » (Vous savez que vous avancez quand on vous donne un grille-pain) pour vous faire comprendre qu’elle n’est pas contente que le temps avance.

« Bevy Head » est le titre-phare parmi tous les morceaux, en raison de la légèreté et du dynamisme pop de la mélodie, combinés à l’ouverture et à l’honnêteté des paroles. Mais là encore, « Where’d You Go ? » » virevolte et tourne en spirale comme un thème de James Bond, avec des touches de Garbage, Amy Winehouse et les Zutons, le tout mélangé avec des résultats dévastateurs. 

Avec les trois derniers titres, nous avons « Never Again » qui montre la capacité naturelle de Zuzu à, premièrement, construire un refrain fantastique et, deuxièmement, à vous couper net avec des paroles directes et désarmantes comme « You’re a piece of shit and so are all your stupid friends » (Tu n’es qu’une merde tout comme tes amis) alors que « Endlessly Yours » sera une chanson d’amour pleine d’élégance et de style qui vous transportera dans un endroit magnifique le temps d’une chanson. L’album s’achève avec le titre « Queensway Tunnel », la fin parfaite d’un album presque parfait qui voit Zuzu disparaître dans le tunnel en direction d’une nouvelle vie alors que le soleil se couche une fois de plus sur la Mersey. Zuzu est un talent véritablement étonnant et étincelant que nous devrions tous soutenir et apprécier pour le bien de votre santé et de votre âme. 

***1/2


Mess Esque: »Mess Esque »

15 novembre 2021

Mick Turner et Helen Franzmann auraient pu choisir un nom plus approprié pour leur projet commun car la musique de Mess Esque est tout sauf « désordonnée » (messy), mais en substance, les amis de la chanson indépendante bien élevée obtiennent exactement ce qu’ils attendent du guitariste et artiste solo de Dirty Three, Mick Turner, avec un gros bonus sous la forme de contributions vocales de sa compatriote, la compositrice Helen Franzmann (qui a sorti trois albums sous le nom de Mckisko ces dernières années).

Déjà sur son dernier album solo, Don’t Tell The Driver, le musicien instrumental jusqu’alors orthodoxe a dévié de son dogme et a travaillé non seulement avec un groupe et des cuivres mais aussi avec des chanteurs. Cette fois, cependant, il a voulu aller plus loin et travailler sur les chansons en collaboration avec un autre auteur. Comme Mick vit à Melbourne et Helen à Brisbane, ils étaient censés se rencontrer pour lancer le processus, mais ils l’ont programmé pour 2020.

Ainsi, les enregistrements sont devenus un va-et-vient interactif, mais séparé dans l’espace, Turner et Franzmann façonnant ensemble le matériel selon le principe musique-chant-révision-chant-révision, etc. Cela a conduit à un résultat remarquablement organique – qui ne laisserait jamais supposer que les deux acolytes ne se sont pas rencontrés en personne avant la fin du travail.

De quoi s’agit-il ? Les accords de guitare de Mick Turner, presque tendrement caressés, au ralenti, ont servi de base à partir de laquelle Helen a cherché des équivalents vocaux – parfois sans, parfois avec des mots – que Mick a ensuite pris en compte en conséquence lors de la révision et a adapté la musique pour sa partie. Le fait que l’ensemble ne sonne pas comme un disque de Dirty Three sans violon mais avec des voix est dû au fait quele duo a trouvé le chemin de structures de chansons étonnamment mélodiques et harmoniquement intéressantes malgré le point de départ improvisé (même si elles ne sont pas toujours résolues ou conclues de manière cohérente). Avec des protagonistes aussi empathiques, il n’est pas nécessaire de s’inquiéter du contenu émotionnel de l’ensemble de l’histoire.

***1/2


Cool Ghouls: « At George’s Zoo »

14 novembre 2021

Le quatuor de rock psychédélique originaire de San Francisco Cool Ghouls sort ici son nouvel album composé de de 15 titres, At George’s Zoo, un opus dans lequel il arbore fièrement ses influences en distillant avec succès une certaine ambiance musicale rétro de la scène de San Francisco et la réimaginant pour le 21e siècle.

Le morceau d’ouverture « It’s Over » rappellra un groupe comme The Association dans la façon dont les membres du groupe s’harmonisent, alors qu’ils chantent « It’s the beginning of a new wave » d’une manière qui semble avoir été construite à partir d’une fumée d’herbe issue de « The Age of Aquarius », ceci sans oublier l’utilisation parfaite d’un cor pour donner à la chanson une touche supplémentaire. « Smoke & Fire » fera montre dd’un échirement façon Allman Brothers jusqu’à ce que le quatuor de voix harmonisées intervienne à nouveau et vous rappelle que(il ne sagit pas des artistes précités. Demeurent pourtant les longs solos de guitare datant d’une autre époque pour donner suite et corps à l’ensemble.

Il y a, en effet, de la variété ici, aussi, et chaque titre ne canalise pas les mêmes influences. Par exemple, « Land Song » est un morceau plus lent, avec des flûtes et des cordes douces, et évite l’harmonisation des premières chansons pour un morceau plus solo qui rappelle le côté moins psychédélique de la musique provenant de Laurel Canyon dans les années 1970. Bien que quelques chansons soient moins distinctives, « The Way I Made You Cry » utilisera une belle section de piano et de cornes qui rappelle d’autres groupes comme Chicago ou Steely Dan. Vers la fin de l’album, « Surfboard » est le morceau plus Beach Boys que les Beach Boys avec même un petit « WooOOOooo » en arrière-plan qui semble être un clin d’œil direct au genre de surf rock boppy dans lequel ledit groupe s’est spécialisé au milieu des années 1960.

Dans l’ensemble, on peut apprécier l’attrait de cet album, qui donne l’impression d’être un artefact d’une autre période de la musique rock, depuis longtemps révolue. On dit souvent que l’imitation est la forme la plus sincère de la flatterie, et The Cool Ghouls ont vraiment repris les différents sons des groupes susmentionnés pour créer quelque chose qui leur est propre. C’est d’autant plus remarquable qu’il est réalisé maintenant et qu’il ressemble à une tentative sincère de préserver une forme de musique qu’il est de plus en plus difficile de trouver chez un groupe en devenir. En ce sens, At George’s Zoo est une ode au passé qui le ramène au présent, et en cela, il est tout à fait réussi.

***1/2


Bitchin Bajas: « Switched On Ra »

7 novembre 2021

Près de quatre ans après leur dernier LP Bajas Fresh et trois ans après une rétrospective luxuriante, les drones synthétiques de Chicago Bitchin Bajas sortent un hommage réinterprété de huit titres à leur idole Sun Ra, qui sort ici en numérique et sur cassette.

Switched On Ra est, en effet, le résultat d’un exercice typique des Bajas : en verser un peu pour les pionniers qui les ont précédés (comme ils l’ont fait avec Bitchitronics et leur participation à la représentation annuelle de Chicago de « In C » au fil des ans). C’est une bonne façon d’obtenir un flux – ils jouent un peu d’eux-mêmes, puis un peu pour les pionniers, puis un peu plus pour le groupe. En peu de temps, ils jouent avec les inspirations entremêlées, car elles ne peuvent venir que de l’intérieur. Pour Switched On Ra, cela signifie une plongée profonde dans le song-book de l’un de leurs prédécesseurs de l’âme, Sun Ra, dont la musique est littéralement inscrite dans l’ADN des Bajas. Se plonger dans cette musique avait l’air fou sur le papier : le groupe de synthétiseurs de drones reprenant les harmonies de l’Arkestra et les grooves lâches de Ra ? L’astuce consistait à faire en sorte que ce sens du rythme se traduise de Ra à Bajas, d’une manière qui leur convienne à tous les deux.

Sun Ra était bien sûr son propre type de visionnaire original du clavier, utilisant des claviers électriques à la fin des années 40 et 50 pour remplir un rôle dans le jazz qui avait traditionnellement été joué sur un piano acoustique uniquement. Une fois qu’il l’a fait, il a poussé son écriture dans des directions inspirées par l’électricité, dans des endroits où personne n’avait pensé à aller avant. Faire ce qu’il faisait sur les touches était une prise de position pour l’individualité qui est devenue le rayonnement de fond de son voyage à travers le cosmos ; la recherche d’un endroit au-delà de la domination terrestre, pour tous les gens qui voulaient désespérément se barrer. Les Bitchin Bajas se sont contentés de dominer dans un monde microtonal, généralement sans un seul accord à trouver nulle part. Mais ici, ils s’avancent avec droiture, leur vibration se triangule en faisant avancer la musique de Ra avec le style de Wendy C, créant un espace inattendu pour que tous puissent s’épanouir. Il y a un véritable sentiment de joie lorsque ces signaux collectés rebondissent sur la bande et traversent les haut-parleurs pour atteindre votre espace. À cet égard, Switched On Ra est une célébration effervescente de la musique à travers le temps et l’espace.

***1/2


Lake Mary: « Once It’s All On the Ground »

6 novembre 2021

Comme beaucoup d’entre nous, on rêve depuis presque deux ans d’une vie sans frontières, sans attaches. Il y a beaucoup de gens que l’on a pas vus depuis longtemps et beaucoup de choses qui n’ont pas été faites depuis tout aussi longtemps. Parfois, on le remarque à peine. La plupart du temps, c’est l’épée de Damoclès qui ne demande qu’à tomber. La musique a toujours été un répit et sur ce dernier album du toujours excellent Lake Mary, Chaz Prymek et une équipe de vedettes (dont Yasmin Williams, Patrick Shiroishi et M. Sage, entre autres) tirent le rideau pour un moment et laissent l’air entrer.

La musique de Prymek donne toujours l’impression qu’elle peut se transformer en ce dont on a besoin à ce moment-là. C’est comme un élixir psychique puissant qui peut changer sa constitution pour le mal qui est le plus présent à ce moment-là. C’est une musique qui a puisé dans une veine cachée de l’éther conjonctif où il est capable de tisser ces toiles chaudes et spectrales qui nous rencontrent là où nous sommes. Once It’s All On the Ground est stupéfiant à cet égard, car les bords y sont si doux, mais le sentiment sous-jacent reste lourd.

Sur la chanson titre, des éclats de lumière percent un à un les petits trous d’un cocon de tissu. J’aime quand le morceau le plus long d’un album est le premier, car les intentions deviennent claires. Once It’s All On the Ground est un livre ouvert rempli de pages blanches et les mémoires émotives de Prymek sur le premier morceau chantent la vie dans des nuages de néant. Une silhouette lointaine se profile, mais nous restons immobiles dans cette lueur matinale alors que les drones s’étendent et que chaque note plaintive s’attarde un peu plus longtemps que prévu. Il y a dans ce morceau un air qui s’étend sur toute la longueur de l’album et qui fredonne tranquillement un hymne rassurant, une voix qui murmure : « Je serai toujours là ».

C’est lorsque Prymek collabore avec ses amis que les sentiments d’éloignement et de retrouvailles sont les plus forts. Les contemplations du piano en boucle de Yasmin Williams percent le brouillard résonnant de « The Flowers Above You Are Blooming This Time of Year ». Les houles contenues du lapsteel grimpent dans un ciel rétroéclairé, la concentration sanguine du piano poussant toujours le mouvement en avant. La tendresse s’épanouit en une détermination totale à retrouver le chemin de la descente. C’est un peu mélancolique mais baigné d’une lumière diaphane. Chaque répétition est un point sur une carte où le X est la maison.

Ailleurs, Patrick Shiroishi continue de faire en sorte que chaque moment de 2021 compte, en ajoutant d’éloquents étirements lyriques à la fin de la berceuse enchanteresse « Only Angels, No Masters ». Once It’s All On the Ground est un monde sonore peuplé de fantômes en voie de disparition où l’on peut prendre ce dont on a besoin et laisser ce dont on n’a pas besoin. Il n’y a pas de bagage émotionnel dans ce monde, il n’y a que des traumatismes et des inquiétudes que nous n’avons pas encore traités. Lorsque Shiroishi revient sur le morceau le plus proche, « My Sweet Pup », la joie et le soulagement inondent les volutes de son saxophone. Des accords de piano flottants soulèvent les pincements de la guitare de Prymek vers le jour radieux qui s’annonce, les voix sans paroles d’Anna Wilson nous invitent. Once It’s All On the Ground est un album cousu ensemble par le chagrin, la perte, la catharsis, l’isolement et le plaisir resplendissant de survivre pour revoir le soleil.

***1/2