Modest Mouse: « The Golden Casket »

3 juillet 2021

Malgré son titre quelque peu effronté, The Golden Casket nous montre un Modest Mouse imprégné d’optimisme. Ce groupe d’indie-rock vétéran a parcouru un long chemin depuis Strangers to Ourselves en 2015, un projet en gestation depuis longtemps qui a vu le « frontman » Isaac Brok s’agiter sur tout, des questions environnementales à la cupidité des entreprises – exprimée dans ses pensées habituellement embrouillées et éparpillées. Mais il a également montré comment la troupe du nord-ouest du Pacifique s’est installée confortablement dans un sens musical qui, malgré une durée de 77 minutes, prouve qu’aucune quantité de musiciens invités ou de producteurs ne peut remplacer la qualité à composer des chansons. Et, pour un groupe aussi idiosyncratique que Modest Mouse, c’était, à cet égard, un projet plus qu’intimidant.

Cela ne veut pas dire que leur septième album studio, et le premier en six ans, n’a pas la saveur hymnale qui a aidé à propulser leur « single » « Float On » vers un succès radio massif en 2004. Le groove dansant de « We Are Between » et ses paroles qui englobent tout le monde sont ce qui se rapproche le plus de ce succès, alors que les ceffluves de synthé de « Leave the Light On » ressemblent à ceux de Zooropa de U2. Dans les deux cas, Brock maintient une position positive et communautaire, qu’il soit prêt à accueillir les autres à bras ouverts ou qu’il chante à quel point il est bon d’être en vie.

L’essence même de lrxistence est explorée ici de différentes manières, un concept qui, selon Brock, ne vaut pas la peine d’être longuement médité. Sa joie semble naturelle et non forcée avec un « We’re Lucky » sur lequel il se sent privilégié d’apprécier ce que la vie lui offre au moyen de guitares sonnantes caractéristiques et d’une section de cuivres. La paternité est également au cœur de ses préoccupations, comme sur « Lace Your Shoes », un rocker émouvant et envolé où il décrit en détail les nombreuses façons dont il a hâte de voir son enfant grandir. Brock, cependant, est tout aussi préoccupé par le monde dans lequel il a inévitablement amené son fils et sa fille. Il n’est pas naïf face à la laideur de la vie quotidienne dans « Never Fuck a Spider on the Fly », où il critique les divisions politiques toxiques qui nous rendent plus fermés d’esprit. En revanche,e Brock partage toute l’étendue de ses appréhensions sur le morceau central de l’album, « Transmitting Receiving », où il parle de la manière dont la technologie nous contrôle et de la façon dont nous laissons faire – même si ses illusions le poussent à bout : « Rien dans ce monde ne me pétrifiera, nous nous répétons » (Nothing in this world’s gonna petrify me, we are repeating).

Bien que The Golden Casket montre Modest Mouse sous son jour le plus accessible et le plus mélodieux, un changement créatif qui a commencé avec Good News For People Who Love Bad News en 2004, ils reviennent à certains des aspects expérimentaux qui ont défini une grande partie de leurs premiers travaux. Les chansons punk-lite vigoureuses (« Japanese Trees ») s’équilibrent avec une palette sonore plus riche (« The Sun Hasn’t Left »), semblable à l’utilisation éparse de sons électroniques texturés que The National a utilisée sur Sleep Well Beast en 2017. Et bien que certaines de leurs idées ne se développent pas complètement, la diversification de leur son dans un cadre guitar-rock revitalise la dynamique du groupe.

Cette facette plus évidente de Modest Mouse peut continuer à rebuter les détracteurs qui apprécient leur travail des années 90, en particulier ceux qui aimaient leurs affectations sinueuses et post-rock. Cela peut être ressenti comme une perte, car ils étaient si bons dans ce domaine, bien sûr. Mais Brock n’a rien perdu de sa bizarrerie inhérente – ses tendances névrotiques sont même habilement intégrées aux sentiments du groupe. Le seul élément qui puisse apaiser tous les camps est le morceau de clôture « Back to the Middle », un rocker aérien et arpégé qui se transforme en un final explosif. Il termine l’album sur une note énigmatique mais excitante – juste assez ouverte pour qu’on ne sache pas exactement dans quelle direction ils nous emmèneront la prochaine fois. Et même si nous devrons attendre un bon moment pour leur prochaine sortie, ils prouvent une fois de plus que leur capacité à rester pérennes est indéniable.  

***1/2


Sebastian Plano: « Save Me Not »

2 juillet 2021

Le dernier album de Sebastian Plano, Save Me Not, se situe à un niveau profondément personnel. Sebastian y va plus loin que jamais, faisant corps avec la musique. Avec le temps, écrire de la musique est devenu un besoin ; il me serait impossible de vivre sans pouvoir m’exprimer par des sons. Save Me Not est sa musique, un album intime dans lequel il peut cultiver et nourrir son propre style, la musique qui l’a toujours appelé. Une musique qu’il était destiné à absorber et à diffuser dans le monde entier.

Le violoncelliste, compositeur et producteur argentin a enregistrécet opus au cours de plusieurs longues nuits, toutes passées dans son studio de Berlin. Il a laissé ses propres empreintes sur la musique qui en résulte. Utilisant des fonds électroniques frais et discrets et mettant l’accent sur les trois éléments différents que sont la voix, le violoncelle et le piano, Save Me Not est un disque d’une qualité raffinée et d’une lumière tamisée, qui scintille faiblement d’apricité.

En grandissant, nous passons notre vie à devoir nous fondre dans la masse, alors, à mesure que notre personnalité se développe, il est inévitable que nous commencions à cultiver notre propre réalité. « Mais pour moi, cela a grandi jusqu’à ce que je réalise que je n’appartenais pas au monde de l’interprétation, jouant la musique de Beethoven – ou de n’importe qui d’autre. Nous sommes nombreux à entretenir notre propre espace où nous pouvons être l’essence de nous-mêmes, et les personnes créatives vont sans doute encore plus loin, en construisant une réalité où leur imagination peut se déployer, en toute liberté ».

Un contraste profond se niche dans la musique de Sebastian. Seuls trois instruments sont utilisés, mais la musique ne semble jamais restreinte. Au contraire, Save Me Not est pleine de perspectives toujours plus vastes. Plano renverse les choses, car la concentration supposée étroite sur le piano, le violoncelle et la voix l’aide à créer un monde plus vaste. En se concentrant sur ces trois sons particuliers, des niveaux de développement plus profonds peuvent se produire, rendant la pièce plus large.

Save Me Not est une musique patiente et élégiaque. Sebastian a affiné ses talents de compositeur, et chaque note est jouée au maximum, ce qui lui donne une durée de vie saine et imprègne la musique d’un amour profond, qui doit être l’élément le plus important de la musique ; s’il n’y avait pas d’amour, pourquoi la faire ? Les notes hantent les brumes de son air, et les compositions prennent leur temps pour se développer. Des cordes arquées et des harmonies fortes et balayées créent des arrangements étonnants et poétiques. Le choc d’une main contre le corps du violoncelle, un pied qui tape sur le sol, et même le grincement de la chaise du studio sont autant d’éléments essentiels à la musique, qui ajoutent à sa personnalité et à son âme. Tout s’assemble joliment, suspendu dans un espace délicat. Save Me Not est une musique pour et de l’âme.

***1/2


Spellling: « The Turning Wheel »

1 juillet 2021

S’il y a une personne capable de créer une comédie musicale de Broadway se déroulant dans l’espace, c’est bien Chrystia Cabral (connue sous son pseudonyme loufoque Spellling). Avec son troisième album, The Turning Wheel, Chrystia Cabral a poussé encore plus loin son affinité pour la théâtralité et les productions de science-fiction spatiales de ses deux précédents albums, créant ainsi son projet le plus maximaliste et somptueux à ce jour.

Le caractère grandiose de la production de The Turning Wheel est perceptible dès le premier morceau, « Little Deer », avec des sections de cuivres et de cordes qui accompagnent la voix aiguë de Cabral, comme si elle chantait devant une classe d’enfants. L’aspect Lewis Carroll des textes de l’album ne fait qu’accentuer cet effet, en particulier sur un titre comme « Emperor with an Egg », où elle chante l’empereur en titre, qui est aussi un oiseau.

Bien que Cabral aime s’aventurer dans les domaines mythiques et animaliers dans sa musique et ses paroles, elle est tout aussi enthousiaste à l’idée de garder les choses enracinées dans les questions humaines, traitant des difficultés des relations amoureuses dans des titres comme « Always » et la chanson titre « Turning Wheel ». Dans « Boys at School », d’une durée de sept minutes et demie, Cabral aborde les épreuves et les tribulations de la vieillesse du point de vue d’une adolescente, et le reste de l’album la voit trouver et comprendre son pouvoir dans la maturation avec un sens hanté de l’enchantement.

La fin épique de « Magic Act » ressemble presque à une reprise de « Real Fun » de son précédent album, Mazy Fly. Des moments comme celui-ci mettent en évidence l’amour de Cabral pour la théâtralité, mais aussi pour la pop et le rock analogique flous des années 80, créant ainsi un mariage sonore unique et défiant les genres. L’album est parsemé d’effets fantomatiques chargés de réverbération, ce qui rend presque impossible de ne pas visualiser l’espace dans lequel son spectacle de sorcière, hors du monde, devrait théoriquement se dérouler. C’est le spectacle de Cabral, et nous ne sommes que des spectateurs.

***1/2


Pom Pom Squad: « Death Of A Cheerleader »

29 juin 2021

Death Of A Cheerleader est le premier long play du groupe Pom Pom Squad basé à Brooklyn, coproduit par la chanteuse Mia Berrin et l’avant-garde des Illuminati Hotties, Sarah Tudzin. Aux côtés de ses camarades Shelby Keller à la batterie, Marie Alé Figman à la basse et Alex Mercuri à la guitare, Berrin imagine les banalités du lycée et les imprègne de fantaisie. Le résultat final est un condensé de tout, de la Riot Grrrl tardive et du Green Day de l’ère « Kerplunk » à la Motown et au Hollywood de Rita Hayworth.

Habillée de fleurs criardes et de pastels kitsch, la pochette de l’album fait un clin d’œil à l’esthétique d’un film de John Waters, tout en se rapprochant de la satire sèche de la scène d’ouverture de Heathers. Berrin pourrait bien être Heather Chandler alors qu’elle vous demande en mariage depuis une tombe peu profond ; et ce sera ainsi que Death Of A Cheerleader va commencer, avec les premières cloches gluantes de « Mr Sandman «  des Chordettes ternies par des cavalcades de parasites. Ensuite, le « single » principal « Head Cheerleader », avec Berrin affirmant « Je vais épouser la fille la plus effrayante de l’équipe de pom-pom girls » (I’m gonna marry the scariest girl on the cheerleading team) car elle est la plus désirable lui permet de remettre en question l’expérience stéréotypée de l’adolescent américain.

Dans la délicieusement complaisante « Crying », Berrin encourage ses auditeurs à se vautrer dans la misère pour son propre confort et son propre plaisir, déclarant à propos du morceau : « Le personnage de cette chanson est essentiellement mon ego : la partie de moi-même qui n’apprend pas, qui fait constamment les mêmes erreurs, qui est excentrique, qui ne peut pas admettre qu’elle a tort, qui s’apitoie sur son sort et qui emballe le tout dans un nœud de la couleur de l’autodépréciation ». 

Cette narration se poursuit avec les paroles acérées de « Lux », qui raconte l’histoire du personnage principal du film The Virgin Suicides de Sofia Coppola, qui boit du schnapps dans un « bal de lycée bondé » et meurt empoisonné au monoxyde de carbone. C’est l’un des morceaux les plus granuleux et rapides de l’album, les cris de Berrin donnent à Carrie Brownstein une poussée de pom pom pour son argent, en mordant « Je me sens nue sans enlever aucun de mes vêtements » (I feel naked without taking off any of my clothes). Des touches de shoegaze apparaissent dans des titres comme « Drunk Voicemail », tandis que des samples instrumentaux sucrés de « Be My Baby » des Ronettes sur « Foreve » » révèlent un désir ardent de connexion peau contre peau, alors que Berrin chantonne « I‘m your forever baby / tell me you are mine » (Je suis ton bébé pour toujours / dis-moi que tu es à moi).

Le style de Death Of A Cheerleader diffère de celui de leur précédent EP Ow, puisque les gémissements grunge « Live Through This » et le chant « quiet grrrl » de Berrin évoluent sur le motif chargé de l’album, alors qu’elle affronte ses histoires de passage à l’âge adulte pour se sentir bien dans sa peau.

La force de Pom Pom Squad réside dans son côté théâtral et dans le fait qu’il s’immerge joyeusement dans sa propre comédie. Il faut beaucoup d’habileté pour peaufiner un album aussi inextricablement lié à des références à la culture pop, mais Pom Pom Squad s’empare de ces influences et les bricole pour les adapter à sa propre esthétique Gen-Z. En d’autres termes, Death Of A Cheerleader est un tour de force qui porte un toast à tous nos « Dumb Bitch Selves » et, dans la plus pure tradition des Heathers », nous inciter nous lâcher de la manière la plus débridée possible.

***


Hiss Golden Messenger: « Quietly Blowing It »

27 juin 2021

Il y a une raison pour laquelle Hiss Golden Messenger s’est imposé comme l’un des groupes les plus en vue de ces dernières années. Ce n’est pas seulement dû à leurs prouesses mélodiques, mais aussi à la façon dont ils incorporent le ton et la texture dans leurs chansons et créent ainsi un son si expressif.

Cela n’a jamais été aussi évident que sur leur superbe nouvel album, qu’ils nous ont légué avec Quietly Blowing It, un titre qui dément clairement l’excellence de ce qu’il contient. Il s’agit d’un ensemble de chansons qui parviennent à être à la fois subtiles et affirmées dans la même mesure. Ce n’est pas une tâche facile, bien sûr, mais c’est tout à l’honneur des prouesses du groupe que de réussir non seulement à franchir ce cap délicat, mais aussi à le faire avec efficacité.

Bien sûr, ils ne le font pas seuls. Un nombre impressionnant d’artistes invités contribuent également à l’album, parmi lesquels Griffin et Taylor Goldsmith de Dawes, Anaïs Mitchell, lauréate d’un Tony Award, Zach Williams de The Lone Bellow, le célèbre leader et guitariste Buddy Miller, et le producteur/musicien Josh Kaufman, membre du super groupe folk Bonny Light Horseman. Le fait que Hiss Golden Messenger soit capable d’attirer un groupe de musiciens aussi prestigieux est une preuve supplémentaire du fait qu’il a atteint un statut sacré.

Bien sûr, ce sont les chansons qui témoignent le plus de leur capacité et de leur agilité. « Way Back in the Way Back » en est l’exemple idéal ; il donne à l’album une introduction étonnamment discrète, puis monte progressivement en puissance avec une détermination tranquille qui lui confère une réelle autorité. On peut dire la même chose de « Hardlytown », un morceau qui se laisse porter par une foulée facile et une caresse apaisante tout en laissant une impression de triomphe dans son sillage. De même, l’allure facile de « Glory Strums » semble en contradiction avec son intention, une intention que M.C. Taylor, chef d’orchestre, auteur-compositeur et chanteur de Hiss Golden Messenger, décrit comme ayant été écrite « au printemps vert chaotique de 2020 comme un hymne à la recherche des lieux et des espaces qui nous rendent humains ».

Cela dit, la plupart des morceaux peuvent être appréciés simplement pour le son qu’ils partagent, qu’il s’agisse du flux tentaculaire de l’idyllique « Painting Houses » et de la rêverie douce de la chanson titre, ou du tic-tac uptempo de « Mighty Dollar » et « The Great Mystifier ». Tous contribuent à une conclusion indéniable. Il est douteux que l’on puisse un jour accuser ce groupe de gâcher quoi que ce soit, discrètement ou non. 

***1/2


Lucy Dacus: « Home Video »

22 juin 2021

Seules une soixantaine de personnes dans le monde seraient atteintes d’hyperthymésie, une affection où la rétention de la mémoire est quasi parfaite. Bien qu’il soit peu probable que Lucy Dacus fasse partie de ces personnes, Home Video, son troisième album, se concentre sur le passé avec une précision remarquable. Lorsqu’elle chante, elle donne moins l’impression de se souvenir que de rassembler ses pensées sur les moments en temps réel, aussi banals soient-ils.

Appelez cela de la nostalgie, mais Dacus évite de diviser les choses entre le passé halcyon et le présent malheureux. Les cœurs sont brisés, le fondamentalisme religieux est imposé et les parents imposent à leurs enfants des fardeaux déguisés en amour. Il est probable qu’elle ait déjà lutté contre le passé, mais sur le titre « First Time », elle en a assez de résister : « Je ne peux pas défaire ce que j’ai fait, je ne le voudrais pas. » (I can’t undo what I’ve done; I wouldn’t want to)

Parfois, Dacus chante sur elle-même, parfois sur les autres, et parfois, c’est un peu plus flou. L’ouverture « Hot & Heavy » est unmonceau de heartland quand elle surnomme quelqu’un, autrefois doux, « Un pétard dans une rue bondée » (A firecracker on a crowded street). A l’origine, la chanson parlait d’un vieil ami, mais Dacus a réalisé qu’il s’agissait de sa propre évolution, de l’adolescence à la vingtaine. Elle ne puise pas dans le même puits émotionnel que la chanson « Seventeen » de Sharon van Etten, mais Dacus sait comment utiliser la progression pour obtenir le meilleur résultat, du début feutré à la fin du solo de guitare endiablé.

Sa compréhension de la construction s’applique également au séquençage. « Night Shift », un hymne à la logistique post-rupture de l’album Historian en 2018, est sans doute devenu sa chanson la plus connue, et il y a beaucoup de morceaux ici conçus pour être joués à fond. Mais vous trouverez aussi des ballades acoustiques plus douces, comme la mélancolique « Going Going Gone », où Dacus ressemblerait à Joni Mitchell si elle n’avait jamais découvert la cigarette. Le morceau le plus percutant est celui qui a le moins d’allure, musicalement parlant. « Thumbs » raconte un moment passé avec un ami et leur père séparé. Avec pour seul accompagnement des accords de synthé déprimés, Dacus vous force à affronter le malaise comme si vous étiez au bar avec eux, et trouve encore le moyen d’incorporer un refrain puissant : « Je le tuerais si tu me laissais faire » (I would kill him if you let me).

Peut-être approprié pour quelqu’un qui a autant de conscience que Dacus, Home Video peut parfois se sentir trop conscient de lui-même pour son propre bien. La batterie fait régulièrement son entrée au milieu de l’album, et le badinage en studio qui termine « Going Going Gone », bien qu’assez charmant, n’apporte pas grand-chose. Parfois, les souvenirs de Dacus aspirent à une rationalisation, ou du moins à une concentration plus détaillée. La chanson « Triple Dog Dare », plus proche, est une histoire d’amour jeune et interdit qui s’achève sur une fin brûlante. Mais on pourrait passer plus de temps à expliquer comment Dacus s’est vu interdire de voir son partenaire après que leur mère a lu ses lignes de la main qu’à raconter comment ils ont dansé dans une épicerie après la fermeture.

Pourtant, son regard sur le passé et sur la façon dont il l’a façonnée et continuera à le faire fait de Dacus une figure importante de la scène indie folk, et vous pouvez comprendre pourquoi en vous basant sur ses efforts solo et son travail avec les cohortes de boygenius Phoebe Bridgers et Julien Baker, qui assurent les chœurs sur deux morceaux. Comme le suggère le titre, on ne peut pas rentrer chez soi, mais on peut au moins regarder quelques rediffusions.

***1/2


Marcus Fisher: « Monocoastal » & Shuttle358: « Frame »

19 juin 2021

Le label expérimental américain 12k réédite certains de ses plus anciens disques, qui ont tous deux résisté à l’épreuve du temps. Frame, de Shuttle358, a été produit à l’origine en 2000 à Pasadena, en Californie, tandis que Monocoastal, de Marcus Fischer, fête son 10e anniversaire. Pour la première fois, les deux disques seront publiés en vinyle.

Monocoastal est décrit comme étant « l’un des moments les plus déterminants de l’évolution de 12k ». C’était la première sortie de Fischer, qui est devenu depuis un habitué du label, à la fois comme partenaire de tournée et comme collaborateur. Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce fut une sortie capitale. Monocoastal a également eu un impact sur le label dans son ensemble, façonnant ses sorties au cours de la décennie suivante, devenant ainsi un fil essentiel de la structure du label.

Pour ce disque, Fischer s’est inspiré de ses déplacements sur la côte ouest américaine. Le sifflement de la bande magnétique avance et recule, au rythme de la marée du Pacifique, et des sons organiques et minuscules se déploient comme un origami musical. Les enregistrements de terrain se mêlent aux instruments plus traditionnels et aux sons trouvés. Un piano a été trouvé, situé dans le coin d’un entrepôt de récupération, seul, abandonné, et a été ressuscité pour revenir à la vie une fois de plus. Il est assis à côté d’un xylophone, fabriqué à partir de clés en métal. Pour cette raison, Monocoastal contient à la fois des supports analogiques et numériques. Les sons naturels sont encouragés et on leur donne de l’espace pour respirer.

Le fondement de Monocoastal est un son lo-fi, dont les textures s’érodent et sont sur le point de se dissoudre complètement, en grésillant de façon distante. Les imperfections sont essentielles aux textures parfaitement formées du disque, et le son reste sobre et minimal. Les boucles tenteront toujours de se resserrer, mais les couches supplémentaires offrent un aperçu de l’expansion.

Minimalisme et design froid peuvent souvent aller de pair, mais bien que la musique de Fischer tende vers le minimal, les tons qu’il déploie sont en fait pleins de familiarité et de confort, rappelant deux décennies de vie sur la côte ouest. Les tonalités lo-fi font en sorte que la musique est effilochée, déchirée et usée, et cela vient du fait de vivre sa vie et de progresser avec le temps ; des rides et des plis vont apparaître, le visage frais finit par vieillir. Il en va de même pour la musique, et son vieillissement est la chose la plus naturelle du monde. La musique met l’accent sur la lumière et la côte ouest, se promenant le long des routes côtières et offrant ses vibrations détendues et côtières, bien que les tons soient encore quelque peu restreints. L’espace est essentiel, et rien n’est caché. Les notes conventionnelles « moins attrayantes » ont l’occasion de briller. Dans la musique populaire, ces mêmes notes auraient été éditées, polies ou rejetées, mais la beauté ne devrait jamais être définie par la popularité, et les sifflements discrets et les textures réfractaires à la lumière sont rendus encore plus beaux par leurs imperfections.

***1/2

L’édition du 20e anniversaire de Frame est citée comme étant la sortie « classique » du label basé à New York. Frame a inauguré une ère d’humanisme, de mélodie et d’organique à l’époque du Microsound et du mouvement Clicks and Cuts au début du siècle. Alors qu’il était encore imprégné de son numérique et de la magnification de l’erreur en tant qu’intention, l’album a ainsi a réussi d’une certaine manière à fusionner l’émotion dans ce qui était devenu un mouvement musical très structuraliste et froid ».

Sur Frame, Dan Abrams, alias Shuttle358, a produit un disque de conception minimaliste, avec de minuscules bruits de poussière, des clics et des micro-rythmes, qui ont ensuite été lavés dans une lueur ambiante, un éparpillement de débris numériques mis en ordre. Aujourd’hui, la musique semble toujours aussi fraîche qu’une marguerite, et c’est un signe fort et évident d’un disque spécial. Malgré sa mécanisation, la musique est toujours aussi chaleureuse et émotionnelle. D’une manière ou d’une autre, Abrams a inséré de l’âme et de l’émotion dans des grappes de sons semblables à des machines, et c’est là toute la magie de la musique. Quant à savoir pourquoi ou comment, on ne pourra jamais le comprendre, le révéler ou y répondre complètement… mais c’est là, tout de même.

Alors que les rythmes tournent en boucle, la robotique devient hypnotique, les rythmes formant une ligne de conception ordonnée, uniforme et quelque peu stricte dans ce qu’elle produit. D’une certaine manière, cependant, les textures austères sont imprégnées de quelque chose de très humain, et il y a un flux lâche et détendu dans sa musique, comme si, au milieu de ses murs de statique qui se dissolvent, il y avait un aperçu de quelque chose de plus, une âme enfermée dans les profondeurs du code de la machine mais toujours capable de chanter et de faire connaître sa présence. Frame n’a jamais l’impression d’être un disque décousu, même avec toutes ses pièces microscopiques et ses appareils tranchants. S’il y a des erreurs, elles sont exaltées au lieu de faire l’objet d’un sentiment de honte, elles font partie intégrante de la musique et influencent son flux et sa forme générale.

Comme le dit Abrams, « si vous placez un cadre vide contre un mur vierge, vous remarquez soudain la couleur, les motifs, les imperfections du plâtre. Le cadre est comme une fenêtre de perception. Il place le mur hors du temps. Le cadre attire l’attention sur ce qu’il contient – il l’agrandit, vous vous concentrez sur lui, il commence à symboliser le mur tout entier ».

***1/2


Cormac O’Caoimh: « Swim Crawl Walk Run »

19 juin 2021

L’un des principaux plaisirs de la critique musicale est de voir comment un artiste évolue et trouve sa voix. Il est certain que celle d’O’Caoimh (et quel instrument séduisant et doux) et ses talents de compositeur ont découvert une riche veine de forme sur ses derniers albums, alors que les premières offres avec The Citadels et son premier album solo étaient un peu inégaux. La collaboratrice régulière et choriste Aoife Regan est de nouveau présente, ainsi que Martin Leahy, qui semble être crédité de jouer d’à peu près tous les instruments et de s’occuper de la production.

« You Won’t Break Me » est une façon légère et lumineuse d’introduire le nouvel album, mais des chansons plus satisfaisantes et plus profondes suivent. « When My Kids Grow Too Old To Hold Hands » est l’un de ces exemples ; la simplicité des arrangements, des touchers grattés de guitare et de la voix toujours intime d’O’Caoimh est une formule gagnante et plus tard, la chanson éclate dans une belle séquence de cordes. « Desire Lines » est un autre point culminant ; des guitares countrifiées et des percussions brossées donnent à la mélodie beaucoup d’espace pour respirer et s’accrocher à l’auditeur.

Alors que l’album arrive à mi-parcours, l’effacé « Pocketful Of Doodling » s’orientera dans une direction plus jazzy qui est un délice, surtout lorsque Regan s’y joint. En même temps,le non moins excellent « When Did I Get So Cold ? » est un autre morceau qui évoque le charme des après-midi pluvieux (pour mémoire, la voix de la chanteuse n’a sans doute jamais sonné aussi chaude). Ces morceaux plus mélancoliques contrastent parfaitement avec le rythme soutenu de la chanson-titre et la dynamique calme et bruyante de «  Untitled » . Le mérite en revient à «  Slow Love », où les rythmes en staccato expérimentaux offrent une injection de cadence quelque peu inattendue (étant donné le titre).

Swim Crawl Walk Run est un album charmant et cohérent, qui met en valeur l’une des voix les plus attachantes de la pop/folk moderne actuelle. Pour les fans de Kings Of Convenience, ce disque méritera les trente-huit minutes d’isolement qu’il saura induire en nous.

***1/2


White Flowers: « Day by Day »

18 juin 2021

Entrer dans le premier album de White Flowers, Day by Day, ce n’est pas tant empiéter sur un ensemble de chansons que sur un univers alternatif : un monde souterrain dystopique construit sur des contrepoints ; une société où les opposés sont la norme. Les guitares de Joey Cobb, lourdes d’émotions, sont superposées à la poésie envoûtante de Katie Drew. Tantôt nostalgique et céleste, tantôt chargé d’anxiété. Il cherche – se languit – de réponses, mais ni la lumière ni l’obscurité ne lui offrent de guide.

Le duo de Preston a dû attendre, pour diverses raisons, avant de mettre ces chansons au monde, car elles datent de plus d’une demi-décennie. La composition la plus ancienne de la collection, « Help Me Help Mysel »f, possède une naïveté attachante. C’est le moment où la voix de Drew se fait entendre le plus clairement – «  I’ve been walkin’ around in a daze » ( Je me promenais dans un état second) – ses mots nous conduisent, par la main, dans le même espace de réflexion que le long player emmène son auditeur. Le fait que ces chansons soient marquées par le doute des adolescents ne fait que rapprocher la diégèse de Drew. Plus proche. Elle regarde vers l’avenir, mais les réponses ne font que la ramener au même point de départ. « Help me help myself » (Aide-moi à m’aider moi-même) est plus facile à dire qu’à faire. Sur un disque qui prendra du temps, c’est peut-être l’offre la plus immédiate – la ligne de refrain envolée de Drew coupant les bords flous de la ligne d’horizon du disque.

Produit par Jez Williams dans son studio de Manchester, les contributions les plus révélatrices de l’homme des Doves sont les subtils changements dynamiques qu’il apporte à un album qui a été en grande partie enregistré à la maison. Les percussions hypnotiques de « Night Drive » sortent du brouillard granuleux sur un groove qui ne pourrait venir que du nord de l’Angleterre, tandis que l’outro de « Dayligh »t met en lumière la subtilité, les synthés émergeant du mix pour compléter les paysages abstraits addictifs de Cobb, à la Paul Klee – en noir et blanc bien sûr.

Le fait que la pochette de Day by Day soit présentée dans les mêmes couleurs qu’un Penguin Modern Classic prend de plus en plus de sens au fil des écoutes. Comme l’exemplaire usé de votre livre préféré, son intrigue, ses sous-intrigues et les récits cachés tissés dans son tissu ne commenceront à se révéler qu’avec le temps. Sur le morceau le plus proche, Nightfall, Drew chante d’un falsetto aérien : « I’m following you wherever you go – you won’t shake loose, no no » (Je te suis partout où tu vas – tu ne te détacheras pas, non non..) – une métaphore, en effet, pour un LP prêt à s’installer au plus profond de votre conscience.

***1/2


Chloe Foy: « Where Shall We Begin »

18 juin 2021

Where Shall We Begin est une introspection mélancolique, mais optimiste, sur le deuil, la santé mentale et l’acceptation. Si Chloe Foy est loin d’être une nouvelle venue sur la scène folk britannique, Where Shall We Begin est en quelque sorte notre première présentation officielle de la musicienne adulte qu’elle est. Bien que Foy ait publié des chansons folk intimes et lyriques depuis près de 10 ans, cette autopublication complète réussit à toucher un point sensible entre le folk et le rock alternatif que beaucoup recherchent, mais que très peu trouvent.

L’album s’engage avec un son complet et ample qui, non seulement donne plus d’émotion et de vie aux paroles et aux mélodies de Foy, mais aussi l’établit comme une artiste prête à rejoindre les rangs de ses inspirations. La chanteuse cite ses plus grandes inspirations du moment comme étant Gillian Welch et Madison Cunningham, et si leur influence transparaît certainement dans ses chansons, son nouveau son indie-rock la situe plutôt entre The Staves et Big Thief.

« Deserve », le deuxième titre de l’album, est une chanson douce-amère sur la nature compliquée des relations amoureuses. La chanson commence comme un slow jam d’une chanson rock, Foy chantant une mélodie vocale simple sur un rythme et une guitare électrique grattée. Au fur et à mesure que la chanson avance, la guitare slide commence à soutenir son chant, et les chœurs angéliques et l’harmonica entrent en scène alors que l’intensité augmente. Enfin, les sons de synthé et d’harmonica culminent en un trille aigu soutenu, étrangement satisfaisant, qui semble capturer le sentiment d’une relation atteignant un point de rupture.

Foy avait expliqué qu’elle jouait de l’harmonica sur cet album en hommage à son père qui n’était pas un grand musicien, mais qui savait jouer de l’harmonica. Foy l’a perdu il y a environ 10 ans et elle a utilisé l’écriture musicale comme un exutoire pour cette perte. « My heart is so swollen now / blurring me sideways / follow me down » (Mon cœur est si gonflé maintenant / me laissant de côté / me dirigeant vers le bas) chante-t-elle dans son morceau le plus sombre, « Bones ». Cette chanson est tellement obsédante qu’elle en devient presque effrayante. Foy fredonne sinistrement sur les basses épaisses de son violoncelle, créant une atmosphère de malaise.

« Left-Centred Weight », la troisième et dernière chanson de l’album, est plus optimiste et pleine d’espoir. Sur un fingerpicking et un violon enjoués, Foy plaide avec son propre esprit. « Go easy, brain » (Vas-y doucement, cerveau, dit-elle. « Vas-y doucement, cerveau », répète-t-elle. « Please, brain, don’t go to that dark place ») (S’il te plaît, cerveau, ne va pas dans cet endroit sombre) – une demande pertinente et aiguë – une courte ligne parvient aussi à être l’accroche de la composition.

Cette collection de chansons soigneusement choisies montre la maturité et le développement dans presque tous les aspects de Foy en tant qu’artiste. Where Shall We Begin met en scène Foy elle-même à la guitare, au piano, à l’harmonium, à l’harmonica et au violoncelle. Chloe Foy est spéciale, elle sort un album phénoménal, elle a déjà commencé à s’imposer comme une musicienne respectable, mais elle reste résolument indépendante et accessible. En ce moment, elle passe ses journées à envoyer personnellement chacun de ses disques, et semble prendre un réel plaisir à préparer cette auto-sortie pour ses fans. Cet album sort juste au moment où le monde s’ouvre, et juste au moment où elle pourra à nouveau donner des concerts. Foy sera sur la route en octobre pour sa tournée européenne, et cet album ne demande qu’à être écouté en direct.

***1/2