Interview de Robbie Krieger: « Derrière la Porte »

3 mars 2020

Légende vivante, Robby Krieger est sans doute l’un des noms les plus encensés de l’histoire du Rock-n-Roll. Mieux connu comme coauteur et guitariste principal de The Doors, Kreiger a un style bien à lui où le Rock-n-Roll, le Blues et le Jazz fusionnent en un hybride unique.

Actif dans le monde de la musique depuis plus de cinq décennies, il a collaboré avec les plus grands noms de la musique, a fait des tournées mondiales et se prépare à sortir de la musique nouvelle en 2020. Artistiquement libre et inspiré… il semble que rien ne puisse s’emparer de cette force créatrice. Excité par l’avenir, Robby Krieger a récemment pris le temps de parler du maintien de la longévité dans la musique, de sa peinture, de la nouvelle musique, et de bien d’autres choses encore.

Vous avez été impliqué dans la musique professionnellement pendant plus de cinq décennies, atteignant le statut légendaire de guitariste principal des Doors. En tant que musicien de scène, quelle a été, selon vous, la clé de votre longévité ?

C’est une bonne question. Je dirais que lorsque vous débutez, vous avez de très bonnes chansons qui sont capables de durer éternellement. Quand vous regardez Mozart ou Bach, je suis sûr qu’ils pensaient que leur musique ne durerait pas plus de 5 ou 10 ans ; et nous non plus. Quand nous avons commencé, nous nous sommes dit : « Cette musique est vraiment cool, mais quelque chose d’autre va prendre le relais », tout comme nous avons repris la musique des années 50. Je pense que si la musique est assez bonne, elle dure pour toujours. Cela m’a vraiment aidé à me faire remarquer que je peux vraiment faire ce que je veux musicalement et que les gens continueront à l’apprécier.

Et vous avez fait de grandes choses au fil des ans, que ce soit avec The Doors, en solo ou en collaboration avec d’autres. Au-delà de la musique, vous avez aussi fait de l’art. Qu’est-ce qui vous inspire dans le domaine de la peinture ?

Ma mère aimait beaucoup peindre. Elle n’était pas une pro ou quoi que ce soit, mais elle prenait tout le temps des cours d’art. Nous avions un atelier chez nous où elle peignait, et je m’amusais toujours avec ses affaires. Ensuite, je n’ai pas vraiment fait d’art pendant des années, jusqu’aux années 80 peut-être ; les Doors étaient terminés, j’avais quelques projets, mais il y avait une sorte de creux, alors j’ai commencé à peindre. J’ai commencé à expérimenter avec différents types de médiums.

Ce que j’aime vraiment faire maintenant, c’est de peindre sur du plexiglas avec de la peinture acrylique. Je peins sur un côté du plexiglas et je prends un autre morceau quand la peinture n’a pas séché, je mets un autre morceau par-dessus. Vous pouvez le déplacer et obtenir des effets bizarres, c’est un peu psychédélique.

C’est une approche très différente et intéressante. L’une de vos compositions intitulée « Light My Fire »,voit les recettes de sa vente vont à diverses associations caritatives, et l’une d’entre elles est Rock Against MS. Comment avez-vous commencé à vous impliquer dans cette association caritative ?

Un de mes amis a une association caritative appelée Art For A Cause. Je ne vendais pas vraiment mes peintures. Je voulais les montrer, mais elle m’a convaincu de faire ce truc appelé Art For A Cause, où nous faisions des reproductions de mes peintures, nous les vendions et l’argent allait à diverses associations caritatives. Elle s’appelle Barbara Hollander et a rencontré Nancy Sayles, de la fondation Rock Against MS. C’est ainsi que cela s’est passé.

Against MS va organiser des expositions d’art dans le futur. Allez-vous y assister ?

Cela dépend de l’endroit et du moment où elles auront lieu, mais j’espère que j’y serai. Si je n’y suis pas, au moins mes œuvres d’art y seront.

Peut-être serez-vous disponible pour assister aux spectacles. Vous avez récemment sorti une excellente interprétation de Sleepwalk de Santo & Johnny, mais vous avez également un nouvel album qui va sortir. Que pouvez-vous nous dire sur cette nouvelle musique ?

J’ai un album prêt à sortir, mais Sleepwalk n’est pas sur cet album. J’ai un album sur lequel je travaille depuis deux ans avec certains des gars du groupe de Frank Zappa. Parmi eux, Arthur Barrow, qui a joué de la basse et a été le leader du groupe de Frank Zappa pendant un certain temps, Tommy Mars qui a joué des claviers, ainsi que les cornistes Jose Salvador Marquez et Jock Ellis. Cela va sortir vers le début de la nouvelle année.

Nous allons faire un autre projet qui est une sorte de Reggae instrumental, c’est Sleepwalk mais, si vous écoutez bien c’est vraiment du Reggae. Ce sera un autre disque qui sortira l’année prochaine.

C’est génial à entendre, donc il y a beaucoup de nouvelles musiques qui sortent. Vous avez été très constants en live au fil des ans. Au-delà des quelques dates annoncées pour 2019, avez-vous d’autres concerts prévus pour 2020 ?

Oui, nous venons de nous rendre sur la côte Est et nous y avons fait quelques concerts, notamment à New York et dans le New Jersey. Vous pouvez consulter mon site web pour en savoir plus.

J’espère que d’autres concerts suivront bientôt. Comme mentionné brièvement, vous avez collaboré avec une longue liste d’artistes au fil des ans. Chacun d’entre eux a quelque chose de différent à offrir en tant qu’artiste et en tant que musicien créatif. Que retirez-vous de toutes ces collaborations ?

C’est toujours amusant de jouer avec d’autres personnes, de voir ce qu’elles font et de voir si je peux faire en sorte que mon style s’intègre au leur. Pendant longtemps, je n’ai pas fait cela : Je ne jouais que la musique des Doors. Puis je me suis tourné vers le jazz et le jazz fusion, je pense que cela m’a plus ou moins ouvert en tant que musicien. Je voulais essayer de jouer avec d’autres personnes et voir si je pouvais m’intégrer.

C‘est toujours intéressant de vous voir jouer avec d’autres personnes. L’année dernière encore, vous étiez sur scène avec Alice in Chains et vous avez joué avec beaucoup d’autres.

Oui, j’ai aussi joué avec Eric Burdon pendant quelques années. Chaque année, nous faisons quelque chose ici pour différentes organisations caritatives ; ces dernières années, c’était l’hôpital pour enfants St. L’année dernière, nous avons eu Alex Lifeson de Rush, nous avons eu des gars de Chicago, et bien d’autres choses encore. Nous allons le faire à nouveau cette année et nous verrons qui se présentera. (Rires) C’est toujours amusant de jouer avec ces gars.

Des artistes vont-ils faire des apparitions sur vos nouveaux disques ?

J’espère que oui, ce serait bien.

C’est quelque chose à quoi les auditeurs doivent faire attention. Étant aussi actif que vous l’avez été au fil des ans, est-il difficile de trouver une inspiration constante ? Avez-vous un blocage de l’écrivain ?

Oui,, ça va et ça vient. Parfois, vous avez juste une période où vous ne pouvez pas vraiment penser à quelque chose, puis tout d’un coup vous entendez quelque chose, ou vous avez une idée, et tout recommence à couler. Certains gars ne sont jamais à court d’idées, c’est fou, mais ça n’a jamais été aussi facile pour moi, surtout en ce qui concerne les mots. En général, je pense à des mélodies assez faciles, mais écrire des mots est la partie la plus difficile pour moi depuis que Jim Morrison n’est plus là. C’était tellement génial de travailler avec lui, il avait toujours quelque chose.

Très certainement, certaines des paroles poétiques les plus étonnantes jamais écrites dans le Rock-n-Roll.

Oui ! Un jour, il sera reconnu comme un vrai poète. Il ne l’est pas encore vraiment, parce que les gens le connaissent plus comme auteur-compositeur que comme poète. Il était les deux et cela n’arrive pas très souvent.

Il n’y a aucun doute, la poésie de Jim est vraiment fantastique et ses paroles ont donné à la musique de The Doors une dimension différente. En parlant de The Doors, avez-vous eu des contacts avec John Densmore récemment ?

Oui, John Densmore et moi avons joué récemment lors d’une collecte de fonds pour la station de radio KPFK ici à L.A. C’était plutôt cool de jouer à nouveau ensemble, nous n’avions pas fait ça depuis un moment. Vous pouvez le regarder sur YouTube.

Wow, ça a l’air fantastique. Dernière question, quels sont vos films préférés ?

C’est une bonne question. J’aime toutes sortes de films. J’aime les premiers films d’Oliver Stone comme Platoon (1987). J’aime aussi beaucoup les films de Spike Lee. Je ne vais plus autant au cinéma parce qu’on peut les voir en ligne – ce qui est dommage.


Interview de Isabell Campbell: « Le Moi Sans Autres Excuses »

3 mars 2020

Isobel Campbell quitte les problèmes de label et les luttes juridiques, de Belle & Sebastian et Mark Lanegan, pour finalement sortir son premier album solo en 14 ans. Elle parle de ses récents bouleversements et de sa recherche de la paix dans la conscience

Terminé il y a plus de trois ans, There Is No Other a enfin vu le jour récemment. Ce fut un processus turbulent d’espoirs déçus, de fermetures soudaines de labels et de batailles juridiques pour que Campbell s’empare de ce disque. L’auteure-compositrice-interprète, et parfois violoncelliste née à Glasgow, aujourd’hui basée à Los Angeles,semble soulagée, bien qu’essoufflé, maintenant que l’attente est terminée. « J’ai l’impression que cela a pris une éternité », dit-elle. « Il y a eu des moments où j’ai cru que ça n’allait jamais sortir. J’en ai tellement parlé et c’est tellement déprimant. J’ai connu des choses plus faciles. »

Peut-être plus connue pour son travail dans les premières années de Belle & Sebastian, ainqi que quand on a entendu parler d’elle pour la dernière fois aux alentours de la sortie de Hawk – le dernier d’un triptyque de collaborations fructueuses avec le crooner à la voix de papier de verre Mark Lanegan – Campbell possède un important corpus d’œuvres indépendantes, qu’il n’y a pas d’autre possibilité d’ajouter avant qu’elle ne soit plongée au milieu de problèmes dont elle n’est pas responsable.

Il est malheureusement trop fréquent que des artistes féminines solistes se heurtent à l’imprévisibilité du côté commercial de la musique, avec des artistes comme Cat Power et TORRES, peut-être un peu plus présentes dans le monde de la musique indie que Campbell ne l’était devenue, travaillant également à la demande d’une industrie qui ne tient pas compte de leurs intérêts artistiques et se heurtant à des obstacles en forme d’étiquettes. Campbell a vécu plus que la plupart des autres. « Je fais ça depuis que j’ai 19 ans. J’ai maintenant 43 ans, et je n’ai eu qu’une toute petite tache violette avec ce genre de choses. Ça a toujours été un combat. »

Il est compréhensible que Campbell veuille parler de la musique sur laquelle elle a été forcée de s’asseoir plutôt que des disputes avec son ancien label. « J’ai l’impression d’être atteinte de SSPT (stress post-traumatique )», dit-elle, ce qui serait désinvolte sans la sincérité et la lassitude avec lesquelles elle raconte ses dernières années traumatisantes. Le disque auquel elle a abouti ne contient pas la colère et le vitriol auxquels on peut s’attendre. C’est parce qu’il n’a pas été touché depuis son achèvement mais, quand elle parle, il serait difficile d’imaginer Campbell faisant de la musique infectée par l’angoisse.

Il n’y en a pas d’autre qui imprègne la légèreté, la positivité et le calme. Enregistrée avec le mari de Campbell, l’ingénieur de studio Chris Szczech, elle rayonne d’une bienveillance surprenante. Comparé aux expériences récentes de Campbell et à l’acceptation volontaire de la morosité par la musique populaire, c’est un baume total. Il serait assez facile, même pour un auteur-compositeur expérimenté comme Campbell, de revenir dans la conscience du public en essayant de reproduire ce qui a la plus grande garantie de succès. « Je voulais juste faire quelque chose qui me plaise et être fidèle à moi-même, sans m’excuser. Quand j’étais beaucoup plus jeune, j’avais un peu de peine à être doux. Maintenant, je suis comme ça, voilà ce que je suis ».

Une recherche rapide dans les anciennes revues montre le vocabulaire négatif (« twe » », « fey »), et dans certains cas subtilement genré (« winsome »), utilisé pour décrire l’art et le comportement de Campbell. Il n’y a pas d’autres adjectifs qui s’appuient sur ces adjectifs, sans aucune exclamation, liant l’ »engagement complet » de Campbell à la méditation et à la pleine conscience, incorporant d’anciens enseignements mayas et les cinq préceptes du Reiki, une technique de guérison alternative japonaise, et une couverture de Tom Petty adoucie mais relaxante.

Si la pop-philosophie et la pseudo-science semblent rebutantes (est-ce différent de la foi ou de la spiritualité d’un artiste qui dirige son travail ?), Campbell n’a aucune envie de prêcher. « Ce n’est pas quelque chose d’étrange ou de nouveau : en Ecosse, les femmes le font depuis bien avant ma naissance. J’aime ce que cela a fait pour moi. Je viens d’une longue lignée d’inquiets – cela m’a beaucoup aidé et je veux être franc à ce sujet. Si quelqu’un d’autre décide qu’il est dans le coup, c’est bon pour lui ».

L’album n’est holistique que dans un sens général, un antidote à ce qui est le plus répandu dans le monde. « Je pense que la plupart du temps, le bon art se concentre sur cette obscurité », dit Campbell. « C’était juste moi qui disait qu’il y a déjà tellement de noirceur – prenons un peu de lumière. »

La côte ouest, dit Campbell, a cultivé son intérêt pour cette pratique et l’a aidée à faire le point sur ce qui se passait autour d’elle. Nombre de ses observations – sur le sans-abrisme toujours visible et non traité dans la ville (Boulevard) et la vitesse constante d’une société qui ne dort jamais (Ant Life) – peuplent les chansons qui en résultent.

LA est sa ville natale maintenant, mais elle se languit de l’Écosse. « Le mal du pays est assez brutal. C’est amusant de voir comment il se manifeste. Quand je suis arrivée ici, je rampais sur du verre brisé, comme si j’étais une étrangère et que j’essayais de m’intégrer. Mais maintenant, je vais utiliser des mots écossais que personne ne comprend, comme « scunnered ». Je m’en fiche. » Même si l’album est antérieur, après la tourmente, il reflète la situation actuelle de Campbell : en paix avec elle-même et vivant dans le présent.


Interview de Jesus & Mary Chain : « Au nom du Frère »

13 février 2020

Les années 80 étaient pleine d’artistes intéressants qui faisaient avancer la musique avec leurs propres tensibilités. Du Punk Rock à la Synthpop, il se passait beaucoup de choses, mais l’Ecosse, avec The Jesus and Mary Chain, a comblé le vide de quelque chose de nouveau que personne d’autre ne faisait. Possédant un son qui leur est propre, certains l’appellent Noise Pop, d’autres l’appellent Rock alternatif, mais quoi qu’il en soit, c’est tout simplement The Jesus and Mary Chain. Acclamé par la critique avec leur premier album Psychocandy en 1985, le groupe a continué à connaître le succès jusqu’à la fin des années 90 avant de décider d’arrêter.

Une rupture qui semblait être pour de bon, à la surprise des fans qu’ils allaient réformer en 2007, sortir leur septième album studio Damage and Joy en 2017, et continuer à tourner régulièrement. Preuve que le temps peut se raccommoder et que de nouvelles frontières peuvent être formées, The Jesus and Mary Chain surfe sur la vague de la nouvelle vie. Prenant le temps de réfléchir, le co-fondateur Jim Reid s’est assis pour parler des premières années du groupe, de leur réforme, de leurs projets pour plus de nouvelle musique, et de bien d’autres choses encore.

 

The Jesus and Mary Chain a eu un impact majeur au cours des années 80 avec une série de disques très connus. Le groupe a continué jusqu’à la fin des années 90, puis s’est réuni en 2007. Tout d’abord, comment décririez-vous le parcours du groupe ?

Compliqué et difficile, paradoxalement la plus grande chose que vous puissiez imaginer. C’est comme la vie : il y a des bons et des mauvais moments, il y a des moments que vous auriez préféré ne pas avoir vécus, mais vous ne pouvez rien y faire, alors vous continuez. En général, l’ensemble est assez bon, c’est tout ce que vous pouvez demander.

Ce qui a toujours fait la différence avec The Jesus and Mary Chain, c’est le son unique du groupe. Honnêtement, aucun autre groupe ne sonne comme vous. Comment le chemin que le groupe a choisi s’est-il déroulé musicalement ?

Eh bien, nous sommes venus et avons essayé de combler ce que nous pensions être une lacune de la scène musicale dans les années 1980. Nous ne comprenions pas pourquoi personne ne faisait de la musique comme celle que nous avons faite par la suite. Nous aimions la musique pop et nous aimions la musique noise, mais il semble que dans les années 80, ces deux-là ne se soient jamais rencontrés. Dans les années 60, vous aviez des groupes qui étaient dans les charts et qui faisaient de la musique Rock-n-Roll/Pop assez brute. Dans les années 80, cela semblait avoir disparu, alors nous voulions ramener cette excitation dans ce que nous considérions à l’époque comme de la musique grand public. Il semble ridiculement naïf que The Mary Chain ait pu jouer dans des stades de football ou autre, mais c’était l’idée que nous avions à l’époque. Nous voulions changer la façon dont les gens faisaient de la musique rock dans les années 1980.

Beaucoup diraient que c’est ce que vous avez fait. Vous avez influencé beaucoup d’artistes qui ont suivi.

C’était aussi ça. Nous voulions faire de la musique comme un divertissement, mais pas seulement comme un divertissement ; nous la considérions comme une sorte de manuel d’instructions pour tous ceux qui s’y intéressaient. De la même façon que nous avons appris des Beatles et des Stones. Nous voulions montrer aux autres qu’il n’est pas nécessaire de prendre des leçons de guitare pendant cinq ans.

Oui, la créativité est au-delà des notes sur une page ?

Absolument. Parfois, quand vous ne pouvez pas produire les sons conventionnels des instruments de musique, vous avez tendance à faire quelque chose auquel aucun musicien n’aurait jamais pensé, c’est tout ce qui se passe. Nous ne savions vraiment pas comment jouer de la guitare Rock-n-Roll de façon conventionnelle, alors nous l’avons fait de la meilleure façon possible. C’est en partie lié à ce que vous dites, à savoir que nous ne ressemblions à personne d’autre.

Ce caractère unique s’est fait remarquer. Le groupe a continué jusqu’au début du nouveau millénaire, et vous avez fait d’autres projets dans l’intervalle entre les deux retrouvailles. Vous avez réalisé un projet, dont Freeheat. Que représentait-il pour vous ?

À l’époque, je buvais beaucoup, je ne me souviens pas de grand-chose de cette période. Je ne suis pas sûr que nous ayons tous pris ce groupe au sérieux. C’était plutôt un genre de projet que nous pouvions faire – c’était quelque chose où nous pouvions boire et aller combiner les deux. Nous faisions des tournées pour nous défoncer, ce n’était pas sain et ce n’était pas un bon choix de carrière. Nous avons apprécié, nous étions tous de grands amis et nous nous sommes un peu amusés. Ça n’allait jamais passer à la télévision ou à la radio, mais ce n’était pas le but.

Vous avez produit de la musique de qualité pendant cette période. Puis il y a eu la réunion de la chaîne Jésus et Marie, et tout a commencé quand vous avez joué à Coachella en 2007. Qu’est-ce qui a vraiment inspiré ces retrouvailles ?

Plusieurs personnes avaient essayé de réunir le groupe pendant plusieurs années avant que nous ne jouions au concert de Coachella. Coachella avait proposé de faire figurer le groupe à l’affiche plusieurs années avant que cela n’arrive. Je suppose que le moment était venu de le faire. Il y avait vraiment deux ou trois choses. J’ai toujours supposé que William ne voudrait pas le faire et il avait toujours supposé que je ne voudrais pas le faire. La rupture a été tellement désordonnée ; à l’époque, je n’aurais jamais pu imaginer jouer à nouveau avec The Mary Chain, mais le temps guérit vraiment comme on dit.

Un soir, nous parlions au téléphone et il a été surpris d’entendre que je le ferais s’il le faisait. On s’est dit : « Merde, on va essayer ». À l’époque, c’était un cas unique, alors j’ai pensé que nous le ferions, si ça marche, alors nous verrons ce que c’est ; nous jouons, nous pouvons nous détester, mais ça pourrait ne pas marcher. C’était une sorte de trempage de notre orteil dans l’eau pour voir ce qui se passe. On n’a pas essayé de s’entretuer, alors on a pensé qu’il fallait en faire plus.

Ça a bien fonctionné et vous avez fait une liste de tournées depuis. Vous avez également sorti votre premier album en 20 ans en 2017, Damage and Joy. Comment s’est passé l’assemblage de ce disque ?

C’était très étrange de revenir en studio. Surtout moi, j’étais nerveux à l’idée de faire un disque. Non pas parce que je ne voulais pas de disque, mais parce que j’en voulais vraiment un. L’idée d’être coincé dans un studio avec William pendant des mois. Nous nous entendions bien en concert, mais l’ambiance est complètement différente en studio, c’est plus claustrophobe. Je me suis demandé si cela allait finir par ressembler à un retour à Munki.

J’étais inquiet, alors j’ai continué à repousser les sessions d’enregistrement jusqu’à ce que j’en arrive à un point où je me suis dit : « Nous sommes dans un groupe, les groupes font des disques. On devrait soit faire ça, soit abandonner tout ce putain de truc ». Je ne voulais pas y renoncer, alors nous avons essayé. Nous avons demandé à Youth de produire le groupe ; c’était la première fois que nous travaillions avec un producteur. Nous avons pensé que cela permettrait de maintenir la paix et de garder l’esprit sain. Il s’est avéré que nous n’avions pas besoin de quelqu’un pour garder le contrôle dans ce sens, nous nous sommes plutôt bien entendus. Nous nous sommes en fait réconciliés, nous nous sommes liés d’une manière que nous n’avions pas connue depuis longtemps.  Beaucoup de vieilles blessures ont été guéries pendant l’enregistrement de ce disque.

Depuis deux ans, vous avez également soutenu Nine Inch Nails aux États-Unis en 2018. Comment était-ce d’être en première partie d’une si grande tournée aux Etats-Unis ?

Nous avons vraiment apprécié. Nous n’en étions pas sûrs, car nous n’avions jamais fait de tournée en première partie ; c’était la première fois que nous le faisions. Nous n’étions pas sûrs de la façon dont nous allions nous y prendre pour descendre devant une foule de Nine Inch Nails. On s’est dit que ça pourrait être très amusant. La pression était la leur, sans erreur ; nous savions que c’était leur tournée et nous étions juste là pour le plaisir, vraiment. Après quelques jours, nous avons réalisé que tout irait bien. La foule était bien, elle semblait très réceptive et sensible à lMary Cahin. C’était assez facile et détendu.

Si vous regardez l’histoire du groupe, elle est divisée en deux périodes et il y a eu un écart de près de dix ans. En revenant après presque dix ans d’absence, trouvez-vous qu’une nouvelle génération de fans vient aux concerts et s’intéresse à la musique ?

Il semble que oui. Il y a beaucoup d’enfants qui ne sont pas nés quand nous nous sommes séparés. Il me semble incroyable que cela puisse arriver. On est un peu inquiet quand on va sur scène et que les gens s’entendent un peu, nous aussi nous nous entendons un peu. Je trouve juste un peu plus encourageant qu’il y ait tout un éventail de personnes différentes indépendamment de leurs âges.

Vous avez mentionné que le temps passé en studio pour Damage and Joy a été un processus de guérison pour vous et William. Est-ce difficile de travailler avec un frère ou une sœur ?

On en revient aux montagnes russes dont nous parlions tout à l’heure. Au début du groupe, nous étions tout à fait d’accord, c’était génial d’être sur la même longueur d’onde qu’eux. Au fil des années, cela a commencé à changer, mais quand nous sommes arrivés à Munki, c’était comme si nous habitions des univers différents, sans parler de la même page. C’était difficile à ce moment-là, c’était impossible, et c’est pourquoi le groupe s’est séparé. Et maintenant, comment c’est ? C’est probablement plus proche de ce qu’il était au début du groupe que pendant la période Munki.

Prévoyez-vous d’autres concerts de The Jesus and Mary Chain à l’avenir ?

En fait, nous avons commencé à enregistrer. Nous avons enregistré quelques titres il y a quelques mois et nous avons fait une pause. Le plan est d’essayer de sortir un nouveau disque l’année prochaine. Est-ce qu’il sortira ? Si ce n’est pas le cas, ce sera en 2021, mais je pense que ce sera en 2020.

Allez-vous simplement vous concentrer sur du nouveau matériel ?

Nous avons pris un peu de temps pour faire l’album. Il n’y a pas de concerts pour le reste de l’année 2019, nous essayons de rassembler le disque. Si nous sortons le disque en 2020, je ne vois pas pourquoi nous ne tournerions pas plus à ce moment-là.


Interview de Chelsea Cutler: « En Quête d’Humanité »

8 février 2020

Depuis la sortie de ses deux mixtapes auto-produites en 2018, Chelsea Cutler est en pleine ascension. Au cours de ces deux années, Cutler a écrit et produit succès après succès, gagnant plus de 750 millions de flux et 30 semaines cumulées dans les charts du Billboard. How to be Human sera le premier album de Cutler ; elle évoque ici son processus d’écriture, des difficultés cachées de la tournée et de son évolution au cours des deux dernières années.

 

Au moment de la sortie de votre premier album. Qu’est-ce qui vous enthousiasme le plus ?

Pour être honnête, je suis très excitée à l’idée de le tourner. Ce qui m’enthousiasme le plus est de jouer ces chansons. C’est vraiment le premier projet sur lequel j’ai travaillé et pour lequel j’ai beaucoup d’expérience en matière de tournée, donc j’ai l’impression de mieux savoir comment traduire les chansons en live.

Pour cet album, qu’est-ce qui a rendu le processus d’écriture différent, à part votre expérience de la tournée ?

Je pense que la plus grande chose c’est évidemment avoir grandi. Vous grandissez toujours en tant qu’artiste ; c‘est la même chose que pour un athlète professionnel. Toute personne, quel que soit son métier, veut s’améliorer à chaque saison, à chaque année. Je pense que le simple fait de pouvoir me pousser à être encore plus honnête, à être encore plus vulnérable, à faire plus attention aux détails.

Vous avez parlé de votre thème préféré pour écrire sur l’impermanence. Pouvez-vous expliquer ce que cela signifie pour vous et comment cela se rapporte à votre processus d’écriture How to be Human ?

C’est juste un sujet sur lequel j’ai eu des conversations avec mon équipe, et plus particulièrement avec mon batteur Gavin. C’est son mot préféré, en fait. Il a vraiment résonné en moi et je pense qu’une grande partie de la vie d’adulte consiste à se réconcilier avec le fait que la vie change constamment, qu’on est toujours en transition et que les choses vont et viennent. Je pense qu’il est impossible d’être heureux si vous ne pouvez pas l’accepter parce que vous aspirez toujours à quelque chose du passé ou que vous voulez toujours que quelque chose vienne dans votre vie dans le futur. Je pense qu’il est vraiment important d’être présent et de profiter de ce que l’on vous donne maintenant.

Avec tous les morceaux de How to be Human, comment avez-vous choisi « Sad Tonight » comme prochain « single » ?

Eh bien, je savais que c’était une composition de spéciael quand je l’ai écrite. C’est une super chanson et je l’adore. J’aime toutes mes chansons, mais c’est comme si j’essayais de choisir un enfant. Si j’ai signé avec un labe particulier c’est que jy j’ai une si bonne équipe de management, et, en partie, parce que j’ai besoin d’aide pour la direction du lancement et de la présentation de l’album. J’ai confiance en eux et en leur instinct, c’est pourquoi nous avons tout le monde à bord.

Vous avez mentionné que « nj »est la chanson qui vous excite le plus et qui rend les gens nerveux. Qu’est-ce qui a inspiré ce morceau ?

Cette chanson vient d’une expérience personnelle. J’aime écrire à partir de ma propre vie et de mes expériences personnelles. J’aime vraiment cette chanson parce que je me suis poussée à être plus honnête que sur n’importe quelle autre chanson du disque. C’est vraiment spécial pour moi parce qu’elle est tvraiment brute de décoffrage et je pense qu’elle va vraiment trouver un écho auprès des gens grâce à cela. Je suis sûre qu’écrire des chansons de ce genre a un pouvoir de guérison, mais aussi, probablement après cela, la jouer pour d’autres personnes et la faire entendre doit avoir une autre fiorme d’impact. Je suis vraiment excitée de pouvoir le faire en concert. Je pense que ce sera un grand moment.

Vous avez votre tournée et aussi quelques festivals comme Coachella et Hangout Fest. En quoi le fait de se produire dans des festivals est-il différent, en pire ou en mieux, de celui de se produire dans le cadre de votre propre tournée ? 

Je pense que les festivals sont vraiment uniques parce qu’il y a vraiment beaucoup d’opportunités pour les gens qui ne sont pas des fans inconditionnels ou qui n’ont peut-être jamais entendu parler de moi auparavant. Les festivals sont donc vraiment spéciaux de ce point de vue. Cela vous donne une très bonne occasion de travailler sur votre capacité à attirer l’attention d’un public et à le garder engagé, surtout quand vous travaillez avec un public qui n’est pas aussi familier avec votre musique que lorsque vous êtes en tête d’affiche de vos propres spectacles. C’est vraiment spécial. Je pense que dans une certaine mesure, vous devez certainement travailler plus dur parce que ces personnes n’ont pas payé spécifiquement pour vous voir, dans la plupart des cas. Ils sont là pour une expérience complète.

Quand vous jouez, y a-t-il un moment pendant le spectacle où vous faites une pause pour prendre le temps de tout assimiler ? Est-ce que cela a tendance à se produire en même temps sur le plateau à cause d’une chanson qui vous touche vraiment pendant que vous jouez, ou est-ce que cela se produit tout simplement ?

Je pense que ça arrive tout simplement. Il y a certainement des chansons dans le set dont vous pouvez vous attendre à ce qu’elles sont les préférées du public ou de grands moments d’autant plus que nous les concevons délibérémentà certains moments pour qu’ils soient spéciaux. Mais parfois cela se produit pour une chanson qui est peut-être un peu en sommeil, qui n’a pas été particulièrement bien diffusée, ou que vous n l’interprétez pas souvent. Et quand vous le faites, tout le monde connaît les paroles et la reprend. Vous ne pouvez être qu’époustouflé par cela. Je pense que ces moments sont vraiment spéciaux car vous voyez à quel point les gens se sont dédiés à votre musique.

En tournées, vous êtes juste dans la foule dans la section VIP. Et puis l’année dernière, vous étiez là pour vous produire. C’était donc assez cool de voir votre croissance en un an. Comment vous sentez-vous ? De savoir que vous étiez là en tant que personne dans la foule et qu’un an plus tard vous étiez capable de vous produire.

Je suis vraiment très reconnaissante eu public de pouvoir vivre cette expérience . C’est un sentiment très difficile à mettre en mots et c’est assez surréaliste. J’appréhendais vraiment l’idée d’être un jour un artiste et d’être sur scène. Cela semble effrayant et on se dit : « ça doit rciger beaucoup d’énergie, beaucoup d’extraversion et beaucoup de choses cde cette nature. » Il faut aussi être courageux. Les deux premières fois que j’ai joué, j‘ai eu peur, peur comme si j’étais en enfer, et parfois j’ai encore des sortes de papillons. Pour moi, c’est comme si, même maintenant, je voyais des artistes sur scène et je reste constamment émerveillée. Le fait que je sois même capable de faire ça maintenant est assez remarquable pour moi, ainsi que le sentiment qui vient avec ça. C’est tellement remarquable d’être capable de jouer. Je ne peux pas vraiment exprimer à quel point c’est spécial.

Vous avez dit que vous alliez faire une tournée courte parce que cela devient vraiment fatigant et peut vous rendre malheureux. Qu’est-ce qui est le plus difficile dans une tournée ? Y a-t-il quelque chose que vous voulez que les gens réalisent qui est plus difficile qu’il n’y paraît ?

Je pense que dans beaucoup de circonstances, les gens glorifient les tournées. Les gens pensent que c’est vraiment amusant de faire des spectacles, de faire la fête et de voir le monde. En réalité, c’est vraiment génial de pouvoir voyager. Dans beaucoup de cas, nous n’avons même pas le temps de voir la ville parce que nous conduisons la nuit. Je dors généralement assez tard en tournée parce qu’il faut évidemment rester en bonne santé et je pense qu’il est important de dormir beaucoup pour cela. Nous faisons des contrôles sonores et nous nous assurons que nous avons de la nourriture, nous faisons des rencontres VIP et des salutations, et puis une fois que les portes sont ouvertes, je dois vraiment être dans le salon vert. Je suis coincée dans une pièce pendant quelques heures, puis je me produis et je suis très fatiguée, alors je prends une douche, je monte dans le bus et je me couche. Je ne sais pas, pour faire court, je pense que les gens se contentent de glorifier la chose et qu’il s’agit vraiment de rester en bonne santé et de travailler. Je veux dire que j’adore ça, ne vous méprenez pas, j’adore ça. Mais comme tout ce que vous aimez, la modération est bonne. 

Vous avez tweeté « ask me what you wanna know » et vous avez reçu des centaines de réponses de vos fans. L’un d’entre eux vous a demandé de quoi vous aviez le plus peur et vous avez répondu « parfois j’ai l’impression d’avoir toute cette histoire dans ma tête pour savoir comment ma vie devrait se dérouler et ça me fait peur que ça ne se passe pas comme ça ». En regardant le succès que vous avez eu ces dernières années, , st-ce un plan que vous n’avez jamais vraiment imaginer pour vous-même ?

Certainement pas. Je pense que vous dévez être fou pour vous imaginer cela. Vous savez, j’étais à l’école, j’étudiais l’histoire et le droit, des trucs de prépa de droit, et j’étais vraiment perdue. Je n’avais aucune idée de ce que je voulais faire. J’ai dit aux gens que je voulais peut-être travailler pour le National Geographic peut-être, faire quelque chose de pertinent pour l’histoire, ou quelque chose sur les droits de l’homme. Je ne sais même pas ce que je voulais faire. J’essaie de faire tout mon possible pour être présente et pour laisser la vie m’emmener là où elle va m’emmener. Je suis tellement perfectionniste, alors je me mets définitivement en tête de savoir où je veux m’installer et quels sont les objectifs que j’ai pour moi et quand je veux me marier, combien d’enfants je veux avoir et ce que je veux faire quand j’aurai 30, 40 ou 50 ans. Et la réalité est que vous ne pouvez tout simplement pas planifier à l’avance. Il faut s’enthousiasmer un peu pour l’inconnu. On ne le comprend jamais vraiment, je crois qu’il nous comprend.

Un autre fan a tweeté qu’il allaitr abandonner des études universitaire pour venir vous voir au Hangout fest. C’est beaucoup de pression pour vous ?

Oui, je trouve qu’il a tort mais ce n’est pas de la pression, je pense juste que c’est absurde. Je ne ferais ça pour personne. Il n’y a pas un seul artiste dans le monde. Ton diplôme universitaire ! J’aimerais avoir mon diplôme, ce serait génial. Il ou elle devrait aller à sa remise de diplôme. Le festival a lieu chaque année.

Que pouvez-vous nous dire sur la possibilité d’une collaboration avec The Band Camino ?

Oh ! Oui, j’ai travaillé avec eux. Et j’en suis très heureuse, on a écrit des trucs vraiment cool. Je ne sais pas comment ça va se dérouler en termes de – je veux dire que je n’ai même pas réfléchi, je ne pense pas que quelqu’un ait réfléchi trop loin dans le futur. Mais nous avons écrit des chansons vraiment cool, donc nous verrons bien. C’est mon groupe préféré en ce moment, ils sont incroyables. J’aimerais travailler davantage avec eux.


Interview de Circa Waves: « Autodépréciation et Fin du Monde »

4 février 2020

Depuis 2013, le groupe pop-rock anglais Circa Waves a rempli certaines vies par sa musique ensoleillée, terre-à-terre et prête pour les festivals. Mais à mesure que nous avançonsdans le temps, les méthodes de commercialisation de la musique de 2013 nous semblent de plus en plus lointaines. La numérisation de la musique a fait que le public est plus attiré par les titres individuels que par les albums et beaucoup préfèrent écouter de la musique en streaming plutôt que de l’acheter – depuis 2013, cette tendance n’a fait que s’accentuer. À une époque où le paysage du commerce de la musique est un champ de mines en perpétuelle évolution, comment réengager les fans qui ont succombé à la facilité de la diffusion en continu moderne et en monopiste ? Eh bien, Circa Waves semble avoir la réponse et elle réside dans la sortie d’un album en deux parties. La création de morceaux musicaux plus petits et de taille réduite pourrait être le parfait compromis entre les albums traditionnels et la diffusion en streaming d’une seule piste.

Circa Waves a annoncé la sortie de son album Sad Happy en 2020. Jusqu’à présent, nous n’avons eu connaissance que de la partie Happy du disque, Sad et l’édition complète devant sortir l’année. En dépit de leurs noms respectifs, Sad n’est pas rempli de ballades complaisantes et Happy n’est pas fait de béatitudeécervelée. Bien que le disque ait deux « vibes » distinctes, les deux parties de l’album incorporent le réalisme, le bonheur et l’autodérision et, si l’on se fie à la partie Happy de l’album, la représentation de ces émotions par le groupe est parfaite.

Circa Waves a toujours été et sera toujours un groupe qui, selon les propres termes de son chanteur Kieran Suwall, « ne se prend pas trop au sérieux mais prend la musique au sérieux »

Ce sentiment est clair tout au long de ce dossier. Parallèlement aux thèmes auto-dérisoires et angoissants de Sad Happy, Circa Waves a réussi à créer une musique qui offre de la joie, ce qui est leur pleine intention.

« Je pense que toute tristesse vous rend plus créatif. Il y a une bonne raison pour laquelle beaucoup de groupes viennent d’endroits lugubres. »

Je voulais juste commencer par vous poser des questions sur la tournée européenne; lors de ces concerts, avez-vous profité de l’occasion pour jouer certaines des nouvelles chansons du disque ?

Oui, en fait, nous le faisons. Nous avons joué une chanson intitulée « Be Your Drug » pour la première fois et c’était vraiment cool parce que nous ne l’avions jamais jouée et nous jouons notre « single » qui sort en ce moment et qui s’appelle « Jacqueline » et c’est génial. Il est évident que les gens dans la foule ne connaissent pas très bien les chansons, donc c’est cool de voir que les nouvelles ont plus de succès que les anciennes. C’est vraiment excitant de savoir que ça se traduit pour les gens même s’ils ne le connaissent pas.

Alors, est-ce que c’est un sentiment libérateur quand vous jouez enfin une nouvelle chanson et que vous voyez la réaction du public ?

Nous nous nourrissons probablement du fait que c’est nouveau pour les fans. Nous jouons certaines des mêmes chansons depuis six ans maintenant et quand on joue quelque chose de nouveau, on dégage probablement un peu plus d’énergie, je suppose.

Comment pensez-vous que le reste des chansons de « Sad Happy » vont s’intégrer dans votre set live ?

Nous en ferons probablement cinq ou six lors de la tournée principale au Royaume-Uni. Je pense que ça va vraiment marcher, les nouvelles ont l’impression de s’intégrer parfaitement à tout le reste.

Avec ces nouveaux ajouts, en particulier ceux du côté triste de l’album, peut-on s’attendre à voir des concerts de retour dépouillés dans votre set ?

Potentiellement, je ne sais pas. Nous essayons maintenant de déterminer ce que nous allons faire de la tournée britannique, si nous voulons faire un moment acoustique ou autre ! C’est toujours difficile parce que je ne suis jamais très enthousiaste pour les grands moments acoustiques et les grandes choses émotionnelles, mais nous verrons bien. Il y a trois chansons de fond dénudées sur ce disque, donc peut-être que l’une d’entre elles pourrait se produire, mais je ne sais pas encore avant que nous n’entrions vraiment dans les détails.

À ce propos et concernant les moments émotionnels, à quel point Sad est-il vraiment triste ? Est-ce que c’est plus triste au niveau des paroles qu’au niveau du son ?

Oui, musicalement, je ne dirais pas que c’est si triste que ça, mais ça me semble assez euphorique. Le contenu des paroles, je suppose, se déprécie un peu et reflète en quelque sorte l’anxiété que tout le monde ressent dans la société en ce moment. Mais les gens peuvent toujours apprécier les chansons comme des choses musicales et joyeuses.

Eh bien, la tristesse et la joie se côtoient en général, la plupart du temps on n’est pas triste ou simplement heureux, donc il est logique de mélanger les sentiments.

Exactement, oui !

Alors, passons aux aspects live du disque. Vous avez décidé de tourner, de réaliser et de monter vous-mêmes la vidéo « Move to San Francisco ». Est-ce que c’est quelque chose qui, au fil des ans, vous a intéressé plus que la musique ? Essayez-vous de prendre plus de contrôle sur le plan visuel et créatif ?

Je pense que nous sommes tous des gens très créatifs et nous avons beaucoup d’opinions sur la façon dont les choses devraient se présenter et nous avons toujours été ces gens depuis le début. Maintenant que nous sommes sur un label indépendant, nous avons été en quelque sorte laissés à nous-mêmes, donc si nous voulons faire une vidéo, nous pouvons décider de ce dont il s’agira. Vous savez, nous ne sommes pas de bons vidéastes mais nous savons ce que nous aimons, alors nous avons essayé de la tourner, puis Joe l’a montée et je suis vraiment content de son apparence. Vous savez, ça n’a rien coûté et c’est vraiment un truc cool à mettre en scène.

Depuis que vous avez tant participé à la vidéo, est-ce que c’est devenu votre vidéo préférée ?

Nous avons fait la même chose avec une vidéo intitulée « Me, Myself and Hollywood » et j’aime beaucoup cette vidéo aussi. J’ai aussi adoré celle de « Jacquelin » parce que c’était une expérience très amusante. Nous étions dans ce manoir de deux millions de livres et nous avons juste pu y passer la journée, c’est donc ma vidéo préférée que nous avons faite depuis longtemps.

Parlons de votre processus d’écriture ; à quoi cela ressemble-t-il ? Est-ce que vous trouvez que vous écrivez mieux sur la route ou quand vous vous êtes complètement isolé du monde – y a-t-il un processus spécifique qui vous convient le mieux ?

Je n’écris pas vraiment sur la route, je ne pense pas avoir jamais vraiment écrit sur la route. J’écris généralement une fois rentré chez moi. J’ai un petit mini-studio chez moi, alors je m’y enferme un peu et j’essaie de faire quelque chose de cool. Quand nous sommes en congé, je fais ça tous les jours, c’est pourquoi j’ai un gros arriéré de chansons.

Quand vous écrivez, pensez-vous que vous trouvez de la meilleure musique quand vous êtes triste ou heureux ? La tristesse peut souvent déclencher la poésie de tout cela, vous trouvez ça ?

Je pense que toute tristesse vous rend plus créatif. Il y a une bonne raison pour laquelle beaucoup de groupes viennent d’endroits sombres. On n’entend pas souvent parler de grands groupes venant de Miami parce que c’est tellement agréable. Tu vois ce que je veux dire ? C’est tout Manchester, Liverpool et des endroits où il pleut et où il y a de la pauvreté et des difficultés. Je pense que de ces choses naît le grand art et malheureusement, dans des moments comme celui-ci, où c’est actuellement presque la fin du monde et où nous avons des putains de leaders qui veulent tout faire sauter, cela fait probablement que tout le monde écrit une meilleure musique. Il va y avoir de la très, très bonne musique qui va être faite dans les années à venir, je suppose, mais évidemment cela veut dire que le monde va merder.

Quand vous avez commencé ce disque, l’avez-vous débuté en sachant que vous alliez créer deux faces distinctes ou est-ce que cela s’est manifesté en continuant à écrire et vous avez vu qu’il y avait une séparation nette au milieu ?

Oui, c’était plus une réflexion après coup – je ne veux pas dire dans le sens où nous n’y avons pas trop réfléchi – nous avions le lot de chansons et nous avions l’impression qu’il y avait deux vibrations distinctes, surtout au niveau des paroles. Nous voulions également trouver une nouvelle façon de sortir de la musique qui nous semblait excitante. Sur votre quatrième album, vous voulez faire exactement la même chose qu’à chaque fois ? Nous aimons les disques et nous aimons acheter des vinyles, donc l’idée que tout est dans les playlists maintenant et que personne ne se soucie de l’ordre des chansons, nous avons pensé que nous pourrions peut-être sortir deux courts albums et dans ce sens, les gens qui ont une courte durée d’attention peuvent peut-être s’y mettre comme un disque continu. C’est donc un peu comme si on franchissait la ligne entre un album et deux courts morceaux de musique que l’on peut consommer et, espérons-le, ne pas sauter chaque chanson – c’est en tout cas l’idée !

Oui, je comprends tout à fait et cela explique les différences entre les deux côtés, mais vous avez aussi divisé le temps. Vous n’avez pas seulement deux faces d’un album, vous avez beaucoup de temps entre la sortie de Happy and Sad. Est-ce la raison pour laquelle vous avez choisi cette méthode, pour garder l’attention des gens ?

Je n’y pensais pas trop avant d’y participer, mais maintenant qu’un album est sorti et que les gens y réagissent, c’est vraiment excitant d’entendre quand les gens apprécient le disque, mais ensuite il s’éteint et vous partez en tournée et tout ça. Maintenant que nous avons tout cela, nous savons qu’il y a une autre partie de l’album à sortir et qu’il y a un autre gros morceau de musique que les gens peuvent écouter et auquel ils peuvent réagir. Donc, c’est plutôt cool que nous puissions l’apprécier deux fois. D’une certaine manière, c’est émotionnellement égoïste, parce qu’on me dit que ma musique est bonne deux fois ! Ou que les gens n’aiment pas ma musique, alors je me mets deux fois en avant pour être soit critiqué, soit loué, pour qu’on puisse voir. Mais j’apprécie le fait d’avoirces deux codes à mon arc.

On peut être certain que les fans l’apprécient aussi parce que cela les excite deux fois, ils doivent aussi apprécier le processus ! Évidemment, en tant que groupe, vous avez des influences et je sais que vous avez déjà mentionné The Arctic Monkeys et Vampire Weekend, mais ces morceaux semblent avoir un peu avancé et ils offrent des sons légèrement différents. Alors, y a-t-il des artistes que vous avez écoutés récemment et dont vous n’avez peut-être pas tiré d’influence auparavant ?

Je suppose que j’ai écouté beaucoup plus de Gorillaz. En ce moment, j’adore son mélange de vieux instruments analogiques et de sons de batterie et de boîtes à rythmes modernes. Je pense que Damon Albarn est tout simplement incroyable en tant que producteur et compositeur. J’aime aussi les jeunes groupes comme Wallows, je pense qu’ils sont vraiment cool. J’ai toujours été attiré par la musique américaine ensoleillée, ce qui est probablement assez évident si vous écoutez tous les albums, quelque chose comme ça ! J’écoute aussi encore tous mes vieux trucs. J’ai écouté un peu plus de Velvet Underground, Joni Mitchell et tout ce genre de musique que j’ai toujours en fond sonore.

Je suppose que c’est bien de s’inspirer de différentes époques non ?

Oui, si vous nous écoutez, vous pouvez probablement dire que j’écoute beaucoup de musique parce que c’est partout, pour être honnête. Aucun album ne sonne pareil qu’un autre et cela peut éventuellement être au détriment du groupe mais pour moi, c’est plus intéressant d’évoluer et de changer à chaque disque.


The Lumineers et le Cycle de la Dépendance : « C’est une maladie évolutive »

28 janvier 2020

The Lumineers ont saisi l’occasion de leur dernier album, III, pour mettre en lumière un sujet qui est proche de la vie de nombreux membres : la dépendance. III raconte une histoire de dépendance en trois actes. Comme l’album passe d’une chanson à l’autre, c’est l’histoire d’une famille confrontée au même problème. « C’est le secret de la famille et c’est un tabou » » dit Wes Schultz, le chanteur principal du groupe.

Le batteur Jeremiah Fraites affirme que la dépendance se produit par cycles et doit être considérée comme telle.

« Avec la toxicomanie ou l’alcoolisme, elle affecte vraiment l’individu et ensuite elle a une sorte d’effet de retombée – semblable aux effets d’une bombe à radiations – au fil du temps et des années et des années, elle tend continuellement à affecter les proches des gens », dit Fraites.

Fraites et Schultz, tous deux membres fondateurs de The Lumineers, connaissent par expérience le sentiment de ces retombées. Schultz raconte qu’il avait un ami d’enfance dans le New Jersey qui s’est lentement effondré à l’adolescence à cause de sa dépendance à la drogue. Les deux membres du groupe ont vécu cette expérience parce que l’ami de Schultz, Josh Fraites, était le frère de son futur camarade de groupe, Jeremiah.

« Je me souviens que ma mère m’a réveillé. Elle m’a dit : « Chéri, ton frère s’est fait arrêter la nuit dernière. Il a été arrêté dans une voiture vers 2 heures du matin » », raconte Fraites. « Il fumait du PCP et il était tellement drogué qu’il est entré dans cet A&P, qui était comme un supermarché local de la côte Est, et il a bu du Drano (un débouche tuyau), ce qui est tout bonnement incroyable. Je ne sais pas ce qui l’a poussé à faire ça. Mais il est resté aux soins intensifs pendant deux semaines avec des brûlures au deuxième et troisième degré sur la gorge ».

Des mois plus tard, le frère de Fraites est mort. « Vous savez qu’on parle de dépendance. C’est une maladie progressive. Ce n’est pas quelque chose où vous vous réveillez simplement et vous êtes sans abri et vous mendiez pour du crack ou de l’héroïne » ajoute Fraites.

Sur le dernier album, le groupe retrace l’évolution de cette maladie sur trois générations. La première inclut une femme alcoolique nommée Gloria Sparks. Dans la chanson « Gloria », Schultz imagine comment les enfants de Gloria la voient et comment elle se voit elle-même. « Gloria étant si importante et aussi si dysfonctionnelle, c’est en quelque sorte là que commence l’album », explique Schultz.

L’auditeur peut entendre ces différentes perspectives dans la musique. Selon Schultz, « Gloria » est censée représenter une conversation entre la toxicomane et sa fille. « Il y a ce piano presque caricatural qui interrompt la guitare », dit Schultz. »Dans la réalité d’une relation étroite avec un toxicomane, il y a une nature caricaturale à la vie. Par exemple, vous recevez un appel et c’est la chose la plus absurde que vous ayez jamais entendue. Vous ne pouvez même pas vous en rendre compte. Et il y a une manie. Il y a une nature maniaque qui se trouve dans ce piano. » »

Plus tard sur l’album, le fils de Gloria, Jimmy Sparks, grandit et devient un alcoolique et un père lui-même. Dans la chanson « Jimmy Sparks », il essaie d’apprendre à son fils à ne jamais prendre un auto-stoppeur. « C’est nous ou eux », dit Jimmy à son fils. Plus tard dans la même chanson, le fils de Jimmy – maintenant adulte – passe devant un auto-stoppeur qui se trouve être Jimmy et continue de passer.

« Je pense qu’il y a plusieurs niveaux où l’on ne sait pas vraiment pourquoi il a continué à rouler et s’il a même reconnu [Jimmy] », dit Schultz. « S’il l’a fait, qu’est-ce que cela signifie ? Je pense que pour quelqu’un qui n’est pas très proche d’un toxicomane, cela semble probablement très froid, mais pour quiconque l’a été, il y a beaucoup de gens qui comprennent ce que cela signifie, malheureusement ».

III raconte une histoire si triste, qui pourrait s’avérer être un défi à relever pour un public qui veut s’amuser. Mais Schultz dit que ces chansonslourdes et chargées ont touché beaucoup de gens qui ont déjà vu le groupe se produire en concert.

« À chaque concert auquel vous assistez, quelqu’un parle de se faire briser le cœur, très probablement, et il y a des gens qui mettent leurs bras autour des autres », dit Schultz. « Se réunir pour un concert ou entendre quelqu’un dire quelque chose que l’on pensait seulement avoir ressenti ; je pense que c’est pourquoi c’est positif même s’il est contre-intuitif que la musique de déchirement soit celle où les gens applaudissent le plus fort ».


Interview de Mothers: « Gestations »

25 janvier 2020

La musique de Kristine Leschper est déconnectée de l’époque moderne. C’est une bonne chose. Son groupe de Philadelphie-via-Athènes, Mothers, a fait des vagues avec When You Walk A Long Distance You Are Tired, une collection de guitare-rock bizarrement encadrée, leurs signatures temporelles dispersées datant de 2016. Le contenu lyrique de Leschper ressemble plus à de la poésie littérale qu’à n’importe quelle forme d’écriture de journal intime. Elle trouve un terrain d’entente avec l’intime et l’abstrait, et la majeure partie des chansons de Mothers, le groupe qui expérimente ces mêmes idées.

Alors que When You Walk A Long Distance You Are Tired est emprunté à des playbooks anti-folk et à des méthodes de traçage de guitare tranchantes mais finalement dispersées, leur dernier album, Render Another Ugly Method, trouve Leschper et compagnie s’en tenant à l’abstrait. La prose de Lescpher est encore très viscérale et tendue, mais le savoir-faire instrumental du groupe se retrouve plus que jamais dans cet étonnant assemblage de compositions. La poésie de Lescpher est toujours au centre de l’attention, mais son chant s’est éloigné, s’intégrant là où le groupe lui laisse de la place, agissant comme un instrument tout à fait singulier, tout aussi vital que la guitare, la basse ou la batterie. Render Another Ugly Method est une crise d’angoisse de près d’une heure, plus frénétique et plus énergique que n’importe quel disque de guitare-rock de l’année. Leschper évoque ici le nouvel album de Mothers ainsi que sa conception de l’écriture, poétique mais aussi musicale.

Vous avez récemment déménagé d’Athens, en Géorgie, à Philadelphie. Comment s’est déroulée cette transition d’une ville relativement petite à une ville beaucoup plus grande ?

Kristine Leschper :En réalité, je voulais juste déménager dans une ville, comme un défi personnel, parce que je n’ai jamais vraiment vécu dans une ville avant. Athens est une ville, mais c’est une petite ville – je veux dire qu’elle compte environ 150 000 habitants. J’ai eu l’impression que c’était quelque chose que je voulais essayer. Cela a été relativement facile dans le sens où j’avais déjà plusieurs amis qui vivent ici, qui ont pu me présenter à des gens et me parler de spectacles. Je n’utilise pas Facebook, et je me rends compte qu’en déménageant dans une grande ville et en ne connaissant personne là-bas, il peut être vraiment difficile de savoir ce qui se passe, s’il n’y a pas de publication qui publient des informations sur ces spectacles, ou si vous n’avez pas de gens qui vous en parlent. Heureusement, j’avais un groupe de personnes qui ont pu me présenter rapidement à d’autres personnes qui m’ont parlé des expositions, des vernissages et d’autres choses de ce genre.

C’était vraiment intéressant de déménager dans une ville qui connaît tant de changements. C’est quelque chose que je ne connaissais pas vraiment et auquel je ne m’attendais pas à Philadelphie. Le quartier de la ville où je vis s’appelle South Kensington. C’est juste à la limite d’un quartier appelé Fish Town, qui connaît une croissance vraiment explosive en ce moment, donc c’est un peu comme si chaque fois que vous tournez dans un nouveau quartier, il y a une sorte de construction en cours. On parle beaucoup en ce moment de logements abordables, et de ce que cela signifie dans le contexte actuel d’embourgeoisement. J’imagine que j’ai été très conscient de ce phénomène en venant ici, parce qu’il est évident que je suis un jeune artiste qui s’installe dans une ville qui connaît déjà un grand nombre de ces déplacements de population locale. C’est donc un peu un défi de s’installer ici, de déterminer quelle est ma place dans la communauté, et comment je peux être une personne qui ne se contente pas de prendre de la place ici, ou de déplacer ceux qui vivent ici depuis longtemps.

C’est une chose à laquelle j’ai pensé avant de m’y installer mais c’est très visuel quand on arrive ici. Il y a tellement de constructions et il y a beaucoup de maisons modernes qui sont en train d’être construites.Ey quand on y est, on ne peut pas vraiment l’oublier, c’est tout le temps sous vos yeux.

Vous étudiiez auparavant la gravure, mais vous avez arrêté de le faire, n’est-ce pas ?

Oui, je ne fais plus de véritable gravure, en grande partie parce que je n’ai pas accès à ces installations. J’ai choisi de travailler visuellement de manièr à pouvoir les exécuter depuis chez moi. Donc oui, je ne participe plus vraiment à la gravure ces derniers temps, mais je suis toujours assez active dans les arts visuels. Je le garde en quelque sorte pour moi, comme si je ne créais pas vraiment d’œuvres que j’aimerais montrer en ce moment. J’ai consacré beaucoup plus de temps à la musique, mais je pense que ma pratique artistique va rester interdisciplinaire pour le reste de ma vie. Il me manque vraiment du temps pour le travail visuel et la création d’écrits qui n’impliquent pas de chansons. Il est donc toujours difficile de savoir ce que je suis censé faire à un moment donné. (rires)

Avez-vous conçu vous-même la couverture de Render Another Ugly Method ?

Non. Je l‘ai réalisée en jouant dans un groupe qui a eu un certain succès, ou dans un groupe qui a un label, qui a des ressources, qui gagne de l’argent en tournée. C’était bien de pouvoir demander à des amis de faire des choses pour moi, et de pouvoir les payer pour leur travail, c’est vraiment bien. J’ai chargé une de mes amies, Alessandra Hoshor, de faire ce travail. Ils sont d’Atlanta et ils vivent maintenant à Philadelphie, et leur travail est vraiment incroyable. C’est aussi une artiste interdisciplinaire dont le travail va de l’animation, de la vidéo, du net art, au dessin et à la peinture. Ils écrivent également de la musique, ils sont compositeurs électroniques et s’appellent Pamela and Her Sons. C’est donc ce que je recommande.

En lisant les paroles de Render Another Ugly Method, on a la sensation de lire des poèmes. C’est un sentiment de liberté mais il s’accorde parfaitement avec votre musique, qui est en grande partie composée de signatures temporelles bizarres, et la façon dont vous associez vos paroles au groupe est très organique. Vous êtes-vous déjà mise à l’écriture créative avant Mothers, ou est-ce quelque chose qui est venue naturellement avec la composition de la musique ?

Je dirais que la poésie a été mon premier amour, ou plutôt la première chose qui m’a intéressée, bien avant l’art visuel, bien avant la musique – j’ai réalisé que je m’intéressais à la poésie, ce qui s’explique, je pense, par le fait que ma sœur était passionnée de poésie et que j’ai emprunté beaucoup de ses livres pendant le lycée. Quand j’étais jeune, j’étais vraiment attirée par ces poètes très confessionnels comme Anne Sexton et Sylvia Plath. Et puis en même temps, j’ai commencé à découvrir ces musiciens qui étaient, aux aussi, sur le registre de la confession et ils étaient avant tout des poètes J’ai adoré Bright Eyes et Neutral Milk Hotel, et c’était un peu comme mon introduction à la poésie et aussi à la musique. Je pense que j’ai développé cette forte sensibilité poétique, et d’une certaine manière, c’est ce qui est le plus important pour moi, mais je ne pense pas que ce soit la seule chose qui compte. La poésie est le fondement de mon travail, mais, à mesure que je progresse en tant que musicienne, en écoutant plus de musique et en comprenant différents styles de musique, je sens que je suis mieux à même d’appliquer ces connaissances pour faire avancer le poème.

J’ai lu William Carlos Williams parler de la poésie, où il parle d’un poème comme d’un champ d’action, et j’aime tellement ça. Surtout dans le contexte de la musique, parce que si vous visualisez le texte comme une action qui peut être partagée entre l’écrivain et le lecteur, et non comme un objet inactif – comme quelque chose qui bouge, quelque chose qui peut être découvert – je pense que cela s’applique totalement à la musique. Quand j’écris de la poésie, j’essaie d’écrire de cette façon qui est active, qui va d’une observation à l’autre, et je pense que c’est ce qui est différent du premier album de Mothers et du second. Le premier disque est de la poésie avec un peu de musique dedans, un peu comme une représentation précoce de ce qui m’intéressait, c’était très privé, les paroles avant tout. Je pense que ce qui fait que le nouveau disque, Render Another Ugly Method, est différent du premier, c’est le procédé que j’ai utilisé et qui ressemblait beaucoup plus aux cut-ups (technique) des dadaïstes et de William Burroughs, il a été assemblé beaucoup plus comme un collage que le premier disque.

MOUNTAIN VIEW, CA – JUNE 25: Kristine Leschper of Mothers performs during the ID10T Festival at Shoreline Amphitheatre on June 25, 2017 in Mountain View, California. (Photo by Tim Mosenfelder/Getty Images)

On peut le percevoir dans les nouvelles chansons, mais ce qui est intéressant dans votre discographie, c’est que la structure des chansons et votre écriture sont toujours différentes. Parfois, on a l’impression d’être complètement libre – ces méthodes sont-elles conscientes ?

Je pense que je ne fais qu’expérimenter et que j’ai toujours beaucoup à apprendre sur mon propre processus, mais je pense que c’est juste le produit de mes essais et de mes observations. Mon processus d’écriture a beaucoup changé depuis que j’ai commencé à écrire des chansons, et je pense qu’il va probablement continuer à évoluer. Pour Render, je me suis intéressé à ces structures très linéaires, ce qui m’a toujours intéressé, et c’était aussi présent sur When You Walk, mais c’est un peu plus évident et exagéré sur Render.

J’ai réfléchi à ces structures longues et linéaires qui contiennent beaucoup de moments différents, qui sont en quelque sorte assemblées et fragmentées, et c’était en quelque sorte mon principal objectif. C’est intéressant parce que, maintenant que j’écris des choses post-Render, je suis beaucoup plus intéressé par la mélodie d’abord, comme la mélodie sur la structure. Les chansons que j’écris maintenant sont encore assez linéaires, elles sont d’une certaine manière beaucoup plus directes et moins fragmentées, plus concises et plus sentimentales. Je penche maintenant aussi vers ce nouveau style sentimental, alors qu’auparavant je m’étais toujours intéresse à un style plus cynique, sarcastique, une sorte de post-modernisme. Je pense donc qu’il va continuer à évoluer, en expérimentant et en essayant ces différents chapeaux. (rires)

Il est vrai que, si quelque chose a pu fonctionner pour vous il y a un an ou trois ans, vous avez certainement changé pendant ce laps de temps. Cela fait quelques années que vous n’avez pas fait de sortie complète, et je me demande, en tant qu’artiste, s’il vous arrive d’avoir ces moments où vous vous retournez sur votre travail passé et pensez « j’aurais dû changer ceci, ou modifier cet arrangement », ou, une fois que c’est fait, est-ce que c’est complètement derrière vous ?

Je crois qu’il est le plus sain d’aller de l’avant, de pouvoir se séparer en quelque sorte des œuvres passées. Je pense que c’est vraiment ce que ressentent beaucoup d’artistes du disque, ce qui est important, c’est ce sur quoi on travaille actuellement. C’est ce que j’ai toujours ressenti, je ne me suis jamais trop attachée à des œuvres plus anciennes. Cela ne veut pas dire que je n’aime pas l’interpréter, mais une fois que quelque chose est enregistré, c’est enregistré, et c’est un peu comme « quelle est la prochaine chose qui peut être faite, et comment puis-je utiliser ce que j’ai appris là-bas ? Cela ne veut pas dire que je ne regarde pas en arrière et, vous savez, que je regrette peut-être les petites décisions que j’ai prises, mais je ne veux pas être une personne qui fait cela. J’essaie toujours activement de ne pas me préoccuper des erreurs que j’ai commises dans le passé ou des choses que j’aurais faites différemment, parce que maintenant j’ai le pouvoir d’utiliser ce que j’ai appris grâce à ces expériences.

Dans le contexte de l’écriture ou des interviews. Je ne vais pas revenir en arrière et lire les interviews que j’ai faites, en grande partie parce que j’ai l’impression que, lorsque j’ai commencé à faire des interviews, je ne crois pas avoir établi un langage dans ma façon de parler de mon travail. Elle est devenue beaucoup plus facile avec le temps, mais c’est quelque chose avec lequel je lutte encore vraiment. La raison pour laquelle je fais de l’art est que je peux présenter des idées de manière abstraite, n’est-ce pas ? Je n’aime pas toujours en parler, mais il est difficile de se souvenir de ces anciennes interviews et j’ai l’impression de trébucher sur moi-même sans vraiment savoir ce que je ressens par rapport à mon travail, ou ce qui est important pour moi.

 

Vous êtes sur le point de partir en mini-tournée après la sortie de Render Another Ugly Method après avoir été entassé dans le studio pendant des mois. Etes-vous excitée de voir le travail que vous avez réalisé pour le nouvel album se traduire en live tous les soirs ? Comment vous préparez-vous à une telle éventualité ?

Eh bien, j’aime vraiment partir en tournée . Je n’aurais probablement pas dit cela il y a un an, ou un an et demi J’ai beaucoup appris sur la façon de prendre soin de soi dans le contexte de mes déplacements constants. Quand nous avons commencé à tourner, je ne comprenais vraiment pas comment rester en bonne santé, vous savez ? Ce n’était pas une de mes priorités, ou quelque chose à quoi je pensais. C’est certainement quelque chose qui a changé avec le temps. Je pense que la façon dont vous mangez en tournée est incroyablement importante. Si je mange mal, je serai juste émotionnellement désemparée (rires) parce que mon corps n’est pas en bonne santé, et il en va de même pour l’exercice. Nous avons appris qu’il faut vraiment essayer si l’on veut faire de l’exercice en tournée, et pour nous cela signifiait simplement apporter un ballon de foot, ou, comme personne ne fait vraiment de course à pied dans mon groupe. Certaines personnes le font, et c’est génial, mais nous avons trouvé des moyens de jouer (rires) en tapant dans un ballon de foot ou en nageant.

En ce qui concerne la préparation émotionnelle et mentale de la tournée, j’essaie de m’assurer que j’ai prévu beaucoup de lectures. Je pense que la lecture en tournée est très productive, ou pour moi, elle l’est, parce qu’il y a tellement de temps dans une voiture, et on ne peut pas toujours faire grand-chose. C’est assez limité quant à ce que vous pouvez accomplir à l’intérieur d’un véhicule en mouvement.

Récemment, nous avons fait ce truc où nous essayons d’écrire des chansons dans la voiture, avec cet outil qui se nomme Ableton ; nous l’avons tous beaucoup utilisé Ableton, pour construire des idées. Je suis assez novice dans l’utilisation de ce procédé comme outil initial d’écriture de chansons, et pour construire des arrangements et autres. Nous avons donc fait cela dans la voiture et nous avons tenté de faire une chanson en une journée, ou en un seul trajet en voiture, en mixant en direct et en branchant l’ordinateur sur la stéréo de la camionnette, et nous enregistrons des échantillons voix de de gens qui parlent dans la voiture ou des instruments logiciels, et nous essayons de construire un morceau dans la voiture. C’est un moyen très rapide de faire un tour en voiture.

Ainsi tout le mondé était impliqué.

Oui, il est important que nous soyons tous en bonne santé mentale. C’est quelque chose que nous avons tous envisagé récemment, pour nous assurer que tout le monde est vraiment pris en charge, ou simplement pour se sentir bien, quoi que cela signifie pourchacun ou tout le monde.


Interview de Burning House: « Le Concept Exécuté »

23 janvier 2020

Ce qui peut impressionner chez les revivalistes du shoegaze de Southampton que sont Burning House, c’est l’audace pure et simple de leur premier album Anthropocene. Puisant dans l’art rock, le post-rock et la dream-pop avec des morceaux dépassant généralement les six minutes (« Robinson » atteignant par exemple la barre vertigineuse des onze minutes !) tout en faisant référence au mysticisme, à la poésie révolutionnaire et à la littérature dystopique de la SF, on a eu l’impression que c’est déjà le magnus opus culminant de toute l’œuvre de la longue carrière d’un artiste plutôt qu’un tout premier opus. Il est actuellement courant de qualifier de cinématographique tout disque un tant soit peu « spatial », on pourra considérer que Anthropocène ressemble à un film épiqueet mystique à la fois, quelque chose du genre qu’aucun réalisateur n’a osé faire au XXIe siècle jusqu’à présent – ce qui est très approprié pour un groupe qui tire son nom de la scène de clôture du Sacrifice de Tarkovsky.

Dirigé par le guitariste et chanteur Aaron Mills, le contrarié autoproclamé et « iconoclaste né » réfléchit attentivement à cette assertion ainsi soumise et s’en empare avec l’enthousiasme d’un jeune chirurgien au bord de sa première intervention. Quand on lui demande ce qui l’a poussé à adopter un son de guitare aussi peu conventionnel à une si grande échelle, il est intéressant de découvrir qu’il avaitpris une direction totalement différente en tant que producteur et DJ : « Je suis devenu vraiment obsédé par Aphex Twin et Warp Records. Cela m’a incité à poser ma guitare. Je me suis donc concentré sur la réalisation de beats et d’ambiances, entre autres avec tempérance mais aussi alacrité ».

Bien qu’utilisant des méthodes très différentes, il y a une similitude d’approche entre les artistes de Warp Records et ceux d’un label sur lequel on s’attendrait à ce que Burning House réside comme 4AD ou Creation, en termes d’encouragement à l’expérimentation et d’adoption d’une ambiance expansive, de sons flous et de murs de distorsion denses. Les différents côtés d’une même pièce avec Warp étant numérique et les autres mentionnés analogiques, c’est la découverte de cet esprit pionnier dans les groupes de la fin des années 80 et du début des années 90 qui a conduit Mills à reprendre la guitare : « Je m’y suis remis en découvrant My Bloody Valentine vraiment, et c’était de la musique pour guitare qui allait au-delà de la musique pour guitare. Elle fait son propre truc, donctionne pour elle-même et ne semble pas être limitée. C’est une sorte de simplicité trompeuse, mais il y a tous ces différents timbres, couleurs et textures. C’est un peu comme ça que je m’assois avec elle. Et ce sont d’autres groupes qui m’ont fait penser qu’on peut faire les choses différemment avec des structures de chansons comme Red House Painters et Smashing Pumpkins.. »

Il poursuit : « C’est vraiment l’expérimentation qui m’a séduit et je me suis dit : « Oh oui, la musique pour guitare n’a pas besoin d’adhérer à des riffs et des clichés. Elle peut aller n’importe où. C’est juste du son. Ce ne sont que des morceaux de son, elle peut les maximiser, et vous pouvez faire toutes sortes de choses avec elle » ».

Inspiré et désireux de créer quelque chose au-delà des limites qu’il avait ressenties en apprenant à jouer de la guitare sur les tubes de la Britpop que l’on trouve dans Guitar Magazine, Mills a synthétisé un style qui mélange sa programmation avec un pédalier toujours plus grand. Il est vite devenu évident qu’il devait faire équipe avec d’autres, mais il a trouvé qu’il était quelque peu contrarié par la nature provinciale de sa ville natale : « Au début, je faisais des bouts de démos dans ma chambre. J’avais toute une liste de différents styles de musique et de groupes et de choses que j’avais l’habitude de mettre sur des sites de publicité… ils étaient pour la plupart obscurs, à part quelques uns. Ils ont probablement intimidé ou repoussé quelqu’un parce que je suis vraiment contre, vivant à Southampton. Si j’étais à Londres ou à Berlin ou quelque chose comme ça, il y aurait peut-être eu plus de candidats potentiels.

Si Mills a peut-être eu du mal au début à trouver des collaborateurs en raison de son emplacement, on peut lui rétorquer que ceux qui se trouvent en dehors de la bulle londonienne sont peut-être moins sujets aux tendances ou aux modes et sont plus engagés à créer une musique qui en fait vraiment partie plutôt que d’accumuler une sorte de monnaie sociale. Un point sur lequel Mills est d’accord, même s’il est conscient, à contrecœur, de la nécessité de se présenter au monde pour se faire entendre : « Je pense que c’est un bon point… Mais quand j’ai commencé Burning House, je voulais juste faire de la musique qui soit bonne et ressemblait aux groupes que j’écoutais. Je ne l’ai même pas conceptualisé au-delà de l’enregistrement d’un album. Je voulais juste enregistrer un album et je voulais en faire une pierre de touche de la musique que je pourrais opposer à mes disques préférés.

C’est seulement quand on commence à réaliser que ce n’était pas suffisant qu’on a compris que pur faire un disque, il faut être visible. Je crois que j’ai abordé la question sous un angle un peu rétrograde. Je pense que certaines personnes sont dans des groupes, peut-être que je suis cynique, juste pour être cool ou pour m’envoyer en l’air ou pour avoir quelque chose à faire. Je suis obsédé par la musique et l’art, je suis très motivé par l’idée de faire de belles choses ou des choses que je considère comme belles ».

Le fait de se concentrer sur la création d’un disque plutôt que de jouer devant le plus grand nombre de personnes possible permet alors de lui demander s’il avait l’impression qu’il s’agissait plus d’un groupe de studio que d’un groupe de scène. Le chanteur à la voix douce a déclaré qu’ils ont peut-être préféré au départ leur propre environnement sûr en raison « d’inhibitions dont je ne pouvais pas me défaire ». Cependant, ils ont appris à accepter d’être sur scène au fur et à mesure de leur évolution en termes de son et de musique. « Je pense que j’ai changé, je pense que ma vision conceptuelle est beaucoup plus grande qu’avant. Même à l’époque, quand je disais que j’étais orienté vers le studio, j’espérais que beaucoup de gens s’y accrocheraient. Je l’ai abordée d’un point de vue un peu rétrograde à certains égards ».

Comme il a été noté, Anthropocène n’est pas un disque qui manque d’ambition et n’est certainement pas échelonné par la perspective de s’attaquer aux grandes idées sur quinze longues pistes (pour la plupart) – même le nom est une référence à la sixième extinction massive actuellement précipitée par le capitalisme de la dernière phase où l’industrie humaine est désormais le facteur déterminant qui affecte tous les écosystèmes. Au début, le processus d’enregistrement a été « assailli par de nombreuses difficultés techniques », mais Mills était déterminé à éviter tout cliché car les actes qui suivent le chemin bien tracé « on ne se sent pas obligé de l’écouter à nouveau parce qu’il lui manque quelque chose, cela se sent peut-être son manque de sincérité ou son tout style sur le fond ». Ayant donné l’impression d’avoir une idée aussi précise de l’orientation qu’il voulait donner à Anthropocene, un disque qui, selon lui, « devient très fort et assez implacable, mais qui se remet ensuite en place et explore une émotion différente », on peut se demander si leur premier album avait toujours étét conçu comme une grande narration et était écrit comme un tout cohérent plutôt que comme des morceaux individuels qui venaient naturellemen. On est presque surpris d’apprendre que les chansons avaient en effet été écrites de façon singulière et que la séquence avait été élaborée plus tard plutôt que par un architecte travaillant fébrilement sur un schéma détaillé. Cependant, il croit qu’il pourrait y avoir quelque chose qui se cache dans les profondeurs invisibles de son esprit, l’Id complotant d’une manière ou d’une autre pour créer sa nouvelle cathédrale au son féroce : « À l’époque, je n’aurais jamais réussi à faire quelque chose comme suivre un récit ou démêler l’histoire. Mais je pense que beaucoup d’organisation subconsciente entre en jeu dans la façon dont vous vous sentez par rapport à ce que vous avez enregistré et dans la façon dont la dynamique et la sorte de reformulation des émotions et des dynamiques entrent en jeu ».


Interview de Alexandra Savior: « Un Triomphe sur l’Anxiété »

19 janvier 2020

La mélancolie ne semble pas avoir de prise sur une Alexandra Savior aussi énigmatique que le sont ses deux albums, Belladonna of Sadness et son successeur The Archer. La muscienne et plasticienne fait figure de mystère, elle est calme et mesurée, presque timide quand elle se déprécie.

Au sujet de son dernier disque, il est difficile d’imaginer qu’elle soit fière. « Je n’aime pas beaucoup ce que je fais », sourit-elle, « J’ai des poussées d’inspiration et si je me concentre pour entrer en transe à l’intérieur de ça, alors il est facile de ne pas penser à quel point je déteste tout ce que je fais. »

The Archer est un paysage sépia intelligent et sombre de touches hantées, de guitares cinématiques et de voix précieuses qui chuchotent et s’enflent avec les agonies d’aimer, d’être aimé et de souffrir de la manipulation. Comme son prédécesseur, c’est l’empreinte d’un parolier inventif et d’un musicien émotif. Pourtant, il devient clair – lorsqu’il est combiné avec une personnalité auto-proclamée pessimiste – pourquoi Savior pourrait être si timide sur sa production.

« Mon label a perdu tout intérêt et j’ai fini par me faire larguer », dit-elle lentement, racontant le long pont qu’elle a parcouru entre son premier et son deuxième disque, « personne ne me répondait et mon manager a démissionné ».

Craignant que l’opportunité de devenir musicien n’ait disparu à jamais, Savior est allée à l’école pour étudier la psychologie et la littérature. « J’ai commencé à faire la nounou et à essayer de trouver ce que je pouvais faire d’autre dans ma vie « , dit-elle à propos de cette époque. En l’espace de quinze jours, elle a été reprise sur le dos de démos pour The Archer, mais elle a encore peur maintenant : « ma carrière est terminée. »

Il est difficile de voir comment on peut confirmer cette assertion. Sa production est cohérente, peignant des tableaux furieux à partir des nuances d’une âme intriguée par le beau, le damné et la façon dont les deux se croisent.

« Je suis vraiment intéressée par les tactiques de manipulation et les relations qui sont psychologiquement abusives », dit-elle à propos des paroles distinctives et émouvantes qu’elle écrit. « Tu m’as mordu la tête avec ta petite bouche, et j’ai léché le sang de tes lèvres », chante-t-elle sur le titre « The Archer », qu’elle a écrit la veille de Noël pour son petit ami de l’époque : « Je pensais que c’était une chanson d’amour… et puis j’ai réalisé que c’était à propos d’une relation épouvantable. » Elle rit, silencieusement, timidement. Cette frontière douloureusement mince entre l’amour et la manipulation est devenue le thème du disque.

Les chansons de Savior et leurs vidéos sont également issues d’une fascination pour les années 20, 30, 60 et en général, pour les « choses qui sont vieilles ». Ainsi, ses compositions sonnent comme un appel au futur, comme un fantôme, à travers le temps. Mais cette douleur et ces histoires viennent directement de Savior elle-même, une vieille âme bien qu’elle n’ait que vingt-quatre ans.

The Archer est le deuxième disque d’Alexandra Savior, mais le premier qui lui appartient – du moins dans la conscience du public. Belladonna of Sadness de 2017 a été écrit aux côtés d’Alex Turner, un détail qui a attiré beaucoup d’attention sur son premier effort, mais aussi, dit-elle, « beaucoup d’idées fausses ».

Elle poursuit : «  Je sais quelle a été mon expérience avec le dernier disque… mais en tant que femme, votre expérience est toujours assombrie par les attentes de la société » dit-elle, en se référant à des suggestions selon lesquelles Turner était principalement responsable de la direction – et du succès global – de Belladonna of Sadness. Sur The Archer, »il y a toujours eu cette hypothèse qu’un homme l’a fait pour moi. »

Sa persévérance est difficile à ne pas admirer. Sachant trouver le temps entre les épisodes d’insécurité paralysante et les périodes d’anxiété et de dépression, Savior porte finalement des fruits succulents. En plus de ses paroles langoureuses et picturales, Savior a écrit toutes les lignes de guitare qu’on entend – sauf sur « The Phantom ».

Elle a également réalisé les visuels de « singles « qui se résument désormais à une petite pochette de courts-métrages séduisants. Dans les visuels de « Howl », Savior capture avec précision la débilitation vide de l’anxiété et de la dépression en s’allongeant, en se recroquevillant ou en se couchant à divers endroits, comme si elle était prise par son faisceau au milieu du mouvement. « C’est ce que je ressens chaque fois que je vais en public », conclut-elle provisoirement.

Bien qu’il se traduise impeccablement en un art magnifique, évocateur et racontable, Savior se débat dans l’atelier – une autre raison pour laquelle la réalisation de The Archer est un tel cadeau. « D’habitude, le premier jour où je suis en studio, je fais une dépression émotionnelle et je pleure devant tout le monde », sourit-elle tristement , « c’est vraiment effrayant de montrer aux gens des chansons que vous avez gardées pour vous et de les présenter à des musiciens professionnels avec leurs propres goûts… »

Mais elle l’a fait, et voici l’art de le prouver. Quand on lui demande comment elle surmonte les bévues ou autres- externes et auto-générées – elle répond : « Il y a toujours une raison pour laquelle je continue à le faire ! »


Interview de Draha: « Au-Delà de l’Immédiat »

18 janvier 2020

Si ça a déjà été fait, alors Drahla n’est probablement pas intéressé. Le groupe britannique, formé à Leeds et maintenant basé à Londres, fusionne l’avant-garde avec l’accessible. Leur nouvel album Useless Coordinates est un exutoire passionnant pour ce qui est de l’ordre de l’expression abstraite mais immédiate, mêlant une esthétique post-punk classique à de nouvelles structures et formes qui se rejoignent de manière intéressante. Dans un sens, ils poursuivent la tradition post-punk de Leeds telle qu’elle a été fondée à l’origine par des artistes comme Gang of Four, Au Pairs et Mekons, mais ils se taillent une place à part dans le processus, trouvant quelque chose d’amusant et de libérateur dans des créations sombres et asymétriques.

Luciel Brown, Mike Ainsley et Rob Riggs discutent de leur musique et de leur mission artistique. Il semble tout à fait naturel qu’un groupe dont l’essence même est définie par une soif de liberté créative se prélasse de manière détendue. Cela es, à cet égard, tout à fait adapté pour avoquer avec Drahla de leur nouvel album, de l’aspect visuel de leur musique et d’un désir de dépasser le familier.

Y avait-il un plan spécifique pour les chansons de Useless Coordinates ?

Luciel Brown : Nous écrivions juste les chansons au moment de l’enregistrement, donc nous n’avions pas de plan avant de commencer l’enregistrement. Nous n’avions pas beaucoup de temps pour écrire, donc nous l’avons juste mis en place quand nous avons pu. Sans véritable notion de de produit final en tête.

Il y a beaucoup de groupes qui font une sorte de son « post-punk », mais il semble que l’approche de Drahla soit un peu différente. Qu’est-ce qui vous attire dans l’esthétique que vous intégrez à votre musique ?

LB : Je pense que nous sommes conscients de faire quelque chose de différent de ce que font nos contemporains, des groupes qui sont à la pointe de la popularité en ce moment. Nous sommes classés dans des catégories comme Idles, qui, je ne sais pas, j’ai juste l’impression que nous faisons quelque chose de différent. Mais je suppose que tout le monde dit qu’ils font ça. En Angleterre, le genre de musique populaire est la guitare, la musique politique et nous voulions nous éloigner de ça. Nous voulions tous créer quelque chose d’expérimental et nous sommes intéressés par l’écriture. Nous voulions aussi juste développer les sorties précédentes.

Il y a une présence très importante du saxophone sur le disque. Est-ce que cela a été délibéré dès le début ?

Mike Ainsley : La première fois que nous avons mis du saxophone sur le disque, c’était notre deuxième « single ». Et nous aimons tous le jazz et nous aimons écouter le son du saxophone. Et puis quand nous avons rencontré Chris [Duffin], ça a tellement bien marché qu’il semblait avoir tout simplement ce que nous recherchions. Nous voulions tout naturellement qu’il soit là et qu’il en fasse partie parce que nous aimons ce qu’il fait.

LB : Chris peut apporter quelque chose dont nous sommes incapables aux chansons. Nous avons joué pas mal de chansons avec lui avant, donc c’était un processus naturel pour lui d’être plus impliqué.

Drahla semble être autant un exutoire pour l’art visuel que pour la musique. Dans quelle mesure est-il crucial pour votre vue d’ensemble ?

LB : Oui, c’est assez ironique, nous avons passé plus de temps sur l’artwork et la réalisation des vidéos que sur l’écriture de l’album. Le temps qu’il faut y consacrer est un peu fou. C’est une partie importante de l’album dans ce sens. A travers la musique, nous avons cette plateforme pour mettre notre artwork en avant et l’intégrer à la musique, ce qui est assez incroyable. Avoir le contrôle sur le côté créatif de la musique est vraiment important et c’est quelque chose que nous aimons tous faire.

Vous avez fait une déclaration quand vous avez sorti la vidéo de « Stimulus for Living » qui, selon vous, « remet en question le format et la perception standardisés. » Est-ce que cette idée s’étend à tout ce que vous faites ?

LB : Oui, je dirais que oui. Cela s’est développé avec l’interview au début de la vidéo, nous étions un peu fatigués de nous faire poser les mêmes questions encore et encore. Et il y a tellement de choses différentes à explorer. Je suis vraiment intéressé à aller au-delà de l’immédiat, à aller plus loin et à trouver les choses intéressantes. Beaucoup de paroles sont basées sur des observations que je viens de voir, ou sur des scénarios que je vivrais. Il y avait quelque chose au-delà de l’immédiat dans lequel nous nous trouvons actuellement.

Quel a été le plus grand changement que le groupe a subi depuis sa fondation ?

Rob Riggs : Probablement notre déménagement à Londres. En ce moment, nous aimons voyager jusqu’à Wakefield et pratiquer pendant quelques jours solides. Mais quand nous étions à Leeds, nous ne pratiquions qu’après le travail. Nous sommes en train de voir comment ça se passe, mais c’est probablement le plus grand changement.

LB : On a tous dû quitter notre travail pour faire la tournée américaine l’année dernière. C’était un gros changement. Quitter le confort de son travail.

Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez qu’on oublie d’entendre sur Useless Coordinates ?

RR : Si ça peut inspirer les autres à faire quelque chose de créatif, ce serait vraiment bien.