Interview de Emma Ruth Rundle: « La Dualité de l’Art et de l’Artiste »

Emma Ruth Rundle ne se prête pas à l’écoute passive. Son dernier album, On Dark Horses, trouve l’artiste partageant des luttes personnelles, combinant une instrumentation atmosphérique et émotionnellement prenante. Rundle explore des terrains difficiles et compliqués, comme les défis posés par la maladie mentale ; en créant ce disque, elle a cherché à présenter une œuvre musicale qui serait galvanisante et qui donnerait de l’espoir.

L’art de Rundle contient un équilibre remarquable entre le sentiment et la technicité. Elle tisse des mélodies dans des moments lumineux de mélancolie avec ses inflexions vocales, en maintenant un ton de guitare sombre qui permet une fusion captivante. Rundle dit qu’elle cherche à explorer les sons qui lui viennent naturellement à l’esprit et les sentiments qu’ils véhiculent.

« J’ai tendance à prendre la guitare et à jouer jusqu’à ce qu’il y ait quelque chose qui me touche », dit-elle. « C’est presque comme un processus thérapeutique, qui me permet d’extraire ces idées et ces symboles et de commencer à en esquisser les paroles.

La musique que je fais est le résultat de toutes les influences que j’ai eues en grandissant dans les années 90 » ajoute-t-elle. « Elle est affectée par l’état émotionnel dans lequel je me trouve lorsque je l’écris. Le processus est en quelque sorte l’aboutissement de l’histoire de ce à quoi j’ai été exposée et qui a formé mon style d’écriture et ce que je ressens. Je pense que ce que je fais est plus un courant de conscience dans ses étapes de formation. »

On Dark Horses incarne une dualité fascinante ; le flux de l’instrumentation offre une présence à la fois obsédante et douce alors que Rundle exhale une voix chaude, parlant du pouvoir de se déplacer à travers la lutte. La douleur et l’honnêteté s’accrochent à la limite de chacun de ses mots, offrant un élément intime d’introspection personnelle. La création d’une telle œuvre est exigeante ; pour Rundle, il y a une dualité dans le processus créatif. L’équilibre entre le fait de trouver l’œuvre stimulante et cathartique. Elle dit : «  Chaque disque a été différent, mais avec Marked For Death en particulier, je pense que j’ai ressenti une telle libération après l’avoir enregistré. Je n’ai pas joué de la guitare pendant environ trois mois après ça ; j’ai senti que ma vie avait changé pour le mieux. Mais quand j’ai commencé à tourner pour la musique, ça m’a en quelque sorte ramené psychologiquement là où j’étais quand je l’ai fait ».

Bien que ses efforts aient consisté à créer des paroles et une musique habilitantes pour On Dark Horses, Rundle partage également qu’elle se trouve dans une situation difficile, faisant face à des sentiments contradictoires concernant son processus créatif et son interprétation.

« J’ai l’impression qu’avec On Dark Horses, j’ai essayé d’écrire des idées et des thèmes plus forts sur la façon de surmonter les obstacles dans les paroles et la musique, pour pouvoir renforcer cela en moi pendant la tournée, la performance et le soutien du disque. En interprétant cette musique, j’espérais qu’elle serait plus puissante. Mais je suis actuellement à la croisée des chemins et j’ai du mal à jouer en ce moment. Je sens que lorsque je ne suis pas dans une bonne position, je commence peut-être à associer un peu trop mon instrument à la confrontation de choses qui peuvent être difficiles à gérer pour moi. Cela m’a conduit à me battre avec l’écriture et la volonté de jouer même. »

Elle poursuit : « Cela s’ajoute aussi à beaucoup d’anxiété que je ressens à l’idée de me produire sur scène. Je n’ai jamais eu envie de me tenir devant les gens et de chanter mes sentiments. La musique et la performance ont un effet sur moi ; je pense que j’en souffre en ce moment. »

Rundle se lancera dans une tournée avec Thou, un groupe d’avant-garde de la Nouvelle-Orléans, en soutien à l’album. En préparant cette tournée, compte tenu de ces conflits, Rundle reconnaît qu’il y a beaucoup de choses à attendre avec impatience. Non seulement elle est excitée de tourner avec Thou, mais elle est aussi captivée par leur talent artistique. « Je suis une grande fan de leur musique depuis quelques années. Ils ont juste cette lourdeur dans leur musique qui fait quelque chose pour moi ; elle allume la sérotonine dans mon cerveau. J’écoute vraiment beaucoup ce groupe, et il y a beaucoup de diversité dans leur catalogue. C’est mon groupe préféré en ce moment. »

Contrairement à la vulnérabilité qui vient avec un spectacle solo, Rundle trouve que c’est une opportunité de jouer avec un groupe complet. Pour entreprendre cette tournée, elle a besoin de la force qu’elle a démontrée dans son travail ; à bien des égards, sa perspective du bien représente les thèmes que l’on retrouve dans On Dark Horses. Même lorsque les temps sont compliqués, et que nous sommes conscients des défis qui nous attendent, il y a un moyen de continuer à aller de l’avant. Rundle prend la route en cherchant à établir des liens avec les autres et à partager sa musique.

« Il y a eu une certaine positivité lors de la prestation en direct et le fait de jouer avec le groupe a été très énergisant. Il y a eu beaucoup de commentaires positifs de la part des gens lors des spectacles, et il y a eu beaucoup de grande énergie. Je pense que la nature de cette musique crée un lien avec certaines personnes d’une manière qui me semble significative, et cela signifie beaucoup pour moi de rencontrer des gens comme ça lors des concerts et de voir comment la musique et les concerts peuvent être efficaces ».

« Déconstruction de la Dépravation »: Interview de Lingua Ignota

Kristin Hayter est l’une des voix les plus fascinantes de la musique contemporaine aujourd’hui, mais ne la reconnaîtrait probablement pas de son vrai nom. Elle joue et enregistre sous le nom de Lingua Ignota, qui vient de la mystique allemande Hildegard de Bingen, signifiant « langue inconnue ». Et son travail est à la fois fascinant et époustouflant ; du bourdon à l’industriel, en passant par le doom, le classique et même certains éléments de style gospel, Hayter explore et combine une vaste gamme de styles dans des compositions intrigantes. Son LP de 2017, All Bitches Die, est un disque remarquable qui subvertit les idées du public vers des genres musicaux durs, tout en explorant également les thèmes de l’abus et de la violence.

Ce mois-ci, Hayter sort son disque suivant, Caligula. Et encore une fois, le nom évoque quelque chose de spécifique – pour la plupart d’entre nous, Caligula peut rappeler l’empereur romain, avec une réputation d’être horriblement corrompu et violent. Pour Hayter, cependant, le disque représente une exploration plus large des thèmes relatifs à la violence et à la cruauté.

« Le disque lui-même est une sorte de grand labyrinthe », dit-elle, « et je pense que pour moi, Caligula a pris de nombreuses significations. À l’origine, je pensais au terme  » Caligula  » en ce qui concerne la folie et la dépravation – en regardant ma propre folie et dépravation souffrant de SSPT (stress post traumatique). Je voulais apporter dans ce disque toutes ces questions récurrentes que j’avais ; et j‘ai en quelque sorte adopté cette approche pour le concept d’une fugue psychotique que je vivais. Mais finalement, Caligula a pris toutes ces autres connotations et est devenu un concept moins centré sur moi, et plus intéressant pour traiter de la survie dans le monde dans lequel nous vivons, ainsi que par rapport au climat politique dans lequel nous évoluons ».

En embrassant ces thèmes plus larges, Hayter présente un disque qui est de portée universelle. Elle transmet les horreurs du pouvoir corrompu, et comment il peut affecter les gens à travers le monde. En s’appropriant ces concepts, elle offre une atmosphère éthérée et existentielle, offrant un poids d’agonie à la fois contemporain et ressenti à travers l’histoire.

«  Ce dossier explore la dépravation dans un sens plus large, » dit-elle, « par exemple la dépravation des personnes au pouvoir sur le plan politique mais aussi la dépravation des personnes au pouvoir dans nos communautés et nos relations intimes. Caligula est devenu comme ce genre de monstre énorme et je l’ai beaucoup moins axé sur l’historique ; à savoir Caligula, l’empereur romain. Il est devenu cet archérype de la dépravation monstrueuse, de la solitude, de la trahison et de la violence. »

Étant donné le sujet difficile de son matériel, Hayter analyse attentivement la façon dont elle se lance dans une pièce musicale, en tenant compte des tons et des émotions qu’elle cherche à susciter. Son esprit académique à l’égard de la musique permet au matériau de dégager sa présence brillante et obsédante ; par ses mélanges de genres, son utilisation intrigante de « sampling » et par sa prise en charge de la structure compositionnelle et de l’écriture, son processus est remarquable. Parmi les « samples » utilisés sur Caligula, Hayter en évoque un qui implique une histoire unique et la façon dont elle a voulu la mettre en valeur.

«  La marche funèbre pour la reine Mary, originellement par Henry Purcell, a été recontextualisée par Wendy Carlos pour A Clockwork Orange de Stanley Kubrick « , dit-elle. «  Donc, étant une marche de la mort pour une femme, elle a été recomposée et réinterprétée par une femme trans pour exprimer la violence insensée et la dépravation faite par les hommes, pour être ensuite reprise par quelques autres artistes … Je la prends et lui donne ma propre bravado et ma propre emphase de manière à ce que l’histoire culturelle de ce passage demeure plus prégnant ».

En parlant de son processus, elle explique que son travail ne vise pas directement la catharsis, mais que, dans un sens, il peut en être un sous-produit.

« Je ne sais pas si créer une œuvre cathartique erait quelque chose que je serais capable de faire si j’essayais de le faire. Je pense qu’il y a un plus grand type de traitement qui se produit dans la musique, le projet et le travail « , dit-elle.  » »a façon dont je fais les choses de façon déconstruite et très fragmentée, en séparant différents éléments, est ma façon de séparer les morceaux de mes expériences, et ensuite je les rassemble d’une manière qui me convient. Et c’est un peu comme un processus thérapeutique. J’essaie d’évoquer différentes humeurs et atmosphères, et de susciter des réponses différentes avec la musique. Mais je ne sais pas si je cela va être un élément de catharsis pour ma personne. »

Caligula embrasse la folie déchirante, et parfois enchanteresse, qui a été trouvée sur All Bitches Die. Cependant, Hayter élève son art, présentant une instrumentation viscérale. En plus de la collection de composantes instrumentales du disque, Hayter apporte à la table sa gamme vocale intrigante. De la rodomontade de sa voix, qui dégage une tension éthérée et des cris terrifiants, son phrasé devient un instrument à part entière. Hayter explique ainsi la direction vocale qu’elle adésirée tout au long de Caligula, en abordant certains aspects plus techniques de sa préparation vocale.

« Avec ce disque, je voulais travailler avec un ton très particulier », dit-elle. « C’était en fait l’un des plus grands défis pour moi parce que j’ai travaillé très dur pour m’assurer que ma voix ne soit pas magnifique. Techniquement parlant, je garde mon larynx très très bas tout au long du disque, et il sonne un peu écrasé, étranglé, très large et grave, et c’est un peu masculin. Je voulais me débarrasser de toute sorte de féminité et de respiration qui aurait été présente sur les précédents disques. »

Quand elle écrit, Hayter construit son œuvre à partir de fragments. « Surtout pour ce disque, j’ai eu une approche vraiment bizarre de l’écriture des chansons », dit-elle. « La plupart des chansons ont commencé par l’utilisation seule dema voix et de mon piano, juste pour avoir des progressions d’accords et de la structure. Parfois, je n’utilise pas de paroles pour établir une ligne de chant. Mais ensuite, une grande partie du matériel a été prise et totalement déconstruite ; le disque bouge moment par moment, par opposition au fait de le faire chanson après chanson.

« Je pense à ce qu’est le texte à un moment donné et à la progression des accords, puis à la façon dont la dynamique et toute sorte de texture ou d’harmonie supplémentaire vont augmenter ce texte à ce moment, et puis je construis les choses presque à la verticale « , poursuit-elle. « J’aurai cette petite structure de base du genre : « Voici la progression d’accords, voici le texte ». Ensuite, j’aurai tous ces différents fragments de genre, « Oh, juste ici, je veux qu’il y ait un morceau de mélodie de cette chanson du 11ème siècle qui corresponde exactement à ces paroles. C’est donc un processus très déconstruit qui amalagame et met tout ensemble. »

Caligula est un disque unique, l’un des plus intrigants de l’année. Hayter tisse ensemble ses fascinations académiques et son voyage personnel dans l’art pur et viscéral, libérant ses émotions à travers des compositions intenses et puissantes. En tant qu’artiste, Hayter est déterminée à créer des œuvres qui semblent nouvelles, élaborées et peu orthodoxes, tout en étant authentiques et sincères. Elle cherche à prendre des thèmes dans l’air du temps culturel, à les retourner et à les voir d’une manière différente. Mais peut-être plus important encore, elle est également motivée par une seule question qui la pousse à creuser plus profondément et à analyser son matériel.

« L’une des questions que je me pose constamment est  » pourquoi « , et je pense que beaucoup d’autres artistes devraient se poser la même question » , dit-elle. «  Parce qu’être un artiste, c’est en fin de compte une question de montage ; de choix de montage et de choix. Donc, tout ce que je fais, tout ce que je fais sur le plan artistique, ou tout ce que je mets dans mon travail, il y a toujours une raison pour laquelle. Je me demande toujours :  » Pourquoi y a-t-il une raison ? Pourquoi ai-je fait cela ? Ça peut être un peu exaspérant parfois. Mais je pense que c’est une des choses qui m’a vraiment aidée à rester sur la bonne voie. »

Interview de Weyes Blood: « Le Retour du Mystique »

Combinant le traditionnel et le mystique, Weyes Blood (Natalie Meyers), basée à Los Angeles, évoque sa quatrième sortie,un Titanic Rising qui marque sa progression s’avère être le point culminant de ses années d’écriture et de tournée en un disque méditatif et touchant, une grande révélation remplie de moments subtils et tranquilles. Meyers explique ici sa fascination pour les films et comment elle les incorpore dans sa musique au regard de l’attention déficiente de notre société pour la culture.

Comment est née votre collaboration avec Sub Pop Records, votre nouveau label, et quelle a été votre relation avec eux jusqu’à présent en ce qui concerne Titanic Rising ?

J’ai toujours été une grande fan depuis mon enfance et j’ai toujours considéré que Sub Pop étaient intéressants rdans ce qu’ils représentent et ce qu’ils font. C’est plutôt par hasard que tout s’est bien passé. Quand j’ai parlé à d’autres labels, j’ai reçu beaucoup de sollicitations de différents labels mails n’étaient pas particulièrement attrayants. Sub Pop avait la meilleure vibe et les gens y étaient les plus amicaux. C’est vraiment un bon équilibre entre l’éthique indie et le fait de ne pas être un label trop important, mais aussi d’avoir quelqu’un capable de s’occuper des affaires et de ne pas être une situation de bricolage. Je pcrois que c’est bon pour moi et pour quelqu’un qui vient d’un monde musical plus underground,

Pouvez-vous m’en dire un peu plus sur le processus de réalisation de votre premier clip pour « Movies » ?

C’était en fait le quatrième clip que j’ai réalisé, mais c’était vraiment amusant. J’ai filmé beaucoup de mes propres vidéoclips, je suis vraiment à fond dans la réalisation. C’est la première fois que j’ai fait un casting et que j’ai tout donné, que j’ai été à fond sur Hollywood ; j’ai trouvé des acteurs pour jouer dedans et j’ai tourné plusieurs jours, donc c’était peut-être l’effort le plus ambitieux à ce jour. Le concept m’est venu si clairement et cela m’a aidé d’avoir des amis proches qui croient vraiment en ce que je fais et qui m’ont aidé en étant dedans ou en m’aidant au montage. Si je voulais faire un clip pour chaque chanson de mon disque, il n’y a pas assez d’argent pour le faire, donc je dois être créatif et créer autant que possible avec le peu d’argent dont je dispose.

Dans votre clip pour « Everyday », on peut apprécier la combinaison d’une nature contradictoire en termes d’éléments d’horreur et de musique optimiste. Y a-t-il un message que vous voulez faire passer en termes de juxtaposition de thèmes de films d’horreur avec un morceau optimiste ?

Oui, absolument. Je pense que c’est symbolique de la façon dont nous abordons les relations amoureuses de nos jours dans notre culture ADD où c’est presque comme un film slasher. Le nombre de personnes qu’on peut rencontrer par hasard via Tinder ou le nombre de personnes qui se glissent dans les DM ici et là de manière très décontractée, c’est presque comme un slasher. C’est comme si à tout moment, vous pouviez simplement attraper des sentiments, et puis avoir les tripes répandues sur le sol de nulle part.

Oui, on peut voir ça comme une lecture de la façon dont un film d’horreur/slasher peut traverser tant de victimes une par une, et puis en termes de scène de rencontre sur Tinder ou OKCupid et aussi en traversant les gens un par un, en ayant un mécanisme plutôt que des connexions réelles.

Oui, c’est un peu ce qu’est un film slasher. Tous ces gens vont mourir. (rires.) J’essaie de faire un film aussi campagnard que possible parce que je n’essaie pas de promouvoir la violence ou la mort.

En ce qui concerne la pochette de l’album Titanic Rising, on a l’impression qu’elle dépend de ce moment fini où tout est sous l’eau, où l’on capture quelque chose de vraiment beau et significatif plutôt que de le laisser se reproduire encore et encore. Est-ce que cette idée est liée à votre image de la façon dont nous utilisons les médias sociaux dans notre société aujourd’hui ?

Oui, je pense que la fragilité est certainement la façon dont je me rapporte aux médias sociaux. Pour moi, la couverture parle plutôt de la chambre à coucher et du subconscient, mais je pense que la fragilité et la brièveté du moment sont très poignantes pour ce à quoi nous avons affaire maintenant. Les choses changent tellement vite que nous ne pouvons même pas suivre le rythme au point où je pense que nous ne savons même pas ce qui se passe avant que cela ne soit déjà arrivé. C’est donc presque comme si notre culture, surtout la façon dont l’économie a changé, accusait un retard. L’économie des pigistes a des répercussions négatives que nous ne pouvons même pas vraiment prévoir et ce sont toutes des choses qui se produisent de plus en plus rapidement, qui s’accélèrent au point où nous ne savons même pas ce qui se passe. Même dans l’industrie de la musique, c’est comme si on ne savait même plus comment les gens entendent la musique, donc je pense qu’en général, nous ne pouvons pas suivre, et c’est certainement une partie de cela.

Est-ce que cela a affecté la façon dont vous choisissez d’enregistrer et de promouvoir votre travail et est-ce que cela a changé d’une sortie à l’autre ?

Non, je n’ai pas changé, mais l’industrie de la musique a changé. Je n’arrive pas à dire :  » OK, on est en 2019, il est temps de faire ça « . Je fais juste des vidéos et des chansons, et je surfe sur les vagues pour moi-même, mais je ne suis pas un homme d’affaires et je ne prends pas le temps d’essayer de répondre aux besoins des tendances modernes. Je me démarque de tout cela, mais je sais que ça change et je regarde ma musique passer par une machine différente chaque fois que je sors un disque.

Et cela semble être lié à la façon dont vous travaillez avec Sub Pop et au fait qu’il a une esthétique large plutôt que d’être un label qui se sent trop commercial.

Tout à fait !

Quels aspects des médias sociaux trouvez-vous positifs dans notre utilisation quotidienne ou qui pourraient être utilisés pour notre plus grand bien collectif ?

Je pense que le terme « réveillé » et le fait de donner une plateforme à des gens qui n’en avaient pas auparavant ont aidé beaucoup de gens et ont aussi exposé la sombre scène de haine de l’alt-right qui est en train de se développer dans notre pays depuis toujours. Je pense qu’à bien des égards, l’exposition a vraiment permis de prendre la température de ce que les gens ressentent vraiment à l’intérieur et je pense que j’ai vu les choses changer si radicalement au cours des cinq dernières années avec le mouvement Me Too et avec les vidéos virales, la brutalité policière, ces choses sont si vitales et si importantes. Le simple fait de savoir que ces gens bien existent et de savoir qu’il y a des nazis en Amérique qui, je pense, se sentent à l’aise de faire leur coming out parce que la plupart des vétérans de la Seconde Guerre mondiale qui se seraient écrasés le cul sont maintenant morts. C’est vraiment intéressant et important pour nous tous d’être éveillés. Je pense que d’une certaine façon, après des années d’un sommeil étrange dans lequel beaucoup de gens sont encore, je pense que certaines personnes se réveillent vraiment.

Interview de Adam Cohen: « Adam et Leonard Cohen: une ultime étreinte »

Leonard Cohen a poussé son dernier souffle il y a trois ans, mais sa voix ne s’est pas éteinte. Son fils Adam lui avait promis de finir les chansons en chantier. Les voilà sur Thanks for the Dance, magnifique album habité par la présence unique de son illustre paternel.

Vous avez travaillé sur Thanks for the Dance sur plus de deux ans. Vous aviez besoin de prendre votre temps ?

J’ai mis des mois avant d’être prêt à retravailler avec mon père, à passer du temps en sa compagnie, à entendre sa voix, à étudier ses mots, à trouver le moyen d’accompagner sa voix avec des musiques dignes de lui et qui correspondraient à là où il était exactement à la fin de sa vie.

Pendant qu’on faisait You Want It Darker, un thème s’est présenté : la mort, l’idée de Dieu. Les chansons plus romantiques, plus sensuelles, ne convenaient pas à ce thème. On ne les a pas finies, mais pas parce qu’elles n’étaient pas bonnes. Comme il s’est éteint trois semaines après la sortie de You Want It Darker, il a pu voir la réaction à sa dernière œuvre. Alors, il m’a demandé de finir ce qu’on avait commencé…

Quand je me suis retrouvé dans mon petit studio, avec sa voix qui tonnait dans les haut-parleurs, je me suis retrouvé exactement là où j’étais pendant les 18 derniers mois de sa vie : en conversation avec lui. C’était douloureux et délicieux en même temps.

L’album commence par la phrase « I was always working, never called it art » et se termine sur « listen to the hummingbirds, don’t listen to me ». Comme un pied de nez au mythe pour mieux montrer l’homme derrière l’artiste…

On voulait construire une histoire, que le disque lui ressemble, que ce soit un voyage à travers le meilleur de Leonard Cohen. Comme quand Feist et Jennifer Warnes font des « la la la » sur Thanks for the Dance pour retrouver l’atmosphère de Dance Me to the End of Love. On a trouvé des mouvements, des accords, des accompagnements, pour le ramener à la vie, pour qu’on le sente de manière multidimensionnelle : son sens de l’humour, la sensualité de certains disques, les clins d’œil qu’on remarque si on connaît son œuvre.

Lorsqu’on entend les mots « album posthume », on a une réaction cynique. C’est souvent un geste opportuniste de la famille ou de la compagnie de disques. Ce sont souvent des fonds de tiroirs. Ce disque est tellement différent : on sent Leonard Cohen. Ce n’est pas Leonard Cohen à la fin de sa vie, mais au sommet de son art.

Ce qui ressortait, sur scène, c’était sa gratitude. Il semblait remercier le public de l’avoir accompagné, alors que ses chansons ont accompagné tant de gens…

Quand il enlevait son chapeau à la fin de chaque concert, il semblait surpris, et surtout reconnaissant, oui. Ce qui le touchait le plus, c’était de voir que les gens gardaient ses chansons en vie. C’est ce qu’on est en train de faire avec ce disque. C’est une promesse que je tiens, mais c’est aussi une responsabilité que je sens.

Et ce disque boucle la boucle de manière moins sombre que You Want It Darker, n’est-ce pas ?

Exactement. You Want It Darker, c’était comme se serrer la main, se regarder dans les yeux et se dire au revoir. Thanks for the Dance, c’est le même au revoir, mais en posant doucement la main sur l’épaule… C’est l’autre facette du même dernier geste.

Interview de Joy Formidable: « Y a d’la Joie »

A moins d’être sur un label majeur et d’avoir réussi, son premier alum il est difficile d’avoir une carrière soutenue. C’est le cas de Joy Formidable qui fête ses dx ans une activité musicale pour le moins hors normes, qui a la chance de rééditer son premier album, et ce, en y ajoutant un EP bonus

Joy Formidable ont toujours eu un parcours atypique ; ils sont soumis leurs interocuteurs à édhérer à leurs propres conditions et ont creusé un sillon qui parvient à plaire à un large éventail de fans. Ils sont assez « lourds » pour être inclus dans les palmarès de Hard Rock, mais assez mélodiques pour être popilaires dans le scène Indie, ils lont énormément de aux Etats-Unis mais ils sont fiers d’être des Gallois chose qui leur a pqui ont fourni une écurie aux groupes locaux et nationaux, en particulier ceux de leur langue maternelle, et sont donc très appréciés à domicile.

Ils ont don naturellement ajouté un disque supplémentaire à leur célébration des dix ans de A Balloon Called Moaning en enregistrant une réimagination de l’EP en Gallois mais aussi en strippé et avec une orchestration luxuriante et des guitares acoustiques douces.

Lle bassiste et guitariste du combo, Rhydian Davies, vient ici discuter du nouvel EP et del leur propre festival, Formidable Fest.

La réédition du premier EP est sortie depuis quelques semaines, comment a-t-elle été reçue ?

C’est fantastique, c’est tellement encourageant car ce n’est pas seulement le public du Pays de Galles et du Royaume-Uni, c’est partout où nous recevons du soutien pour une sortie en langue galloise. Il ne s’agissait pas seulement de réenregistrer un vieux disque, nous l’avons réenregistré en gallois, mais acoustiquement, parce que nous avons eu plaisir à faire des tournées acoustiques de façon intermittente au fil des ans, donc tout est devenu clair. C’est tellement agréable de voir à quel point les gens ont été ouverts, car il est évident que certaines personnes ne comprennent pas le gallois et que nous sommes passés assez régulièrement sur des chansons en langue galloise et ils sont vraiment intrigués et ils veulent en savoir plus et c’est super.

Quand avez-vous eu l’idée de faire la réédition avec le réenregistrement en Gallois ?

Cela faisait un moment que nous parlions de faire plus de travail en Gallois, et nous avons commencé un label appelé Aruthrol, ce qui veut dire formidable, et nous avons sorti des split singles avec un single en gallois de nous et un groupe gallois de l’autre côté, pas nécessairement en gallois. Et nous voulions faire quelque chose de plus grand et ça s’est très bien passé avec le timing et nous savions que nous voulions faire quelque chose pour l’anniversaire duEP mais nous voulions faire quelque chose de nouveau plutôt que simplement un remastering.

Est-ce que les enregistrements se sont faits assez rapidement car il y a l’orchestre et les cordes qui ont pris un certain temps à s’arranger ?

Il y a peu d’enregistrements live, car nous avons eu un concert à Boston et nous avons eu un quatuor à cordes pour certaines des chansons et cela s’est avéré si bien que nous voulions que celles-ci figurent sur le disque, ce qui l’a probablement un peu fait avancer.

Etait-il nécessaire de se séparer et de recommencer avec certaines chansons lors de l’arrangement des paroles galloises car elles ne sont pas scannées de la même façon qu’en anglais ? C’était assez difficile ?

C’était un défi oui, parce que les histoires dans les paroles sont vraiment importantes pour nous, donc ça peut être une tâche parce qu’une traduction pure ne fonctionne pas toujours, bien souvent non, il y a beaucoup plus de syllabes dans la langue galloise donc ça peut être difficile à adapter avec la mélodie. Alors, où tracer la ligne si vous avez l’impression de compromettre un peu la mélodie, mais que vous voulez que le sujet y soit abordé exactement ? C’est un art en soi, la traduction. Mais nous avons vraiment aimé le faire parce que cela nous a permis de retrouver le sens de ce que nous écrivions à l’époque.

Que vous rappelez-vous de l’enregistrement original de « A Balloon Called Moaning » ? L’avoir revisité vous a-t-il rappelé beaucoup de souvenirs de l’époque ?

Ce dont je me souviens vraiment, c’est moi et Ritzy dans nos chambres, c’est ce qui a vraiment démarré le groupe, ces chansons’Austere’ et’Cradle’, nous n’avions même pas de batteur à l’époque, c’était vraiment excitant de faire de la musique à nouveau car nous avions eu une période difficile avec notre groupe précédent. C’était devenu désordonné et nous voulions juste nous évader, alors nous sommes revenus dans le nord du Pays de Galles et je me souviens juste avoir eu du plaisir à travailler sur un ordinateur et à produire ces premières démos, et ça nous ramène en arrière, la musique, c’est très puissant, ça a un effet puissant sur les sens.

Avez-vous un titre favori sur cet EP ?

C’est tellement délicat, j’ai du mal à avoir un favori car c’est quelque chose pour cette période de ma vie et tous les épisodes, mais’The Greatest Light Is the Greatest Shade’ semble intemporel mais c’est du côté triste mais j’aime les chansons plus tristes.

Est-ce que vous changeriez quoi que ce soit au sujet de l’EP maintenant ou est-ce juste un instantané de cette époque ?

C’est une bonne question, en fait, parce que c’est amusant de voir qu’à mesure que vous progressez et que vous regardez en arrière, vous pouvez faire quelque chose différemment. Mais je n’aime pas avoir de regrets parce que tout est un processus d’apprentissage et si nous devions l’enregistrer maintenant, nous en saurions beaucoup plus à son sujet, mais j’aime sa naïveté. Nous étions en train de nous habituer à être notre propre producteur et à ce qu’il est possible de faire avec ce côté-là peut-être, mais je reste fidèle aux chansons et comme je le dis, c’est un moment dans le temps et c’est pourquoi je pense que le remasteriser maintenant est un peu bizarre car nous ne sommes pas vraiment nostalgiques, nous aimons toujours être dans le moment ou regarder en avant. Donc dans l’ensemble, non, je ne changerais probablement rien.

Vous avez votre propre festival avec une belle brochette de groupes gallois dont Blood Red Shoes et Gwenno et d’autres, est-ce une célébration de vos groupes favoris ?

Absolument, c’est la compagnie dans laquelle nous sommes très heureux d’être, mais c’est aussi une belle extension du label, ça fait un moment que nous voulons le faire et c’est comme si nous ouvrions un peu les choses, si nous pouvons aider à attirer l’attention sur ce que nous pensons être tant de grands talents au Pays de Galles, nous voulons vraiment être impliqués et je suis vraiment encouragé. Cela n’a pas toujours été facile, surtout dans le nord du Pays de Galles avec le côté live et le réseautage, mais j’ai l’impression que ça s’améliore constamment, et la seule façon de l’améliorer, c’est que les gens soient actifs et c’est ce qu’ils pensent vraiment. Il y a aussi un grand côté artistique, il y a tellement d’art là-dedans. J’ai hâte d’y être.

Y a-t-il quelque chose qui va bientôt sortir sur le label Aruthrol ?

Nous avons été très occupés ces derniers temps en tournée, mais il y aura un CD pour le Formidable Fest qui mettra en vedette tous les groupes qui y sont, mais il y aura probablement une autre sortie officielle au début de l’année prochaine.

Pour le Formidable Fest, allez-vous séparer le groupe acoustique et le groupe live complet ?

Nous faisons deux concerts, nous commençons la soirée acoustiquement, probablement pas toutes les versions galloises, mais probablement pas mal, et puis un mélange de tous les albums dans le set principal.

Cherchez-vous à commencer le nouvel album dans la nouvelle année ?

Absolument oui, on veut retourner en studio, on finit de tourner juste avant Noël et puis on veut commencer tout de suite en janvier, on a déjà des chansons qui sont déjà très excitées.

Interview de Ian Williams(Battles): « Sons en Bataille »

« Ce groupe a toujours changé de forme », dit Ian Williams de Battles. « On a toujours fait ça, on l’a toujours su. Se retrouver dans de nouvelles situations nous garde frais, tout en nous permettant de rester cohérent avec ce qu’a toujours été notre essence. »

Pour leur quatrième album, Juice B Crypts, Battles ont de nouveau texpérimenté une nouvelle approche. Après avoir commencé sa vie comme quatuor, Battles est maintenant un duo de base : Williams à la guitare (et toutes sortes de matériel), John Stanier à la batterie. Pour l’album, le duo s’est entouré de nombreux collaborateurs, dont Shabazz Palaces, Tune-Yards, Xenia Rubinos, Sal Principato des légendes du disco-punk Liquid Liquid, et Jon Anderson des icônes prog-rock Yes.

Travailler avec des chanteurs «  soulage notre musique », explique Williams. « Quand on ne fait que des instrumentaux, on peut très vite se dire qu’on essaie d’être un virtuose, ou qu’on écrit des chansons de dix minutes qui, comme on dit, « vous emmènent où vous voulez ». Nous avons fait du bon travail sur ce disque, nous n’avons pas été épiques, nous ne nous sommes pas comportés comme des musiciens frimeurs, en revanche, nous avons souhaité garder des éléments qui sont concis et précis. »

Faire l’album – le premier depuis le départ du bassiste de longue date Dave Konopka – semblait différent, mais Williams croit que chaque disque qu’il a fait, de Don Caballero à Storm & Stress et Battles, a été une chose complètement différente. « J’ai toujours essayé de faire de la musique », dit-il avec un petit rire, « et les gens autour de moi changent un peu. Ils vont et viennent, mais je poursuis toujours cette même démarche. »

Williams parle depuis Santiago du Chili. Des émeutes ont eu lieu un soir de congé, après avoir dû annuler un spectacle à Quito, en Équateur, en raison des protestations anti-gouvernementales. Williams a eu un avant-goût des voyages à l’étranger, et dans des pays en mutation, lorsqu’il a passé une partie de son enfance à vivre au Malawi. « Enfant, c’est comme Dieu : pas de télé, pas de glaces, pas de jouets, » raconte-t-il. « Ça voulait juste dire que nous devions apprendre à nous amuser nous-mêmes. Quand je suis revenu aux Etats-Unis en sixième année, j’ai réalisé que j’avais vécu une vie beaucoup plus libre. » Williams a pris des leçons de piano en grandissant, mais il a appris la guitare et le punk rock à l’adolescence. Bien que son histoire musicale ait été saluée pour sa complexité – la moitié des albums math-rock définitifs concernent Williams – il se considère toujours comme un musicien autodidacte et punk rock. « J’ai toujours eu l’impression d’être un étranger », dit-il. « J’ai toujours été approximatif dans ma propre façon de faire les choses ; parfois c’est correct, par moments, assez maladroit. Je pense que, d’une certaine façon, c’est la raison pour laquelle j’ai pu continuer à faire de la musique. Il y a, peut-être quelques techniques que j’utilise pour générer des sons dur chaque disque. Je ne peux pas prétexter l’énergie pour le répéter sur un autre disque. C’est trop épuisant, et ça ne me rendrait pas heureux. Je suis mon meilleur quand je me retrouve en train de chercher et que je dois me trouver dans un endroit frais, et surtout quand je ne connais pas vraiment les règles. C’est un peu plus effrayant parfois[mais] les résultats sont plus honnêtes àau final, plutôt que de n’être que la répétition de votre formule. » Pour le nouveau duo de Battles, tant sur scène que sur Juice B Crypts, Williams a été au plus loin dansl’interface entre l’homme et la machine. « Je partage mes tâches entre l’Octatrack d’Elektron, les modules Eurorack et Ableton Live « , explique-t-il. « D’une certaine façon, j’essaie de rester traditionnel : je joue toujours de la guitare, comme les gens l’ont fait pendant des siècles, en travaillant avec des accords, des gammes, et dans le cadre de certaines règles mélodiques, une théorie musicale de base qui serait, genre, la même chose que les Beatles utilisent. Mais j’envoie mon audio à, disons, un filtre qui monte et descend et qui est syncopé avec le BPM, ou qui joue dans une boucle qui s’allume et enregistre deux temps tous les huit mesures, puis vous le renvoie. Je vais préprogrammer ces choses, mais c’est un peu comme si, en tant que musicien humain, je jouais de la guitare ou du clavier. Mais ensuite, je laisse le son s’échapper et je me fais massacrer. C’est vraiment le mot facile pour ça : une sonorité mélangée, malaxée, tripatouillée. »

Interview de A Winged Victoty For The Sullen: « Sons, Sonates et Tons »

Dustin O’Halloran et Adam Witzie sont réunis pour discuter de la sortie de leur cinquième album dous le nom de A Winged Victory For The Sullen. Leur collaboration a commencé comme une expérience avec la sortie de leur premier album éponyme en 2011. Les bandes sons des films God’s Own Country et Iris sont derrièrs eux désorméis, ainsi que la musique de la production Atomos de Wayne McGregor pour Sadler’s Wells.

Intitulé The Undivided Five, ils ne perdent pas de vue l’importance du chiffre de l’album. Il apporte une série d’influences où ce nombre est d’une grande importance, en l’appliquant aussi à l’utilisation des intervalles entre les notes dans la musique, une technique qui a longtemps fasciné le duo.

Le compositeur qu’ils identifient comme leur maître est le compositeur français du XXe siècle, Claude Debussy, auquel ils rendent un hommage immédiat sur le premier morceau de l’album, « Our Lord Debussy ». « C’est le maître de toute la gamme des tons », proclame O’Halloran, « et c’est quelque chose que nous avons vraiment cherché à utiliser sur le premier disque. Il a des façons incroyables de déplacer les accords d’une manière harmonique sans mélodie évidente. Nous avons découvert que tous les tons fonctionnaient avec les sons qu’Adam créait. Les drones que nous utilisions étaient basés sur des quintes, et ils se sont réunis comme une grande base de notre son. C’est un sujet sur lequel nous revenons sans cesse. Les trois derniers disques étaient essentiellement des collaborations avec d’autres influences et d’autres personnes, comme dans la bande originale du film, et c’était le premier depuis notre premier Atomos où nous avons été livrés à nous-mêmes. On n’arrêtait pas de revenir à ce son. »

Des passages très subtils dont à l’œuvre dans la musique du duo : « Quand nous jouons avec différents musiciens en public, nous pouvons laisser certains accords inversés dans une construction différente de la façon dont ils pourraient s’asseoir normalement, et ne pas les « corriger ». C’est un tès petit changement, mais c’est cela fait une énorme différence. »

Nous poursuivons notre exploration de la quinte musicale en jetant un regard plus lointain en arrière. « La musique ancienne des XVe et XVIe siècles est basée sur les quintes, alors vous l’entendez peut-être », dit-il. « La troisième était considérée comme l’accord du diable. L’idée de notre musique est souvent d’essayer de voir ce que nous pouvons tirer des moindres harmonies, d’obtenir plus de pureté de notre musique. Ce que nous cherchons à faire, c’est créer une ouverture dans notre musique, avec un espace subconscient pour que les gens puissent y mettre leur sens. D’après mon expérience, la musique dense laisse moins de place à l’auditeur, et il devrait y avoir plus d’espace à l’intérieur de la musique, avec des pensées et des émotions. »

Dustin O’Halloran précise : « L’idée de notre musique est souvent d’essayer de voir ce que nous pouvons tirer des moindres harmonies, d’obtenir plus de pureté. »

The Undivided Five a été enregistré dans un certain nombre d’endroits à travers le monde. « Il y av eu beaucoup de travail avant mars dernier », dit O’Halloran, « et c’est alors que nous avons réservé une large plage de temps pour vraimentmettre à bien ce projet. Nous savions que nous n’y arriverions jamais sans organisation, donc c’était du mois de mars dernier jusqu’à celui-ci, en gros. »

Les emplacements étaient donc essentiels : « Absolument, ils ont joué un rôle important dans le processus », dit Wiltzie. « Chaque ville a sa propre personnalité. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois en Italie, et nous avons des liens qui sont bien établis en Europe, et qui ont été établis alors que personne ne savait que nous existions. Nous avons vécu une véritable aventure pour trouver et enregistrer dans différentes villes, et les résonances que nous avons prises lors de nos voyages ont fait de la musique ce qu’elle était. Voyager est une chose très importante, et c’est incroyablement inspirant – ça aide à dicter la musique. »

« Quand nous avons fait le premier album, nous n’avions pas vraiment d’idée de ce que serait le groupe ou le projet » », ajoute Dustin. » »Nous voulions voyager et enregistrer, et pas seulement nous asseoir dans notre propre studio. Nous voulions raviver l’idée de lieux intéressants et d’être inspirés par eux. Quand nous avons fait Atomos, nous étions dans tellement d’endroits différents, y compris une villa du 14ème siècle en Italie, et nous voulions donc que cet album en ait quelque chose. »

Deux morceaux de The Undivided Five utilisent des instruments solos. « The Slow Descent Has Begun « met en vedette un violon, où tous deux ont parlé de la difficulté d’enregistrer le bon timbre. « Je pense que j’en ai peut-être fait plus que je ne le devrais », précise O’Halloran, « parce que c’était un moment unique où nous ne pouvions pas obtenir le son que nous voulions, et nous avons fini dans l’église en face de chez moi à Berlin. Nous avions cherché partout, mais c’était juste à côté quand nous l’avions cherché de si loin. »

Le titre provocateur « Aqualung, Motherfucker » a un solo de cor poignant et proéminent, mais quand on lui demande sa signification, Wiltzie et O’Halloran préfèrent tous deux le laisser inexpliqué. « La signification de cette piste est laissée secrète « , dit Wiltzie. « C’était une année pénible, quand on enregistrait l’album, et on y a mis beaucoup d’énergie. »

Il s’agit d’une référence explicite à la perte d’un ami proche, le compositeur et artiste islandais Jóhann Jóhannsson. C’était un proche collaborateur et partisan du travail du duo, son impact si personnel et si profond qu’O’Halloran a récemment quitté Berlin pour s’installer en Islande. La mort de Jóhannsson a largement contribué à la motivation de Undivided Five . « C’est tellement inutile, » dit O’Halloran, » quelqu’un que tu aimes te manque et tu sais que tu ne le reverras plus. L’amour est bon, c’est sûr, mais c’est très dur de perdre les gens qu’on aime. »

Wiltzie est d’accord. « Jóhann était un de nos grands amis, et nous avons partagé beaucoup de musique entre nous. Quand nous enregistrions et écrivions, il s’intéressait beaucoup aux sessions, et nous savons que ce sur quoi nous avons travaillé est ce qu’il aurait voulu que nous fassions. Il a été d’un grand soutien sur le plan artistique. On aimait la musique de l’autre, pas comme des fans, et on aimait faire des trucs ensemble. »

O’Halloran décrit son déménagement comme «  une aventure intéressante ». « Je ne pense pas que je serais ici sans Jóhann, et plus encore, je n’aurais pas rencontré ma petite amie si ce n’était de lui. Il nous a comme présentés à Berlin, et maintenant j’ai un bébé. Heureusement que j’ai de bons amis ici, et je pense que ce sera un nouveau chapitre passionnant ». « J’aurais aimé qu’il soit là-bas aussi, » dit Wiltzie, « J’adorerais avoir pu lui rendre visite. »

The Undivided Five semble évoquer l’étendue de la nouvelle maison d’O’Halloran sous forme sonore. « Il faisait définitivement un record de froid d’hiver », convient Wiltzie, « et c’est le moment idéal de l’année pour le sortir. Il faisait un putain de froid à Bruxelles récemment quand nous y étions, et le disque semblait plus approprié d’une façon ou d’une autre. »

Bien que leur collaboration occupe la plus grande partie de leur temps, Wiltzie et O’Halloran poursuivent tous deux leurs projets solo et leurs propres collaborations. « Je travaillais sur un nouveau projet avec un film, mais il est mort de mort, malheureusement « , dit Wiltzie avec tristesse. « Il se peut que nous entendions un peu de cette musique à l’avenir, cependant. J’ai appris à ne jamais rien jeter, car toutes les idées peuvent se développer. C’est comme ce dicton génial : « Les raccrochages ont besoin de compagnie. » » O’Halloran a également été très occupé. « J’ai travaillé avec Hauschka sur une mini-série pour la BBC de A Christmas Caro », révèle-t-il. « C’est une série en trois parties écrite par Steven Knight, qui a fait Eastern Promises et Peaky Blinders, et c’est un récit très très sombre. »

L’année prochaine, le duo partira en tournée pour la première fois en deux ans, et tous deux se réjouissent de cette perspective. « Nous allons jouer un spectacle assez ambitieux », dit O’Halloran, « et nous sommes impatients de donner vie à ces chansons. Le dernier spectacle qu’on a fait, c’était au Barbican. »

En 2015, Nils Frahm et Nils Frahm ravaient repris leurs apparitions dans le cadre d’un entretien. « C’était une bonne émission, j’ai adoré », dit Wiltzie avec enthousiasme. « Avec un mélange de classique et d’électronique dans le public, c’est toujours un peu difficile. » O’Halloran est d’accord. « Vous ne pensez pas que tous ceux qui vont aux Promes vont nécessairement aimer ce que vous faites. C’est angoissant. Je pense que celui qui croit que tout le monde va aimer se trompe. Je doute constamment de ce que je fais, et je trouve cela très gratifiant mais terrifiant aussi. J’adore jouer devant les gens qui viennent nous voir régulièrement, mais c’est excitant de toucher de nouveaux publics. La touche «  néoclassique » » peut être dangereuse et s’avérer être un casse-tête pour certaines personnes, mais nous avons toujours tendance à nous situer entre les deux. C’est pour ça que j’aime faire partie d’un label comme Ninja Tune et avec des groupes comme Floating Points et Sampa The Great. »

A Winged Victory For The Sullen sont une pré-tournée mondiale – et d’après les données actuelles, leur musique semble destinée à étendre sa portée de plus en plus loin vers l’extérieur.

Interview de Juliana Hatfield: « Reprises & Recréation »

Juliana Hatfield s’est d’abord fait connaître en tant qu’auteur-compositeur-interprète alors qu’elle faisait partie de Blake Babies, le groupe basé à Boston qui est devenu le chouchou du rock alternatif lorsqu’ils ont sorti leur premier album en 1987, Nicely, Nicely, Nicely. Son statut d’icône de la scène indie ne s’est pas affaibli lorsque le groupe s’est séparé en 1991 – elle a rejoint The Lemonheads, puis The Juliana Hatfield Three, où elle a continué à montrer son talent pour écrire des chansons intelligentes et entraînantes. Le plus grand « single » de ce groupe, « My Sister » » sorti en 1993, est arrivé en tête du palmarès du Billboard Modern Rock Tracks et a reçu une largeappbrobation (même Kurt Cobain, dans une lettre à Juliana qu’elle a rendue publique, a fait l’éloge de cette chanson). Il est donc surprenant, compte tenu de ses talents d’auteur-compositeur, que Hatfield ait récemment consacré deux albums à la couverture d’autres artistes : en 2018, elle a sorti Juliana Hatfield Sings Olivia Newton-John, plus récemment, Juliana Hatfield Sings The Police. Elle explique, à côté de ses propres véritables album ,comment ces reprises l’ont aidée à relancer sa créativité et lui permettent de d’étoffer son répertoire dans un avenir prévisible.

 

Comment décidez-vous de l’œuvre que vous allez couvrir ?

Je suis sensible à l’idée de couvrir une musique qui n’est pas considérée comme « cool ». Quand j’étais dans mon premier groupe dans la spère du rock indie, j’ai compris qu’il y avait certains groupes et albums qu’on était obligés d’aimer et de citer comme influences, et j’ai toujours eu l’impression que c’était complètement absurde. Mon premier groupe, Blake Babies, s’est séparé parce que j’aimais beaucoup Wilson-Phillips et ils ne l’aimaient pas. Je veux dire, ce n’est pas la seule chose qui nous a séparés. Mais je ne sais plus ce qui est cool. J’aime choisir des artistes qui sont un peu discutables ou controversés sur le plan de leur coolness, comme si les hipsters ne donnaient même pas le temps à Olivia Newton-John. Je pense « cool » et « branché », ce sont des mots qui veulent dire « fermé d’esprit ». Ou trop fiers ou trop peu sûrs d’eux pour admettre ce qu’ils aiment vraiment. Pour moi, il n’y a pas de plaisir coupable, seulement des plaisirs.

Il semble que certaines choses deviennent moins cool si elles deviennent vraiment populaires.

Oui, a popularité de masse dérange vraiment certaines personnes. Je pense que The Police est controversé à cause de ce que Sting a fait après avoir quitté le groupe – le consensus général est qu’il a un côté prétentieux, ou qu’il est devenu un peu hautain après son départ. Sting est un personnage qui divise vraiment, mais je pense que The Police n’a rien à voir avec Sting en solo solo. Je veux dire, ça faisait partie de leur histoire, qu’ils se détestaient, mais qu’ils s’aimaient aussi. Vous pouvez sentir la tension dans la musique, et c’est ce qui rend la musique géniale. On voit bien qu’ils se tapaient beaucoup la tête lmais qu’ils étaient aussi très solidaires.

D’où vous est venue l’idée de faire un album entier avec un seul artiste, au lieu de plusieurs chansons d’artistes différents comme c’est généralement le cas ?

Il y a quelques années, j’ai vu qu’Olivia Newton-John était en tournée, et une de mes amies nous a acheté des billets pour la voir au lieu le plus proche – c’était dans un autre état ; elle ne venait même pas au Massachusetts. On se préparait à faire un petit voyage mais c’est à ce moment-là qu’elle est tombée malade à nouvea, qu’elle a eu une récidive du cancer et qu’elle a annulé les spectacles. Ses chansons circulaient dans mon cerveau. C’est là que j’ai pensé à l’idée : « Pourquoi ne pas exprimer mon amour pour les chansons et pour elle dans un album ? » »Puis elle a reprogrammé un tas de rendez-vous, alors mon amie et moi avons eu des billets à nouveau. Et le concert le plus proche qu’elle faisait était près de Pittsburgh. Nous sommes donc allées à Pittsburgh et je l’ai vue pour la première et la seule fois. Je suis si contente de l’avoir fait, parce qu’il semble maintenant qu’elle ait à peu près cessé de tourner. Quand je l’ai enfin vue en concert, je pense que c’était après avoir fini de faire l’album qui couvrait ses chansons, donc ça m’a semblé être le moment parfait pour aller la voir jouer.

Sait-elle que vous avez enregistré ce disque ?

Oui, les miens étaient en contact avec les siens parce que nous voulions donner un dollar de la vente de chaque album au Olivia Newton-John Cancer Wellness & Research Centre en Australie. On a mis leur logo sur mon album, et c’était vraiment cool. Puis elle m’a tweeté quelques fois à ce sujet, elle a été très gentille et gracieuse de me dire merci. Et il y avait des nouvelles de l’album sur son site web. C’était tellement gentil de sa part de le reconnaître, et de reconnaître qu’une partie des profits allaient à sa fondation. Je me sentais vraiment bien, non seulement de partager mon amour pour elle, mais aussi de donner quelque chose de tangible à une œuvre de charité à laquelle elle tient beaucoup.

Comment savoir quand il est temps de faire un album de reprises ou un album de vos propres chansons ?

Après avoir fait l’album d’Olivia Newton-John, j’ai eu envie d’écrire plus de chansons. Et quand mon album Weird a été finalisé, j’ai voulu faire plus de reprises parce que le projet Olivia Newton-John avait été très gratifiant pour moi. Et maintenant que j’ai terminé le dossier de The Police, j’ai envie d’écrire de nouveau des chansons. Donc je pense que mon plan, pour aussi longtemps qu’il durera, sera de faire un disque de reprises tous les deux albums. Ce truc des « covers » va donc devenir une série. Cela m’aide vraiment à m’éloigner de mes propres habitudes d’écriture de chansons. J’ai certainement des techniques que je répète encore et encore. Devoir apprendre les chansons des autres me force à sortir de ma zone de confort, ce qui m’est utile.

Vous avez donc déjà commencé à travailler sur votre prochain album d’originaux ?

En fait, je fais une petite pause. J’écris d’autres trucs, je travaille sur une forme plus longue en prose. Je voulais m’éloigner de la musique pendant quelques mois, juste pour écrire d’autres choses, et ensuite je reviendrai à l’écriture de chansons au début de l’année prochaine. Je dois être créatif : Je dessine et peins aussi. Je dois faire quelque chose tout le temps ou je deviens folle.

Allez-vous faire des dates de tournée pour cet album de reprises de Police ?

Oui, nous allons tourner en janvier et février, environ un mois aux Etats-Unis. Ça va commencer à Chicago, puis dans l’Ouest et tout autour, et ça va finir à New York autour de la Saint-Valentin. Nous finalisons toujours les dates, mais nous les publierons dès qu’elles seront toutes fixées.

Savez-vous déjà qui vous allez couvrir ensuite ?

Oui. Je ne veux pas encore dire qui c’est, au cas où je changerais d’avis. J’ai fait un groupe australien, puis un groupe anglais, alors je pense que la prochaine fois je devrais faire un groupe américain.

Vous avez produit cet album et joué beaucoup d’instruments vous-même. Quand vous avez autant de contrôle sur le processus, comment savez-vous quand arrêter de travailler sur une chanson ?

Je suis vraiment douée pour mettre fin aux choses. J’ai toujours été bonne à ça. En fait, il y a eu un moment dans le studio où j’ai pris du plaisir à travailler sur quelque chose. Et je suis sorti de moi-même et je me voyais aller de plus en plus loin dans ce trou infini et perdre la tête. C’est cette partie sur laquelle je travaillais, la fin d’une chanson qui est devenue cet outro qui n’en finissait plus. Pour moi, c’était là un exemple de la façon dont les gens créatifs deviennent fous lorsqu’ils travaillent sur quelque chose. Je suis conscient des possibilités infinies, et si je me laisse aller dans cet univers infini d’idées, je vais perdre la tête. Je suis donc douée pour me maîtriser et mettre des limites aux choses. Je choisis de m’arrêter après un certain point et de travailler avec ce que j’ai. Mon mantra dans le studio est : « C’est bon, passons à autre chose. » Je m’arrête, parce que je réalise que la perfection n’existe pas, et si j’essaie de viser la perfection, je n’y arriverai jamais et je vais devenir fou.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de devenir musicien ?

J’ai toujours eu la musique en moi, d’aussi loin que je me souvienne. J’ai toujours inventé des chansons, chantant sur mon environnement. Quand j’étais dans la voiture de ma mère, je chantais sur ce qui passait devant les fenêtres. Et j’ai pris des leçons de piano dès mon plus jeune âge. Mes deux parents jouaient du piano dans la maison. J’ai toujours été attiré par ce genre de choses, je suppose. Ma mère allait devenir pianiste de concert – elle a étudié le piano classique, puis elle est devenue étudiante en journalisme parce qu’elle s’est rendu compte que la vie d’une pianiste de concert allait être trop difficile et compétitive. Elle a donc obtenu un métier plus pratique. Je pense que c’est amusant pour elle de me voir choisir ce qu’elle n’a pas choisi. Mais je pense que mes parents aussi s’inquiètent toujours pour moi parce qu’il n’y a pas de sécurité dans ce métier. Ils ne m’ont jamais dit de ne pas le faire, parce qu’ils savaient que j’allais le faire de toute façon, je me fichais de ce qu’ils disaient. Mais je suis sûr qu’ils s’inquiétaient. Ma mère l’a probablement encore ; mon père n’est plus là. Mais elle aime en parler à ses amis, ses amis viennent voir[mes spectacles] parfois. Elle est fière, mais je pense qu’elle s’inquiète encore de mon avenir.

Vous jouez aussi en plus de faire de la musique, de la peinture et de l’écriture. Comment pouvez-vous exceller dans tous ces domaines ?

Je ne sais pas si j’excelle dans tous les domaines. Je pense que je suis juste agité. J’ai juste l’impression que je ne veux pas me limiter à faire de la musique, parce que je sens que c’est un piège de ne faire qu’une chose. J’ai plus d’énergie à brûler. Vous savez, historiquement, il y a l’archétype de l’homme de la Renaissance ? Je me considère comme une femme de la Renaissance. Je pense qu’il y a beaucoup de gens qui peuvent faire beaucoup de choses, mais les gens sont formés pour se concentrer vraiment. Mais j’aime expérimenter avec différentes formes d’art, comme beaucoup de gens, je crois. Il y a beaucoup de musiciens qui dessinent et peignent, mais on ne voit pas toujours leurs œuvres.

Comment peut-onavoir une telle éthique de travail ? Beaucoup de gens mettent deux ou trois ans entre la sortie de projets, mais vous ne le faites pas.

Eh bien, en partie je pense que c’est parce que je travaille plus vite que certaines personnes. Certaines personnes ont besoin de plus de temps pour écrire et enregistrer, et je peux travailler assez vite par rapport à d’autres. De plus, je ne peux pas me permettre de prendre beaucoup de temps libre parce que c’est mon travail, alors je ne peux littéralement pas me permettre d’arrêter trop longtemps. Je n’ai pas le luxe, financièrement – mais si c’était le cas, je serais toujours en train d’écrire, de peindre, de dessiner ou quelque chose comme ça, parce que je dois le faire pour ma propre santé mentale.

Interview de Jack Tatum (Wild Nothing): « Le Tout & Le Rien »

Jack Tatum fait une courte pause après les dernières dates de la tournée de son groupe de dream-pop, Wild Nothing. Originaire de Virginie, sa femme et lui y sont retournés il y a environ un an après avoir vécu quelques années à Los Angeles. « J’ai encore de la famille ici, et j’aime vraiment ça, dit-il. « C’est tellement plus doux. Là où je suis en ce moment, c’est ce dont j’avais besoin. Je me sens assez calme la plupart du temps. » Mais pas à ce moment précis, où il est momentanément surpris d’apprendre qu’il y a une tempête de grêle soudaine devant sa fenêtre. « C’est vraiment bizarre », dit-il, avant de revenir sur l’évolution de Wild Nothing qui dure depuis une décennie. A l’origine, Wild Nothing était juste Tatum, écrivant et enregistrant toute la musique par lui-même. Après la sortie d’un premier album, Gemini, qui a attiré les critiques et l’intérêt des fans, Tatum s’est rendu compte qu’il devait engager d’autres musiciens pour rendre la tournée possible. Par la suite, il a fait venir d’autres membres du groupe pour jouer sur trois autres albums studio, trois EP et, en septembre dernier, leur premier album live, Live from Brooklyn Steel. Malgré tout, Tatum est resté l’auteur-compositeur principal du groupe. Mais même aujourd’hui, alors qu’il s’apprête à mener Wild Nothing d’une décennie de succès en succès, Tatum semble encore surpris de se retrouver dans ce rôle de « musicien professionnel » d’autant qu’il envisage le prochain album et au-delà.

Comment les gens ont-ils reçu votre nouveau matériel lors de vos dernières dates de tournée?

Nous sommes à un peu plus d’un an de la sortie du dernier album Indigo, donc c’est cool. Vous remarquez les changements : quand vous commencez à interprétez certains itres, il y a toujours une petite courbe d’apprentissage qui fait que le public s’y habitue. Donc, les fans vivent avec ce disque depuis un certain temps et ils le connaissent vraiment bien. Mais nous n’avons jamais vraiment été le genre de groupe à asséner notre nouveau matériel. J’ai toujours pensé que le groupe avait ici considérémon catalogue dans son ensemble. Plus vous jouez de concerts, plus vous le faites longtemps – et je le fais maintenant depuis près de dix ans – vous savez par conséquent ce que les gens veulent et attendent. C’est ainsi que j’aborde les concerts. Je fais ces disques pour moi-même, puis je tourne pour d’autres personnes. Ce n’est pas comme si je n’aimais pas ça, mais je le fais parce que je veux avoir cette relation avec les gens qui écoutent la musique. Ils ont une relation très différente de la mienne avec notre matériel. Donc, nous aimons aussi jouer beaucoup de vieux trucs. J’ai l’impression que les gens sont parfois surpris quand ils nous voient jouer, juste parce que le concert a toujours été très centré sur le rock. Je pense que c’est un stéréotype que la musique de Wild Nothing est très froide.

Et maintenant, vous allez bientôt avoir du nouveau matériel enregistré studio ?

Oui, il y a des choses en route dont je n’ai pas encore vraiment parlé publiquement. J’ai un EP que nous allons probablement sortir en 2020 et je travaille toujours dessus en ce moment. J’ai l’impression d’être dans une position intéressante, après 10 ans dans ce groupe. J’ai la sensation d’avoir déjà eu cette très longue carrière, mais en même temps, je n’ai que 31 ans et j’y ai longuement réfléchi. J’essaie de comprendre ce que je veux faire avec Wild Nothing pour le prochain album, mais je suis aussi très intéressé dans le fait d’essayer d’être plus collaboratif dans le travail de production au cours de l’année prochaine pour voir où cela me mène. Quand j’ai commencé ce groupe, je n’avais vraiment aucune idée de ce que je faisais. Quand on a 20 ans et qu’on se retrouve avec ce petit succès inattendu, c’est une position bizarre, parce qu’il faut suivre ce qui se passe sans vraiment être capable d’y faire face. Avec chaque disque et chaque tournée que j’ai faite, c’est comme si on gagnait un peu plus de confiance et de compréhension de ce on est en train de faire. C’est assez bizarre.

Comment avez-vous réalisé que vous vouliez devenir musicien ?

C’est vraiment la seule chose qui m’a toujours passionnét. J’ai grandi dans une famille de musiciens – mon père joue de la guitare. On ne me l’a jamais imposé mais on a en quelque sorte compris que j’aurais pu y avoir accès si je choisissais de prendre cette direction. C’est ainsi que j’ai commencé à apprendre la guitare et à m’intéresser à la composition dès mon plus jeune âge. J’ai toujours été une personne très pratique, à bien des égards, donc quand j’étais à l’université, je ne pensais pas vraiment que la musique en tant que carrière était une option, même si j’étais en même temps absorbée en elle elle. J’étudiais les communications. Je me considère toujours davantage comme un fan de musique que comme un musicien parce que ma vie est évidemment consacrée à jouer de la musique, mais elle est aussi consacrée à une obsession presque académique pour la musique. J’ai toujours pensé que je me devais d’en écrire et, quand mon premier disque est sorti, je me suis dit : « OK, je suppose que je suis musicien maintenant, . », Mais il m’a fallu un certain temps pour m’y faire ; je ne me sentais vraiment pas à l’aise pour accepter ce statut et cela a duré longtemps.

Est-ce pour cette raison que, quand vous avez commencé, vous avez utilisé un nom de groupe, au lieu d’utiliser votre propre nom en tant qu’artiste solo ?

Oui, je pense que oui. Surtout à cette époque, à la fin des années 2000, c’était beaucoup plus la norme que de cacher son identité derrière un nom de groupe. Les gens étaient beaucoup plus intéressés par cette idée d’anonymat en association avec la musique. Alors que maintenant, c’est tout le contraire. Je pense que cela a beaucoup à voir avec le fait que les médias sociaux sont très différents de ce qu’ils étaient il y a dix ans. J’ai l’impression que la majorité des gens que je vois et qui arrivent se disent : « C’est moi, je suis là  » Je trouve ça cool, mais c’est très différent.

Comment avez-vous choisi le nom Wild Nothing ? Je ne me souviens pas avoir lu quoi que ce soit à ce sujet.

Probablement parce qu’il n’y a pas une bonne histoire derrière tout ça ! J’avais juste 20 ans et j’essayais de trouver un nom de groupe. Tout le monde avait des noms de groupe avec deux mots à l’époque, alors je lançais des mots au hasard pour voir ce qui sonnait bien, et Wild Nothing est ce sur quoi je suis tombé. J’aimais que cela me paraissait vague et ouvert, et il semblait y avoir une dichotomie entre les mots « sauvage » et « rien » : l’ouverture de quelque chose qui est sauvage, et puis le néant.

Après avoir commencé à tout faire soi-même, vous avez progressivement fait venir d’autres personnes, en studio et en tournée. Qu’est-ce que cela fait d’ouvrir son travail à d’autres ?

Ça m’a fait du bien. Je pense qu’en fin de compte, la collaboration est un élément vraiment essentiel pour avoir une vie créative saine. C’est quelque chose qui m’a pris du temps à intégrer sans que cela ne me perturbe. Pendant longtemps, j’ai vraiment eu l’impression que si je ne pouvais pas tout faire moi-même, je n’étais pas assez talentueux. Je me donne tellement de poids pour contrôler tous les aspects de ma musique. Parfois, c’est une bonne chose : on entend dire que les gens font les choses par eux-mêmes et souvent, c’est mieux d’une certaine façon parce qu’il y a une intention plus définie, une vision claire parce que c’est une vision unique. Mais, en même temps, on entre dans les choses très pratiques qui interviennent dans la composition de la musique – c’est beaucoup de travail et c’est très difficile. Intégrer tout cela sur soi est un peu fou. En outre, vous passez à côté de certaines idées et opportunités lorsque vous n’autorisez pas la collaboration. Avec le premier disque, où j’ai tout fait, jpar exemple. En écoutant mes autres disques, je peux identifier les endroits où c’était l’idée de quelqu’un d’autre, c’est-à-dire les endroits où ils ont changé et façonné ce que j’essayais de faire. J’aime bien ça. J’aime pouvoir le reconnaître dans ma propre musique.

Vos albums sont connus pour être soignés, contrairement à l’approche lo-fi adoptée par tant de vos pairs. Pourquoi aimez-vous cultiver cette démarche ?

Je considère mes disques comme des disques pop, à bien des égards. Je deviens vraiment obsédé par la production, et j’ai tendance à vouloir que les choses sonnent plutôt propres et impeccables. J’aime les disques qui ont l’air vraiment polis. Ce n’est pas le seul genre de disque que j’aime – il y a plein de disques décousus que j’apprécie et avec lesquels j’ai des liens profonds – mais en général, j’aime vraiment les disques brillants. Cela peut être difficile, car cela implique beaucoup de microédition et de gestion des détails. C’est gratifiant de permettre à mon produit de devenir plus important que d’autres choses. Toutefois, chaque fois que j’y pense, je dois m’éloigner de cette tendance à l’autocritique. Après avoir sorti un disque, je continue de l’écouter pendant des mois en me disant : J »’aurais aimé qu’on travaille un peu plus sur cette caisse claire ! » C’est tellement stupide.

Pourquoi vous infligez-vous cela ?

Je ne sais pas ! Je vis sans doute avec la notion de torture créative. Mais c’est en partie parce que, aussi dur que ça puisse être, c’est l’une de mes plus grandes forces créatrices. C’est ce qui me pousse à vouloir faire de la musique, cette poursuite de la perfection, à essayer d’arriver à un endroit que je connais de façon réaliste et que je n’atteindrai jamais. Ainsi, quand j’ai l’impression que j’aurais pu faire mieux, j’écris, je travaille sur des disques et je m’améliore.

Interview de Mark Lannegan: « Portes Ouvertes »

Mark Lanegan est une sorte de mitraillette vocale, un mercenaire un peu ours heureux de prêter son larynx à n’importe quel groupe en besoin d’un acolyte. Sa voix inimitable, craquelée et altérée par ce qui semble être une éternité de mauvais choix de vie, est tout aussi naturelle en chantant sur un morceau électronique d’Unkle ou une composition acoustique de Duke Garwood que sur un Queens of the Stone Age endiablé.

Ayant participé à tant de projets variés (plus de 30 crédits vocaux invités depuis 2015 seulement), il est facile de perdre de vue l’arc progressif que le projet Mark Lanegan Band a suivi cette décennie. Après les Blues Funeral de 2012 – son choix préféré dans sa propre discographie – Lanegan et son groupe se sont penchés sur leur propre mariage unique de blues surdimensionné et d’electronica baggy, culminant avec le passage à Heavenly Records pourGargoyle de 2017 et leur dernier effort, Somebody’s Knockking.

Malgré son titre inquiétant, c’est probablement l’album le plus joyeux que Lanegan ait sorti sous son propre nom, même s’il sonne toujours comme du Joy Division au meilleur de son humeur. « Je n’ai jamais caché que Peter Hook est l’un de mes héros absolus, alors chaque fois que j’ai l’occasion de voler sa signature sonore à la basse, je le fais », dit-il en riant à cette comparaison.

Une réponse typique du bonhomme : autodérision et volonté de mettre en valeur les compétences des autres par rapport à ses propres talents non vocaux limités. « Ce n’est pas comme si nous avions réinventé la roue ou quoi que ce soit, nous utilisons simplement des éléments que les gens utilisent depuis des décennies. Personnellement, je ne suis pas très doué techniquement, que ce soit pour changer l’huile de ma voiture ou pour jouer d’un synthétiseur », admet-il lorsqu’on lui demande s’il a appris des trucs et astuces électroniques en collaborant avec des gens comme James Lavelle, CJ Bolland et Dave Clarke, « Par nécessité j’ai appris comment utiliser Pro Tools et tout ça, juste parce que personne ne te donne d’argent pour faire un disque, je dois le faire tmoi-même. »

Bien qu’il soit sorti sous son nom, Lanegan tient à souligner que Somebody’s Knocking est un projet collaboratif Le disque a été co-écrit par Rob Marshall (qui est responsable de la plupart de la musique de Gargoyle), avec des contributions écrites importantes du violoniste Sietse Van Gorkom, Martin Jenkins de Pye Corner Audio, l’assistance de QOTSA et la légende du « desert rock » Alain Johannes avec qui Lanegan travaille depuis Bubblegum en 2004.

« Al est le premier gars que j’ai rencontré qui a fait de ma vision une réalité. Je pourrais lui montrer quelque chose à la guitare acoustique et lui dire « Oui, mais je veux que ça sonne comme The Who circa 1972 » et une demi-heure plus tard, j’ai l eu le squelette du morceau », se souvient-il en repensant à ce disque formateur « ,je ne peux pas imaginer faire un disque du Mark Lanegan Band dont il est responsable à 50% maximum. Il est devenu indispensable. »

C’est avec Johannes que Lanegan a écrit « Penthouse High », un titre house qui, pour la première fois dans l’histoire de MLB, sonne mieux adapté à un dancefloor en sueur qu’un bar rock traditionnel. Est-ce qu’il a réussi à faire sortir un chanteur à la hanche du célèbre chanteur au visage de pierre du studio ? « Voyons, je suis un homme de 55 ans et même quand j’avais 14 ans, je n’ai jamais été danseur, mais j’ai toujours aimé ce genre de musique », dit-il sans qu’on en soit étonné. Cette chanson, Alain et moi l’avions écrite pour Gargoyle mais sa longueur ne correspondait pas au disque. Ici, c’est devenu la pièce maîtresse dans mon esprit, et c’était parfait. »

Étonnamment, Mark Lanegan parle depuis le studio où il met la touche finale à son prochain album, un album d’accompagnement pour accompagner son prochain mémoire Sing Backwards And Weep, l’histoire de ses premières années en tant qu’artiste solo tout en faisant face aux Screaming Trees à Seattle à la fin des années 80 et au début des années 90, une époque qui fut passionnante pour la musique rock en général mais qui lui causa personnellement un grand tort.

« Le livre était lourd, je n’ai pas bénéficié de cette cataharsis promise par certains de mes amis », admet-il en soupirant, « mais ce qui en est ressorti, c’est que j’ai écrit un tas de nouvelles chansons directement inspirées par l’expérience du souvenir, en revenant dans cette histoire ancienne. »

Étonnamment, Mark Lanegan parle depuis le studio où il met la touche finale à son prochain album, un album d’accompagnement pour accompagner son prochain mémoire Sing Backwards And Weep, l’histoire de ses premières années en tant qu’artiste solo tout en faisant face aux Screaming Trees à Seattle à la fin des années 80 et au début des années 90, une époque qui fut passionnante pour la musique rock en général mais qui lui causa personnellement un grand tort.

« Le livre était lourd, je n’ai pas bénéficié de cette cataharsis promise par certains de mes amis », admet-il en soupirant, « mais ce qui en est ressorti, c’est que j’ai écrit un tas de nouvelles chansons directement inspirées par l’expérience du souvenir, en revenant dans cette histoire ancienne. »

Lors de l’ « explosion grunge » »(une étiquette qu’il récuse), Lanegan a souffert d’une dépendance paralysante à l’héroïne qui a coûté la vie à plusieurs de ses amis et l’a laissé sans abri,obligé de vendre du crack pour survivre.

« Deux de mes amis les plus proches (Layne Staley d’Alice In Chains et Kurt Cobain du Nirvana) étaient deux des gars les plus célèbres et les plus populaires de cette scène, mais ils n’y ont pas survécu , se souvient-il en réfléchissant sur son statut de survivant le plus peu probable, « écrire ces mémoires fut une expérience vraiment intense car un souvenir ferait ressortir un autre souvenir, puis, tout d’un coup, je me uis rappelé de toutes ces choses dont je n’aurais franchement pu me souvenir. J’en avais mis beaucoup de côté et j’avais tourné la page. Ce n’est pas quelque chose sur quoi je m’attarde, surtout les mauvais souvenirs. Pour moi, une grande partie de cette période a été très sombre, facilement la période la plus sombre que j’aie jamais connue jusqu’à présent. Mais il est encore temps », finit-il en riant.

L’idée de sortir les chansons issues de ce processus d’écriture sous forme d’album est venue peu de temps avant que son groupe ne parte en tournée en Europe avec Somebody’s Knocking. Lanegan, qui a un carnet d’adresse sans pareil, a demandé quelques faveurs. Il a réussi à engager Ed Harcourt au piano, Bad Seed Warren Ellis au violon, John Paul Jones de Led Zeppelin au mellotron, Wesley Eisold de Cold Cave et Simon Bonney de Crime & The City Solution (un des chanteurs préférés de Lanegan), Alain Johannes à la voix, et, comme il se doit, Jack Bates à la basse.

Le guitariste Mark Morton de Lamb of God, dont le premier album solo Lanegan a chanté la chanson « Axis », a également contribué à l’album. « À l’origine, il m’avait donné un morceau de musique différent et c’est moi qui l’ai chanté », révèle-t-il, « Et il m’a répondu par écrit : « Tu sais quoi ? J’aimerais prendre ce rôle et le mettre dans une musique totalement différente ». Je me suis dit : « Oh mon Dieu, c’est un désastre ! Il y a une liberté à abandonner le contrôle et à faire partie de quelque chose qui n’est pas le mien, mais ce que Mark Morton suggérait avait toutes les caractéristiques de quelque chose qui pourrait me faire passer pour un chanteur et un parolier terribles ! De la façon dont il l’a fait, il m’a fait ressembler à un chanteur brillant et pas un mauvais parolier non plus, aussi j’ai eu droit à une faveur quand j’avais peur qu’on ne me laisse tomber. »

Cette fois, Morton a envoyé à Lanegan deux courtes démos acoustiques qui ont fini par arriver sur le nouvel album pratiquement inchangé. « L’idée était d’en faire un mélange des disques que j’avais déjà commencé à faire et qui étaient des disques acoustiques, mais avec des éléments de ce que je sais. Je ne pouvais pas retourner directement à « The Winding Sheet » et refaire ça.. »

En dehors de ces deux titres, et malgré les grosses pointures rock qu’il a fait entrer en studio, les contraintes de temps ont fait que la plupart de ces nouveaux morceaux n’ont pas été écrits en collaboration. « J’écrivais ces chansons tout seul, et il y a une différence entre le fait d’enregistrer des collaborations et le fait d’y entrer. Il y avait une profondeur à ces chansons qui était intégrée parce que je les ai commencées dès que j’ai fini le livre « , explique-t-il,  » »ce sera le premier disque qui mettra en vedette mon ingénierie et le fait que je joue des instruments. Eh bien, à part les fois où Alain Johannes a glissé ma partie de guitare à gratter dans le mix derrière mon dos ! Mais je joue des trucs qur lesquels je n’ai pas peur de mettre mon nom dessus, c’est un disque assez spécial. »

« J’ai été très, très chanceux » , déclare Mark Lanegan lorsqu’on lui demande quel est le secret de sa longévité improbable, « j’ai toujours eu ce public de base qui a su attirer de nouveaux membres au fil du temps. Parfois je jouais à Milwaukee et il y avait 20 fans de Screaming Trees et c’est comme ça qu’ils me connaissaient, mais quand je joue en Angleterre, je suis considéré comme un gars qui fait de la musique vitale et de notre temps, par les gens ne savent même pas qui sont Screaming Trees. D’après ce que j’entends, le public ne sera pas à court de nouveaux morceaux de Mark Lanegan avant de nombreuses années. »