Lesa Listvy: « Unheard Of »

En théorie, on pourrait imaginer que le dark ambient appartient à cette catégorie qui vise à l’évasion pure. Souvent abstraitement inhumain ou tellement axé sur des thèmes métaphysiques qu’il semble déconnecté de la réalité quotidienne, le genre semble répondre de loin aux événements contemporains à un rythme glacial. Mais l’éthique du quatuor russe Lesa Listvy trouve un lien fortuit avec les angoisses actuelles, tout en offrant un certain répit à ces dernières grâce au drone.

Le concept d’Unheard Of est audacieux : un dirigeable abandonné dérivant au-dessus de déserts en ruines, jouant les histoires enregistrées et les drones liturgiques de sa civilisation aujourd’hui disparue dans l’espoir de faire renaître un jour ce qui a été perdu. Comme vous avez beaucoup réfléchi à A Canticle For Liebowitz ces derniers temps, ce genre de catastrophisme post-apocalyptique vous touche de près, mais l’esthétique de Jules Venes mâtinée de Mad Max est assortie à la chaleur des tons de Lesa Listvy, et l’expérience qui en résulte est beaucoup plus lumineuse et amusante que ce que le discours du combo pourrait laisser croire.

Il y a un ensemble d’harmoniques simples et claires pour introduire l’inouï sur « Wastelands », beaucoup de pulsations caoutchouteuses et même un rythme de conduite sur « Shadows », et quelques boucles de machines broyeuses sur « Flying Ship ». En bref, le premier tiers du disque est tellement chargé par rapport aux attentes habituelles pour ce genre de musique que l’oreille a été préparée à prêter attention à toutes les subtilités de texture qui composent le tiers central, avec la lente procession orchestrale de « For Those Who Were Destroyed » qui gagne en résonance. Au moment où l’avant-dernière « Machine Waltz » se déroule – oui, sur un rythme de valse réel (bien que lent, il est vrai) – la quantité de couleurs que Lesa Listvy travaille dans chacune de ses compositions est encore apparente.

Comme dans beaucoup de développements dark ambient, la question de savoir si les thèmes d’Unheard Of seraient apparents sans le texte qui les accompagne est ouverte. Mais cette question mise à part, l’album est porteur de beaucoup plus d’énergie et de dynamisme que la majorité des disques du genre, peut-être grâce aux contributions simultanées de quatre producteurs, un conglomérat presque inconnu dans le dark ambient. Quelle que soit la raison ou l’impulsion narrative, Unheard Of devrait rafraîchir et réveiller ceux qui ont un goût pour un dark ambient dont le groupe s’est si bien emparé.

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Natalie Jane Hill: « Azalea »

Du centre du Texas, Natalie Jane Hill a écrit son disque, Azalea, dans les Blue Ridge Mountains. Ce disque, synonyme de l’histoire de la musique folk, a donné naissance à des noms aussi connus que Jean Ritchie, Roscoe Holcomb et Doc Watson. Comme le suggère le titre, Azalea est une merveille poétique sur la réciprocité de la nature. Natalie Jane Hill a posé une question au bord de la rivière et la rivière avait la réponse, et c’est toujours le cas. Tout comme Florist l’a fait dans If Blue Could Be Happiness avec le Catskill Mountains, Hill peint de façon très vivante « chaque recoin, chaque courbe » (very nook, every bend) – comme elle le chante dans « Emerald Blue » – de la chaîne de montagnes, ses rhododendrons, sa primevère dorée et sa folle avoine – tous dignes de leur place sur la feuille de paroles.

Sa voix est la brise à travers les arbres – la force vitale qui déploie la teinte du ciel d’où la chaîne tire son nom : les chutes abruptes et les douces lopes. Avec une laque semblable à celle d’Aldous Harding, sa voix fait converger les époques ; les longs trilles planants qui relient le voyage de Harding à Jean Ritchie. Elle entrelace également le passé et le présent de manière instrumentale. « Golden Rods » est formé de figer-pickings et de grondements dus au deuxième renouveau du folklore britannique, tandis que « All The Things I Never Saw « est imprégné d’un riff léger et méandreux qui aurait tenu le coup dans le Quiet Signs de Jessica Pratt. « Quiet and Still » est peut-être le morceau le plus intrigant du disque. Entièrement instrumental, le piano et la guitare s’harmonisent ensemble, ouvrant la porte à un nouveau panorama où le soleil est haut, chaud sur la peau, permettant une transcendance sereine, presque ambiante, que l’on ne retrouve nulle part ailleurs sur l’album. Sa réussite est entièrement dûe à son caractère éphémère, servant de pont entre la face A et la face B.

Silencieux et toujours à part, nous sommes heureux que sa voix et sa guitare existent ensemble sans être dérangées Azlalea un opus oisif où l’automne ne pénètre jamais, les fleurs toujours en pleine floraison et les feuilles jamais persuadées d’enlever les feuilles de leurs branches. Avec la vie réduite de tant de tentations en ce moment, nous sommes, comme beaucoup d’entre vous, enchâssé dans la saison de l’azalée.  On existe, alors, peut-être dans la seule période de ma vie où l’on a accordé aux motifs du printemps l’attention que leur beauté mérite. « Et vous pensez au moment / où l’idée d’errer ne vous a jamais traversé l’esprit / et où tout ce que vous avez connu était à vos côtés / Dans une maison sauvage » (And you think on the time / when the thought to roam never crossed your mind / and all that you’ve known was right by your side / In a wild home), chante Hill dans An « Envy Burns ». Elle ne pouvait pas savoir alors qu’au moment où Azeala a vu la lumière du jour, elle s’adresserait à des personnes forcées de retourner à cet état virginal. Ce rappel à profiter de tout ce qui existe autour de vous ne pouvait pas être mieux tombé. Avec Azalea, Hill prend la piqûre de l’agitation et l’enfouit sous le sol de notre crête bleue, notre sanctuaire impénétrable… et nous laisse la regarder pousser.

***1/2

Andrew Tuttle: « Alexandra »

Andrew Tuttle a tendance à brouiller les lignes entre les genres établis. En fusionnant l’acoustique de John Fahey avec l’ambiance électronique de Fennesz, Tuttle crée sa propre catégorie de musique. Utilisant sa guitare et son banjo, il dissipe toute idée de rester dans les normes de la plupart des artistes, mélangeant audacieusement cordes, cuivres et synthés de la manière la plus improbable qui soit sur Alexandra.

Quatrième album studio de Tuttle, Alexandra est le reflet de sa ville natale sur la côte est de l’Australie. Des chansons de douceur et de mystère génèrent une vision de ce paysage en contrebas. On a ainsi l’impression que le jour se lève pendant « Sun At 5 In 4161 ». Le banjo et la guitare se mêlent à l’électronique pour créer une vision de la beauté au début de la journée.

Tuttle fait preuve d’une capacité à combiner synthèse et instrumentation naturelle de manière à faire ressortir la beauté du bois et des fils. Au départ, « Scribbly Gums Park » développe des accents à la fois mystérieux et dangereux, mais au fur et à mesure que la mélodie se poursuit, ils sont remplacés par un sentiment de quelque chose de plus majestueux. Suivi par « Scribbly Gums Trail, » le sentiment initial est celui d’un morceau de banjo démodé d’une autre époque. En se déplaçant dans le temps et l’espace, le jeu reflète des styles qui transcendent les générations.

 Un flux constant de clients semble habiter « Burwood Heights Convenience », les notes de guitare basses et aiguës initiales générant une sensation pour les clients qui entrent et prennent droit de cité. « Tallowwood View » coule sur des synthés discrets combinés à une guitare acoustique. L’électronique aléatoire et la sculpture sonore qu’est « Cambridge Drive Shopping Centre » se mêlent au banjo, rappelant les expériences de shopping d’un samedi après-midi étouffant.

La distribution des personnages assemblés pour Alexandra comprend les guitaristes Gwenifer Raymond, Sarah Spencer, Joel Saunders, Joe Saxby et Chuck Johnson. Dans des combinaisons variées, ils suivent un chemin de gossamer à travers les points où la brousse et la banlieue se rejoignent. Le banjo lumineux de « Platypus Corridor » a un rebondissement spirituel tandis que l’ajout de cornes au milieu de l’électronique crée un nouvel hybride digne d’une future exploration.

En peignant un portrait de sa ville natale, Andrew Tuttle illustre sa propre capacité à imprégner ces lieux d’un sentiment d’émerveillement et de mondanité. Ce qui en ressort n’est pas seulement une vision d’Alexandra, mais une aquarelle pleine de l’émerveillement de ce qui vient des mains d’un artiste acoustique de tout premier plan.

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The Growlers: « Natural Affair »

Les durs à cuire, buveurs de bière, fumeurs de cigarettes, imprudents et téméraires sont de retour avec leur sixième album studio, Natural Affair. The Growlers, menés par leur charismatique chanteur/frontman Brooks Nielsen et le guitariste Matt Taylor, sont dans un genre à part. Tenter de décrire leur son à un nouvel auditeur est une tâche difficile ; le groupe est passé d’un rock psychédélique avec un son brut et une production de mauvaise qualité à un combo de rock funk-pop et jazzy avec une production de haut niveau. Ce changement peut facilement être mis en évidence par deux albums – Chinese Fountain en 2014 et City Club en 2016 – où The Growlers ont expérimenté avec plus d’instruments et un son plus poli que leurs précédentes sorties. City Club a été un tournant pour eux, car il s’agissait du premier album exclusivement crédité à Nielsen et Taylor, plutôt qu’au groupe tout entier. Le duo a écrit et produit l’album sur une période de trois mois, le frontman de The Strokes, Julian Casablancas, ayant produit la chanson titre. City Club est l’album qui les a fait connaître et qui a été le plus diffusé. Formés à Dana Point, en Californie, ils ont forgé leur propre genre, puisqu’ils décrivent leur musique comme  du « each goth », nom de leur festival de musique annuel qui se tient en Californie. Natural Affair est d’ailleurs sorti sous leur label Beach Goth Records & Tapes, et il est autoproduit par eux.

Un tiers du disque de douze titres est sorti sous forme de « singles » ; « Natural Affair », « Foghorn Town », « Try Hard Fool » et « Pulp of Youth » ont tous eu naissance plus d’un mois avant l’album et Natural Affair pourrait bien être leur opus le plus complet. D’une production et d’une profondeur étonnantes, les pistes présentent toutes une écoute étonnante avec des paroles poétiques et des instrumentaux dynamiques. La seule plainte pourrait être leur décision de sortir autant de chansons avant que l’album ne soit abandonné, car on a presque l’impression qu’il y a une division entre les « quatre singles » et les huit autres chansons sorties par la suite. Quoi qu’il en soit, de haut en bas, l’album livre hit après hit.

Des éléments thématiques tels que l’amour, l’enfance, la douleur et la découverte de soi continuent à mettre en valeur la musique du groupe dans leur nouvelle sortie. « Pulp of Youth » s’ouvre sur la phrase «  Le pop ne sonne plus pareil quand je tire le bouchon » (The pop don’t sound same no more, when I pull the cork) et plonge plus loin dans des réminiscences vocales avec le refrain : « Du vin encore bon marché et rouge, des yeux encore profonds et vrais, les verres se lèvent à nouveau, buvez à la pulpe de la jeunesse. » (Wine still cheap and red, eyes still deep and true, glasses raise again, drink to the pulp of youth) A 35 ans et vivant toujours comme une rockstar en vogue, Nielsen a certainement pris quelques gorgées en l’honneur de la pulpe de jeunesse.

Sur « Foghorn Town », Nielsen et Taylor ont parodié leur impatience de quitter Dana Point, en commençant par « Foghorn townoù les fleurs ne peuvent pas fleurir et les garçons et les filles, sont beaux et condamnés »,( where the flowers can’t bloom, the boys and the girls, are beautiful and doomed). Dans une interview, Nielsen a déclaré : « Toute l’année, il y a du brouillard ; j’ai vécu près de la plage où l’on pouvait entendre des cornes de brume 24 heures sur 24. C’était une bande de drogués qui nous disaient que nous étions des idiots, que nous n’y arriverions jamais ». La chanson passe de ce désir de libération à un appel à l’action inspirant, avec des phrases comme « tracez votre propre ligne dans l’existence » (draw your own line into being) ou « la vie n’est pas le paradis, c’est une paire de dés, alors laissez-les rouler » (life ain’t paradise, it’s a pair of dice, so let ‘em roll . Le changement de rythme coïncide avec ce changement lyrique, sous la forme d’un crescendo sonore intimidant et d’un refrain édifiant.

Sur un album qui illustre le nouveau son funky du groupe, « Die and Live Forever » pourrait être le plus funky, car son rythme enjoué rend la chanson tout simplement amusante. Ce morceau souligne l’importance de la fraternité, en commençant par « Tu n n’aimes peut-être pas mec, mais je suis ton frère, je ne vais nulle part  Désolé pour tout, mon frère, mais sache que je me fais du souci » (You may not like it man, but I’m your brother, I ain’t goin nowhere, Sorry for everything, my brother, know that I care). Avec six albums studio, six EP, de nombreux « singles » et quatorze ans de vie commune, The Growlers savent comment rester ensemble, comme le dit le refrain de la chanson : « Aimer ensemble, souffrir ensemble, rire et pleurer ensemble, vivre et mourir, se souvenir, mourir et vivre pour toujours. » (Love together, suffer together, laugh and cry together, live and die remember, die and live forever). Avec ce titre qui est le dernier morceau de l’album, ce sera un excellent message pour clôturer leur troisième sortie majeure en quatre ans.

« Stupid Things » est la chanson parfaite pour faire tomber quelqu’un amoureux des Growlers. Le groupe évoque la confiance en soi, encourage la pensivité et motive les auditeurs à vivre une vie de leur choix. Cette chanson est magnifiquement écrite et produite, avec Nielsen et Taylor à l’unisson parfait tout au long du morceau. Des guitares puissantes s’accordent avec des chants significatifs dans l’un des meilleurs refrains des Growlers à ce jour : Des choses stupides que vous fixeriez dans votre réflexion, si vous aviez un million d’argent, si vous saviez alors ce que vous pensez savoir maintenant, et si vous ne pouviez jamais revenir ? Quiconque a vu Brooks Nielsen sur scène peut témoigner de l’immense confiance qu’il dégage, et son message d’amour de soi, indépendamment des insécurités insignifiantes, est revigorant. La musique est un cadeau extrêmement puissant et beau au monde, et son importance et sa pureté sont gravées dans les dernières lignes de cette formidable composition : « Dans le passé était une épreuve d’amour, tout le monde doit échouer, la beauté se sent plus en sécurité dans l’ignorance, le véritable amour porte un voile, le véritable amour porte un voile. » (In the past was a love test, everybody has to fail, beauty feels safest in ignorance, true love wears a veil, true love wears a veil.)

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Jason Isbell: « Reunions »

Reunions marque la fin de la trilogie de chefs-d’œuvre de Jason Isbell, qui a été réalisée après la période de sobriété. Cette phrase à elle seule serait probablement très décevante pour les fans qu’Isbell a rassemblés au cours des deux dernières décennies, les adeptes qui ont l’impression de la connaître par cœur grâce à son don pour mettre son âme à nu par la musique. Reunions est bien plus raffiné que tous ses précédentes peuvres et prend un son qui se situe quelque part entre son travail avec les Drive-By Truckers et les styles country plus intimes de sa carrière solo. Le départ sonore n’est pas l’aspect principal qui a indiqué la fin de cette trilogie – c’est le contenu lyrique. Isbell a toujours été un auteur-compositreur empathique qui essaie souvent de partager ses expériences à travers le regard de personnes qui ne sont pas lui-même. Ce sont souvent des histoires qui sont des réflexions sur son passé mais Reunions nous donne le regard le plus distinct sur Isbell en tant que personne qu’elle est maintenant, ses expériences directes étant entrelacées avec les chefs-d’œuvre de narration en matière de « storytelling » qui son fait sa calabrité

Ce changement est le plus radical dans les deux premiers « singles », « What’ve I Done to Help » et « Be Afraid ». Le premier ouvre l’album avec un rocker de près de sept minutes, imprégné de groove et de basse, en compagnie de son « support group », The 400 Unit, travaillant en tant qu’unité. Si la première moitié de la chanson comporte de nombreuses pépites lyriques, la seconde moitié est largement alimentée par le groupe, Isbell répétant « Ce que j’ai fait pour aider/Quelqu’un m’a sauvé » (What’ve I done to help/Somebody saved me ») avec les chœurs de David Crosby qui en font un « protest song » par excellence. Le « Be Afraid » reprendra ce message et ce style, la phrase « Si vos paroles n’aboutissent à rien, alors vous faites un choix, celui de chanter une reprise quand nous avons besoin d’un cri de guerre » (If your words add up to nothing then you’re making a choice, to sing a cover when we need a battle cry) devenant déjà assez tristement célèbre. Le refrain de la chanson est une répétition du cri de guerre « Ayez peur, ayez très peur / Faites-le quand même » (Be afraid, be very afraid/Do it anyway), ce qui le rend similaire à « What’ve I Done to Help » : le message est au bon endroit, les vers et la musique délivrent, mais le refrain ne correspond pas tout à fait aux standards attendus d’Isbell. Si ces deux chansons ont à l’origine donné l’image d’un changement assez important pour Isbell, le reste de l’album se situe parfaitement entre elles et son œuvre passée.

En fait, le reste de Reunions voit Isbell à son apogée musicalement et en concurrence avec le reste de sa carrière lyrique. « Dreamsicle » est la chanson la plus complète qu’il ait jamais faite, la dichotomie entre les souvenirs d’enfance et les tourments étant parfaitement saisie par 400 Unit, ce qui crée une fusion parfaite entre le travail acoustique d’Isbell et le groupe entier qui l’accompagne. Quelques morceauxs plus loin, « River », un air enjoué avec l’ajout bienvenu d’un piano et de merveilleux allers-retours avec le violon d’Amanda Shires, rivalise avec « Dreamsicle » pour ce titre. « River » est également le meilleur exemple de l’approche lyrique d’Isbell, à la fois fictive et narrative, mais qui parle vraiment de lui. Il raconte l’histoire d’un meurtrier qui retourne sans cesse à une rivière, souhaitant qu’elle le conduise à l’oubli, tout en lui demandant pardon en même temps.

Ces réflexions sur sa vie actuelle sont un grand thème de Reunions. Il s’est largement consacré à la contemplation de son cheminement passé et se concentre maintenant sur le chemin qu’il a parcouru et sur celui qu’il espère parcourir, tout en accueillant les fantômes de sa vie comme une présence constante. Cette nouvelle orientation conduit à des paroles parmi les plus directes de la carrière d’Isbell et, fait intéressant, à son point de vue le plus direct sur ses luttes contre la toxicomanie, un thème qui a été largement raconté par le biais d’images symboliques au préalable. « It Gets Easie » est entièrement consacré à sa vie quotidienne de personnage « clean » propre depuis huit ans. Il est évidemment heureux d’avoir gagné cette bataille, mais ne peut s’empêcher de penser aux tentations et aux difficultés qui l’accompagnent. « Letting You Go » est un récit direct de son expérience de nouveau père, depuis les premiers moments où il a ramené sa fille à la maison après l’hôpital jusqu’à l’idée de la donner à son mariage. Les deux chansons montrent qu’Isbell peut s’éloigner de son style narratif fictif tout en écrivant des chansons qui ont un impact profond.

On ne dira jamais assez à quel point The Unit 400 a fait sa part dans les réunions. C’est la plus grande cohésion qu’ils aient jamais manifestée sur un disque sans son intégralité en soutenant Isbell et peut-être la première fois qu’un groupe entier soutient son style d’écriture au lieu de lui servir de complément. Ils offrent une grande variété sur l’ensemble du disque, de la nostalgie de « Dreamsicle »à l’acoustique obsédante de « Only Children »en passant par les rockers mentionnés ci-dessus. « Overseas » est un autre point fort musical, où les guitares ponctuent ce qui pourrait être la meilleure et la plus dynamique performance vocale d’Isbell dans sa carrière. Au lieu de se sentir comme un accessoire inutile, ce qui a parfois été le cas sur les albums précédents, 400 Unit amplifie le thème de chaque chanson et si certaines des compositions de Reunions sont plus simples, ce fait est plus que compensé par la musicaité dont on dispose ici.

Reunions est indéniablement une nouvelle sortie charnière pour Jason Isbell. Son style musical est assez différent de tout ce qu’il a publié auparavant, il a une approche lyrique différente sur une grande partie de l’album, et l’homme derrière la musique est tourné vers le présent et le futur, même si la réflexion sur le passé est toujours très présente. Cela étant dit, il ne fait aucun doute qu’il s’agit d’un disque de Jason Isbell par excellence. Il ne s’agit pas tant d’un changement de son que d’une évolution logique et d’une combinaison d’influences, ainsi que d’un backing band qui atteint enfin son potentiel. Il contient toujours des paroles percutantes comme « Que dois-je faire pour que tu saches / Que je ne suis pas hanté par son fantôme / Qu’il danse dans notre chambre / Qu’il sente ton parfum » ((What do I do to let you know/That I’m not haunted by his ghost / Let him dance around our room / Let him smell of your perfume) et « Le ciel est gâché par les morts' »/C’est ce que ta maman a dit/Quand le corbillard était au ralenti dans le/parking /Elle a dit que tu pensais le monde de moi/Et que tu étais content de voir/Ils m’ont finalement laissé être un astronaute »Le ciel est gâché par les morts » ) (Heaven’s wasted on the dead/That’s what your mama said/When the hearse was idling in the/parking lot/She said you thought the world of me/And you were glad to see/They finally let me be an astronaut).

Plus que tout, cil s’agit d’un témoignage incroyablement authentique et d’une ouverture sur l’âme d’unvérotable être humain. Avec Reunions, Jason Isbell nous a tous accueillis dans cette nouvelle étape de sa vie, même s’il ne sait pas trop à quoi elle ressemblera il garde l’espoir que, peut-être, que ses mots retiendront la bête.

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Forming the Void: « Reverie »

Forming the Void ont sorti ici leur quatrième album Reverie juste après un troisième, Rift, qui a été acclamé par la critique et a été classé en tête des Doom Charts. Non seulement le groupe dambitionne de s’appuyer sur cet exploit, mais il le fait suivre d’une pochette qui présente un mammouth sortant d’un volcan !

Pas de pression donc, et sans doute plus important encore, pour que la musique continue à progresser dans une direction ascendante, ils donnent à leur quatrième opus le nom d’un état particulier, celui d’être agréablement perdu dans ses pensées et l’accompagnent d’une couverture extrêmement lumineuse et accrocheuse d’un visage de tigre à l’intérieur d’un cube. Cela vous donne un léger indice, celui qe le combo va s’oienter vers un son rock, un peu plus cosmique et progressif.

Forming the Void a toujours eu ce potentiel d’ aller dans des endroits plus élevés que ceux dans qlesquels ils se sont aventurés jusqu’à présent. Sur Reverie, ils montent effectivement de plusieurs crans avec leur mélange de heavy doom, de riffs boueux, de métal cosmique teinté de psychédélisme et de touches de rock progressif, mais, cette fois-ci, ils volent et voient encore plus haut avec une touche adroite d’influences orientales. Bien sûr, a batterie déverse toujoursle tonnerre épais et flou de la basse l’encourage tout au long de l’album pour les ingrédients nécessaires au doom tête, mais les guitares offrent de nombreuses textures intrigantes différentes sur l’album, ce qui indique que c’est le son d’un groupe qui évolue admirablement.

C’est sur « Trace the Omens » que ce résultat est le plus efficace, car une ligne de basse roulante est la toile de fond solide, et les léchages de guitare tourbillonnants sont en effet idéaux pour vous emmener dans votre propre espace de tête. Il y a aussi la bonne quantité de fuzz pour ne pas abîmer les textures subtiles de la guitare. Un autre point fort de l’album « Manifest » aura le double effet de vous inviter à vous perdre dans leur orbite musicale alors qu’ils sont capables de maintenir un groove lourd.

Cette capacité de Forming the Void à emmener leur son dans des paysages soniques subtils et délicats pour une dérive auditive est obtenue par des changements de tempo intéressants, décalés par des riffs ciblés. Cela fonctionne comme un régal sur « Ancient Satellite », qui combine la dérive psychédélique avec un puissant hard rocking doom tandis que « Onward through the Haze » juxtapose leurs éléments plus doux avec une tempête de rock tonitruant et de fuzz en charge.

La musique qu’ils ont créée sur Reverie a atteint un nouveau niveau, tandis que la tonalité et la voix sont restées plus ou moins les mêmes. Cela empêche l’album d’atteindre des sommets stratosphériques encore plus élevés. Pourquoi le chant a-t-il été plus important pour moi cette fois-ci ? Il se pourrait qu’ils aient beaucoup écouté le nouvel album remarquable d’Elephant Tree (Habits), où ils obtiennent à la fois un son étonnant et des harmonies vocales qui vous donnent l’impression de flotter. Ou peut-être est-ce la qualité musicale accrue des musiciens sur ce présent opus, où l’ajout d’un délicat saupoudrage de guitare aux influences orientales qui a conduit à l’exigence d’une plus grande variation dans les tonalités et la voix. On pourrait se demander, à cet égard, comment ces morceaux sonneraient s’ils avaient inclus des harmonies plus étendues.

Reverie est leproduit d’un bon groupe qui déploient leurs ailes et emmènent leur son dans une direction très expansive et intéressante ; ce facteur inédit fait de Reverie le meilleur album du groupe à ce jour.

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Elizabeth: « the wonderful world of nature »

Bienvenue dans le monde de rêve d’Elizabeth. Certains la connaissent peut-être comme la chanteuse principale de Totally Mild. Aujourd’hui, Elizabeth est une artiste solo et elle a sa propre petite façon de décrire son premier album, le monde merveilleux de la nature, « si vous aimez le divorce mais que vous le voulez gay ». Sur son site web, elle est décrite comme « une tragédie glamour, une antihéroïne pop queer tenant un rideau de mélodies scintillantes sur des vérités laides ». Cette déclaration est la meilleure façon de la décrire, elle et le monde merveilleux de la nature (the wonderful world of nature). L’album est plein de mélodies rêveuses et de paroles mélancoliques. Il y a des milliards de chansons sur les peines de cœur, mais Elizabeth y met son grain de sel, ce qui rend les chansons plus personnelles et plus sincères. Même si l’album doit définitivement surmonter la douleur de son divorce, il est indeniablement racontable et il pourrait même faire mal.

« beautiful baby » prépare la mise en scène de l’album et sa mélodie invite à la danse lente, tandis que les paroles suggèrent au public à pleurer un bon coup. C’est un beau mélange d’émotions. « partie » », est une de ces chansons qui peut donner plaisir à être racontées. Elle parle de ce sentiment de perdre l’être cher, d’être en état de choc et d’essayer de surmonter la douleur avec des fêtes qui n’ont aucun sens, cachant un cœur brisé. Elizabeth capture le sentiment d’espoir et de menace de revoir leur ex dans la rue.

« don’t let my love (bring you down) » montre la grande palette vocale de la chanteuse, tout comme « here », les deux titres montrant qu’une relation est parfois différente à l’extérieur qu’à l’intérieur. « death toll » commence sur un rythme lent, semblable à celui du cœur. La capacité d’Elizabeth à être si ouverte émotionnellement dans ses chansons atteint un point culminant sur « want you ». Cependant, une ligne spécifique ressort le plus, « la colère est un bleu et une fois qu’elle est épanouie, elle est lumineuse » (anger is a bruise and once it’s blooming, it’s bright) la chanson est aussi le point focal de l’album sur le plan émotionnel. Le son et la voix d’Elizabeth entourent l’auditeur comme un nuage d’émotions, ce qui rend la chanson si intime et si spéciale que « meander » en devient presque un choc. Plus fort et plus rapide.

« I’ve been thinking » parle de cette situation bizarre et équivoque avec des amis ; ils sont juste un peu plus que des amis, même s’ils ne devraient pas franchir la ligne. La luxure peut, de ce point de vue qui est le sien,être plus puissante qu’autre chose. « Imagining the changes » commence comme une chanson douce, qui n’a besoin que d’un piano et du chant d’Elizabeth. La première ligne est également assez forte, « falling out of love is wondering if you were ever in ». Plus tard dans la chanson, des chants forts à la guitare interrompent le son paisible et mélancolique du piano. C’est tellement surprenant qu’on a presque peur pendant une seconde, mais cela met merveilleusement en valeur les paroles. « burn it all » fait preuve de force énorme, tant au niveau des paroles que du son, même si elle commence plutôt lentement. C’est un autre morceau de l’album qui est très mérite qu’on s’y attarde. La ligne de force est la suivante : « comment aimer quelqu’un qui a grandi/ tu dis que tu as fait de moi quelqu’un de nouveau. » (how to love someone who you outgrew/ you say you made me into someone new).

Le dernier morceau sur the wonderful world of nature, « take me back », est sombre et d’une émotion troublante. Un sentiment profond d’être déchiré et plein de doutes sur soi-même. Le son est obsédant et soutient parfaitement le chant et les paroles. Ce premier album d’Elizabeth montre magnifiquement les émotions déroutantes qui entourent une rupture. Ce monde n’est pas seulement en noir et blanc, et ses chansons ne le sont pas non plus. Parmi le million de chansons sur les ruptures, les compositions d’Elizabeth se distinguent, de la meilleure façon possible. Même les paroles en sont la preuve, cet album a été écrit par un être humain, qui a un large éventail d’émotions. Préparez-vous à un voyage émotionnel profondément intime.

***1/2

Duke Garwood & Paul May: « The Bliss of Myth »

Avec The Bliss Of Myth, le duo de musiciens britanniques sort une œuvre de blues psychédélique, qui a été écrite quelques années avant la crise de Corona, mais qui sonne et résonne longtemps comme l’écho sombre de cette période de crise provenant de villes fantômes abandonnée à la pandémie.

Lugubre, fébrile, mystérieux comme le blues des marais du Coronakoma, voici l’opus surprise que Duke Garwood et Paul May ont enregistrée il y a quelques années, mais qui a ensuite cessé d’exister en raison d’un problème technique lors de l’enregistrement dans la boîte d’archives.The Bliss Of Mythvoit la lumière – ou mieux, les ténèbres du monde.

Duke Garwood est l’un des musiciens les plus passionnants et les plus ambitieux actuellement sur la scène, essayant de repousser les limites. Ses deux derniers albums solo, Heavy Love et Garden Of Ashes, étaient déjà l’expression de la recherche de Garwood pour ouvrir un nouveau terrain au blues.

Sa collaboration avec son ami Mark Lanegan a également donné lieu à des moments musicaux extraordinaires bien au-dessus de la moyenne sur les albums communs Black Pudding et With Animals. Grâce à la protection de Lanegan, qui a reconnu et nommé très tôt le génie de Garwood, le multi-instrumentiste a enfin reçu plus d’attention ces dernières années. Mais ce n’est toujours pas suffisant. L’homme devrait avoir un statut de culte comme son mentor Lanegan.

SurThe Bliss of Myth, Garwood met à profit ses compétences multiples et expérimentales. Des sons de guitare sinueux et déformés qui semblent s’éterniser dans des hallucinations semblables à la morphine – une marque de fabrique unique de Garwood – titubent sur les rythmes accentués de May sur un câble métallique, sous lequel se cachent des ravins abyssaux.

Le chant de Garwood semble venir directement de ce souterrain, un fantôme de voix qui se faufile presque à travers un terrain sonore morbide. Dans certaines des 11 compositions, il crée un paysage sonore dystopique encore plus intense grâce à des passages de saxophone jazzy, qui trouve son titre approprié dans la chanson « Volcanic Syrup » qui résonne comme si les oreilles se promenaient dans un état de stress post-traumatique.

De cette lave sonique incandescente et brillante qui serpente dans le subconscient un Rocco’s Blues » de plus de 6 minutes s’élèvera comme le ferait un monolithe de basalte.

Comme si cela ne suffisait pas, Garwood et May ont mis à disposition The Bliss of Myth en téléchargement gratuit, avec la seule note : Pensez à cet album comme à des pommes sur l’allée, vous donnez ce que la pomme vaut pour vous. Si vous avez la monnaie, laissez ce que vous aimez, sinon, et que vous avez besoin d’une pomme, prenez-en une. Comme l’univers coule, nous aussi, car nous sommes de la poussière d’étoile, et nous le savons. »

Dans cette optique, et sous de telles prémisses, procurez-vous l’album et profitez de la puissance subtile de ette sérendipité qui réinvete le blues.

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Eve Owen: « Don’t Let The Ink Dry »

Bien qu’elle soit la fille d’une star du cinéma hollywoodien, Eve Owen n’est vraiment venue à notre connaissance que grâce à son travail sur le dernier long-métrage de The National, I Am Easy To Find. C’est cette collaboration qui s’est en partie poursuivie sur son premier album. Non seulement il a été produit par Aaron Dessner, mais il est également sorti sur le label u’il possède avec son frère jumeau Bryce et Justin Vernon de Bon Iver. De tels noms peuvent jeter une ombre sur une jeune artiste sur le point de sortir son premier album, mais Owen ne doit pas s’inquiéter, car Don’t Let The Ink Dry est l’un des « debut albums » les plus accomplis que l’on a pu entendre depuis bien longtemps.

Un thème qui traverse tout le disque est la couleur, tant au niveau des paroles que de la sonorité. La bande-son vibrante et éclectique donne l’impression d’un voyage à travers un mélange tumultueux de décharge émotionnelle. « Bluebird » pétille avec un snare-drum acoustique dont le roulement frénétiquement choisi se colle juste à la droite du chaos, tandis qu’Owen offre des descriptions visuelles de ses appréhensions – « Un merle bleu balayé vers moi, il a utilisé des cicatrices pour des croches » (A bluebird swept down to me, it used scars for hooks). La ballade au piano, « She Says », a des niveaux de livraison de blessure ouverte façon Édith Piaf, alors qu’Owen se débat avec le fait d’être déçue par quelqu’un en qui elle a investi son espoir et sa foi. C’est un morceau d’une maturité étonnante, écrit pour une personne à peine sortie de l’adolescence, et livré avec autant d’enthousiasme.

« Blue Moon » est soutenue par des assauts de guitare en distorsion et des cordes à peine audibles qui ancrent cette complainte traitant fait d’être du mauvais côté d’une relation déséquilibrée, comme l’exclame Owen « Oh, je ne te laisserai jamais te briser / je nettoierai tes erreurs, Blue Moon » (Oh, I’ll never let you break/I’ll clean up your mistakes, Blue Moon . La bande-son dépouillée ne fait qu’ajouter à l’exacerbation des paroles. « Bien que mes mots soient argentés/Ils s’accrochent à tes syllabes » (Although my words are silver/They catch onto your syllables) et « Bien que mes bottes rouges soient faites pour marcher/Je me souviens des temps passés avec toi » (Although my red boots were made for walking/I look back to times with you) ; des formulations qui ajoutent encore plus de couleur à « So Still For You », une chanson d’amour riche en mélodies qui offre de la douceur pour contrebalancer la mélancolie présente ailleurs sur le disque. « For Redemption » est un véritable point culminant, puisque la composition enjambes des percussions volontairement maladroites et choisies uniquement pour leur acoustique. La voix d’Owen oscille entre un chant sensuel et un falsetto urgent, ce qui crée une palette sonore intéressante et d’une beauté douloureuse.

Bien que musicalement, certains éléments rappellent le travail de Dessner au quotidien – comme l’électronique rythmique de « Lover Not Today », qui pourrait se glisser directement sur l’un des deux précédents albums de son groupe – à aucun moment vous n’avez l’impression que le poids de l’association s’ajoute au travail d’Owen. En fait, il n’y a que deux éléments qui sont importants pour cette collaboration. Premièrement, elle ouvre sa musique à un public plus large, et deuxièmement, elle a créé un premier disque qui est étonnamment bon. Cet ensemble de douze chansons doit être écouté partout, car il est tout simplement remarquable.

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Elvis Depressedly: « Depressedelica »

Le nouvel album d’Elvis Depressedly est un album que nous n’aurions peut-être jamais entendu. Le septième long métrage de Mathew Lee Cothran sous ce nom (il enregistre aussi sous son propre nom et sous le nom de Coma Cinema) est sorti par surprise récemment, mais Depressedelica devait initialement sortir à l’automne 2019. Cependant, au milieu de luttes personnelles contre la toxicomanie et la santé mentale – sujets dont il parle ouvertement depuis des années – et d’un scandale semi-public sur Twitter, Cothran et son label ont décidé de mettre le disque sur les tablettes afin qu’il puisse se rétablir et se mettre à l’abri du regard du public. Aujourd’hui, le musicien de Caroline du Nord a terminé son traitement et a décidé de « libérer « le disque, marquant ainsi la première sortie d’Elvis Depressedly depuis 2015. Bien que Depressedelica ait été écrit avant d’entrer en convalescence, le disque est remarquablement prescient dans la mesure où il confronte directement les difficultés qu’il a cherché à surmonter pendant son absence de la musique, une carrière qu’il mène depuis plus de dix ans. 

Avant sa sortie complète, le seul goût que les fans ont eu était la composition « Jane, Don’t You Know Me ? »; un morceau simple, sans prétention, truffé de mea culpas. Grâce à un auto-réglage fluide et à une accroche subtilement puissante, Cothran fait acte de pénitence en tant que quelqu’un qui a vraisemblablement été repoussé par ses luttes : « J’espère que tu me pardonneras / Comme nous pardonnons nos mauvais rêves » (I hope you will forgive me / The way that we forgive our bad dreams !). Sur fond de batterie métronomique et de synthés qui donnent l’impression d’être au lever du soleil, ce titre est un premier pas parfait vers le voyage décrit dans les paroles de l’album.

Sur le morceau d’ouverture de l’album, « Who Can Be Loved in This World », Cothran fait preuve d’un optimisme prudent, chantant plus ouvertement sur l’amour que dans ses précédents disques. « Je me sens libre / De tomber en toi facilement et tu peux tomber en moi ».(It makes me feel like I am free / To fall into you easily and you can fall right into me). Il semble libre, et la chanson donne l’impression d’aspirer une profonde respiration et de la laisser s’échapper lentement. Le thème de l’amour revient à nouveau à la fin de l’album. « New Love in the Summertime » utilise une mélodie aux accents country pour rendre poétique les relations et la façon dont le temps qui passe les divise. Mais à la fin, Cothran est convaincu que son amour durera aussi longtemps qu’il le fait, donnant à son amant « un rire de plus sur les jours précédents » (one more laugh about the days before )

Le morceau « Chariot » semble être le lieu où les thèmes récurrents du disque se font le plus entendre, ce qui est souligné par les représailles dans la partie arrière de l’album. Ici, Cothran chante à travers une quantité étouffante d’effets vocaux sur les pièges douteux de la notoriété. « Le char s’est balancé trop bas » (The chariot swung too low), répète-t-il au début de chaque couplet, suivi d’une description d’une forme de tragédie. Dans l’une d’entre elles, il a affaire au « publiciste de l’Antéchrist » qui lui dit que ses chansons le rendront célèbre. Les adeptes des médias sociaux de Cothran savent qu’il a longtemps été candide sur ses griefs concernant le côté exploiteur de la musique indépendante, et le voilà qui intègre ces critiques carriéristes dans son écriture de chansons. 

L’un des moments les plus intéressants de l’album se trouve sur « Can You Hear My Guitar Rotting », qui répond efficacement à la question du titre. Sur ce morceau, Cothran est particulièrement explicite sur ses problèmes de toxicomanie, en commençant par les paroles « J’ai un problème », et en murmurant ensuite qu’il se saoule en secret. Si vous y prêtez attention, vous remarquerez que la guitare acoustique et le piano derrière le chant de Cothran subissent quelques changements. Au fur et à mesure que le titre progresse, ils se dissolvent, se détachent pour être remplacés par des sons beaucoup plus sombres. Lorsque la chanson se termine, les seuls sons qui restent sont une piste vocale angélique et déformée et un motif de batterie qui semble être joué à l’envers. La composition donne l’impression de montrer à quel point Cothran maîtrise le genre de musique qu’il fait, même si le contrôle n’est pas facile dans d’autres aspects de sa vie.

Les choses dont Cothran parle sur Depressedelica ne sont pas faciles à aborder, et il ne faut pas non plus considérer comme acquis qu’il a même décidé de les partager, encore moins après avoir commencé à améliorer sa propre vie. Cet album, bien qu’il fasse partie des meilleurs produits qu’il ait jamais réalisés, est particulièrement unique car nous n’y avons jamais eu droit, ce qui rend d’autant plus spécial le fait de savoir qu’il est arrivé selon les propres termes de Cothran.

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