Crack Cloud: « Tough Baby »

20 septembre 2022

Le collectif DIY jette aux orties tout semblant de genre, alors que chœurs et cordes se frottent aux kazzos et aux guitares déchiquetées. « La musique est un excellent moyen de laisser sortir sa colère, de tout mettre sur papier », conseille le père du batteur et chanteur Zach Choy sur le troisième album du collectif artistique Crack Cloud de Vancouver. Ce qui suit est un premier album inhabituellement introspectif, d’une sincérité digne de Kaufman et d’un mélodrame à couper le souffle, semblable à un This Heat plus acceptable. Dès le départ, l’intention est claire : Tough Baby est centré sur l’alchimie qui consiste à transformer un traumatisme en triomphe grâce à la créativité, et à faire un art qui se nourrit de soi-même.

Tough Baby est un bond en avant stylistique monumental qui, avec le recul, aurait pu être anticipé. Lorsque vous enlevez toutes les influences culturelles de 2020’s Pain Olympics, cela se résume au tissu cicatriciel émotionnel que Crack Cloud a emballé. Il en va de même ici : sur Tough Baby, le collectif se défait essentiellement de lui-même – de ses propres peurs, angoisses et illusions – des sentiments conventionnellement négatifs mais transformés en quelque chose de positif du fait qu’ils se manifestent sous la forme d’une œuvre d’art, et non d’un acte de dépréciation.

La dynamique post-punk traditionnelle des guitares agitées et déchiquetées et des jeux de mots abstraits est remplacée par des chœurs de femmes locaux et des arrangements cinématographiques effusifs. Malgré cette évolution audacieuse, des signes de l’ancien Crack Cloud apparaissent sous la surface, s’échappant à travers les fissures : « Crackin Up » conserve un semblant des versions précédentes, avec ses angles aigus et son aspect nerveux. L’inclusion de cuivres et d’une myriade de détails ésotériques (boucles de bande, collages sonores, kazoos et synthétiseurs) ajoute une résonance émotionnelle à l’intensité du chant de Zach Choy, qui semble pratiquement mâché et craché. Tough Baby est la sœur sophistiquée de Pain Olympics – plus XTC que Gang of Four – tout en étant plus bizarre, plus satanique et plus effronté que jamais. A classer sous : Apocalypse Disco.

Plus préoccupé par la narration visuelle que par le fait de se cantonner à des catégories musicales, le genre est pratiquement abandonné sur Tough Baby. Contrairement à la façon dont les disques sont digérés par la population, l’album fonctionne de la même manière qu’un roman ou un film. C’est le genre de narration dont Kendrick Lamar est le maître, avec une capacité à transporter les auditeurs dans un monde extérieur au leur – pour rire et souffrir par procuration à travers la musique.

La fluidité de Tough Baby ressemble à celle d’un album conceptuel, mais alors que les albums conceptuels sont généralement bien ficelés avec un élément de viscosité, Crack Cloud omet la logique en laissant libre cours à ses émotions. La nature contradictoire de la vie n’est pas une expérience cohésive. Le concept ici, alors, est peut-être simplement d’être soi-même, et de donner la priorité à ses sentiments.

Quiconque a assisté à une réunion des alcooliques anonymes connaît le discours consistant à s’abandonner à une puissance supérieure. Je n’écris pas souvent à la première personne, mais cet album a touché mon partenaire – qui suit actuellement son propre parcours de réhabilitation – à un niveau personnel et profond. Tough Baby est l’équivalent audio de la guérison d’une dépendance. Il accentue l’importance de la créativité en tant qu’acte de guérison, et la négation de l’ego en faveur de la communauté, de la solidarité et de l’action.

Malgré leur succès relatif, Crack Cloud reste farouchement indépendant. En tant que collectif DIY, ils travaillent selon leurs moyens, leurs seules limites étant eux-mêmes. Sorti sur leur propre label Meat Machine, le disque est dédié à l’idée que si l’on supprime les intermédiaires et que l’on laisse un groupe de personnes à leurs propres moyens – en leur donnant une liberté créative sans entrave – on peut obtenir des résultats profonds et, dans le cas de Crack Cloud, des chefs-d’œuvre opportuns ancrés dans l’espoir plutôt que dans le désespoir.

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The Beths: « Expert in a Dying Field »

16 septembre 2022

La sagesse conventionnelle dit que les accords majeurs véhiculent le bonheur et les accords mineurs la tristesse. Pourtant, l’un de nos professeurs à l’université nous a dit un jour qu’il pensait qu’il n’y avait rien de plus triste qu’un accord majeur de base. Peu d’auteurs de chansons dans le rock ‘n’ roll – qui est généralement un genre brutal et primitif lorsqu’il s’agit d’utiliser l’harmonie pour exprimer une émotion – possèdent la sophistication et le talent nécessaires pour qu’un accord de sol majeur ait l’air émotionnellement complexe lorsqu’il est joué sur une guitare électrique croustillante. Et Liz Stokes, des Beths, est l’une d’entre elles.

Stokes débite des chansons power-pop expertes depuis quelques années maintenant. Le premier album de 2018 de The Beths, Future Me Hates Me, explose avec des crochets accrocheurs et cathartiques, tandis que la suite de 2020 du groupe d’Auckland, Jump Rope Gazers, a introduit des nuances émotionnelles plus sombres et, occasionnellement, des tempos plus lents à leur répertoire. Le troisième album du groupe, Expert in Dying Field, est un tour de force power-pop exaltant, truffé de riffs de guitare hérissés et d’harmonies lumineuses et contagieuses. C’est aussi une exploration dévastatrice de l’anxiété, de l’insécurité et du regret – une réflexion sur le fait que, dans la vie, il ne peut y avoir de véritable joie sans tristesse.

Expert in Dying Field consolide et s’appuie sur les efforts précédents des Beths, offrant des rythmes fendus et une mélodie habile qui réussissent toujours à accentuer, plutôt qu’à obscurcir, la confrontation de Stokes avec ses démons intérieurs. « Silence is Golden « , par exemple, met en contraste l’aspiration désespérée de Stokes à une certaine mesure de paix et de tranquillité avec la piste d’accompagnement la plus rapide et la plus bruyante que les Beths aient faite à ce jour. « Je brûlerais toute la ville pour la faire taire », grogne Stokes, les pensées anxieuses qui bourdonnent dans sa tête étant de toute évidence assez fortes.

On trouve encore plus d’onomatopées power-pop sur « A Passing Rain », où un riff d’ouverture arpégé imite le bruit de l’eau sur une vitre et se transforme bientôt en un torrent de guitare lourde alors que Stokes se demande si son penchant pour les crises émotionnelles ne finira pas par faire fuir son partenaire : « Tu me dis gentiment que tu ne voudrais pas que je sois autrement, que tu n’es pas une menteuse, mais que je ne peux pas te croire quand je suis dans cette situation » (You tell me sweetly/You wouldn’t have me any other way/You’re not a liar, but I can’t believe you/When I’m in this).

Et si vous ne vouliez que des accroches et riffs, il y en aura à satiété sur l’album. La production de Jonathan Pearce est propre et immédiate, mettant en valeur les harmonies à plusieurs voix qui sont la marque de fabrique du groupe et les lignes de basse de Benjamin Sinclair, qui ont tout le punch et le pétillement d’un bon rhum-coca. C’est suffisant pour que le morceau le plus gai de l’album, « When You Know You Know », ressemble à un joyau perdu de l’alt-rock du milieu des années 90.

Sous ce vernis, cependant, l’écriture de Stokes est incroyablement capiteuse, rivalisant même avec la production récente de Courtney Barnett, une autre auteur-compositeur-interprète océanienne qui mêle une musique pop accrocheuse à des paroles chargées d’émotion. Stokes revient sans cesse sur ses doutes personnels. Sur « Knees Deep », elle magnifie son hésitation à plonger dans une piscine froide un jour d’été pour en faire l’apothéose de sa timidité chronique : « Je suis une lâche transformée en pierre/je reste là pendant des siècles/pour que toute l’histoire le sache » ( am a coward turned to stone/I stay there for centuries/So all of history knows about it). Et « I Told You That I Was Afraid » est encore plus brutal dans sa distillation des insécurités de la chanteuse : « Je t’ai dit que j’avais peur/que tout le monde autour de moi me méprise secrètement » ( told you that I was afraid/That everyone around holds me in some secret disdain).

Parce que les accroches ne cessent d’arriver, Expert in a Dying Field n’est jamais aussi lugubre que certaines paroles pourraient le laisser penser. En effet, l’instinct mélodique de Stokes est tel que c’est la douceur, plutôt que la morosité, qui est souvent mise en avant. L’album est complété par des chansons sur les relations amoureuses terminées : La première, le titre de l’album, dépeint une histoire d’amour qui touche à sa fin, tandis que « 2am » est un souvenir vague et insomniaque de bons moments passés, comme s’il s’agissait d’un rêve.

Mais Stokes n’a pas l’air amer. Sur « Expert in a Dying Field », sa voix glisse doucement vers son registre supérieur, produisant un effet étrangement apaisant alors qu’elle rumine, « Et je peux fermer la porte sur nous/Mais la pièce existe toujours » (And I can close the door on us/But the room still exists). Elle ne peut pas simplement enfermer ces parties douloureuses et désordonnées d’elle-même, car elles seront toujours là. Cependant, comme le montre habilement Expert in a Dying Field, elle a la capacité unique de les transfigurer en chansons rock accrocheuses.

***1/2


Breathless: »See Those Colours Fly »

15 septembre 2022

Breathless est un groupe que ne suivons que depuis peu. Nous avions été mis au courant de son existence il y a quelques années, lorsque nous avons entendu de nombreuses personnes parler en termes élogieux de Breathless et de la voix rêveuse du chanteur Dominick Appleton. See Those Colours Fly, sorti enjuillet 2022, est le premier album du groupe depuis dix ans et le troisième dans les années 2000. Le disquea été produit par Kramer, producteur de groupes allant de Bongwater à Galaxie 500 et Low. Breathless a travaillé pour la première fois avec Kramer lorsqu’il a mixé trois chansons sur leur album Green to Blue de 2012. Ce disque a été retardé par un terrible accident qui a frappé le batteur Tristram Latimer Sayer, qui est tombé dans le coma et il n’était pas sûr qu’il s’en sorte. Il n’a pas pu contribuer à ce nouvel enregistrement, laissant le claviériste/chanteur Appleton, le guitariste Gary Mundy et le bassiste Ari Neufeld se charger du travail créatif cette fois-ci. Bien sûr, la pandémie a également apporté son lot de difficultés, mais le groupe a évité les studios d’enregistrement professionnels et a enregistré la plupart de ses parties à la maison, ce qui lui a laissé plus de temps pour les assembler et les monter à loisir.

En écoutant ce disque, on ne peut qu’être frappé par sa beauté chatoyante, son esprit tranquille et son sens de l’espace. C’est exactement le genre d’expérience d’écoute dont j’ai besoin en ces temps terriblement chaotiques. Le morceau d’ouverture « Looking For the Words » est plein de majesté symphonique et donne le ton de toute cette séquence de chansons. Il se fond directement dans  » The Party’s Not Over « , une chanson quelque peu sombre mais qui est un véritable bijou. L’écoute de ses mottes sonores est comme le fait de planer à l’intérieur du meilleur rêve éveillé que vous ayez jamais eu. My Heart and I  » est quelque peu angoissante, sa belle parure mélodique recouvrant les paroles déchirantes comme un pansement. We Should Go Driving  » est une chanson directe et presque austère dans sa présentation, mais elle possède l’une des mélodies les plus fortes de l’album. Tout simplement génial ! « Let Me Down Gently » a un titre qui suggère une rupture, mais c’est à l’auditeur de voir si c’est le cas;que ce soit un connaissance proche ou pas , voilàl’exemple type de la composition qui ne peut que nous parler de pa sa somptueuse mélodie.

« The City Never Sleeps » nous offrira, de son côté, une pop orchestrale sombre, une bande-son miniature qui fait écho aux événements des trois dernières années. La vie ne sera plus jamais la même, mais la musique peut nous garder sains d’esprit et entiers, même si elle reflète ces tristes moments. « Somewhere Out of Reach  » devrait être un succès, c’est à la fois l’une des meilleures chansons que j’ai entendues cette saison et un point d’entrée certain pour l’ensemble du disque. So Far From Love  » est brumeux et multicouches, des brins gazeux de dream pop se mêlant au shoegaze et au psychisme trippant. C’est fantastique ! La dernière chanson,  » I Watch You Sleep « , dure plus de 7 minutes. Je m’imagine assis dans le noir, écoutant quelqu’un respirer pendant que mon esprit tourne à mille à l’heure. La mélodie est de premier ordre, et est un arrêt approprié à ce voyage musical rêveur que vous avez voyagé au cours de cette sortie. Un excellent baume pour les rêveurs du monde entier. Hautement recommandé

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Diesel Park West: « Not Quite the American Dream »

14 septembre 2022

Quel long et étrange voyage cela a été ! Trente-trois ans après que leur premier album Shakespeare Alabama ait présenté Diesel Park West au monde, ils sont de retour avec Not Quite the American Dream, leur premier depuis Let It Melt en 2019, trouve le groupe en pleine forme. Il envoie un message clair que Diesel Park West n’est pas seulement vivant et en pleine forme, mais qu’il prospère.  « Pourquoi sommes-nous encore là ? » demande John Butler, leader, auteur-compositeur et seul membre à avoir gardé le cap depuis leur formation en 1980 sous le nom de The Filberts.  Le combo est toujours poussé par le désir d’écrire et, comme ils le disent : « C’est de plus en plus facile. Nous arrivons aux répétitions, fatigués, crevés et énervés, mais quand nous commençons à jouer, en quelques minutes, nous avons l’impression d’être le meilleur groupe du monde. C’est pour ça qu’on est toujours là ! »  Let It Melt rappelle les points forts de DPW : des chansons classiques dans la riche veine de Moby Grape, Buffalo Springfield, Gene Clark et les Byrds, soutenues par un amour pour le rock’n’roll féroce, inspiré des Rolling Stones, et un talent pour les paroles à caractère social.  Butler, qui est déjà un maître de l’art, monte encore d’un cran dans son jeu en livrant douze chansons mémorables et pleines d’accroches. 

La pandémie de COVID a entraîné des restrictions dans le processus d’enregistrement, obligeant John à s’imposer comme le guitariste principal d’un groupe qui en comptait autrefois pas moins de trois. Le disque a été enregistré au Royaume-Uni mais a été terminé au Texas. C’est là que les musiciens/producteurs de Dallas Salim Nourallah et John Dufilho (Deathray Davies/Apples in Stereo) ont terminé l’enregistrement et le mixage.  Malgré les liens du groupe avec les influences américaines, le nouvel album est typiquement britannique, avec sa couverture de la scène de rue de Leicester et ses chansons à caractère social.   « Secondary Modern Man » est peut-être l’une des ruminations les plus parlantes de Butler, et aussi la meilleure chanson des Kinks que Ray Davies n’a jamais écrite. Son point de vue autobiographique sur le système éducatif britannique de l’après-guerre est accompagné d’une mélodie exubérante et d’un rythme de batterie endiable dont Ray Davies lui-même ne pourrait qu’être jaloux !

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Paul Roland & Mick Crossley: « Through The Spectral Gate »

14 septembre 2022

Paul Roland n’a plus besoin d’être présenté, sa position d’acteur majeur de la scène psychique underground à partir des années 1980 a conduit son compagnon de route Robyn Hitchcock à le décrire comme  » le Kate Bush masculin « , avec des albums de musique de chambre folk baroque comme Cabinet of Curiosities et des bijoux psychiques éclectiques comme Duel et Masque qui ont cimenté sa réputation d’auteur-compositeur unique et durable. Mick Crossley a récemment joué avec Roland sur des projets récents tels que Grimmer Than Grim et Hexen, ce qui a conduit à l’entreprise commune Through the Spectral Gate. Un peu plus cosmique que la production habituelle de Roland, avec des allusions et des teintes de Hawkwind du milieu des années 70 (pensez à l’époque de Warrior on the Edge of Time) ainsi que de Tangerine Dream, il y a néanmoins une obscurité et une qualité onirique qui nous touchent de la même manière que la muse de Katies, et qui plairont sans aucun doute à sa base de fans.

L’album commence par les synthés pulsés et les basses pensifs de « Open the Spectral Gate », un hautbois gracieux mais fantomatique reprenant un motif sinistre qui rappelle la majesté ombragée de Starless and Bible Black de King Crimson, évoquant un même sentiment d’effroi et d’émerveillement. Come Into My Mind & The Flickering Light  » suit le territoire plus familier de Paul Roland, avec sa mélancolie acoustique ornée décorée par des lavis de synthétiseurs analogiques et de bois choisis avec goût, avant que le deuxième mouvement de la chanson ne se lance (de la manière la plus Floydienne) sur une vaste vague de cordes, de synthétiseurs râpeux et de carillons de guitare. A la fois époustouflant et d’une grande force émotionnelle, il y a ici une myriade de détails et de moments, contenus dans ce qui n’est rien de moins qu’une symphonie électronique sur grand écran. Vient ensuite ‘Echo Forest (He Knows My Name)’, un morceau plus familier à Roland, avec ses harmonies gothiques psychologiques étranges et effrayantes et ses éclats de guitare brumeux. De nombreuses chansons de Roland s’inspirent du folklore, des histoires de fantômes ou de l’étrange et de l’inhabituel, et celle-ci ne fait pas exception à la règle. Il y a quelque chose de tout à fait sinistre à l’œuvre ici, parmi l’orgue aux motifs cachemire et les roulements de batterie descendants, comme si le Left Banke avait fait un mauvais trip, perdu dans l’obscurité des bois. Une coda acoustique offre une finale émotive et dramatique, avec un crescendo impressionnant de cordes et de guitare acoustique.

Silver Surfer Parts 1 & 2  » met le cap sur le cœur du soleil, avec des arpèges de synthétiseur chatoyants sur une performance sobre et tendue, le piano ponctuant les sombres nuages tourbillonnants et la performance passionnée de Roland. Le deuxième mouvement est un véritable « In Search of Space », avec des lignes de guitare qui s’élèvent et dérivent dans le vide sans fin. Witch’s Brew Parts 1 & 2  » renoue avec le folk occulte qui est le point fort de Roland, un morceau profondément mélodique et nuancé qui est d’une beauté sombre (avec une section finale atmosphérique et lysergique avec Geoffrey Richardson de Caravan au violon). Mantra « , quant à lui, est une construction lente, une chanson désertique hallucinatoire faite de basses exploratrices, de tourbillons de synthétiseurs et de pistes de guitare étoilées. La sitar et la boîte à shruti ouvrent  » The Third Eye & Blessings « , une version hantée mais perversement humoristique et cynique de certains types de gourous, qui se transforme en une odyssée de claviers vintage extrêmement satisfaisante.

C’est l’une des grandes forces de l’association de Roland et Crossley : nous bénéficions non seulement de l’écriture nuancée et de la maîtrise mélodique de Roland, mais la nature allongée de ces morceaux permet une portée et un cadrage cinématographiques qui ajoutent une dimension et une profondeur supplémentaires. Never Flown So High Before  » en est un bon exemple : des lignes de guitare fulgurantes, de vastes banques de synthétiseurs et des chœurs ornent le génie pop tordu de Roland, nous entraînant dans des domaines inexplorés, dans de nouvelles galaxies. Ayant déjà exploré les genres du garage rock des années 60, de la folk de chambre et du psych rock, cet engouement pour le cosmique et le space rock/prog convient parfaitement à Roland. Ensuite, ‘The Cave Song & Carlos’, avec ses teintes orientales et ses explorations psychiques de minuit, touche un territoire musical normalement occupé par des groupes comme Goat et Familia de Lobos (avec une touche de The Doors), et permet à Crossley de prendre la parole sur un morceau qui se transforme en un voyage mental, tandis que ‘Carlos’ évoque les Pink Floyd de l’époque Saucerful of Secrets participant à un rituel souterrain. Le final de « Crystal & Silent Star », propulsé par un battement de pulsation électronique semblable à celui d’un spectre, est à la fois obsédant et dynamique. Extrêmement atmosphérique et immersif, c’est la conclusion idéale d’un album profondément inventif, ambitieux et cinématographique.

On espère qu’une collaboration similaire pourra se reproduire entre Roland et Crossley, tant le succès et le dynamisme sont évidents ici. Il n’y a pas de concession au commercialisme ou de vente facile, on sent que c’est un album que les deux artistes ont voulu faire par pur amour de la musique, des sons évoqués et des univers créés. Ce véritable engagement transparaît, un travail d’amour qui récompense à chaque nouvelle écoute en vous transportant dans des mondes lointains et dans les recoins sombres et profonds de l’espace intérieur. Voyagez Through the Spectral Gate, vous ne voudrez plus la quitter.

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The Sadies: « Colder Streams »

13 septembre 2022

Avec le décès de leur leader, Dallas Good, du groupe canadien The Sadies, et sa déclaration ironique selon laquelle cet album est « de loin, le meilleur disque jamais réalisé par qui que ce soit », il est probable que l’on s’y intéresse de très près. Si vous n’avez pas entendu parler de The Sadies, il est probable qu’un groupe que vous admirez l’ait fait. Et cet album est loué par les critiques comme l’un des meilleurs, sinon le meilleur, album qu’ils aient sorti.

Avec leur maîtrise du mélange des genres, incluant des influences de rock psychédélique, d’alt-Americana, voire de punk et de surf, c’est une écoute dynamique. « La tristesse vient avec le soleil couchant » (The sadness comes with the setting sun), commencent-ils sur la première chanson à consonance particulièrement psychédélique, « Stop and Start », un peu comme une chanson hors du temps. Et l’album est empreint d’une écrasante lassitude du monde. « En ce jour et cette époque / La rage est devenue toute la rage / Nous choisissons de nous comporter / Comme des loups qu’on laisse mourir de faim dans la cage  » (In this day and age / Rage has become all the rage / We choose to behave / Like wolves left to starve in the cage).

Dallas Good a toujours eu ses questions brûlantes sur la vie après la mort et le jugement supposé de Dieu, une pensée lourde compte tenu de son récent décès, et il poursuit cette rumination sur ce disque. « Attendez que le monde prenne feu, puis essayez de prétendre / Tous nos péchés sont pardonnés à la fin », chante-t-il sur une chanson au symbolisme particulièrement religieux. Je dirais qu’il n’y a pas que de l’angoisse, mais c’est un disque assez angoissant dans l’ensemble. Et bien qu’il dise, peut-être avec un certain sens de l’humour, « Je peux faire ce que je veux / Personne ne me regarde / Je peux dire ce que je veux / Personne ne m’écoute » (I can do what I want / No one’s watching me / I can say what I want / No one’s listening to me), sur la chanson « No One’s Listening », qui fait penser à REM, les gens écoutent certainement le chant du cygne de Good avec un respect mérité.

Avec 14 autres albums à leur actif, les fans les plus fidèles auront de quoi visiter les lieux pendant de nombreuses années. Mais cet album produit par Richard Reed Parry (Arcade Fire) se termine certainement sur une note élevée, bien que triste. « J’aimerais ne pas m’en soucier / J’aimerais que rien de tout cela n’ait d’importance / Je ne suis pas meilleur que toi / Mais tu vaux mieux que ça » (I wish I didn’t care / I wish none of it mattered / I’m no better than you / But you’re better than that.). Good a toujours pris ses responsabilités à cœur et continue, dans cet album, à se plonger profondément dans les troubles actuels et la lutte pour être un homme bon dans un monde difficile. Personne ne peut dire qu’il ne s’est pas investi dans son travail. La direction que prendra The Sadies reste à voir, mais ce disque, que nous avons la chance de posséder, est un nouvel ajout à une réputation déjà dorée.

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Jockstrap: « I Love You Jennifer B »

12 septembre 2022

La force motrice de Jockstrap est d’être un duo composé de Georgia Ellery et Taylor Skye. Âgés de 24 ans, ils se sont rencontrés à la Guildhall School Of Music & Drama où ils étudiaient respectivement le jazz et la composition électronique. Bien que I Love You Jennifer B soit le premier album du duo, les deux membres ont été sous les feux de la rampe avec d’autres projets. Ellery a fait partie de Black Country, New Road et a collaboré avec Jamie XX ; Skye a travaillé en tant qu’artiste solo et a réalisé des remixes, déconstruisant des tubes pop de Kendrick Lamar, Frank Ocean et Beyonce. 

En tant que Jockstrap, les deux artistes créent une palette aussi éclectique que le paysage urbain contemporain de Londres, incorporant le pouls animé de Brick Lane, les façades brutales rétrofuturistes du Barbican et le charme baroque-pop de Camden Walk à Islington. D’une certaine manière, cette texture s’apparente aux premiers albums de James Blake, des cartes postales avec un paysage aquarellé d’une ville imaginaire. Pourtant, malgré ces allusions, Jockstrap parvient à créer une écosphère sonore reconnaissable.   

La musique de Jockstrap résulte des contributions égales de ses deux membres. Ces composantes sont aussi différentes et compatibles que le yin et le yang. Les arrangements post-dubstep désobéissants de Taylor Skye habillent les chansons volatiles de Georgia Ellery d’une couche substantielle de gravité dancefloor. La sensibilité folk trompeuse des premières secondes de l’album prend un virage vers le trip-hop profond. Ces rebondissements inattendus sont apparemment l’objectif du duo. Ils peuvent être soit musicaux, soit lyriques. L’utilisation libre du mot « fuck » sur le sixième morceau « Angst » contraste avec la douce mélancolie de l’arrangement de harpe électrique. La chanson interprète l’angoisse comme un processus dévastateur semblable à l’accouchement. Elle fait référence au souvenir qu’Ellery a gardé de sa mère comparant une crise d’angoisse à « la ponte d’un œuf ». La harpe aux allures de conte de fées donne une idée de la tranquillité de l’environnement où un anxieux peut difficilement trouver du réconfort, en jurant dans son souffle. 

Des principes de collage similaires s’appliquent à la production. Des fragments de démo sont incorporés dans la texture de quelques chansons, leur donnant un aspect légèrement obsédant. Lancaster Court « , avec sa guitare, est la seule ballade de l’album, avec des bribes de la pratique vocale enregistrée d’Ellery. Dans cette chanson, Ellery joue de la guitare sur disque pour la première fois. Avec des brosses occasionnelles de flûte et de percussion, la ballade évoque l’intérieur d’une chambre d’hôtel sombre où une rencontre sexuelle pourrait avoir lieu. 

Sur le morceau précédent, « Glasgow », des couches de voix combinées lo-fi et studio sont enregistrées sur une guitare grattée semblable à celle du deuxième album de Bon Iver. La chanson semble plus légère et plus sûre d’elle que le reste de l’album. Cependant, l’humeur change à la fin : « In that moment, I am so low / In that moment, I am so alone »(A ce moment, je suis si féprimé / A ce moment, je suis si seul).

La qualité énigmatique de la musique du groupe ne l’empêche pas d’être une bande sonore appropriée à la vie dans un lieu particulier. Aussi hétérogène soit-elle, l’architecture de Londres est souvent évoquée. Concrete Over Water  » évoque la grâce lugubre du domaine Barbican. Ellery et Skye avaient tous deux étudié à Guildhall peu de temps avant la production de ce titre. Les paroles parlent de lieux particuliers comme l’Italie et l’Espagne, mais il semble qu’il y ait un lieu particulier et inexistant, un souvenir dans la tête du héros lyrique. La chanson commence par des claviers semblables à ceux d’un calliope et la voix d’Ellery, donnant une sorte de souvenir d’événements qui pourraient être soit pré-pandémie, soit pré-Brexit, soit pré-peu importe : « I live in the city / The tower’s blue and the sky is black / I feel the night / I sit, it’s on my back / On my back / It makes me cry / This European air, I swear it does » (J’habite dans la ville / La tour est bleue et le ciel est noir / Je sens la nuit / Je m’assieds, elle est sur mon dos / Sur mon dos / Elle me fait pleurer / Cet air européen, je le jure). 

Les références à divers lieux géographiques sont omniprésentes dans l’album. Qu’il s’agisse d’une ville (« Glasgow ») ou d’un seul bâtiment (« Lancaster Court »), l’album évoque un sentiment de mouvement constant – et agité – familier à tout résident d’une métropole. 

Le morceau « 50/50 (Extended) », qui clôt l’album, est un morceau dubstep grinçant, contrairement aux accents émotifs de la majeure partie de l’album. Cela n’enlève rien à la sincérité de Jockstrap, mais montre la façon dont les émotions peuvent être supprimées ou transformées par un entraînement intensif sur le dancefloor. Le fait que les deux membres aient 24 ans explique en partie le choix de leurs noms artistiques ainsi que le titre de leur premier disque. En vieillissant, les niveaux de vulnérabilité se stabilisent progressivement. Les thèmes que le groupe explore sont familiers à la majorité de ceux qui vivent sur cette planète et, en particulier, dans ses parties les plus peuplées. L’anxiété, l’aliénation, la nostalgie, les raz-de-marée du désir, la douleur résultant de la reconnaissance de son ignorance et de son arrogance, etc. etc. Après tout, I Love You Jennifer B pourrait être une déclaration sur le mur d’un immeuble résidentiel, inscrite par un adolescent épris.

Différentes personnes trouvent différentes versions d’un airbag métaphorique qui les empêcherait d’avoir un accident émotionnel. S’inspirant de cela, Jockstrap offre une protection figurative pour les parties les plus exposées. Bien que cette musique soit loin d’être thérapeutique pour l’auditeur, elle vous invite volontiers à entrer dans leur monde étrange, émotif et intensément cinétique. Décidez par vous-même si cela vaut la peine d’y entrer.

***1/2


Holy Fawn: « Dimensional Bleed »

11 septembre 2022

Il y a quatre ans, Holy Fawn s’est présenté à nous grâce à l’ambiance délicate que constituait  «Dark Stone», l’ouverture phénoménale de Death Spell. Aujourd’hui, « Hexsewn » remplit ce rôle pour le deuxième album, et il le fait avec des tons apaisants similaires. Cependant, lorsque «Dark Stone» juxtapose sa tranquillité avec des murs sonores déformés dans les trente secondes, les premiers moments de Dimensional Bleed optent pour respirer plutôt que de s’étouffer. La coupe d’ouverture s’estompe sans établir une structure distincte: au lieu de cela, elle dissout les textures de l’inconfort et du calme dans une structure abstraite de lui-même.
C’est un excellent plan pour Dimensional Bleed, l’un des albums les plus titrés de l’année. Plutôt que de se concentrer sur les moments d’intensité écrasant en ou de développer le don du groupe pour sa splendeur explicite, le disque se déplace latéralement. Le lead single « Death is a Relief » incorpore de magnifiques étincelles et des sections teintées de couleur, mais il y a un sentiment de calme dans la chanson qui semble étrangement désorientant et trompeur. Les synthétiseurs détachés introduisent « Death is a Relief »; les guitares acoustiques déformées signalent sa dissolution, façonnant une juxtaposition efficace. D’une part, l’album se sent organique à travers ses saignées disjointes ; d’autre part, il s’enracine constamment dans plusieurs domaines à la fois par l’incorporation de chaque élément que la bande semble avoir à leur disposition.
En tant que tel, Dimensional Bleed est un record qui exige de la patience. Alors que l’apluction post-métal de « Empty Vials’ et les trois minutes féroces de « Dimensional Bleed » peuvent être relativement immédiates, l’album s’appuie systématiquement sur des subtilités pour ses bénéfices (ou son absence). « Lift Your Head » prend forme à travers un houle éthérée qui souligne son ensemble, nevanissant ni vers l’avant ni reculer. Il ne construit pas ou ne change pas au fur et à mesure que la chanson progresse; au lieu de cela, il fonctionne comme un cadre pour les couches denses que Holy Fawn construit avec soin. De même, l’épopée de sept minutes « Sightless » dépense une bonne partie de son écoulement se prélassant dans des timbres silencieux et imbibés, permettant à la chanson de construire jusqu’à ce qu’elle s’effondre complètement sur elle-même. Cette approche exige et, dans une certaine mesure, toute son attention: la grande houle de la piste est construite autour de subtilités enfouies dans l’excellent mélange – construire un réseau de textures qui aboutit finalement à quelque chose d’aussi abstrait.


Aussi excellents et soigneusement tissés que soient à chaque instant, Dimensional Bleed souffre légèrement de ses propres ambitions nuancées. Alors que Saint Fawn parvient en grande partie à trouver de la force dans un flou constant, les changements exclusivement subtils et les ajustements texturaux de l’enregistrement ne parviennent pas à définir concrètement les chansons comme des entités individuelles. Cela est quelque peu à double tranchant; alors que les saignements dimensionnels de l’album affirment ses thèmes flous et font une expérience explicitement cohésive, il construit également l’expérience de 50 minutes comme un peu impénétrable. Les limites exactes de chaque chanson (et, par extension, l’album) ne sont pas claires; au lieu de cela, il est clair que Holy Fawn laisse chaque porte ouverte.
Heureusement, on peut dire que le groupe ne demande pas la pénétration de la musique. Leur mélange malléable de shoegaze, de post-rock, d’électronique et de black metal existe comme une grande vague qui se profile à l’idée d’être vécue. Dimensional Bleed n’est peut-être pas la déclaration monumentale de sortilèges incarnés, mais elle est certainement capable d’engloutir quiconque veut lui accorder un peu de temps dédié. En outre, il réaffirme la position de Holy Fawn comme l’un des groupes les plus intrigants pour ce qui est la recherche de la tête du son en temps réel et d’une apocalypse dans les paramètres dudit temps.

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The Callous Daoboys: « Celebrity Therapist »

10 septembre 2022

Rétrospectivement, le combo initial qu’était 100 Gecs représentait vraiment le symptôme d’une tendance plus large : la musique au devenir se voulant étrange – The Callous Daoboys viennent de prendre un nouvel essor pour ingérer tout le vitriol. Vérifiez ce qui est dit sur le metal et ses genres associés pour assister au cirque, y compris les niveaux où l’abus de saxophone et l’indulgence incessante de la dissonance. La course à la dérive tourne autour de gimmicks au lieu de styles réussis, des concepts érigent des miroirs pour montrer un monde divisé qui plonge davantage dans la désillusion, les effets d’abus de production et les échantillons libérales – la liste continue. C’est une poussée désespérée de l’enveloppe qui est à parts égales accidentelle et délibérée ; le combo n’avait pas l’intention que leur blues n’ait pas un son de rock pour devenir sauvagement expérimental, mais il s’est développé en conséquence de leur désir de faire la fête et de profiter de la vie aux côtés d’amis, tandis que Frontierer a organisé la folie de manière méticuleuse pour atteindre un objectif incroyablement clair. Quelque part en cours de route, ce terme mythique d' »originalité » a commencé à pousser sa tête sur les tranchées, et tout en le faisant, c’est un jeu dangereux – ce que vous voulez dire par personne n’a fait cela auparavant? – il semble approprié pour cette nouvelle vague de musicien frénétique et imprévisible.
Quelle que soit l’intention, T
he Callous Daoboys incarnent cette quête pour être stupide dans pratiquement toutes les facettes. Des défilés de dissonance débridée sur des paysages sonores chancelants qui arrachent des motifs à hue et à dia avec un raisonnement clairs pour le faire, des éléments électroniques et des passages de violon envahissent chaque fois qu’ils le souhaitent, les grosses rasseuses de basses attirent l’attention avant de crier les guitares choisissent de les rejeter, pendant que la bande livre chaque note avec une sourire shot-fe. C’est une blague jusqu’à ce qu’elle ne soit pas, à ce moment-là, elle reboucle en étant de pur divertissement. L’effort de lancement de Die On Mars est déjà affranchi dans une aura B-movie-esque qui a nécessité une suspension de l’incrédulité, ce qui avec les paroles apparemment fous et les monstres de cris Dillinger qui ponctuaient les ruines vicieuses. Prenez toute cette folie, multipliez-le décupler, injectez de nombreuses quantités de mélodie pour faire bonne mesure, et une bête beaucoup plus redoutable émerge.The Celebrity Therapist, répond au potentiel du groupe de Géorgie, puis à certains, qui équilibrent parfaitement la lourdeur palpitante et la prise en main assombrissante. Non seulement parmi les albums les plus étranges pour faire scénariser la scène metalcore contemporaine depuis des années, mais c’est sans doute l’un des meilleurs, mais cet effort de la sophomore peut fournir des extases sans limite à travers une pléthore de voies, en modifiant constamment en quelque chose d’impossible à clouer.
Alors que les travaux précédents étaient principalement axés sur des intérieurs foncés, utilisant des rainures lourdes pour la folie, 
The Celebrity Therapist apporte une quantité surprenante de mélodie dans le pli. La coopération entre ces deux facettes confère au record son style sans précédent, permettant à chaque membre de s’épanouir individuellement et en appuyant les différentes sections propres ou les éruptions soudaines d’énergie trépidante. Cette puissante dichotomie est évidente par l’ouverture « l’astrologie violente » et son instrumentation volatile. La complexité est immédiatement amplifiée lorsque les guitares dentelées se jordillent pour l’espace, ce qui reçoit ce temps un support supplémentaire par le bourdonnement de lignes de synthé et les effets électriques en cascade. Combinée aux voix rungueuses de Carson Pace, l’intensité devient étouffante, se liant à la punition des pannes renforcées par une basse toronneuse à des riffs cacophoniques et à la batterie. Cependant, le collectif parvient à orienter cette violence dans une seconde moitié caractérisée davantage par la retenue; Pace fléchit son chant propre, ajoutant une teinte de vulnérabilité dans une partie étonnamment mélancolique qui opte pour créer de l’espace grâce à des textures plus douces. Par la suite, « A Brief Article Regarding Time Loops » utilise ces exercices d’écriture de chansons réservés – dans ce cas, un entre-temps parlé étrange – pour récupérer pour une autre attaque, plus agressive, qui met en lumière les monstrueux bas de Jackie Buckalew. L’ancrage du refrain de la piste est un groove pulvérisant qui fait de la même manière une utilisation merveilleuse de la basse, associant une mélodie vocale à la hauteur d’un riff bas de gamme  et se voulant dominant lui favorise le cueillette de tête indéfinie. La cimentation du tintamarre ce sont sont des notes de violon grattantes qui étalent une ambiance immersive de folie, colorant le paysage avec sa qualité discordante. C’est un combat de remorqueur de cordes mélodiques et de leurs opposés, qui élèvent tous deux ce dont les Daoboys étaient à l’origine.


Les capacités compositionnelles des Daoboys ont globalement atteint un niveau incroyable. Dans ce nouveau cadre mélodique, le collectif peut construire des moments impressionnants qui naissent de voyages allongés par opposition à des agressions agressives. Ils ont encore un succès infini dans ce dernier ; « Beau Musule » est une véritable tornade de riffs de basse funky, d’effets de synthétiseurs glougloutants et de guitares corrosives. Chaque pièce est intrigante, en mouvement constant, et se déplace sur demande pour concevoir quelque chose de grand-plus en offrant des couches abondantes à analyser. Pourtant, c’est la première qui révèle définitivement les prouesses structurelles en jeu ; considérez la « Title Track » atmosphérique, choquante, qui s’appuie fortement sur les paysages de synthétiseurs subtils et les performances charismatiques de Pace. Une introduction dure avec des guitares discordantes se désintègre dans des harmonies vocales qui se mélangent dans le chant sombre de Whitney Jordan, qui finit par évoluer vers un chœur forloré, bien que résonnant qui éclate de l’ambiance. Les cordes délicates sont méthodiquement déconstruites par des cris, des attaques de guitares, et la basse omniprésente, attisant lentement le flou émotionnel qui obscurcit la mature, progressant lentement vers un final qui jette tout à un mur et le fragilise en morceaux. Un riff mélodique guide le chemin avant qu’il ne soit balayé dans un cri persistant de Pace, permettant à la statique de s’implanter et de faire taire la dissonance. L’album met l’accent sur « Star Baby » montre cette même méthodologie, en voyant tous les arrivants avec des rainures de metalcore et des guitares en spirale, pour s’engager dans une métamorphose à couper la mâchoire qui se termine par une magnifique pause propre. Un saxophone rugissant et un piano chanceux a jeté la lourdeur des minutes précédentes, en construisant sur les cendres une finition pompeuse qui ressemble à un extrait d’une comédie musicale tordue de Broadway. De la manière typique de Daoboy, il est démontré avec une marque clignotante – qui sait ce qui est réel ici? – mais ce qui ne peut être contesté, c’est le travail de base étonnant nécessaire pour atteindre un pic aussi captivant.
Ce qui établit inévitablement le
Celebrity Therapist comme un disque d’une certaine importance, c’est la façon dont il semble accomplir l’impossible : il concocte un style qui, tout en possédant des influences traçables, commence à prendre une identité qui lui est propre. Cela doit un crédit important à la maturité impressionnante de l’auteur de l’écriture de chansons susmentionnée, qui permet à des éléments disparates d’entrer et de sortir organiquement sans provoquer un moment de choc. Une coupe de la « L’Homme de l’éléphant dans la salle » court à travers un nombre de motifs vertigineux, pilulant l’auditeur avec des guitares serpentines à un moment, puis frappant un nouveau train dans un refrain gonflable, puis sauter dans une pause ludique, jazzy, puis démontageant cela avec des notes de violon et des cordes grinçantes, mais il y a une ligne à travers.des styles sur un caprice pour cimenter les transformations comme authentiques. La manipulation de la signature temporelle en jeu et tous les différents changements de tempo sont indéniablement sauvages, mais c’est là que réside l’attrait ; il y a une manie séduisante dans comment, disons, « Qu’est-ce qui est délicieux ? Who Swarms? » mélange le nootage du saxophone, un refrain blues, une technicité abrasive et des mélodies de guitare polies tandis que les notes de synthétiseurs décorent le fond. C’est aussi virtuose que possible un mathcore extrême, même si les rythmes insérés ici et les aspects de support qui les rejoignent ne sont pas concoctés ainsi sans discontinuité ailleurs. Tout est en service pour générer une expérience émotive et frénétique qui refuse de rester immobile, à la place de nouveaux concepts et idées. Il pourrait s’agir de la belle seconde moitié de « Star Baby » ou des délices de « Beautiful Mû Missile » – soit d’une manière ou d’une autre, le résultat final est un mélange unique prêt à prendre des risques importants.
Il faut un talent important pour non seulement se diversifier des titans du genre, mais aussi pour créer une identité sonore qui peut être reconnue lors d’une simple visite sommaire. Si un acte de base métallique existant est sur le point de revendiquer le terme toujours insaisissable d’originalité, le septet de Géorgie est peut-être le plus proche de fusionner ses inspirations en quelque chose de radicalement de sa propre main, et il est présenté d’une manière irréprochable de manière cohérente malgré les innombrables thèmes fouettés qui sont fouettés. C’est une tentative authentique d’expérimentation incessante qui non seulement se rebelle contre la convention, mais montre avec amour ses décisions irrationnelles extérieures. Un concept global est en jeu – cette idée que la vie est une boucle répétitive, que ce soit des sphères personnelles ou le monde en général – mais il n’est pas certain que l’équipage Callous soit l’apcrocheur ou le Frontière de l’histoire. La vérité avant tout, c’est qu’un groupe honnête à la bonté nommé The Callous Daoboys a fait pleuvoir la porte de 2022 et a fourni l’un des efforts les plus forts de l’année. Malgré la renaissance de la scène metalcore générant une foule de nouvelles tenues,
Celebrity Therapist découpe une niche que d’autres ne peuvent conquérir. C’est un enregistrement qui peut crier sur le dessin des pieuvres sur Facebook, puis peut soudainement servir des coups de poing émotionnel sur les relations couplées et les questions d’estime de soi. Sur le papier, il ne devrait jamais fonctionner – il n’y a nullement de rien que ce violon n’est pas un autre gadget, ou ces synthétiseurs sont plus qu’un hommage de HORSE the Band – mais en exécution, il est faux de manière insondable. C’est l’état absolu de la musique de nos jours : tout à fait stupide, expérimental au bord du flop absolu, et, à cet égard, il procure une joie inhabituelle à contempler cette déraison.

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Mapache: « Roscoe’s Dream »

10 septembre 2022

Un courant électrique indéniable traverse la musique de Mapache, le duo de folk cosmique basé à Los Angeles et composé des auteurs-compositeurs Clay Finch et Sam Blasucci. Leur quatrième projet studio en tant que groupe, et la suite de l’album de reprises oniriques, 3, l’année dernière, Roscoe’s Dream est leur disque le plus abouti à ce jour, un opus tentaculaire qui capture le charme bohème côtier de leur son californien distinct dans sa forme la plus pure.

Sur dix-huit titres indélébiles, on trouve des lueurs de psychédélisme de Laurel Canyon, un mélange de rockers décontractés et prêts à l’emploi, et des quantités de ballades acoustiques espagnoles envoûtantes qui ont fait de ce duo une force en premier lieu. Alors que les harmonies tissées serrées de Finch et Blasucci tiennent le fort dans plusieurs des chansons principales de l’album, Roscoe’s Dream est une expérience de groupe complet – le premier disque de Mapache de ce genre. Avec le producteur et gardien de l’ambiance de la côte ouest Dan Horne à la barre, le son traditionnellement humble du groupe d’Echo Park s’épanouit en une infusion onirique de folk-rock béat et de jams brumeuses au coucher du soleil inspirées par les amours au bord de l’océan, le ménage spirituel et Roscoe, le fidèle chiot de Blasucci, compagnon de tournée de Mapache et principal héros du quatrième album.

La liste des titres de Roscoe’s Dream regorge d’hymnes à la fois doux et sublimes : « I Love My Dog » lance le disque avec une solide portion de choogle ensoleillé et un refrain immédiatement mémorable, donnant le ton aux grooves marécageux de « Pearl to the Swine » et à l’envolée de « Love Can’t Hold Me », un point culminant de l’album qui célèbre indirectement la liberté sans contrainte que le groupe atteint avec cet album. Ailleurs, l’attachant « Man and Woman » évoque des visions d’un honky-tonk de bord de mer, tandis que « They Don’t Know At The Beach » pousse le twang plus loin dans le temps des îles.

En plus d’un grand nombre de titres oscillants à mi-tempo et uptempo, les ballades douces qui sont la signature du duo sont plus fortes que jamais, tout comme l’interaction du tandem vocal dynamique de Finch et Blasucci. Les guitares lentes et sensuelles qui accompagnent la voix de Finch sur « Polishing A Band », ainsi que la progression picturale de « Kaua’i Beauty », confèrent aux deux chansons une qualité de transe. Pendant ce temps, la tendresse de la voix de Blasucci atteint un sommet sur des morceaux acoustiques comme « Nicolette » et « Feel So Young », ses paroles passionnées étant à la fois affectueuses et mélancoliques dans leur phrasé.

Les moments les plus riches sont ceux où les talents multiples du groupe travaillent en harmonie. En quatre minutes et demie environ, l’atmosphère chargée de lap steel qui constitue la transition psychédélique de « Tend Your Garden » / « The Garden » résume la palette sonore kaléidoscopique de la country californienne moderne. Un plaidoyer désespéré et dansant à l’intention d’un partenaire masculin disparu, « Tell Him », est renforcé par un pot-pourri de grooves rétro syncopés qui méritent de figurer sur toute playlist d’été. Peut-être le morceau le plus irrésistible de l’album, « Light My Fire », est une quintessence de la chanson communautaire soutenue par des claviers confortables et un refrain réconfortant digne d’être repris à l’infini sur un feu de joie.

Pour la plupart des groupes, ce type d’album pourrait signaler un point d’arrivée, mais pour Mapache, il est plus approprié de le considérer comme une célébration. Roscoe’s Dream ne se contente pas de défendre tout ce qui les a rendus grands au départ, il l’amplifie pour que tout le monde puisse l’entendre à Los Angeles et bien plus loin.

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