Daniel Knox: « Won’t You Take Me With You »

19 janvier 2021

L’ouverture discordante du dernier album de Daniel Knox – « Je veux être là où je suis censé être ; je veux tuer tous ceux qui sont proches de moi… » (I wanna be right where I’m supposed to be; I wanna kill everyone close to me…) – établit un record de fascination lyrique. Un titre tiré du The Wizard Of Oz, Won’t You Take Me With You, le cinquième album studio de l’auteur-compositeur-interprète américain, en apporte le déroulé.

Le piano rebondissant de « King Of The Ball », complété par des instruments à vent jazzy, évoque des images de la Nouvelle-Orléans la nuit. La ligne de basse ambulante donne l’impression que vous pourriez vous promener dans ces rues en voyant tout ce que fait Knox. Cette atmosphère se prolonge dans « Vinegar Hill », qui est un point fort de l’album et qui établit des comparaisons évidentes avec Leonard Cohen, mais aussi avec le travail en solo de Cameron Avery de Tame Impala.

Knox n’attend que le troisième morceau pour changer le ton de l’album et nous proposer une ballade plus douce avec « Fall Apart », comme lFather John Misty l’a fait dans « Just Dumb Enough to Try » sur « God’s Favourite Customer ».

Son style lyrique sera le plus frappant dans « Girl From Carbondale » où sa façon irrésistible d’utiliser les mots demande de l’attention dès les premiers mots chantés. Knox y rend hommage à sa mère, alors qu’il réfléchit à la vie qu’il n’a vue qu’en images – je me demandais à propos de son quartier, à quoi ressemblait sa chambre, si les choses à l’époque étaient tachées de la même couleur qu’elles le sont dans les photos que j’avais vues.

Le piano, doux et plein de sens, a les crochets émotifs qui rendent le disque si captivant. La seconde moitié du disque est particulièrement réfléchissante, et c’est son jeu de piano qui met vraiment cette ambiance sombre au premier plan.

Son dernier album Chasescene a été bien accueilli par la critique, mais Knox a adopté une approche différente dans la façon dont il a écrit cette série de nouveaux morceaux.

« Presque toutes les chansons ont été écrites quatre semaines avant la session d’enregistrement, ce qui est un processus très nouveau pour moi », dit-il, « Je crois fermement qu’il ne faut pas précipiter les choses et qu’il faut tracer un chemin qui suit une vision. Mais ici, rien n’a été précipité. Je doutais moins de moi-même et j’improvisais des solutions là où j’aurais pu trop y penser compte tenu du temps. J’ai appliqué cela à l’écriture et j’ai refusé le volume sur les doutes qui accompagnent habituellement ce processus ».

Daniel Knox est un conteur d’histoires qui brosse un tableau avec ses descriptions familières et sa voix profonde et rauque ajoute une présence autoritaire sur unWon’t You Take Me With You qui mériterait qu’on le garde précieusement chez soi.

***1/2


The Ruins of Beverast: « The Thule Grimoires »

19 janvier 2021

Un grimoire est un livre médiéval qui tente de vous apprendre à combiner des symboles magiques dans le but d’utiliser ces combinaisons comme des sorts magiques pour conjurer quelque chose, trouver quelque chose ou nuire/détruire quelque chose. Cela semble parfait pour un album de black metal où les rituels sont toujours les bienvenus comme fond thématique d’un album. 

L’île de Thulé était censée être la fin du monde (connu) à l’époque médiévale, prétendument située à six jours de la Grande-Bretagne, en plein milieu de l’Atlantique. C’est pourquoi beaucoup de gens ont relié l’île mystérieuse à l’Atlantide. Une autre toile de fond parfaite pour tout album de métal, même s’il faut être prudent car il y a eu plusieurs sociétés fascistes et de droite nommées « Thule Gesellschaft » (Société de Thulé) ou « Thule Seminar ». 

Ainsi, les Allemends de black metal que sont The Ruins of Beverast (nommée d’après un événement de la mythologie nordique après l’effondrement du Bifröst) sortent ce The Thule Grimoires – une collection de sorts pour localiser les sites de Thulé avec un contraste intéressantn voire saisissant,entre le titre, le contenu et la musique est intéressant

The Ruins of Beverast a été lancé en 2003 par un seul homme à Aix-la-Chapelle, en Allemagne de l’Ouest, et il a maintenant recueilli un grand nombre d’adeptes dans la communauté du metal grâce à ses sorties vraiment puissantes et brillantes. Ce nouveau disque est leur sixième opus et il est peut être lié au split miraculeux de l’année dernière avec Almyrkvi qui semble avoir provoqué un certain changement dans le son de TROB.

Le paysage sonore de base est toujours monolithique et de nature quelque peu grave : pourtant il ne faut pas associer le grave aux lignes de basse et de guitare typiques du NuMetal, mais plutôt à celui de tous les instruments est un timbre plutôt sombre, lugubre et profond. Ce son particulier a toujours été la spécialité d’Alexander Frohn, le cerveau du groupe, qui n’était pas censé être un groupe de scène à l’origine. Cela a changé depuis Roadburn 2013 et aujourd’hui, The Ruins of Beverast est une force vivante à vivre – leur performance au festival de Roadburn en 2018 reste l’un des plus beaux souvenirs pour les adeptes du genre.

The Thule Grimoires est une collection de chansons qui mettent chacune l’accent sur un personnage ou un groupe différent et leur combat contre la nature et ses pouvoirs. Il semble y avoir une guerre dans ces chansons et la nature se bat contre l’humanité – le parallèle avec notre époque et les événements d’une petite chose biologique comme un virus qui tue des centaines de milliers de personnes n’a pas besoin d’explication. L’humanité a essayé de soumettre et d’abuser de la nature – aujourd’hui nous le faisons avec la technologie, dans le passé on utilisait tout ce qu’on pouvait, même la magie, si nécessaire (et si on croyait en une telle chose). Ici, l’humanité essaie de trouver cette île soi-disant merveilleuse de Thulé, la fin de la terre. Pourquoi ? Eh bien, peut-être pour se rapprocher de Dieu.

Comment, sonc, trouver l’île ? En utilisant des sorts magiques, et cet album est vraiment envoûtant pour son public. On peut difficilement échapper à son attrait, ce qui est dû à la nature mélancolique des chansons. Le son en lui-même est un peu différent de beaucoup d’autres sorties de TROB : dans le passé, le projet était connu pour une sorte de version Shaman du black metal atmosphérique mais sur The Thule Grimoires le son est différent. Une étape logique après le split d’inspiration industrielle avec Almyrkvi, TROB présente maintenant un disque dont le paysage musical est en contradiction avec les thèmes lyriques. Ce ne sont pas les rituels dont le groupe a été témoin auparavant, avec de nombreux sons naturels et beaucoup de détails qui ressemblaient à la danse du chaman autour d’un feu qui ensorcelait les témoins pour qu’ils obéissent à ses ordres et pour que la nature réalise le souhait de la communauté. Ici, le son ressemble beaucoup plus à une version Neubauten de TROB : une approche très industrielle et un son avec beaucoup de passages où les tambours présentent des sons qui semblent tout droit sortis de l’atelier d’un forgeron. Ou encore, où les effets d’écho sont utilisés efficacement afin de ressembler au son des vagues qui s’écrasent contre un sous-marin, tel qu’on l’entend de l’intérieur. C’est généralement une sensation qui m’a souvent traversé l’esprit en écoutant ce brillant disque – j’avais l’impression d’être noyé et entouré d’eau, en cherchant un moyen de le découvrir. 

Cela nous ramène à la boucle : on a l’impression d’être en voyage à Thulé dans un bateau spécial, sous la surface de l’eau, avec beaucoup de technologie autour des gens qui nous entourent. Chaque personne est autorisée à se présenter et à parler de sa propre lutte contre la nature, cela ressemble à des œuvres médiévales comme les Contes de Canterbury ou le Décaméron dans sa conception. Cette notion est également liée à l’œuvre d’art qui montre les ruines de certains temples, mais pas de manière naturelle et avec un aspect plutôt verdâtre – la couleur vient peut-être de l’eau qui entoure les ruines ou du périscope que l’on doit utiliser pour les voir.

Évidemment, cette revue pourrait se poursuivre indéfiniment, en faisant l’éloge de chaque morceau et extrait de ce disque, en parlant de la valeur de chansons spéciales comme « Anchoress in Furs » ou « Deserts to Bind and Defeat » (toutes deux en lice pour le titre de chanson de l’année) – mais pour résumer tout cela The Thule Grimoiressont les premiers candidats pour les choses que beaucoup d’entre nous ont faites le mois dernier – nos listes des meilleures chansons de l’année. Pour l’instant, il devrait en être le fer de lance. 

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Lambs & Wolves: « Not A Party At All »

19 janvier 2021

Il y a deux décennies que la musique « alternative » s’est soudainement mise à rechercher le calme et la délicatesse acoustique. C’est au tournant du millénaire que, dans le sillage du succès – également aux yeux du public – de groupes tels que Kings Of Convenience, la définition du « nouveau mouvement acoustique » a été inventée. Les labels mis à part, ces productions simplement « plus calmes » n’ont jamais vraiment disparu, mais elles ont juste connu des fortunes différentes, revenant de temps en temps et trouvant leur propre niche de fans, d’autant plus avec la fragmentation progressive de la scène musicale.

Juste au moment de l’émergence soudaine de registres acoustiques placides nous fait repenser au nouvel album du trio allemand Lambs & Wolves, actif depuis une dizaine d’années maintenant, pendant lesquelles ils n’ont sorti qu’un seul album et une poignée de EP. Not A Party At All interrompt un silence qui a duré plus de cinq ans et a été enregistré au cours de l’été dernier, lorsque les trois musiciens de Fribourg se sont retrouvés en studio pour donner forme à dix nouvelles chansons qui, d’une manière probablement pas accidentelle, combinent l’authenticité expressive et l’immédiateté avec des arrangements soignés de la saveur douce-amère du « folk de chambre ».

Les dix chansons de Not A Party At All vivent d’un doux entrelacement de guitares, piano, harmonica et rythmes doux et d’interprétations délicates Julian Tröndle, qui donnent forme non seulement à des ballades acoustiques introspectives mais aussi à des passages plus solaires, qui révèlent un caractère pop cristallin (notamment « Every Animal »). On appréciera surtout le sens de l’harmonie du trio allemand, qui se manifeste à la fois dans le lyrisme naturel de l’écriture partagée de ses chansons et surtout dans le choix des solutions instrumentales, qui sur la base acoustique commune greffent une variété de nuances, désormais légères, désormais vivantes, désormais orientées vers une romance tamisée. Ce sont ceux qui marquent la musique de Lambs & Wolves d’une légère dimension hamber-folk alors que c’est simplement le piano qui guide les chansons qui, comme notamment » »Prove You Wrong » et « Perfume », suscitent des connexions spontanées avec les précieuses harmonisations de Sodastream.

Même si ses références se rapportent à des expériences artistiques d’il y a quelques décennies, Not A Party At All n’est pas un album « hors du temps » ; au contraire, c’est une œuvre qui, aujourd’hui comme hier, recherche une délicatesse non seulement formelle qui, imperméable aux modes passagères, trouvera toujours le moyen d’enchanter et de surprendre, avec une simplicité authentique.

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Joshua Van Tassel: « Dance Music Volume II: More Songs For Slow Motion »

19 janvier 2021

More Songs For Slow Motion, comme beaucoup de « collègues » de Van Tassel de ce côté-ci de la grille musicale, reconnaît et embrasse le besoin actuel d’instantanéité. Il flirte entre deux côtés ; le premier est principalement la lamentation, une mélancolie vaguement définie qui hante la plupart des morceaux ici avec perte et creux. L’autre, ce sont les brefs moments de répit, l’amour et la lumière rayonnante en contrepoint, la préciosité en manque.

Comme l’explique l’introduction « Muttering Spells », on sent ici le besoin de magie, l’absence de quelque chose de spécial et le désir ardent de retrouver la lenteur et la beauté. Le rare instrument qu’est Ondea marque ici son entrée avec ses tons synthétiques chantants et peints, peignant des espaces inconfortables qui se remplissent de cordes complémentaires dans une brève visite de l’éthéré morne. Il existe cependant comme une sorte d’aberration, car son orthographe affecte quelque chose de « Conjuror-er », le deuxième titre.

Ici, le mouvement commence à se développer, l’espace commence à se former, les débuts cinématographiques donnent naissance à des hauteurs pleines d’espoir alors que de luxuriantes sources de cordes s’élèvent au milieu de la lueur vacillante de l’arpégiation électronique propulsive. Moins au ralenti et plus à pleine vitesse, il se précipite prêt à exploser de dynamisme, mais son enthousiasme est insoutenable et il passe plusieurs dernières minutes perdues dans le marasme de la rémanence, les moments de distance et d’immobilité n’étant que trop courts.

Avec les suites creuses et aux yeux vitreux de « Their Love Was Alive Before They Were Dead » et la spécieuse « Eternal Turtle », on a l’impression que la lumière est hors de portée, qu’elle ne reviendra jamais. Jusqu’à ce que « Shadows Smile For You » arrive avec ses scintillements ondins ultra-délicats et ses drones aériens. Des possibilités se font jour et de fragiles espoirs s’épanouissent, se retirant à tous sauf aux synthétiseurs les plus prudents, craignant de briser la magie du moment.

Avec les évocations au piano de « Their Hands on Their Hands », qui posent de nouvelles bases dans l’intimité, l’album culmine dans les belles hauteurs de « Nest of Light ». Les textures calmes d’Ondea définissent la palette, coexistant avec douceur avec les violons qui montent et le piano doux. Aucune voix ne s’élève au-dessus des autres, le morceau s’épanouit simplement avec éclat à son propre rythme. Son nadir ne fait que susciter la passion, ses douces étreintes se densifiant en des énergies de bourdonnement qui inondent les sens d’un amour bref mais bouleversant.

Il est beaucoup de gens qui semblent incapables d’exister sans une certaine forme de distraction, que ce soit de la musique ou un téléphone, et qui vivent leur vie avec un degré de séparation du monde. Lorsque nous commençons à nous débarrasser de ces choses, nous nous engageons dans une plus grande intimité avec les choses qui nous entourent, le paysage, la faune, les gens. Il peut être inconfortable d’affronter la perspective de passer du temps avec soi-même, de réduire sa concentration à une tâche ou à une personne à la fois, de se consacrer plus singulièrement et plus patiemment, mais on récolte ce que l’on sème. Des pensées plus mesurées, des actions plus réfléchies, des liens plus profonds : voilà la clé de Songs For Slow Motion.

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Exit To Eden: « Love And Other Nightmares »

19 janvier 2021

Exit To Eden vient de Vienne et nous livre une bonne dose de rock gothique sur leur mini-album Love And Other Nightmares. Ce qu’ils proposent est une version groovy du rock gothique, influencée par des groupes comme Killing Joke, Christian Death et Lacrimosa, pour n’en citer que quelques-uns.

La seule chose différente, est que ce mini-album est accompagné d’une entrée assez atypique, un poème qui ressemble un peu à du Eminem en train de se saouler au whisky, ou quelque chose comme ça. Le poème n’est pas très choquant non plus, il convient néanmoins d’entrer dans les clichés gothiques,.

Heureusement, le reste de l’album est très rock, avec les guitares, le chant grinçant et l’atmosphère sombre du rock gothique. »Goth ‘n Roll Head » est un morceau uptempo, avec un chant énergique qui donne souvent un coup de pouce à toute la scène post-métallique, les cris et tout le reste. Une fois de plus, l’auditeur n’aura affaire à rien de renouvelé ou d’innovant. Vous avez peut-être déjà entendu tout cela, mais ce sera tout de même une fête de rock sombre décente.

On peut sans crainte estimer que« Without That Pain » est le morceau-pharedu disque. Cet air lent et lent rappelle queque peu l’époque du goth rock Tiamat, ce qui est un compliment en termes de références. C’est aussi le titre où le chant distinct semble le mieux convenir. De plus, d’un point de vue musical, « Without That Pain » est un morceau très convaincant. La vraie qualité d’Exit To Eden brille de tous ses feux. « One Bad Day », le groupe se plonge enfin dans les influences de Sisters Of Mercy et LOove Like Blood, ce qui est également un compliment.

Que retenir alors de Love And Other Nightmares ? En mettant ensemble cette version du rock gothique avec des paroles sur l’amour qui a mal tourné, les comparaisons avec des groupes comme lui sont plausibles. Pourtant, contrairement à la musique surproduite de Him, Exit To Eden propose un son brut, sinistre et granuleux. Mon conseil, regardez ça. Il se peut que ce soit quelque chose qui vous plaise ou que vous n’aimiez pas du tout. Le fait est que l’on n’entend pas beaucoup de death rock/gothic rock ou quel que soit le nom qu’on lui donne aujourd’hui fait de ce disqueun opus très réjouissant.

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Silas J. Dirge: « The Poor Devil »

18 janvier 2021

En ce sombre milieu de l’hiver, à une époque où la mort et le désespoir sont omniprésents, la folie semble être partout et l’ambiance des fêtes de fin d’année s’est presque dissipée. Peut-être est-ce le meilleur moment, mis à part la veille de la Toussaint, pour se plonger dans le côté sombre et instable de la musique country.

Silas J. Dirge est le pseudonyme d’un chanteur et compositeur néerlandais nommé Jan Kooiker, dont la passion singulière en musique est de raviver l’esprit gothique de la country et du folk qui a été capturé pour la première fois dans les passages des chansons de la Carter Family et d’autres, et qui a ensuite influencé certains des plus formidables contributeurs de la country, de Hank Williams à Johnny Cash.

Des « murder ballads »s aux chansons de folie et de misère, la country gothique a aussi sa part de propriétaires dans l’ère moderne, notamment les seigneurs du sous-genre comme Those Poor Bastards, Lonesome Wyatt and the Holy Spooks, et les Sons of Perdition, pour n’en citer que quelques-uns. Mais malgré la créativité débordante de ces projets, pour de nombreux spectateurs, cette musique peut être beaucoup trop feyante et sombre à leur goût, à part pour une bande sonore d’Halloween.

Silas J. Dirge et son nouvel album, The Poor Devil,revitalisent avec plus de précision et de respect les traditions gothiques de la musique country, où l’on peut entendre les fantômes des compositions précédentes remonter dans les passages et influencer l’approche, uniquement rendus dans des chansons nouvelles et originales. Ce sont des chansons qui transmettent le sentiment obscur et obsédant que seul le meilleur de la musique country gothique peut transmettre, et d’une manière qui ne se contente pas d’honorer et de préserver ces traditions, mais qui y contribue et aide à les faire progresser.

Sans rien perdre de la traduction, y compris l’ingrédient essentiel de la nuance, Silas J. Dirge propose une poésie imprégnée de racines, réglée sur des arrangements clairsemés, qui transmet habilement la beauté cachée derrière la musique roots sombre et pourquoi elle mérite encore une place dans le régime de la musique moderne, qu’il s’agisse d’une ballade meurtrière mélangée à une histoire de fantômes dans « Flowers on Her Grave » ou du message intemporel de la tentation dans « Devil’s in Town ».

Savoureux, mesuré et intelligent est une bonne façon de décrire comment Silas choisit d’habiller ces compositions, en faisant appel à un groupe de collaborateurs triés sur le volet, et en produisant des sons inhabituels sur des instruments familiers pour ajouter à l’ambiance troublée, sans toutefois demander à l’auditeur de s’aventurer trop loin dans un terrier de lapin.

En fin de compte, ces chansons sont issues d’une guitare acoustique, d’une voix et d’une histoire, tout comme les chansons country primitives d’autrefois. La voix féminine de Nicole Schouten sur l’instrumental « A Land More Kind Than Home », inspiré du Spaghetti Western, et d’autres morceaux contribuent à leur donner vie, tout comme le fait que Silas J. Dirge soit prêt à travailler à l’occasion sur des accords plus brillants au lieu de se fier uniquement à la tonalité mineure comme c’est le cas pour la musique gothique.

Bien que ce ne soit certainement pas le cas pour tout le monde, Silas J. Dirge parvient à un équilibre en défendant de manière authentique une forme de musique plutôt oubliée, tout en transmettant son attrait en mettant l’accent sur sa signature et ses attributs plus accessibles. Il est facile de rejeter cette musique comme étant trop archaïque. Mais ce sont des influences de la musique country souvent oubliées qui sont sans doute en augmentation. Après tout, Taylor Swift a sorti une « murder ballad » sur les ondes de la radio country grand public, pour rejoindre celle déjà existante d’Ashley McBryde dans « Martha Divine ». Peut-être que quelque chose se passe ici dont nous ne parlons pas assez.

Pour savoir où vous allez, vous devez savoir où vous êtes allé. Silas J. Dirge propose une feuille de route qui nous ramène aux influences plus sombres du country et du folk, qui sont de plus en plus utiles aux créateurs, car « les liens qui unissent » (ties that baind) continuent de s’effilocher aux extrémités et menacent de se défaire, et les créateurs cherchent à donner une voix aux humeurs sombres et aux pensées troublées que nous portons tous.

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Pearl Charles: « Magic Mirror »

17 janvier 2021

L’action de se regarder dans un miroir, outre l’évidente manifestation physique littérale de l’ « autre », offre également, en coulisses, des métaphores qui se ne peuvent que se déployer.

Les protagonistes des films se sont longtemps tenus lassés, remettant en question les choix faits ou les voyages effectués, devant un morceau de verre réfléchissant décrépit. Mais ce n’est pas tout à fait le plan qui se manifeste sur Magic Mirror, la nouvelle sortie de Pearl Charles.

En vous invitant à jeter un coup d’œil dans son propre miroir magique, Charles vous offre la possibilité d’adopter ses récits de traversée des nids de poule et des rampes de vitesse émotionnelles que la croissance et l’amour peuvent offrir.

Pour ses débuts l’ouverture qu’est « Sleepless Dreamer » apporte un son de pedal steel imprégné de folklore, comme pour vous donner l’impression qu’un ami familier frappe à votre porte. Avec Magic Mirror, cet ami est de retour, avec des histoires à raconter tout en se montrant prêt à vous éblouir , et ce, par la grâce d’une seule étincelle.

Il est impossible de ne pas relier les références à Abba sur le coup d’envoi de « Only For Tonight » ; alors que la mélodie se déploie sur tous les fronts, elle s’insinue dans nos oreilles pour un effet à long terme – Charles nous salue en se remémorant une histoire d’un soir, se plaignant qu’elle « n’aurait pas dû jouer ça comme un homme » (shouldn’t have played this like a man). Au moment où vous entrez dans votre maison, un sentiment s’empare de vous comme une pluie de confettis,vous incitant à poursuivre la fête.

Il y a notamment des échos de l’étincelle californienne ensoleillée de Fleetwood Mac, Tom Petty et autres – qui font signe à Charles d’aller vers le haut et de montrer qui elle est, en tant qu’artiste, maintenant. Sans aucun doute, les prises de conscience romantiques qui s’en dégagent, en particulier celle du « quand je verrai ton visage, ce sera la dernière fois que je le ferai / il est plus facile de vivre ce mensonge que de dire la vérité » (when I see your face it’ll be the last time I do / it’s easier to live this lie than to tell the truth ) sur « What I Need » a également contribué à ce nouveau lustre – après tout, quand la vérité est si poignante, laissez-la briller pour la rendre plus digeste.

Même sur un premier EP éponyme, qui a plongé ses mains dans le monde du blues, il y avait une volonté de réfléchir, et il semble que les étapes franchies entre hier et aujourd’hui – vivre la vie, et trouver sa place dans ce monde – ont conduit à une évolution vers un son radio-rock revival des années 70, avec plus de pedal steel et de clavicorde en masse, et suroutcette délectable livraison d’harmonies qui s’empilent là où elles le doivent.

L’absence de référence à l’une des questions liées à notre nouvelle réalité crée l’idée d’un monde de rêve, où la vie peut à nouveau être menée sans le tic-tac d’une horloge de l’apocalypse – en particulier après une semaine de discours politique éclatant ; ce monde de Charles, teinté de glamour, vous tend la main et vous dit de « vivre un peu dans le passé ».

Alors que le lustre étincelant deMagic Mirror dépeint l’acceptation de la vie – le journal de Pearl Charles, qui s’ouvre pour interroger les amours de longue date – l’inclusion signifie que les yeux qui fixent le dos du miroir qui, magique ou pas, volent entre le vôtre et le sien, le tout aidé par une nature fraîche et brillante, la sienne.

***1/2


Exsul: « Exsul »

16 janvier 2021

La chose est peut être difficile à réaliser, à savoir associer l’éthique du death metal, qui cultive le morne et abjection, à l’impulsion esthétique du genre, qui consiste à créer des atmosphères àu cohabitentcorrosion et maturité opulente. La plupart des groupes mettent l’accent sur ce dernier élément, avec des excès sonores spectaculaires et des acrobaties verbales qui limitent beaucoup de chansons de death metal (« Spoils Vultured upon Sole Deletion» et « Baptized in Boiling Phlegm » sont deux des exemples récents préférés des critique, tirés respectivement de Haunter et de Of Feather and Bone). Mais la gafferie potentielle de ces singeries linguistiques peut susciter plus d’amusement que d’horreur. Exsul a écouté attentivement et a écrit avec soin un EP éponyme, le premier disque d’un groupe,composé de deux jeunes musiciens basés en Arizona. C’est un disque impressionnant, qui reflète le profond intérêt du death metal pour la répulsion et qui contient des chansons qui suscitent beaucoup de dégoût et peu, voire pas du tout, de rires. Les deux musiciens d’Exsul ont le don d’insuffler à leurs morceaux une peur dramatique. Le morceau éponyme d’ouverture commence par deux minutes de riffs grondants et désordonnés.

C’est relativement simpliste, mais la force des riffs est convaincante. Ils créent une ambiance. Au cours des minutes suivantes, le groupe alterne des épisodes de tourbillonnement et de bruit sourd avec des reprises de l’album doomy, sur lesquelles se superposent des rafales de guitare et des grognements lointains. Et ça marche !Le deuxième morceau, « Yersinia Pestis », commence sur une fausse piste (vous pouvez prendre ce jeu de mots implicite pour ce qu’il vaut) et maintient ce rythme haletant pendant plus de deux minutes. Le reste de la compostion se construit délibérément, à partir d’une guitare solitaire, à l’air de mauvais augure, jusqu’à des intensités de médium qui s’enchaînent. Le groupe prolonge habilement les riffs midtempo jusqu’à la fin de la chanson, refusant de jouer la convention de composition en livrant un crescendo à grande vitesse. Le résultat est une série d’impacts de dents et le sentiment d’une punition soutenue, plutôt qu’une catharsis à bon marché. 

Le nom du groupe et les titres des chansons d’Exsul témoignent d’un intérêt pour la littérature latine et la culture de l’Ancien Monde. La chute de l’Eden (exsul est le terme latin pour paria, ou exil), la peste de Justinien et l’Enfer de Dante sont évoqués ou mentionnés dans les chansons. Ce ne sont pas des points de référence tout à fait originaux dans le death metal, mais ils tendent vers la fin capiteuse de son continuum symbolique. Les sourcils hauts sont compensés par l’adoption par les membres du groupe de noms de scène censés susciter l’effroie et un énergumène qui joue des cordes se fait appeler Charon, le batteur se fait appeler Phlegyas. Mais ces gestes comportent aussi des références au monde classique. Charon et Phlegyas sont tous deux des figures liminaires, Charon le passeur qui guide les âmes à travers le Styx, Phlegyas un autre psychopompe, un peu moins important, du mythe ancien. Même quand Exsul fait quelque chose de stupide, ils laissent entendre qu’ils sont sérieux. Leur musique frappe certainement certaines postures sinistres et gravides, et le résultat est un premier disque solide de death metal macabre, redoutable et funeste.

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