Joyful Joyful: « Joyful Joyful »

8 mai 2022

L’idée que l’on puisse interpréter comme de la musique tout son audible dans l’environnement qui nous entoure n’est pas un concept étranger pour nous. Pourtant, lorsque’on a entendu Cormac Culkeen, le chanteur de Joyful Joyful, se souvenir d’avoir chanté au son de son micro-ondes au début de sa vie on a hésité. Ce qu’on a compris instinctivement à ce moment-là, après s‘être plongé dans l’exultant premier album éponyme de Joyful Joyful, c’est que Culkeen fait partie de ces rares artistes qui doivent faire de la musique par nature. Ce n’est pas un hobby ou un intérêt pour eux ; c’est aussi fondamental à leur survie que de respirer, manger et boire. Culkeen a une âme sœur dans son collaborateur de Joyful Joyful, Dave Grenon. Les deux s’attirent comme des aimants, comme s’ils se complétaient l’un l’autre.

Il n’y a que cinq chansons sur Joyful Joyful, mais chaque composition renferme une myriade d’expériences musicales et d’expressions artistiques. Le duo qualifie ses chansons et ses sons de « drone hymns », mais cette description réductrice (mais raisonnablement précise) ne rend pas justice à leur musique. Il n’est pas non plus nécessaire de qualifier ce disque de « musique », car l’art de Joyful Joyful est bien plus large que ce seul moyen d’expression.

« Allons donc, renonçons à notre art, c’est blasphématoire » (So come now, let us renounce our art, it’s blasphemous), témoigne Culkeen dans « Oh Jubilation », « Car qu’est-ce que l’art comparé à votre peau et à des nuits comme celle-ci ? » (For what is art compared to your skin and nights like this ?). Jon a beau les entendre proclamer ces lignes, les poils sur la nuque e se hérissent. Culkeen dit que la chanson parle « de la vie qui insiste sur elle-même » (about life insisting upon itself), ce qui confirme notre théorie selon laquelle Culkeen et Grenon sont plus des conduits pour leur expression musicale que des compositeurs. Les champs sonores de Grenon – des terrains de jeux sonores luxuriants remplis d’enregistrements sur le terrain, d’échantillons vocaux affectés et de drones ambiants – servent d’espaces sûrs où Culkeen peut exprimer son homosexualité et sa fascination pour l’iconographie et les mythes religieux. 

« Cecilia » invoque la patronne de la musique pour intercéder en faveur de l’humanité : « Si l’homme se tournait vers l’homme et comprenait / Tendait sa main et disait ‘Je vous comprends’. / Nous chanterions des chants de salut / Nous oublierions nos torts » (If man would turn to man and understand / Extend his hand and say ‘I feel ya.’ / We’d sing salvation songs / forget our wrongs . C’est beau et déchirant ; on n’entendra rien de tel que rarementu voire jamais. On n’écoute pas une chanson comme la plus proche « Sebaldus » autant qu’on la vit. Connue depuis longtemps par les fidèles de Joyful Joyful comme le final du spectacle live du duo, elle vous fera retenir votre souffle tout au long de ses douze minutes, de peur que le simple fait de respirer ne vous détourne de sa merveille. Le fait que « Sebaldus » soit la première chanson que Culkeen et Grenon aient écrite ensemble témoigne de la pureté de leur art et du puits profond de leur collaboration et de leur amitié. Si c’est là que Joyful Joyful a commencé, imaginez où ils doivent encore aller ?

Leur nom est peut-être une répétition, mais leur art est singulier. Que Joyful Joyful nous engloutisse longtemps dans leur chanson.

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Archive: « Call To Arms & Angels »

8 mai 2022

Tout vient à point pour qui sait attendre. Pour les fans d’Archive, Call To Arms & Angels met fin à la plus longue période de sécheresse du groupe avec un magnum opus brillant de près de deux heures. En raison, au moins en partie, de la pandémie de 2020 et du surplus de temps libre qui en résulte, nous voyons toujours plus d’artistes qu’à l’accoutumée sortir ce genre d’albums gigantesques, mais il a rarement été aussi facile de naviguer sur un double LP de dix-sept titres et 103 minutes qu’ici. Call To Arms & Angels glisse et caresse, s’écoulant avec une grâce sans effort où les instruments résonnent avec une clarté immaculée, les mélodies s’épanouissent et les morceaux s’entremêlent comme des veines servant toutes le même organe vital. Plongé dans une brume éthérée, le douzième album studio d’Archive vous emmène dans un voyage dramatique, époustouflant et imprévisible qui ne ressemble à rien de ce que vous entendrez en 2022.

Call To Arms & Angels est en quelque sorte une renaissance pour Archive. Depuis une demi-décennie, le groupe a été témoin et a dû faire face à des bouleversements à l’échelle mondiale. Le frontman Darius Keeler a comparé l’atmosphère de l’album au flux et reflux de la lumière et de l’obscurité, forces réelles de la société : « L’écriture de notre douzième album studio a été une période extraordinaire pour le groupe. L’écriture des chansons est devenue un récit qui se déroule alors que le monde devient chaque jour plus étrange et plus inquiétant. Avec les libertés des gens poussées à bout, la souffrance causée par Covid et les terribles événements aux États-Unis menés par Trump et la montée de la droite, tout semblait possible. Réfléchir à cette époque en tant qu’artistes a fait surgir une noirceur et une colère, mais aussi une étrange sorte d’inspiration qui était parfois troublante. Cela nous a vraiment fait apprécier le pouvoir de la musique et la chance que nous avons de pouvoir exprimer nos sentiments de cette manière. Il semble qu’il y ait de la lumière au bout du tunnel, mais il y a toujours des ombres dans cette lumière ».

On peut ressentir cette dynamique à travers Call To Arms & Angels, qui regorge d’éléments contrastés mais parfaitement mélangés. Il y a une ambiance délicate, chargée de piano, qui recouvre l’album comme un brouillard, tandis que des éclats de voix harmonisées en forme de crescendo agissent comme des rayons de lumière coupant les couches froides et mystérieuses de l’atmosphère. On l’entend immédiatement dans la transition entre le spacieux et céleste « Surrounded By Ghosts » et le rock plus concret et rebelle de « Mr Daisy », avec ses guitares électriques amplifiées et son message de défi : « Va te faire foutre si tu crois que je suis dans ton ombre / joue ton rôle de leader, de trompeur / tu sais bien que je vois clair dans ton jeu (Get fucked if you think I’m in your shadow / play your part as the leader, the deceiver / thick fuck, well you know I see right through ya). Le jeu d’Archive avec les concepts de clarté et d’obscurité n’est pas seulement un moyen de créer une atmosphère, c’est aussi une application des thèmes principaux du disque. On pourrait dire que « Mr Daisy » représente une figure autoritaire ignorante, dont l’obtusité/densité émotionnelle (par opposition à la transparence/l’ouverture d’esprit) projette une ombre et crée ainsi une poche d’obscurité là où il y aurait autrement de la lumière.

Lorsqu’Archive n’explore pas ces textures littérales et métaphoriques, il s’attaque à l’alt-rock électronique de manière progressive, dépliant ses limites rigides pour créer quelque chose de plus élaboré et de plus étendu. Si l’ensemble de Call To Arms & Angels respire comme un tout, l’ambition d’Archive est plus évidente dans les cinq mini-épopées qui durent toutes plus de huit minutes. « Daytime Coma « , d’une durée de quatorze minutes et demie, est un monde immersif en soi, qui commence par d’élégants pianos qui s’enchevêtrent lentement avec des synthés propulsifs avant de tomber d’une véritable falaise ; à partir de là, le morceau se reconstruit lentement jusqu’à sa fin chaotiquement dissonante. Sur les neuf minutes et demie de  » Freedom « , nous avons droit à un hymne à la liberté personnelle (ou à un regard ironique sur les privilèges et l’avidité aux dépens des autres) qui fait irruption dans la salle avec des niveaux de grandiosité dignes de Queen et des paroles exaspérantes et pompeuses ( » My word is right / It’s good, c’est génial, c’est blanc / C’est droit / Je vis comme ça parce que je peux ») avant que le tout ne se brise – peut-être de manière appropriée – comme un ego en verre après seulement trois minutes suivant les lignes poignantes « La liberté remplit les tombes / La liberté pour l’amour de Dieu / La liberté a le goût de la saleté » (Freedom fills the graves / Freedom for God’s sake / Freedom tastes like dirt). Les six minutes restantes serpentent à travers des pianos sans but et des ronflements sourds qui semblent amplifier la distinction entre les deux ambiances de la chanson – l’une de confiance imparable et l’autre reflétant ce à quoi cela ressemble lorsque vous réalisez que vous n’êtes pas aussi invincible que vous le pensiez.

Ce qui est si impressionnant dans ces chansons – toutes, et pas seulement les plus longues – c’est la manière audacieuse et presque intrépide avec laquelle elles progressent. Archive n’a pas peur de faire s’effondrer sur eux-mêmes des tubes grand public extrêmement contagieux comme « Freedom ». Ils n’ont pas non plus peur de faire miroiter la carotte devant leur public qui attend un crescendo, pour que tout s’éteigne sur le magnifique filet d’un piano classique. Dans le même ordre d’idées, il y a des moments où vous pensez avoir flotté dans un pâturage tranquille pour vous reposer quand Archive sort soudainement les guitares électriques et inonde cet espace de bruit. Les transitions peuvent être brutales mais ne le sont généralement pas, car Call To Arms & Angels ressemble moins à un puzzle constitué de pièces séparées qu’à un tableau dont les différentes couleurs se mélangent pour former une belle image. Tout semble lié, le produit d’une vision audacieuse, créative et éclectique qui a été exécutée à la perfection.

Certaines des chansons qui contribuent le plus à donner vie à cette vision sont aussi les plus courtes. Malgré l’énorme durée de l’album et la présence de morceaux absolument imposants, c’est le doux et feutré « Shouting Within » qui résonne le plus une fois que Call To Arms & Angels a suivi son cours. Alors que Darius Keeler et Holly Martin se partagent les tâches vocales tout au long de l’album, c’est la performance de Martin qui finit par être le point central de toute l’expérience, tant sur le plan esthétique que thématique. Elle s’auto-harmonise de manière absolument époustouflante, avec un son pur et angélique sur les notes de piano prudentes mais énergiques qui semblent porter ses mots. L’écriture est brillante jusqu’aux paroles, qui capturent l’essence de l’inspiration de Call To Arms & Angels : « Les temps changent maintenant / L’existence est différente maintenant… Les gens semblent désespérés d’une certaine façon » (Times are a changing now / Existence is different now…People seem desperate somehow). Keeler a aussi ses moments de gloire, notamment le chant braggadocios et épique de  » Freedom « , mais il livre aussi un joyau dans le refrain magnifiquement gonflé de  » Every Single Day « , où la beauté inhérente de la chanson est démentie par le désespoir ressenti dans les paroles : « éteignez le sentiment, éteignez le sens / il n’y a rien » (extinguish feeling, extinguish meaning / there is nothing). Cet album déborde de ces diamants dans la pierre ; des moments qui donnent corps et forme à l’ambiance et permettent à l’expérience d’atteindre un équilibre idéal entre aura hypnotique et mélodie contagieuse.

Pris dans son ensemble, Call To Arms & Angels peut être un peu écrasant. C’est un commentaire sur les événements historiques de notre époque. C’est un voyage hypnotique à travers l’ambiance, la musique électronique et les synthés. C’est aussi un album de rock avec des refrains plus grands que nature… oh, et aussi un délicat morceau de folk au piano. La désorientation ressentie par les auditeurs peut ou non être une autre composante thématique intentionnelle du disque, mais elle fonctionne certainement dans les limites de ce qui a inspiré Call To Arms & Angels : la série d’événements mondiaux aliénants et presque incroyables de ces six dernières années qui ont fait que beaucoup d’entre nous se sentent de plus en plus détachés de la réalité. Il y a un vague sentiment d’errance, semblable à l’aspiration à des réponses dans l’ambiguïté des vérités modernes. C’est ce sentiment précis qui semble être dans la ligne de mire d’Archive ici : une observation de toutes les choses intangibles, tout en perdant le sens de ce qui est réel. Call To Arms & Angels nous guide dans le brouillard, n’offrant aucune voie de sortie claire – seulement la promesse qui vient avec un rayon de lumière occasionnel.

****1/2


MJ Lenderman: « Boat Songs »

7 mai 2022

Il y a peu de vérités éternelles dans ce monde, mais boire une bière avec ses amis est toujours un bon moment. MJ Lenderman, d’Asheville, l’a bien compris. Son troisième LP Boat Songs ne s’embarrasse pas d’intellectualisme et ne s’excuse pas de son amour pour les éphémères du Sud. Ces 10 titres d’indie rock countrifié sont prêts à servir de bande sonore à de nombreuses séances de bières.

Lenderman joue également de la guitare dans la troupe shoegaze allumée qu’est Wednesday, et si les références lyriques de Boat Songs ne sont pas littéraires comme celles de sa compagne Karly Hartzman, elles sont employées avec une économie similaire. Sa sainte trinité, c’est le basket-ball, la lutte professionnelle et Jackass, qui sont des moyens de divertissement beaucoup plus  » bas de gamme  » que les allusions à la fiction et à la poésie de Wednesday. Cela crée, bien sûr, une dynamique intéressante au sein de la bande : Lenderman est l’homme de tous les jours qui chante des chansonnettes sur le sport, l’humour des toilettes et les dommages corporels, alors que Hartzman a une approche plus ardue et rêveuse. Et pourtant, avec la bonne lentille, ces choses sont tout aussi solides. Le drame, l’intrigue et le désespoir d’un match de playoffs de la NBA pourraient facilement rivaliser avec ceux de In Watermelon Sugar de Brautigan. De plus, regarder cette merde est amusant, et il y a de la valeur là-dedans, aussi.

La réplique « Jackass is funny / Like the Earth is round » (Jackass – crétin, abruti – est drôle / Comme la Terre est ronde ») dans « You Are Every Girl to Me » est profonde dans son absolutisme, comme si elle demandait « Why question what makes you feel good when the simplest answer is best ? » avec une concision envieuse. Ailleurs, Lenderman utilise les deux minutes et 16 secondes de la première partie de « Hangover Game » pour démentir une rumeur légendaire de la NBA. Ne vous méprenez pas, The Last Dance était amusant et tout, mais il n’y a aucune conspiration sur la raison pour laquelle Michael Jordan avait de la fièvre cette nuit fatidique de juin 97. D’ailleurs, pourquoi ne pensons-nous jamais aux conséquences de tous ces stéroïdes et de toutes ces chutes sur les catcheurs ? « TLC Cage Match » nous rappelle qu’ils ne sont pas des dieux, mais des gens ordinaires comme vous et moi, avec des familles et des rêves, et un seuil de douleur légèrement plus élevé. Et oui, si mon père rencontrait Dan Marino, il serait aussi assez ennuyeux à ce sujet.

Lenderman a d’autres choses en tête que ce qui est passé à la télé pendant les sessions d’enregistrement. « Toon Town » est censé être un vestige d’un album de métal mis au rebut, mais c’est le « SUV » délaissé qui renferme les riffs les plus dégoûtants du disque. Ce qu’a fait cet ex n’est pas clair, mais leur véhicule utilitaire sport titré lui fait sortir un solo de la taille de Mascis avant qu’un breakdown ne se transforme en un sermon de malchance, « Under Control ». Le meilleur de tous est sans doute le récit de tournée « You Have Bought Yourself a Boat ». Décrivant les piqûres d’insectes et les vêtements fraîchement nettoyés qui sèchent à l’arrière du van, son rythme roots est contagieux alors que Lenderman et sa compagnie affrontent les éléments sur la route. 

Il y a quelque chose de rafraîchissant dans le franc-parler avec lequel Lenderman chante et interprète ces chansons. Son groupe d’accompagnement, The Wind, les joue sans ironie, avec juste de la pedal steel, de l’orgue de barbarie et un peu de swing du Sud pour soutenir les guitares distordues chauffées à blanc. Tout cela pour dire que Boat Songs est de la country dans son approche, mais de l’indie rock par le biais du marketing. La fidélité moyenne (à l’exception de l’abrasif « Dan Marino », qui rappelle les racines d’enregistrement à domicile du projet) signifie que les radios modernes ne s’approcheront pas de ces chansons, mais leur passion pour la musique country est évidente. Lenderman a cité des noms tels que Bob Dylan, The Band, Warren Zevon et Johnny Paycheck dans des interviews antérieures, et sa récente reprise de Drive-By Truckers était si élogieuse que le groupe a glissé mercredi dans un récent concert lorsqu’il jouait dans des salles voisines.

Boat Songs est un triomphe dans tous les sens du terme, mais c’est une véritable victoire pour une certaine catégorie de fans de rock indépendant. S’aligner sur le sport, la mousse et Sparklehorse n’est plus une marque d’abruti ; cela signifie simplement que vous êtes branché sur ce qui est réel.

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Christopher Duncan: « Alluvium »

6 mai 2022

Le premier album de Christopher Duncan, Architect, était une sorte d’aberration. Auto-écrit, auto-joué et auto-enregistré, il positionnait le timide Glaswegien dans le moule du chef d’orchestre, un rôle dans lequel il reprenait habilement le travail d’icônes telles que Nick Drake, John Grant, Fleet Foxes et même Burt Bacharach.

Ces affectueux pardons lui ont valu une nomination au Mercury Prize et de nombreux mots gentils, mais bien que l’Écossais attire la bienveillance à son égard, ses suites ultérieures The Midnight Sun (2017) et Health (2019) ont toutes deux eu l’impression, par moments, de chercher à encapsuler un pop-modernisme qui n’était pas naturel.

Alluvium le retrouve installé dans la placide ville de Helensburgh, sur la côte ouest, et dans le but de retrouver la chaleur décomplexée de ses débuts. Ainsi, la plupart de ses chansons parlent de changements, qu’ils soient abstraits ou personnels ; la trop brève conclusion « Upon The Table » voit l’amour comme un renouvellement et une perpétuité, la guitare bercée et les harmonies douloureuses un moment qui pourrait être un chant de Noël aux tons sépia.

En effet, lorsqu’il s’agit de questions de cœur, Duncan s’est, semble-t-il, longtemps considéré comme un conteur fasciné. Le tourbillon « Torso » fait en partie référence au « Colibri » du poète français Leconte de Lisle, qui conceptualise un désir si insatiable que, dans le chant, l’amant concerné sacrifierait tout sans jamais être comblé.

Sur le morceau plus droit « Bell Toll », avec ses remplissages de piano et le retour bienvenu du sifflet, il explore l’idée que l’incertitude devient une constante, qu’un état de flux émotionnel est le nouveau statu quo. Une autre partie de la réinitialisation est un retour sans honte à un intemporel axé sur la douceur : l’ouverture « Air » commence par les mots, « Nous sommes à la fin » (We’re at the end), un dessin conscient de la ligne derrière laquelle est simplement un passé qui ne peut être changé.

Le style Laurel Canyon de « Earth » est aussi peu exigeant, tandis que son successeur « The Wedding Song », tout aussi doux, fait même appel aux parents du chanteur pour jouer des cordes.

Musicien de formation classique comme eux, une caractéristique de longue date du travail de Duncan est sa volonté d’utiliser ces structures comme un pont entre son passé et son présent. Ici, les cascades de piano de « Lullaby » font écho à une ambiance froide, mais c’est sur la chanson-titre que l’on retrouve le plus cette délicate mise à l’échelle, bien que son clavecin ondulant soit surpris par un bref solo de guitare aux accents rock.

Ce n’est guère téméraire, mais quelle que soit la phase dans laquelle se trouve sa carrière à ce jour, la production a toujours été la plus agréable à écouter lorsqu’elle est abordée comme une sorte de chasse au trésor, un sentier parsemé de découvertes modestes et inattendues. « Heaven » – inspiré d’une conversation avec sa grand-mère décédée sur sa vie – est l’archétype de la pop diaphane dans laquelle il brille, mais c’est la rêverie Carpenters-esque de « We Have A Lifetime » qui rassemble habilement tous ces mondes, une ballade tranquille servie avec beaucoup de tendresse.

Faire face à un nouveau départ après que les circonstances aient changé et que les opportunités se soient succédées est généralement un processus ardu, surtout dans un monde de la musique qui semble exiger qu’un feu de joie de ce que vous avez fait et chéri auparavant soit un sacrifice nécessaire.

Le mérite en revient donc à ceux qui considèrent la croissance comme un processus consistant à façonner leur travail à partir du meilleur d’eux-mêmes, où qu’il se trouve honnêtement ; Alluvium trouve Christopher Duncan toujours dans cette niche, ni plus ni moins qu’une aberration par rapport à ses débuts et ni plus ni moins digne de notre attention maintenant.

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Warpaint: « Radiate Like This »

6 mai 2022

Il fut un temps où il semblait qu’un nouvel album de Warpaint ne verrait pas le jour. Les quatre membres du groupe (Emily Kokal (chant/guitare), Jenny Lee Lindberg (basse/voix), Stella Mozgawa (batterie/voix) et Theresa Wayman (guitare/voix)) étaient occupés par de nombreuses choses, à savoir « des bébés, des emplois, des tournées et des albums solos » et des déménagements qui les ont vues se disperser à travers le monde. Finalement, l’attrait de leur travail les a toutes ramenées, comme un rayon tracteur, à Warpaint, où elles ont commencé à travailler sur ce qui allait devenir Radiate Like This, leur quatrième album et leur premier en six ans.

La formation de l’album a commencé dans le sens traditionnel du terme, avec le quatuor qui a jammé des idées et jeté les bases du LP avec le coproducteur Sam Pett-Davies (Thom Yorke, Frank Ocean et Skullcrusher). Cependant, une fois que Covid est arrivé, Warpaint s’est retiré dans ses maisons respectives pour terminer ses parties dans des studios improvisés. Le groupe s’est donc échangé de la musique, pour que la personne suivante s’appuie sur ce qui avait été envoyé précédemment. Couche après couche, les chansons ont commencé à prendre forme dans ce qui est devenu une expérience positive pour le groupe. En réfléchissant à la naissance de l’album, Kokal a déclaré : « C’est la première fois que nous faisons un album comme ça, mais d’une manière étrange, cela nous a fait prendre notre temps avec tout. Le processus nous a semblé plus méditatif, moins précipité ». Il n’est pas surprenant que cette notion coule dans les veines de Radiate Like This, c’est un album de nature éthérée, où les sons émergent, fusionnent et évoluent dans une longue séquence nébuleuse. Il rappelle opportunément le moment où le monde s’est arrêté pendant un bref instant ; il y a un sentiment de calme mais avec le spectre de l’incertitude qui plane.Aiflike et rêveur, le dernier et très attendu retour de Warpaint est un album qui séduit son auditeur, comme l’attrait de l’appel d’une sirène. C’est un disque qui évite la tangibilité, avec des sons vaporeux qui se manifestent et s’évaporent rapidement. Le morceau d’ouverture et single principal « Champion » donne le ton avec son bourdonnement brumeux et bas et ses rythmes coupés. Le chant de Kokal respire la fraîcheur sans effort, alors que le chanteur ronronne une déclaration de solidarité « nous sommes tous le même soleil/ nous sommes tous notre propre soleil aussi/ nous sommes tous l’océan/ nous te regardons tous » (we’re all the same sun/we’re all our own sun too/we’re all the ocean/we all look up to you), tandis qu’un riff cyclique s’amalgame avec une basse subtile, pour créer quelque chose de discrètement dansant.

Les thèmes de l’unité et de la camaraderie reviennent tout au long de l’album, ce qui est logique étant donné la façon dont l’album est né. Il est clair que « Radiate Like This » est né de l’isolement, mais il est évident que Warpaint est une unité très soudée et cette notion brille de mille feux. De même, les références au soleil et à la solidarité sont constantes. Stevie se déhanche avec une douceur R’n’B discrète où Kokal affirme « tu me rends heureuse/ tu me fais vouloir/ tu me fais vouloir danser/ avec toi »( you make me happy/you make me wanna/you make me wanna dance/with you) . Des rythmes tribaux se combinent à une teinte atmosphérique sur « Altar », une chanson qui finit par culminer avec un amour béat à 4 heures du matin et Kokal murmurant des mots d’engouement « here I am at your altar ». Pendant ce temps, la fantaisie de « Melting » brille d’une affection désinhibée « tu es la seule que je veux, tu sais, j’ai besoin de toi ». Enveloppée d’une palette plus large et plus sombre, la chanson s’achève par un groove de basse sans fin.

Pour un disque de nature rêveuse, il y a des flirts occasionnels avec l’extrémité la plus sombre du spectre sonore. « Hips » serpente et se tortille avec une position de prédateur, alors qu’une proclivités clairsemée et lunatique enveloppe la voix feutrée de Kokal. « Don’t fuck with her/she knows where you’re hiding » (Ne la cherche pas, elle sait où tu te caches) souligne la menace discrète de la chanson. L’élégante et sombre « Trouble » explique le besoin d’exorciser les démons et de se débarrasser des mauvaises pensées : « trouble/I carry with me all you have said/trouble/now I need your voice out of my head » (trouble/je porte avec moi tout ce que tu as dit/trouble/maintenant j’ai besoin que ta voix sorte de ma tête.). De luxueuses touches orchestrales donnent à la chanson une couche supplémentaire de théâtralité, afin d’accentuer son récit. L’électronique tonale et les grooves épais de la basse ajoutent un niveau de flottaison au bourdonnement constant de « Hard to Tell You ». C’est ici que nous trouvons Kokal hors d’elle, se débattant avec ses pensées et ses actions : « Je ne sais pas où commencer / mon cœur sera-t-il toujours aussi agité ? » (I just don’t know where to start/will this heart of mine always be so restless?).

Comme si nous avions besoin d’être reconfirmés… Radiate Like This souligne à quel point Warpaint est un groupe spécial – écoutez-le avec émerveillement.

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Reef: « Shoot Me Your Ace »

6 mai 2022

Au fil des ans, Reef a toujours été un groupe de rock, avec des influences indie, britpop, funk, gospel et même un peu de folk, mais au fond, il a toujours été un groupe de rock et ce nouvel album est la preuve de la pureté de cette offre. Shoot Me Your Ace  » est un album triomphant, sans prétention et glorieux qui prend des influences de toute l’histoire du rock et prouve, une fois pour toutes, que Reef a sa place spéciale dans cette chronologie.  

L’album s’ouvre sur la chanson titre et, honnêtement,  » Shoot Me Your Ace  » est un début d’album aussi vital et palpitant qu’on puisse l’espérer. Lorsque le pré-chorus commence à résonner, vous pouvez presque sentir l’essence dans l’air et lorsque ces guitares superposées commencent vraiment à s’empiler, les poils de votre nuque se dressent. When Can I See You Again  » fait référence à l’album  » Glow  » du groupe avec des lignes telles que  » when I wake up and you are naked in your make up  » (quand je me réveille et que tu es nue dans ton maquillage) sur une tranche d’Americana avec un accent de Glastonbury. Notre morceau préféré de l’album est sans doute « Refugee », où l’on retrouve le frontman Gary Stringer dans une forme vocale brillante et mélancolique, tandis que le groupe crée un tourbillon de bruit à la Rolling Stones autour de lui en chantant « I am a refugee, a reckless heart being set free ».

Sur « Best Of Me », on retrouve des éléments des Who alors que les garçons s’agitent dans une ambiance bluesy, mais avec une mélodie entraînante qui maintient l’énergie juste. De même, « Wolfman » est une chanson primitive avec une ligne de guitare hargneuse de Jesse Wood qui vous donne envie de vous pavaner dans le bar le plus proche et de faire des ravages. Le jeu de basse légendaire de Jack Bessant introduit  » Hold Back The Morning  » avant que la voix de Stringer ne s’y joigne et que le reste du groupe n’intervienne pour créer un son à la Lynyrd Skynyrd et Black Sabbath. 

« Right On  » est une composition plus douce, écrite par Bessant, qui offre un moment de répit, mais qui comporte toujours une guitare tranchante et le genre de vibration qui vous donne envie de conduire jusqu’à la côte juste pour regarder le soleil se lever. L’intro de la basse et du chant se retrouve sur « Everything Far Away », qui se transforme en une chanson qui pourrait facilement figurer sur une bande originale de film, avant d’exploser dans un flou de voix graveleuses et de tambours qui s’écrasent. Stringer, qui se pavane, est de retour sur le morceau  » I See Your Face « , imprégné de funk, qui se rapproche le plus du son original du premier album  » Replenish  » (un groupe peut-il être sa propre influence s’il reste assez longtemps dans les parages ?) L’album se termine par un épice de six minutes, ‘Strange Love’, qui ramène le son des Rolling Stones avec une jam glorieuse et libre avant l’une des plus longues outros que vous ayez jamais entendues. Reef n’est pas de retour, ils n’ont jamais disparu, ils ont juste fait leur truc jusqu’à ce que le moment soit venu et que les gens aient besoin d’un album de rock pour s’éclater. C’est cet album. 

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Bart Davenport: « Episodes »

4 mai 2022

Bart Davenport est le point de rencontre entre le rock indépendant, la pop baroque et la musique chatoyante et intemporelle. Avec une voix séduisante qui rappelle le Ray Davies de l’ère primaire dans ses moments les plus introspectifs, Davenport crée des mélodies profondément accrocheuses qui se fraient un chemin dans le crâne de l’auditeur. Alors que le dossier de presse d’Episodes parle de l’étiquette « lo fi », j’entends plutôt des arrangements finement travaillés et soigneusement construits. Bien sûr, ils sont dépouillés à leur manière, mais c’est parce que cette approche est ce que les chansons méritent. Le fait de garder les choses épurées permet de se concentrer sur le chant, les paroles et les lignes mélodiques sinueuses.

« Holograms » en est un bon exemple. La chanson a une mélodie gagnante et des paroles accessibles, racontables. Mais elle comporte également des morceaux mélodiques accrocheurs de la guitare, une partie de basse séduisante et des touches subtiles de clavier, etc. Tous ces éléments s’assemblent de manière superbe. S’il y a une pierre de touche esthétique pour cet album, ce pourrait être The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars de David Bowie. « Holograms », en particulier, a un aspect qui le relie à ce classique, mais personne ne pourrait accuser Davenport (a) de ressembler à Bowie ou (b) de lui piquer des idées.

L’introspection se poursuit sur des morceaux comme l’hypnotique « Alice Arrives », avec des notes de Nick Drake. Passez du temps avec Episodes et vous ne serez pas déçu. « Easy Listeners » combine un peu de bossa nova avec un feeling pas très éloigné du « Tin Man » américain. « Naked Man » et la valse « Billionaires » peignent des images vivantes et séduisantes. « All Dressed in Rain » est organique même si elle utilise une boîte à rythmes ; c’est l’une des plus belles chansons d’un album parfait. La passionnante « Strange Animal » offre un joli jangle à la Rickenbacker.

« Wireless Moon » rappelle le doux Merseybeat. L’instrumental céleste « 99 Forever » balance, se construisant autour d’une guitare électrique carillonnante et d’un orgue combo nostalgique ; restez pour l’interlude de guitare jazzy. « Creatures in Love » est une tranche de Britpop intemporelle. Et le disque se termine par le contemplatif « Still Life ». Avec Episodes, Bart Davenport a créé l’un des joyaux de l’année. Ne manquez pas de mentionner ce disque lorsque je vous ferez l’inévitable best-of 22 en décembre.

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Kevin Devine: « Nothings Real, So Nothing’s Wrong »

3 mai 2022

Au début de l’année, Kevin Devine a présenté son nouvel album avec un titre simple mais provocateur, Nothings Real, So Nothing’s Wrong. Cette phrase évoquait peut-être l’ambiguïté et le malaise moral, ou encore un hédonisme extatique, une déconnexion délibérée de toute responsabilité dans ce monde sens dessus dessous. Si vous connaissez Kevin Devine, un écrivain et un musicien qui est toujours honnête de la manière la plus créative et la plus attentionnée qui soit, qui aborde la vie « de front », cette phrase a dû retenir votre attention. Cet album était-il l’occasion pour Devine de se laver les mains, d’abandonner, de se retirer dans un univers distinct de notre propre existence conflictuelle, politique, religieuse et philosophique ? D’une certaine manière, oui.

Il dit dans ses notes de pochette sur Bandcamp que c’est une sorte de disque de rupture (ou de « ruptures »). « La mission : alchimiser une série d’expériences de vie déstabilisantes en quelque chose de musicalement dynamique, progressif et expansif ; être lyriquement évocateur, fouilleur et inébranlable sans imprimer de manière irresponsable vos journaux intimes ». Le résultat est aussi « expansif » que ce que Devine a obtenu. Alors qu’il a conquis de nombreux cœurs avec ses célèbres albums de singer-songwriting dépouillés (9 avant celui-ci), celui-ci le voit creuser profondément dans son catalogue et celui de beaucoup de nos idoles musicales, et peindre une image à plusieurs niveaux de son chagrin, de ses croyances, de ses traumatismes et de son extase.

Tous les grands noms sont représentés. L’ouverture de l’album, « Laurel Leaf (Anhedonia) », est tirée de son récent album de reprises de Nirvana Nevermind et s’inspire de ce supergroupe de Seattle. « Swan Dive » est une chanson qui pourrait être tout droit sortie du catalogue des Pixies. Et « Someone Else’s Dream » ressemble à s’y méprendre à une chanson d’Elliott Smith. C’est du vol comme le font les meilleurs artistes, mais avec un artiste comme Kevin Devine, ancré dans l’histoire de la musique moderne, c’est la plus haute forme de flatterie.

Et alors que toutes les chansons sonnent comme la quintessence de Devine, il semble que sa tentative sur cet album de canaliser ses propres groupes préférés a abouti à des ingrédients qui préparent ce que chacun pense être son gâteau préféré de cette année, Kevin Devine « plus ». C’est , à ce titre, l’album de l’année.

« Ne viens pas me chercher / Je dois nager pour toujours par moi-même », chante-t-il sur le très réminicent de Built To Spill, « Hell Is Just An Impression of Myself ». « Quelqu’un me poursuit / pour avoir fait une impression de moi-même. » (Don’t come after me / I have to swim forever by myself/ Someone’s after me / for doing an impression of myself). Il y a quelque chose de tellement méta dans le fait de distiller la vie dans une chanson, et une fois de plus Devine vous fait prendre conscience de sa douloureuse conscience de soi, la consolation étant que nous sommes TOUS si conscients de nous-mêmes. « J’ai essayé de tomber amoureux mais je n’ai pas pu dépasser ma douleur / J’ai essayé de tomber amoureux mais ma tête s’est mise en travers » (Tried to fall in love but I couldn’t get past my pain / Tried to fall in love but my head got in the way). Ce n’est pas seulement un album de rupture avec un partenaire, mais avec le monde qui attend de nous des réponses tranchées à des problèmes difficiles.

Les onze chansons de l’album, chacune d’entre elles étant un succès en soi, dressent le portrait d’un homme qui s’est battu avec Dieu, comme Jacob et l’ange, et qui en est sorti, en boitant, avec des chansons qui feront la bande-son des vies compliquées des gens pendant des années. Ce que Nevermind ou Perfect From Now On ont été pour une précédente génération, il y a trente ans, je pense que cet album le sera pour cette génération, si elle arrive à mettre la main dessus. Avec cet album, Devine atteint sa vitesse de croisière et crée comme il ne l’a jamais fait auparavant, malgré sa discographie impressionnante. Notre défi : commencez par la première chanson et voyez si l’émerveillement de chaque chanson unique, avec des allusions aux meilleurs compositeurs alternatifs de la musique moderne, ne vous transporte pas jusqu’à la fin.

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Jo Quail: « The Cartographer »

3 mai 2022

La violoncelliste Jo Quail est aussi à l’aise dans des ensembles classiques que dans des groupes de métal ou en solo. Elle a également sorti une série d’albums studio très convaincants au cours des douze dernières années. The Cartographer est une pièce à grande échelle en cinq mouvements pour violoncelle, violon, piano, chanteurs, percussions et huit trombones. L’album comporte également des éléments parlés qui sont pour la plupart discrets – jusqu’à ce qu’ils ne le soient plus.

L’album est en grande partie de la musique classique jouée de manière lourde, l’instrumentation inhabituelle ajoutant une sensation subtilement étrangère. Des techniques issues du minimalisme (accords de piano martelés) et du chant sont couplées à des percussions martiales pour un grand effet. Cela rappelle souvent étrangement Magma, une autre source d’amalgames rock/classique pesants.

La pièce maîtresse de l’album est « Mvement 3 », une exploration cinématographique puissante et délibérément rythmée de 15 minutes. Il commence doucement avec des couches de cuivres et de voix, tandis que des rythmes staccato se construisent et s’étirent. Les contributions de Quail sont discrètes et prennent surtout la forme de mélodies lentes. Le volume et le rythme s’accélèrent vers la 7e minute, avec des accords épais et majestueux des cordes et des cuivres.

À première vue, ces sections ressemblent à des riffs massifs de guitare électrique (pour être honnête, le violoncelle et le violon sont amplifiés et certains effets de distorsion ont pu être appliqués). Le piano et les percussions poursuivent leur marche désordonnée, faisant avancer le morceau tandis que les voix passent du calme au cri. Tout cela est retenu – contrôlé malgré l’énergie et la puissance brutes.

Cette seule piste n’est qu’un avant-goût de The Cartographer. Il y a beaucoup plus à entendre, notamment des passages qui auraient leur place sur un enregistrement de Steve Reich ou de Sunn O))). Mais l’offre de Quail parvient également à présenter des similitudes avec d’autres hybrides classiques / métal de ces dernières années – Triptykon et Nightwish, par exemple. En bref, c’est un très bel album pour quelqu’un (comme moi) qui a grandi avec le metal et qui aime l’entendre emmener dans des endroits nouveaux et étranges.

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Arcade Fire: « WE »

2 mai 2022

WE, le premier véritable LP d’Arcade Fire en presque cinq ans, semble un peu mince au premier abord. Comparées aux 64 minutes de The Suburbs ou aux 75 minutes de Reflektor – sans parler de l’édition deluxe de 102 minutes de ce dernier – les 40 minutes du nouvel album semblent particulièrement maigres. En fait, sans compter les singles ou la bande originale de HER, ces sept titres constituent la plus courte sortie du groupe canado-américain depuis son premier EP de 33 minutes en 2003.

Certains pourraient penser qu’un groupe – surtout s’il est aussi bien accueilli commercialement et par la critique – devrait avoir plus à offrir après une demi-décennie d’absence. Pourtant, WE ne montre aucun signe d’avoir été jeté pour une bouchée de pain ou bricolé comme un produit pour une tournée. Entre la production épurée de l’album et ses chansons claires et directes, on a l’impression que Win Butler, Régine Chassagne et les autres ont pris le temps de trouver exactement quoi dire et comment le dire. Cela rappelle la citation de Blaise Pascal : « J’aurais écrit une lettre plus courte, mais je n’ai pas eu le temps. »

Et finalement, c’est à cela que ressemble WE : Une lettre bien ficelée et sincère d’un vieil ami que vous n’avez pas vu depuis longtemps. Même s’il n’a pas les détails piquants et le pouvoir cathartique de The Dream d’Alt-J ou, surtout, d’Angel in Realtime de Gang of Youths, l’empathie et la bonne volonté de l’album lui permettent de passer le cap. Bien sûr, les mélodies solides et les rythmes enjoués aident.

De manière typiquement grandiloquente, Arcade Fire divise le LP en faces et sections avec des étiquettes imprégnées de présage. La première face, intitulée « I » (comme dans « me, myself, and »), se concentre sur le désespoir pas si tranquille de la vie pendant MAGA, COVID-19 et le changement climatique. La deuxième face, « We », appelle à l’unité, à la guérison et à la persévérance face à ce désespoir. Les compositions de chaque face portent des noms comme « End of the Empire I-IV ». Heureusement, toute cette pompe liturgique se dissipe dès que l’on appuie sur le bouton de lecture.

La face « I » commence par le thème « Age of Anxiety I ». Sur un piano doux et plaintif, Butler se lamente sur notre « époque actuelle où personne ne dort », peu importe la quantité de télévision que nous regardons ou le nombre de pilules que nous prenons. Des accords de synthétiseur fantomatiques planent en arrière-plan, comme les inquiétudes lancinantes que toutes nos commodités modernes ne parviennent pas à apaiser.

Mais à mesure que la musique enfle, le frontman semble puiser sa force dans la batterie régulière et la voix céleste de Chassagne. Le morceau se transforme finalement en un rythme disco palpitant. « Je dois faire sortir cet esprit de moi » (Gotta get this spirit out of me), gémit Butler alors que Chassagne flotte et tourbillonne autour de lui et que les accords de synthétiseur vont crescendo comme le soleil levant. Voilà, en résumé, le message de l’album : On ne s’en sortira qu’ensemble.

Mais ce message ne passe pas tout de suite. Le deuxième morceau, « Age of Anxiety II (Rabbit Hole) », montre Butler et Chassagne en train d’essayer à nouveau le confort des créatures de l’ère moderne. « Heaven is so cold », soupire-t-il, et les synthés glacés et le rythme robotique ne font rien pour apaiser son désespoir.

La face « I » se termine par le sombre « End of the Empire I-IV ». Piano, guitare acoustique et synthétiseur se rassemblent alors que Butler médite sur le déclin et la chute de l’empire américain. Le rythme solennel et quelques cordes qui s’évanouissent donnent au morceau une atmosphère funèbre.

Le premier single de l’album, « The Lightning I, II », donne le coup d’envoi de la partie « We ». Le grappillage urgent de Butler annonce la fin de la nuit noire de l’âme de la première face. « Nous pouvons y arriver si tu ne me laisses pas tomber/je ne te laisserai pas tomber » (We can make it if you don’t quit on me/ I won’t quit on you), promet-il tandis que le groupe marche à ses côtés. Lorsqu’ils se lancent dans un galop extatique à la Springsteen vers les trois minutes, c’est comme le premier jour chaud du printemps après un hiver long et froid.

Vient ensuite « Unconditional I (Lookout Kid) », aux accents folk, dans lequel Butler offre sa solidarité à tous les jeunes qui devront se frayer un chemin dans ce monde désordonné. « Fais confiance à ton corps/ Tu peux danser, tu peux te secouer » (Trust your body/ You can dance, you can shake), dit-il. Le rythme enjoué et trépidant les encourage à le faire.

Sur « Unconditional II (Race and Religion) », Chassagne promet une dévotion sans faille sur un groove sensuel et bouillonnant. « You and me/ Could be we », roucoule-t-elle. On peut lire cela de manière romantique ou politique.

WE se termine par la chanson titre, sobre et lumineuse. « I wanna get well, I wanna get free/ Would you wanna get off this ride with me ? » (Je veux aller mieux, je veux être libre/ Voudrais-tu descendre de cette voiture avec moi ?) demande Butler. Les guitares acoustiques qui résonnent laissent entrevoir les merveilles qui attendent l’auditeur s’il répond par l’affirmative.

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