The Soft Pink Truth: « Is It Going to Get Any Deeper Than This? »

28 octobre 2022

Is It Going to Get Anyeper Than This ? est un titre approprié. Ce n’est pas surprenant, étant donné l’héritage de The Soft Pink Truth ; Drew Daniel, l’une des moitiés du groupe expérimental bien-aimé Matmos, est également professeur d’anglais, bien publié dans les angles et les créneaux de son domaine. Le schéma de dénomination de son travail, orienté vers les questions, peut sembler être un gadget, mais il y a quelque chose de plus pathologiquement honnête dans les titres qui sont ouverts et méditatifs de cette manière, refusant la spécificité abstraite de l’identité pour se rendre plus orienté vers le processus, même par le titre.

Cela se retrouve dans les méthodologies déployées ici. L’album n’est pas spécifiquement séquencé comme un morceau de musique continu, mais il pourrait tout aussi bien l’être, signe d’un esprit vif derrière les plus petits détails comme l’ordre de l’album. Je dois admettre que les premières fois que j’ai écouté ce disque, c’était avec un froncement de sourcils. Les morceaux avaient de multiples facettes, certes, ils étaient palpitants et évolutifs, mais il était difficile de saisir une impulsion, un élément motivant, le pourquoi du disque (à part l’évidence : « qu’y a-t-il d’autre ? »). Tout cela s’est dissous dans l’air dès que, duh, j’ai augmenté le volume. Parce que c’est ce qui différencie ce disque de Matmos. L’expérimental est préservé ici, fabriqué par la même main, mais le détournement se concentre davantage sur le maniement des multiples outils développés par Matmos vers quelque chose de plus naturellement humain. Ou, plus simplement : c’est un disque de danse, et on ne peut pas danser si cette merde est trop silencieuse.

Avec ce coup de fouet, il prend vie. L’album nage et vole, un murmure d’étourneaux, des bancs de poissons qui s’élancent comme des poignards faits d’éclats de miroir brisés qui tranchent dans la mer, des éclats de couleur et des fleurs éclatantes tricotées dans un lit. Il y a des implications de l’eau, de la végétation, comme une couverture d’album de Yes réglée sur un rythme lancinant de naissance perpétuelle à quatre sur le plancher. On ne saurait trop complimenter l’ingénierie du son et le mixage ; les couches s’enchaînent comme le papier bruissant d’un bureau, formant ces motifs ondulants où, par-dessus, des éléments de plomb percent le mixage comme une brique ou une lampe lancée à travers les feuilles. Il y a un sens de la profondeur et de la dimension des sons, une plénitude piquante si riche que vous pourriez presque les saisir, comme s’ils étaient physiquement là.

Cet élément intensément physique et imaginaire de la musique ne semble pas indélibéré ou masturbatoire. Ces choses sont motivées par un but précis ; comme une version relaxante de la pluralité des genres de Fire-Toolz ou de Mr. Bungle cherchant à créer un objet unique et continu plutôt que ces éclats juxtapositionnels, Daniel insère les coins de ces éléments sonores, qu’il s’agisse de voix, de cuivres, de synthés, de guitares, de rythmes ou de quoi que ce soit d’autre, les forçant à se soumettre à ce rythme continu en constante évolution. On peut vérifier des référents sonores allant de la house à la tropicália, du dub à la fusion, de l’afrobeat au rock progressif, du New Age au disco. Daniel pense clairement comme un DJ, même dans la composition ; chaque élément est introduit ou retiré afin de ne pas se servir lui-même, mais ce méta-objet en constante évolution, un DJ set parfait d’une heure composé de compositions originales.

Étant donné que cet album sort la même année que le récent album de Matmos, résolument outré et expérimental, qui réinterprète des compositions polonaises d’avant-garde dans un espace électronique, il est logique qu’il se tourne vers quelque chose d’aussi vivant et dansant. Le projet global de Matmos et de The Soft Pink Truth ressemble à une carte de l’univers transposée à la musique électronique, agnostique dans ses origines même si le produit final est habilement façonné pour revenir à deux styles de base. Il y a un élément d’équilibre, un peu comme lorsque, l’année du dernier LP de The Soft Pink Truth, nous avons reçu un coffret 3LP d’expérimentations de Matmos ainsi qu’un EP de reprises hardcore de Drew Daniel lui-même. Les pouvoirs de Daniel restent à ce même sommet impeccable, évoquant l’émerveillement et la beauté de la fouille de caisses dans des compositions originales qui, surtout dans le vide existentiel auquel fait allusion la question titre de ce disque, doivent être répondues par la dance.

***1/2

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Drugdealer: « Hiding In Plain Sight »

28 octobre 2022

Si vous venez de découvrir Drugdealer, le groupe psychédélique d’influence folk centré sur le frontman aux multiples facettes Michael Collins, vous êtes pile à l’heure. Le groupe a fait ses débuts en 2016 avec son LP, The End of Comedy, une sortie de 11 titres où l’on voit Collins tenter de trouver un équilibre entre son large éventail d’influences et les fondre en quelque chose de tout nouveau. Le groupe a vraiment commencé à briller sur son album Raw Honey, sorti en 2019. On peut vraiment entendre l’alchimie entre les membres du groupe, tandis que l’écriture de Collins commence à s’épanouir et à devenir plus vulnérable et poétique. Ces deux albums sont liés par des guitares tordues et des arrangements influencés par le jazz qui servent de toile de fond aux paroles mélancoliques de Collins.

Sur leur dernier album, Hiding In Plain Sight, le groupe continue d’améliorer ce qui le définit et d’expérimenter de nouvelles tonalités et de nouveaux sons, troquant l’intimité de leurs deux premiers albums pour des grooves satinés qui s’apparentent à des disques de soul classiques, ce qui constitue le meilleur travail de Drugdealer à ce jour.

Si Collins n’a pas peur d’explorer de nouveaux sons pour le bien de la chanson, une chose qui est toujours cohérente dans son travail est la façon dont il donne le ton à ses disques. Qu’il s’agisse d’une ballade lente ou d’un morceau de country de style western, Drugdealer sait toujours exactement comment introduire un concept et exécuter ce son à son maximum. Une fois de plus, ils ont trouvé le bon ton avec l’incroyable morceau d’introduction de leur nouvel album, « Madison ». On découvre immédiatement une nouvelle facette de Collins, un conteur plein d’âme qui est influencé à parts égales par le pub rock des années 70 et la soul des années 60. Collins combine ces deux époques pour créer des textures uniques.

Bien qu’il s’agisse d’un pas dans une nouvelle ère pour Drugdealer, ils ne semblent pas pouvoir se détacher de leurs racines. Une chanson comme « Hard Dreaming Man » présente certaines des meilleures compositions de l’album, mais le groupe glisse à nouveau vers le son d’inspiration folk de leurs débuts en 2016, créant un sentiment d’incohérence. C’est une excellente chanson, mais elle ne s’intègre pas au reste de l’album, et cette belle combinaison d’influences de la première piste disparaît et le LP est freiné à cause de cela. 

Les efforts de Drugdealer pour créer une musique plus soul sont évidents dans les arrangements, mais la performance vocale de Collins est la force motrice de ce nouveau son. Le groupe a toujours eu d’excellents arrangements sur ses albums, et celui-ci n’est pas différent. Bien qu’ils s’aventurent dans de nouveaux territoires et réussissent avec une instrumentation plus serrée, ce sont les voix qui emballent parfaitement ces nouvelles sonorités. Collins n’a jamais sonné aussi bien, il est capable de changer sa voix de manière inédite et son sens naturel du timing permet un changement de rythme choquant pour le frontman. « New Fascination » est un moment fort, pour cette raison, les accords de guitare bancals sont rencontrés avec des harmonies tout aussi élastiques de Collins, créant l’un des morceaux les plus expérimentaux de Hiding In Plain Sight. Le chant sur « New Fascination » est un changement bienvenu par rapport à leur son passé, au lieu de laisser l’instrumental faire le gros du travail, c’est la voix de Collins qui conduit ces chansons, et ajoute des éclats de texture et des couleurs vives à leurs arrangements déjà généreux. 

Drugdealer ne construit pas de mondes avec sa musique, ils décomposent le monde qui les entoure et créent des morceaux de musique simples mais puissants avec ce qui reste. Avec Hiding In Plain Sight, Collins est à son meilleur niveau de confiance et de créativité, avec une production luxuriante et une écriture vague mais intrigante qui éclate de couleur et de personnalité. Si ses deux premiers albums étaient des flocons de neige, Hiding In Plain Sight est l’avalanche qui en résulte et qui dévore l’auditeur avec des solos séduisants et des chansons émouvantes, ce qui en fait un album qui vaut le détour. 

***1/2

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Guided by Voices: « Scalping the Guru »

28 octobre 2022

Il faudra peut-être un lit d’hôpital pour que Robert Pollard, chef d’orchestre de Guided by Voices et source inépuisable de mélodies, cesse de sortir des albums. Pourtant, étant donné sa capacité surnaturelle à produire de l’or avec le matériel le plus minable dont il dispose, il est probable qu’il créerait un opus pop uniquement avec son bassin et un enregistreur quatre pistes. Depuis près de 40 ans qu’il fait de la musique avec le groupe et ses divers projets solo, il a sorti de la musique à un rythme si prolifique que son nom et le surnom GBV sont tous deux utilisés comme raccourci pour sortir de la musique rapidement. Il a déclaré dans des interviews que revenir sur certaines époques du groupe n’est pas nécessairement l’une des choses qu’il préfère faire. Mais avec la sortie de cette toute nouvelle collection de morceaux tirés de divers EP sortis au début des années 90, à l’époque de l’apogée du « classic lineup », intitulée Scalping the Guru, les fans peuvent se souvenir de la volonté inébranlable de Pollard de créer avant que le groupe n’atteigne son statut de grand groupe d’indie-rock de tous les temps.

En fin de compte, l’enregistrement d’un album peut être un piège à argent tout comme l’achat d’une maison à rénover. Apprendre et perfectionner ses propres chansons pour un public est une chose. Mais pour capturer la magie sur disque dans les premiers temps d’un groupe, il faut développer l’ingéniosité d’une bande de voleurs à l’étalage qui choisissent les barres de chocolat qu’ils peuvent cacher sous leur chemise sans que la sécurité ne le remarque. Au début du groupe, Pollard savait qu’il lui faudrait un village – ou au moins un prêt bancaire conséquent – pour diffuser sa musique dans le monde.

Alors qu’il avait lancé le projet au début des années 80 après la dissolution de son groupe de reprises de heavy metal Anacrusis, Guided by Voices avait sorti plusieurs albums qui n’avaient été entendus que par les copains de beuverie de Pollard autour de Dayton, dans l’Ohio. Mais avec une famille à charge et la pression croissante de ses parents pour qu’il abandonne ses rêves de Pete Townshend de la radio universitaire, Pollard se concentre sur son travail d’enseignant dans une école primaire publique. L’histoire raconte que le groupe n’ayant pas vraiment accroché avec la scène locale de Dayton, Pollard a contracté un prêt auprès de son syndicat d’enseignants pour financer l’enregistrement et le pressage de certains des classiques lo-fi du groupe, désormais vénérés. Véritable entreprise de bricolage, le groupe enregistre à un rythme quasi constant sur un magnétophone à quatre pistes, ce qui confère aux hymnes pop de Pollard, inspirés de la British Invasion, une distorsion reconnaissable et un charme amateur, à l’instar de leurs lointains pairs The Clean et Cleaners From Venus. Cette qualité déglinguée et artisanale de la production de Pollard and co. au début des années 90 – ainsi que leur ratio étonnamment élevé de bangers par sortie – est ce qui a fait d’eux une révélation profonde au milieu d’un groupe d’indie rockers de plus en plus prétentieux à mesure que les projecteurs se braquent sur la scène.

Même si des albums comme Propeller, Vampire on Titus et leur grand classique de 1994, Bee Thousand, étaient remplis d’hymnes imbibés de bière, il était évident que ces disques étaient produits par des guerriers du week-end. En fait, lors de la sortie de Bee Thousand, Pollard approchait de sa date d’expiration punk rock, à l’âge avancé de 37 ans. Entre ces deux longs métrages, le groupe a enfoncé le bouton du disque pour créer une série d’EPs. Pour Scalping the Guru, Pollard a sélectionné un best of à partir de quatre de ces albums de 1993 et 1994, très appréciés des fans et difficiles à trouver : Static Airplane Jive, Get Out of My Stations, Fast Japanese Spin Cycle et Clown Prince of the Menthol Trailer.

Comme Bee Thousand et Alien Lanes, le séquençage de Scalping the Guru est très éparpillé et kaléidoscopique, avec 20 chansons en un peu plus d’une demi-heure. Cette collection est un must pour les fans de longue date qui ont passé d’innombrables heures à essayer d’obtenir des copies originales de ces EP sur Discogs – inutile de dire que le diagramme de Venn des fans de GBV et des personnes qui ont ce site Web en signet est un grand cercle. Mais si la discographie sans cesse croissante du groupe peut en effrayer plus d’un – le groupe a sorti deux disques rien que cette année – cette collection peut s’asseoir à côté de n’importe lequel de ses disques de longue durée les plus vénérés. Le premier titre, « Matter Eater Lad », est une excellente introduction à l’univers de GBV, car on peut entendre les « F » et les « S » de Pollard frapper le microphone sans filtre pop dans les couplets, avant de se lancer dans une accroche garage-rock qui déchire.

À cette époque, Pollard pouvait écrire des hymnes exaltants pour les opprimés, capables de vous tirer du marasme à l’aide d’un lasso en câble de microphone. Dans « Smothered in Hugs » de Bee Thousand, il a déroulé une version impressionniste de « Thunder Road », demandant où lui et son copilote se rendraient en quittant la ville lors de leur « voyage aux fenêtres plus hautes ». Ici, il améliore cette chanson avec l’un des hymnes les plus libres du groupe, « My Impression Now ». Alors que les paroles de cette chanson power-pop brossent le portrait de quelqu’un qui s’étire trop avec « des amis qui ne semblent jamais être avec vous », son accroche rassure sur le fait qu’il est plus facile de se libérer de tout ça si on se laisse aller. « Stand on the edge of the ledge », chante Pollard, « Jump off ’cause nobody cares ». Aussi morbide que soit l’imagerie, le sentiment de se déconnecter ou de ne pas répondre au téléphone de temps en temps est plus intemporel que jamais.

Cette collection recèle des trésors lo-fi qui n’ont rien à envier aux meilleurs travaux de Pollard, comme « Big School », « Gelatin, Ice Cream, Plum » et le méditatif « Johnny Appleseed », qui est la seule sélection à comporter des chœurs de son ancien compagnon de groupe et partenaire de composition, Tobin Sprout. Tout comme les meilleurs titres du groupe de cette période, la collection contient sa part de chansons qui ressemblent à de brèves esquisses d’idées plus vastes, comme la joyeuse « Hey Aardvark », inspirée des Beatles, ou la chanson titre. Cela peut être déroutant pour ceux qui ne sont pas familiers avec la formule « the-hook-is-all-you-need » du groupe à cette époque, mais avec des écoutes répétées, ces détours servent de colle au cycle complet des chansons et s’avèrent essentiels à l’expérience.

Pollard et Guided by Voices entreront dans des studios plus grands après avoir signé sur des labels plus importants comme Matador et leur passage éventuel sur un label majeur avec leur passage éphémère sur TVT Records. Avec la formation actuelle, la fidélité de leurs disques les plus récents fait la différence entre le muscle high-fi de classiques comme Isolation Drills et l’odyssée pop assistée par bande magnétique d’Alien Lanes – qui aurait coûté 10 dollars à réaliser, sans compter toutes les caisses de bière qui ont été bues pendant son enregistrement. Ce que Scalping the Guru fait avec succès, c’est rappeler aux fans que même si tout ce que vous avez sous la main est une guitare acoustique usée qui traîne dans votre chambre, vous pouvez ouvrir votre application de mémos vocaux et faire un disque tout aussi vital que n’importe quel disque réalisé avec un budget de plusieurs milliards de dollars. Cette lignée peut être retracée jusqu’aux innombrables artistes lo-fi qui téléchargent leurs albums sur SoundCloud et Bandcamp chaque jour. Personne ne vous empêche de le faire vous-même.

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Jakob Battick & Tongue Depressor: « Raise the Dead »

27 octobre 2022

Jakob Battick, qui vit désormais à Philadelphie et qui est tombé sous le charme des influences de la ville, propose un nouvel album de psychologie expérimentale avec ses amis de Tongue Depressor (un duo de drone de New Haven, Connecticut), où ensemble, ces trois-là détruisent de manière hypnotique leur coin de pays.

Raise the Dead est composé de deux morceaux qui avancent à un rythme de battement de cœur induit par les barbituriques, résonnant, évoluant, entremêlant et transformant l’instrumentation drone avec des voix ravies, le tout retenu par un orgue microtonal continu, sur lequel des violons, une contrebasse et une guitare pedal steel arrangent un paysage sonore séculaire, sombre et obsédant, mais pas envahissant, et très luxuriant. La face B de cet opus, « Under the Wormwood Star », est dédiée à Marjorie Cameron, à la fois amie et collaboratrice du visionnaire Kenneth Anger, conspiratrice et muse du célèbre thélémite Jack Parsons, qui était elle-même un poète et un peintre aventureux et doué.

Il s’agit d’un album réfléchi et ritualisé, qui conviendrait parfaitement pour se promener dans des installations massives de land-art comme Opus 40 ou The City, perdues dans le désert de l’Arizona, entièrement envoûtantes, avec des visions presque humbles d’un passé et d’un avenir qui ne sont pas encore tombés dans le sol, alors que, comme dans Raise the Dead, une fois créées, ces visions prennent une atmosphère d’intemporalité. L’album est autant une fantaisie qu’une réalité, rempli non seulement de l’ambition de Jakob Battick, mais aussi de ceux qui ont été ramenés à la vie par un désir singulier de défier l’auditeur avec les efforts artistiques et esthétiques ésotériques de l’histoire, et comment nos perceptions élevées de ce qui a été et de ce qui ne devrait jamais être, entrent en collision et se plient tête baissée avec le monde naturel en quelque chose d’étrangement inattendu et inexplicable.

Jakob a ouvert une porte sur le processus en disant : « À l’origine, j’avais écrit quatre chansons, mais seules ces deux-là ont survécu. J’ai passé beaucoup de temps à écrire et à développer les paroles en même temps que les mélodies, mais je le fais toujours, car je suis à la fois obsessionnel et amoureux du processus. Une fois que Zach et Henry (Tongue Depressor) sont entrés en jeu et ont manipulé les choses, j’ai dû remanier certaines de mes mélodies, ce qui s’est avéré très amusant. C’est fou, en tant que chanteur, de travailler avec des collaborateurs qui opèrent si fréquemment dans un système d’accordage microtonal ou simplement d’intonation, et les choses que les efforts conceptuels vous obligent à faire en tant que chanteur écrivant des mélodies. Henry a passé beaucoup de temps à peaufiner et à monter le tout sur une vieille bobine à bobine. Il a fait des merveilles avec cette bande et je ne peux pas le remercier assez. Dans l’ensemble, le disque n’a pas pris beaucoup de temps, entre le moment où j’ai pris mon stylo et celui où Henry a fait les premiers mixages complets, ce n’était qu’une question de trois mois ».

Le tout est disponible sur l’excentrique label tchèque Stoned to Death, sous forme de cassette (Pro-Duplicated sur cassettes blanches avec un encart de carte J pliable à 6 panneaux en couleur, incluant les paroles complètes) et de version numérique.

PS : La Thélémite peut être décrite comme une philosophie sociale et spirituelle ésotérique et occulte occidentale, établie par Aleister Crowley au début des années 1900 : celui qui fait ce qui lui plaît.

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Russian Circles: « Gnosis »

27 octobre 2022

Les « héros » du post-rock expérimental que sont Russian Circles reviennent ici avec leur huitième album, Gnosis, un opus abrasif mixé et conçu par Kurt Ballou de Converge. Le guitariste Mike Sullivan a formé Russian Circles en 2004 avec le batteur Dave Turncrantz et le bassiste Colin DeKuiper. Bien que DeKuiper soit parti en 2007, il a été remplacé par le bassiste de These Arms Are Snakes, Brian Cook, et le reste à ce jour. Depuis près de deux décennies, le groupe défie les conventions de la musique lourde avec un son expérimental. Le processus d’enregistrement de cet album marque une nouvelle stratégie d’écriture de chansons pour Russian Circles. Au lieu de faire du brainstorming ensemble dans un studio, le groupe a enregistré ses idées séparément afin de préserver leurs visions individuelles. En fait, le titre gnosis signifie « connaissance des mystères spirituels ».

« Tupilak » lance l’album avec une basse saturée et distordue qui revient sur une seule note. La batterie de Turncrantz augmente avec le volume avant de marteler nos psychés avec un riff tranchant. Un morceau fluctuant, abrasif et ardu, la meilleure façon dont je peux le décrire est le blackgaze. Un moment intéressant se produit avec un effet « washing », où les fréquences imitent les vagues sur une plage. Ensuite, « Conduit » est l’un des singles qui annoncent cet album. Le riff est immédiatement agressif et à la limite du death metal, parmi les plus lourds de leur catalogue. La batterie semble détachée du reste de la production, et on s’interrogee encore pour savoir si c’est un obstacle ou une force.

La chanson titre a donné lieu au tout premier clip du groupe. Un montage cinématographique absolument stupéfiant de clips allant de ruines à de l’herbe qui pousse en passant par des yeux de serpent, la chanson commence par un bourdonnement. C’est une combinaison de prog et de post-rock, de polyrythmes et de sons purs. La basse de Cook réverbère d’une manière qui nous fait croire que les cordes sont lâchées, mais cela ajoute un élément captivant. Juste avant le final de la chanson, ils passent de la pureté du post-rock au blackgaze boueux. Le riff final est sûr de vous faire taper du pied.

L’influence de Black Sabbath se fait sentir sur  » Vlastimil « , un morceau sinistre aux grooves iommiens. Faisant référence à  » Sabbath Bloody Sabbath « ,  » Into the Void  » et  » Black Sabbath « , Sullivan, Cook et Turncrantz livrent une performance effrayante. Mais c’est bien plus que cela. Leur talent pour créer du suspense et de la désolation est sans égal, et réaffirme leur quête constante d’individualité. 

« Ó Braonáin » fait office d’interlude. Des notes aux sonorités agréables sont soutenues pendant quelques mesures qui ont un effet d’épanouissement. Bien qu’il soit court et engageant, il s’enchaîne très brusquement avec « Betrayal », un passage bruyant et glacial. On est un peu trahi de les voir nous exploser les tympans après un moment aussi délicat. Russian Circles aime avoir des guitares et des basses qui s’entrechoquent, mais cela n’est jamais ennuyeux. Ils reviennent au post-rock avec des guitares mélancoliques avant de passer à la dernière piste, « Bloom ».

« Bloom » est peut-être le morceau le plus intriguant de l’album. Turncrantz joue de la batterie mais on a l’impression qu’il joue à l’envers à certains moments. Les éclats de chine sont dans une signature temporelle que je n’arrive pas à chronométrer. Sullivan revient à un ton post-rock clair, et la basse de Cook semble largement absente. Construire et vaciller, c’est une belle exploration de leur musicalité. « Bloom » bourdonne, flotte, pique et frappe. 

Après huit albums et pas un mot prononcé, Russian Circles a encore beaucoup à dire. Le trio a la capacité d’imiter une armée. Gnosis est un point de repère dans leur carrière ; conforme à nos attentes, mais les dépassant d’une certaine manière, comme d’habitude. Tous les adjectifs et adverbes du monde ne suffiront pas ; aliénant, colossal, chaleureux, frigide, appliqué.

***1/2

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Julia Julia: « Derealization »

27 octobre 2022

Julia Kugel-Montoya du groupe de rock indé The Coathangers a récemment publié son premier album solo Derealization sous le nom de scène Julia, Julia. Derealization s’éloigne radicalement des mélodies commercialisées et de l’instrumentation pop que l’on retrouve sur le dernier projet de 2019 de The Coathangers, The Devil You Know. Kugel-Montoya vante sa nouvelle liberté créative avec un son  » alternative-folk  » obsédant.

Le titre « I Want You » est magnifique, et rendu mystérieux par ses paroles et sa voix mélancolique. Ses sentiments envers le « toi » qu’elle chante sont ambigus et oscillent entre le désir et le dégoût. Elle chante « Je veux que tu te jettes dans le feu », mais elle chante aussi clairement « Je te veux, je te veux » (I want you to throw yourself in the fire) – (I want you)I. Le morceau est très onirique, et les paroles à la fin de la chanson se répètent sans cesse alors qu’elle demande à l’auditeur « Do you feel it ? ’cause I feel it » (Vous le sentez ? Parce que moi, je le sens).

« Fever In My Heart » est la quatrième piste de l’album. Elle commence par un rythme qui ressemble presque à un battement de cœur, un riff de piano arpégé et un shaker doux. Les paroles de la chanson ressemblent à une chanson d’amour, « Je n’y peux rien, je t’adore / Je t’attendrai » (I can’t help, I adore you / I’ll wait for you). Cependant, la performance vocale donne l’impression qu’elle est la victime d’un amour non partagé. Plus tard dans la chanson, il y a une cacophonie de lignes qui jouent les unes sur les autres et qui demandent « Suis-je quelqu’un d’autre ? » et « Suis-je en train de me perdre ? » (Am I somebody else? / “Am I losing myself?). L’artiste fait un merveilleux travail pour montrer le côté douloureux d’aimer quelqu’un, surtout lorsque l’amour n’est pas réciproque.

La sixième piste, « Do It Or Don’t », montre l’artiste au plus bas : dans une apathie abjecte, indifférente et insensible à l’amour même. La voix délicate de Kugel-Montoya est pleine de désespoir lorsqu’elle déclare « Mon sourire vide est ma protection / De ton affection ». Dans sa défaite, elle admet « La leçon est qu’il n’y a pas de leçon », ce qui donne l’impression que sa douleur est inutile, comme s’il n’y avait rien – pas même une leçon à en tirer. Dans l’une des lignes les plus profondes de l’album, elle chante « Fais-le ou ne le fais pas / Je suis là si tu veux / Je suis là si tu veux » (Do it or don’t / I’m right here if you want / I’m right here if you want). La chanson semble très détachée, presque comme émise lors d’une expérience hors du corps.

« Paper Cutout » présente certains des sons les plus audacieux et les plus expérimentaux que l’album ait à offrir. L’intro comprend des vocalises jazz de l’artiste, des sons percussifs et un cri d’animal mesuré qui donne à l’auditeur l’impression d’être dans les profondeurs d’une jungle sombre. Cette instrumentation troublante se poursuit avec les paroles  » Je suis un papier découpé / Je suis un poteau en bois. » (I’m a paper cutout / I’m a wooden pole). Les sons vont et viennent, s’agitant doucement sous la voix du chanteur. Des chuchotements se font entendre à la fin du morceau, ils sont doux et inintelligibles pour la plupart, mais la dernière ligne est aussi claire et nette que poétique : « I will be the arctic wind ».

Le dernier morceau de l’album, « Corner Town », dépeint une image obsédante de la vie dans une ville abandonnée. L’instrumentation de la chanson comprend de petites cloches, ainsi qu’un son continu de « brossage » qui ressemble à quelqu’un qui balaie durement un plancher. Tout cela est joué sous un riff de guitare simple mais sombre qui joue tout au long de la chanson. La voix de Kugel-Montoya est plus sinistre que jamais, alors qu’elle chante « Toutes les voitures sont vides / Et les maisons sont vides aussi / Et il n’y a personne / Dans cette petite ville / Sauf moi et toi / Si beaux tous les deux » (All the cars are empty / And the houses are empty too / And there’s nobody in / In this little town / But me and you / Such a handsome two . Lorsqu’elle répète cette phrase pour la dernière fois, elle est immédiatement suivie par les sons sinistres du « brushing », de la guitare et des cloches.

Ce n’est pas pour rien que l’album s’appelle Derealization. Kugel-Montoya fait un superbe travail pour capturer le sentiment d’être détaché de la réalité. Chaque piste de l’album est brutalement éloignée de toute sorte de sentiment heureux. L’instrumentation ajoute à cet effet, rendant généralement les chansons plus déformées, tendues ou inconfortables. Que l’album soit un commentaire sur la douleur d’aimer trop quelqu’un, ou qu’il soit une illustration des problèmes de santé mentale, il contient néanmoins une poignée de chansons d’une beauté obsédante. L’album est très impressionnant étant donné qu’il s’agit d’un premier projet. Ce disque est sans aucun doute l’un des albums alternatifs les plus innovants de cette année tant il est signe d’un premier projet à la fois éthéré et profond

***1/

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Robyn Hitchcock: « Shufflemania! »

25 octobre 2022

Avec un titre d’album comme Shufflemania ! commençant par une chanson nommée « The Shuffle Man », l’auteur-compositeur-interprète Robyn Hitchcock nous demande-t-il de faire l’impensable – d’ignorer l’ordre de passage de son disque ? Pour la plupart des artistes qui prennent leurs tracklists très au sérieux, l’existence d’une fonction de lecture aléatoire sur les lecteurs de CD, les lecteurs MP3 et les logiciels de lecture de musique est probablement considérée comme un luxe maléfique. En effet, alors que la première chanson de Shufflemania ! cède la place à la deuxième et que la deuxième chanson cède la place à la troisième, on a l’impression que le Syd Barrett moderne préféré de tous a séquencé ces dix chansons dans la tradition des albums classiques où les marées montent et descendent au fur et à mesure que le fil conducteur persiste.

Mais Hitchcock a été si merveilleusement constant au fil des ans que cela n’a pas d’importance. Selon la façon dont on les compte, il a sorti au moins 22 albums studio depuis 1981, et aucun d’entre eux n’a été un échec. Écoutez ces albums dans leur intégralité, et vous ne rencontrerez pas de mauvais morceaux, même si vous pouvez tomber sur quelques bizarreries qui vous feront perdre la tête, comme « Wafflehead » sur Respect. Avec une discographie aussi riche que celle de Robyn Hitchcock, la fonction « shuffle » n’est pas une menace. Alors, que l’homme tolère ou non l’acte,nous disons « shuffle away ». Peu importe l’ordre, vous aurez toujours un aperçu de sa profondeur.

« The Shuffle Man » donne le coup d’envoi de Shufflemania ! avec une jubilation égalée par d’autres morceaux d’ouverture d’Hitchcock comme « Adventure Rocketship » et « The Yip Song ». Le refrain implacable de « Oh yes, oh yes, oh yes, oh yes, oh yes ! » sur un riff à deux accords gauche-droite-gauche-droite est si magnétique qu’il est impossible de l’ignorer. La tendance Lear/Carroll d’Hitchcock à s’adresser à ce mythique « Shuffle Man » comme à une comptine pour enfants ajoute au plaisir : « Fais-toi une faveur / N’oublie pas la confiture / Il faut une offrande pour le Shuffle Man » (Do yourself a favor / Don’t forget the jam / You need an offering for the Shuffle Man). C’est un peu la ruée, et Hitchcock vous donne la plupart du reste du disque pour reprendre votre souffle en vous servant une piste de pop kaléidoscopique très complexe après l’autre.

« The Sir Tommy Shovel  » relance le rythme avec des promesses de consommation responsable et un écho vocal à faire frémir. « The Raging Muse » suit, avec des retours de guitare qui sont inhabituellement boueux pour Hitchcock. Le refrain fait une tentative d’envolée, mais il reste enlisé dans un endroit où l’absurdité hitchcockienne pourrait être confondue avec le désespoir : « Je regarde dans tes yeux / Et il y a des poissons dans le verre / Nageant dans des bols / De parfaits yeux rouges / C’est l’heure du thé / Et les poissons ont tous faim / Et les poissons frémissent » (l look into your eyes / And there’s fish in the glass / Swimming in bowls / Of perfect red eyes / It’s getting to teatime / And the fish are all hungry / And the fish are all shuddering). Et si vous vous demandez « Pourquoi les poissons frémissent-ils ? », alors c’est clairement votre premier rodéo.

Entre les deux, on trouve quelques-unes des meilleures chansons d’Hitchcock, dont « Socrates in This Air », un morceau essentiellement acoustique qui se lit comme une défense étonnamment sérieuse du philosophe au moment de son exécution : « Socrate est allé dans le futur / Il a laissé tout ça derrière lui / Oui, Socrate, il n’avait pas besoin / de ces esprits médiocres » ( Socrates went to the future / He left that all behind / Yeah, Socrates, he didn’t need / Those mediocre minds). Musicalement, tout est assez simple pour laisser les mots briller et pour que l’outro résonne dans le cerveau de chacun longtemps après la fin de la première partie : « Plus un petit navire de sagesse / Sur un lac de fous instantanés / Plus n’importe quel bourreau / Il dira ‘Je ne fais pas les règles » ( Plus a little ship of wisdom / On a lake of instant fools / Plus any executioner / He’ll say ‘I don’t make the rules). Ce n’est qu’une partie de ce que Shufflemania ! a à offrir.

« The Inner Life of Scorpio » fait appel à la grandeur des Pet Sounds, « Noirer Than Noir » fait appel à un vibraphone cool de fin de soirée, et « Midnight Tram to Nowhere » ressemble à une ode écrite et interprétée par des fantômes qui vous emmènent dans l’au-delà. Comment expliquer autrement un couplet qui dit : « Le tramway de minuit pour nulle part / Il descend les rails / Il prend toutes sortes de gens, mais / Il ne les ramènera jamais. » (Midnight tram to nowhere / It’s rolling down the tracks / Takes all kinds of people, but it / Never bring ’em back?). Ne vous effrayez pas trop, car Shufflemania ! se termine sur une note joyeuse avec le doux numéro « One Day (It’s Being Scheduled) ». Hitchcock prédit que « la race humaine ne sera pas dirigée par des brutes ». Comme dans sa chanson de 2017 « I Want To Tell You About What I Want », il plaide pour l’empathie avec la simple ligne « Un jour / La couleur de votre peau ne sera pas la grande division / Un jour / Vous vous soucierez de ce que les autres ressentent à l’intérieur »(( One day / The color of your skin won’t be the great divide / One day / You’ll care about how other people feel inside).

« C’est probablement l’album le plus cohérent que j’ai fait », a déclaré Hitchcock à propos de Shufflemania ! Deux choses peuvent être déduites de cette citation. Premièrement, assembler toutes ces chansons au hasard n’est pas une idée si controversée. Deuxièmement, le fait que Shufflemania ! soit probablement le titre le plus cohérent parmi au moins 22 enregistrements studio n’est pas une mince affaire. Quiconque a écouté le travail d’Hitchcock avec les Egyptians ou son retour au jangle-pop avec les Venus 3 peut en témoigner. Pourtant, dire que Shufflemania ! appartient à l’échelon supérieur de l’homme devient moins hyperbolique à chaque rotation. Les concepts de « constance » et de « qualité » sont relatifs, mais un nouvel album de Robyn Hitchcock est toujours bon pour rappeler ce qui est vraiment « fantastique », et Shufflemania ! ne fait pas exception.

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Courtney Marie Andrews: « Loose Future »

24 octobre 2022

S’accepter tel que l’on est demande du travail, et pour Courtney Marie Andrews, cela signifiait s’ouvrir aux possibilités. Elle a dû écrire une chanson par jour, s’abandonner à la romance et à toutes les choses qui la mettaient mal à l’aise. Le résultat a été bien plus qu’une simple affaire personnelle. Il a donné naissance à « Loose Future », l’une des meilleures chansons de ces dernières années prolifiques pour Andrews.

Bien que son titre fasse référence à la flexibilité, Loose Future sonne également comme son nom. Les mélodies aux tons froids s’écoulent librement et facilement, une magnifique libération d’Andrews des choses qui la retenaient. Elle ne se contente pas de détendre un peu plus les cordes de ces chansons, elle les fait flotter dans une nuit étoilée pour qu’elles puissent s’envoler vers des destinations inconnues et des cœurs ouverts.

La voix claire comme une cloche d’Andrews a toujours transmis l’émotion de manière profonde et sensuelle, mais Loose Future montre qu’elle trouve encore de nouvelles façons de l’utiliser comme mécanisme de narration. Alors que ses passages étaient plus serrés et plus austères sur Old Flowers en 2020, ils sont ici plus aérés et lumineux. Même lorsqu’elle raconte la maladresse d’un premier rendez-vous sur le morceau phare « Older Now » – une expérience qui pourrait inspirer un son tendu et anxieux – Andrews semble se débarrasser de ses nerfs et se libérer des attentes.

Les harmonies vocales superposées sont tout aussi vibrantes et particulièrement lâches sur le nostalgique « These Are the Good Old Days », le chatoyant morceau titre et l’éthéré « Satellite ». Il y a une magnifique apesanteur et fluidité dans les arrangements, produits par le maître de ce genre de son, Sam Evian.

Le poids de Loose Future réside dans le message de ces chansons. Les chansons d’Andrews invitent les auditeurs à avoir des pensées douces, à laisser libre cours à l’imperfection et à l’imagination, et à se contenter de ce qu’ils sont maintenant, et non de ce qu’ils pensent devoir être. « Let’s keep it easy », chante-t-elle sur la chanson titre. « No big picture / Just the way it ought to be » (Pas de grande image / Juste la façon dont ça devrait être) ; Le soulagement que cela procure se ressent dans chaque note de Loose Future, comme une douce expiration. On entre avec le bon, on sort avec le mauvais. On sort de l’ancien, on entre dans le nouveau, quoi qu’il en soit.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Architects: « The Classic Symptoms of a Broken Spirit »

24 octobre 2022

L’année dernière, le groupe de métal de Brighton, Architects, a été propulsé en territoire inconnu avec For Those That Wish to Exist, réalisant ainsi son premier album numéro un au Royaume-Uni. Un succès retentissant à tous points de vue, qui leur a permis de s’aventurer sur des terrains inexplorés.

Sur For Those… leur premier album enregistré sans l’influence de Tom Searle depuis son décès, Architects ont transformé leur style metalcore en quelque chose de cinématique et de plus grand que nature.

Libérés des restrictions liées au covid, ils reviennent déjà avec leur 10ème effort : The Classic Symptoms of a Broken Spirit. For Those… avait vu le groupe tourner son regard vers des thèmes existentiels pour s’inspirer – la lutte interne des attitudes défaitistes que tout est irrécupérable, contre l’optimisme persévérant qu’il n’est pas trop tard pour changer de cap. Avec ce dernier effort, ils continuent à trouver des failles dans la société et la culture qui les entourent.

Encouragés par le fait que le groupe s’est reconnecté en personne, ils sont cette fois plus énergiques, plus immédiats, plus bouillonnants. Le single principal « When We Were Young » pleure la perte de la naïveté et de l’ignorance que nous partagions dans notre jeunesse, le tout sur fond de férocité métallique inflexible. Ailleurs, sur « Spit the Bone », Dan Searle brille comme toujours à la batterie et Adam Christianson et Josh Middleton font un excellent travail à la guitare. Même le fameux « Blehh ! » de Sam Carter fait ici un retour réjouissant pour les fans.

Là où For Those… jouait avec un mariage intéressant d’habillages metalcore d’Architects avec une aura dramatique, ils reviennent maintenant quelque part entre Rammstein et le Post Human : Survival Horror EP de Bring Me The Horizon : le métal industriel rencontre le cyber-punk rencontre le metalcore. Fini les morceaux orchestraux et cinématographiques. Place aux sonorités sinistres et glauques de « Burn Down My House », à l’euphorie et au pressentiment de « Doomscrolling », à la lourdeur écrasante et implacable de « Be Very Afraid ».

Depuis l’album Holy Hell en 2018, le son d’Architects a lentement progressé. Les détracteurs se plaignent qu’ils ne sont « plus lourds ». Eh bien ici, ils reviennent portant des crocs aiguisés, des riffs et des remplissages de batterie complexes à la main. Bien qu’encore plus raffiné que leur travail metalcore plus complexe. Mais le son non filtré frappe comme un poids lourd qui cherche le coup de grâce. La scène métal du Royaume-Uni, c’est Architects qui la fait sienne, et c’est un bien joli spectacle à voir.

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Dawn Richard, Spencer Zahn: « Pigments »

22 octobre 2022

Il existe une force électrique entre le multi-instrumentiste Spencer Zahn et l’artiste indépendant Dawn Richard. Tous deux diffèrent dans leur art, mais se rejoignent dans leur volonté de s’écarter des chemins tracés pour eux. Cette collaboration est d’une importance capitale.

Pigments arrive à un moment clé de la carrière des deux musiciens. Le statut créatif actuel de Dawn Richard est difficile à cerner, car elle possède une grande connaissance de la musique commerciale. Après tout, elle était l’un des membres principaux de Danity Kane. Pourtant, on aurait tort de croire que la chanteuse est liée à un son centré sur la pop, prompte à tout mettre de côté pour la niche et l’alternatif. Ce nouvel effort créatif marque un tournant pour Richard, qui travaille désormais aux côtés des amples paysages sonores de Zahn, assuré de sa propre transition en tant qu’artiste solo. Sur 11 titres, le duo expérimente des tempos ambiants et une instrumentation plus grande que nature pour former un projet plein de mouvement, consacré à la Nouvelle-Orléans, la ville natale de Richard.

Le morceau d’ouverture « Coral » est précédé d’une clarinette pure et aérienne qui devient un élément proéminent tout au long de la liste de morceaux. Avec ses guitares et ses notes allongées, l’écoute dégage une qualité éthérée qui se retrouve dans le résonnant « Sandstone ». Marquant l’entrée de Richard, les tons du chanteur sont glacials jusqu’au bout, concentrés dans leur livraison au laser. Zahn se concentre sur sa capacité inhérente à conduire l’auditeur dans de nouvelles directions, allant de carillons scintillants au caractère plus évocateur d’un saxophone. C’est une performance émouvante qui explore le désir – « Je veux être plus, être plus que, voir plus, voir plus que tes yeux… » (I want to be more, be more than, see more, see more than your eyes…).

Tout aussi frappant dans son intégralité est « Vantablack », une exploration apaisante de soi qui se prête à la chorégraphie. Avec son rythme pulsé, la production plus spacieuse met en valeur l’intention de la chanteuse de donner du pouvoir, brodée sur des voix tourbillonnantes qui jouent avec la proximité et les harmonies. 

Des morceaux plus longs comme « Sienna » mettent en lumière le travail plus complexe de Zahn, qui emmène ses auditeurs dans un voyage précieux. Contrastant avec les synthés délicats et les textures sonores des instruments à vent, il tisse chaque élément pour donner un sentiment de libération progressive. Le timing semble être un outil critique dans ‘Pigments’, permettant des arrangements plus ambitieux qui défient leur contexte actuel, rejetant les attentes précipitées de la culture numérique. Néanmoins, cela n’empêche pas Zahn d’embrasser le uptempo, en se lançant dans des percussions plus électroniques sur les fumeux « Crimson » ou « Umber ».

Du début à la fin, Dawn Richard et Spencer Zahn ont créé une œuvre vraiment rafraîchissante, une expérience sans faille, à cet égard Pigments encourage les gens à sortir de leur zone de confort, à écouter plus attentivement et plus ouvertement.

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Publié par rockdecibels

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