Andrea Cortez: « The World Is Sound”

28 août 2021

Ces derniers mois ont été difficiles, et dans des moments comme ceux-ci, on est toujours reconnaissant pour les praticiens du son comme Andrea Cortez. Sa musique est curative et transcendante, ancrée dans les cercles de la nature et dérivant dans un flux cosmique inspirant. Andrea Cortez utilise une palette lumineuse de harpe, de bols chantants et de carillons, ainsi que la musique des plantes pour créer des étreintes sonores nuageuses.

Un doux courant serpente dans l’air frais et vivifiant de « Evening Frogs », la harpe de Cortez envoyant des échos nostalgiques suspendus dans le crépuscule teinté de rose. Les grenouilles chantent avec la force tranquille de la harpe, illuminée par les rayons mourants du soleil et l’énergie pimpante. Rêves et réalité se mélangent en un tourbillon puissant, chaque note étant liée à une étincelle surnaturelle. Les carillons scintillent sans effort, captant les éclats de lumière du coucher de soleil déclinant. « Evening Frogs » est si paisible et accueillant, invitant les auditeurs à s’asseoir dans cet espace aussi longtemps que nécessaire pour trouver du réconfort.

Cortez canalise toujours un esprit plus profond, trouvant le bon courant pour créer ces cocons sonores où le temps s’arrête un bref instant. « Earth Element » est transcendé par des vagues de Raagini tanpura qui se déplacent comme une rivière auditive et recouvrent les cicatrices du monde d’un baume apaisant. La voix de Raagini est légère, passant du gazouillis des oiseaux à l’effervescence de sa harpe, comme un trait de magie sur une toile sombre. Cette musique est un endroit où je peux me perdre.

The World Is Sound est bien plus qu’une belle musique. L’énergie d’Andrea Cortez est imprégnée dans ces chansons et sa présence est un cadeau. Les enregistrements de terrain sont éparpillés dans The World Is Sound : oiseaux, grenouilles, insectes, vent, le tout accompagnant parfaitement le calme sonore langoureux de Cortez. Dans le timbre de sa voix sur l’envoûtant « A Frog’s Dream to Fly », on setrouve détaché et mis à la dérive, libéré des chaînes du monde brûlant, au moins pour un petit moment. Quel cadeau !

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Ulrich Schnauss & Jonas Munk: « Eight Fragments Of An Illusion »

28 août 2021

Quatre ans se sont écoulés depuis le dernier album en collaboration entre Ulrich Schnauss et Jonas Munk, l’exquis et éthéré Passage. Après presque trois ans de travail entre d’autres projets musicaux (Schnauss travaillant dans Tangerine Dream et Munk enregistrant avec Causa Sui, Billow Observatory, Nicklas Sorensen, et en solo), les deux magiciens du studio ont sorti leur suite, Eight Fragments Of An Illusion.

Tout en conservant la luminosité de Passage, Eight Fragments Of An Illusion est plus onirique et effervescent que son prédécesseur. Il arbore, en effet, poids émotionnel dans ces morceaux, comme si l’univers poussait un grand soupir et cet album en est l’interprétation musicale. Guitares, synthétiseurs et électronique se superposent en de grandes expressions, qu’il s’agisse d’amour, de vie, de réflexion existentielle ou simplement de regarder l’horizon pendant un court instant. Cet album donne l’impression de se perdre dans la brume de quelque chose de plus grand que nous.

« Return To Burlington » brille d’éloquence. Il me rappelle les premiers disques de 4AD. Il y a l’élévation de Cocteau Twins ; des capacités de musique pop cachées dans des sonorités éthérées. Ce morceau est l’équilibre parfait entre le poids électronique d’Ulrich Schnauss et les couches de guitare de Jonas Munk. C’est aussi l’un des rares titres à comporter des percussions. En revanche, le morceau suivant, « Solitary Falling », est un morceau d’ambiance mélodieux. Des murs de sons vaporeux, des guitares et des claviers créent une atmosphère vraiment émouvante.

Le morceau central est une sorte d‘épopée façon école de Berlin « Perpetual Motion ». C’est l’un de ces morceaux dont je ne me lasse pas. Des synthés bouillonnants et un rythme cardiaque komische portent ce morceau pendant près de 11 minutes. On peut y entendre certains éléments musicaux du travail de Schnauss sur les récents albums de Tangerine Dream, tandis que Munk superpose des guitares semblables à celles de Michael Rother. On pourra presque s’imaginer flotter dans l’espace en écoutant ce morceau. C’est tout simplement stupéfiant.

Ailleurs, « Narkomfin » a un côté mélancolique, presque baroque à croire que la ligne de guitare de Munk est jouée sur un clavecin jusqu’à ce qu’il nous lance dans une boucle avec une ambiance presque Dick Dale. « Along Deserted Streets » s’élèvera dans les nuages avec ses tonalités cristallines et ses couches brumeuses, tandis que « Polychrome », qui clôt l’album, termine mystérieusement sur des notes répétitives et des drones qui deviennent hypnotiques, voire psychédéliques, à la fin. Une sorte de finale de type Through the Looking-Glass.

Eight Fragments Of An Illusion valait la peine d’être attendu. Ulrich Schnauss et Jonas Munk n’ont pas seulement atteint les sommets de ce qui a précédé, ils les ont dépassés. C’est un album d’une beauté éthérée, avec des couches sonores à éplucher pendant des années, ce qui nous permet de trouver plus de choses à creuser et à se perdre à chaque écoute.

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Foxing: « Draw Down the Moon »

28 août 2021

À bien des égards, il est clair que le nouvel album de Foxing, basé à St. Louis, MI, représente l’aboutissement de quelque chose qu’il a construit pendant la meilleure partie de la décennie. Depuis qu’il a conquis le cœur et l’esprit des auditeurs avec son premier album, The Albatross, en 2013, le groupe a pris soin de ne jamais se répéter, la répétition étant négligée au profit du raffinement. Tous les groupes doivent le faire afin de se développer dans la meilleure version d’eux-mêmes ; Foxing l’a fait deux fois : une fois sur Dealer en 2015, un opus qui a élargi la palette sonore de leurs débuts, offrant des indices sur leur prochain mouvement dans le processus – et une fois encore ici.

Essentiellement, Draw Down the Moon peut être considéré comme une version raffinée de leur album Nearer My God, paru en 2018, qui a permis au groupe d’atteindre des sommets avec une ambition louable. Si l’on a parfois l’impression qu’il y a beaucoup de choses à assimiler, c’est le but recherché. Le quatuor s’en est tellement sorti qu’il semblait que tous les paris étaient ouverts lorsqu’il s’agissait de deviner où ils se dirigeaient ensuite ; puis, l’année dernière est arrivée, et comme si cela ne suffisait pas de faire dérailler leurs plans pour 2020, le guitariste Ricky Sampson a quitté le groupe. Moment malheureux ou simple malchance ? Quoi qu’il en soit, comme l’indique la chanson dépouillée qu’est «  At Least We Found the Floor », le groupe a connu pire (une location détruite en 2016, un an après s’être fait voler 30 000 dollars de matériel) ; il monre ici qu’il en fallait plus pour l’arrêter.

Le trio restant, composé de Conor Murphy (chant/guitare), Jon Hellwig (batterie) et Eric Hudson (guitare/voix), a pris l’album sur lequel il avait passé la majeure partie duconfinement à travailler et a décampé pour Atlanta afin de passer aux choses sérieuses, avec l’aide notable d’Andy Hull du Manchester Orchestra. Il est facile de les imaginer ébranlés par la perte d’un membre à un stade critique de la création du nouveau disque, mais cela ne pourrait être plus éloigné de la vérité ; Il y a de la confiance dans chaque note, dès les premières mesures tremblantes de « 737 », qui passe d’un murmure à un cri d’une manière presque littérale, tant est grande la puissance déchaînée par l’entrée du groupe au complet juste après deux minutes et demie – batterie bruyante, lignes de guitare brûlantes, cuivres auxiliaires – la lourdeur pure de tout cela, couronnée par la voix déchirante de Murphy, frappe comme un coup de poing. Dans les derniers instants, la ligne de guitare d’ouverture réapparaît, déformée et presque méconnaissable, sous l’effet du virage agressif à gauche du pont de la chanson, alors qu’elle se fond dans les tambours électroniques qui ouvrent la voie à « Go Down Together ».

« Depuis que j’ai commencé, je n’ai pas arrêté de chercher la bagarre » (Ever since I got going, I’ve been going for broke), chante Murphy, avec une détermination sanglante dans la voix. Dépouillé de son contexte dans une chanson sur la lutte contre le désespoir et les dettes, c’est un excellent résumé de la situation dans laquelle se trouve son groupe en 2021. La dernière fois, Foxing s’est lancé dans un troisième album expérimental et bizarrement provocateur ; son successeur leur donne un nouveau coup de fouet, mais la concentration est l’ingrédient clé. Il tient le chaotique « Where the Lightning Strikes Twice », qui roule avec jubilation sur le groove en doubles croches de Hellwig. Il jette un regard plus approfondi sur l’esprit d’insouciance et de motivation qui anime les trois membres du groupe ; c’est un hymne à la poursuite du succès sur des mélodies grandiloquentes, avec un solo de guitare qui oscille entre le sublime et le ridicule, sans oublier Hellwig qui joue à fond la caisse alors que la chanson se dirige vers sa fin.

« Beacons », par contre, est le morceau le plus direct de Foxing, et il est certain qu’il résonnera d’une manière similaire à celle de la chanson titre de Nearer My God. Cette composition vante un caractère dance-pop et est sans doute le refrain le plus fort que le groupe ait écrit jusqu’à présent. Elle se marie bien avec « Draw Down the Moon, une chanson d’amour grandiose pour ceux qui la poursuivent en dépit de ses – et de leurs – imperfections : « (Through the valleys in the dark/I fall apart, you pick me up/As impossible as I can be » (À travers les vallées, dans le noir, je m’effondre, tu me ramasses, aussi impossible que je puisse être). Aimer et être aimé, avec tous ses défauts, est ce que l’on peut demander de mieux, et les déclarations de Murphy sont intensément ressenties. De la même manière, la déferlante « Bialystok » chante les louanges de la connexion émotionnelle, un doigt d’honneur en guise de représailles face à un univers froid et indifférent. La signification cosmique est un thème majeur de l’album, tout comme l’idée que la vie continue malgré les traumatismes et les revers. Ce groupe, comme il l’a déjà prouvé et le prouvera sans doute encore, est résistant.

L’avant-dernier morceau, « If I Believed In Love », est divisé en deux, avec des couplets pensifs et un refrain cathartique. Il s’agit d’un autre exemple de la capacité du trio à s’aventurer dans de nouveaux territoires musicaux, apparemment à volonté, et à préparer « Speak With the Dead » pour clore l’album. Il le fait avec aplomb, structuré plus comme une suite qu’autre chose, son récit poignant de Murphy souhaitant contacter quelqu’un qui est décédé fournit une conclusion émotionnelle appropriée à un album qui plonge dans les profondeurs sombres mais est toujours guidé par le clair de lune. Avec l’aide de Yoni Wolf de Why? aux chœurs, la chanson se construit progressivement jusqu’à atteindre un point culminant, alors que Murphy décide d’honorer le défunt en existant tout simplement : « Où que j’aille, tu es là » (Wherever I go, there you are). Le morceau s’évanouit dans l’éther, laissant à l’auditeur un bref moment pour réfléchir à tout ce qui s’est passé auparavant. Foxing continue de se surpasser, et Draw Down the Moon est à la fois son album le plus concentré et le plus accompli à ce jour.

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Roland Kayn: « Zone Senza Silenzio »

27 août 2021

Nous avions côtoyé les œuvres de Roland Kayn au fil des ans, sans jamais franchir le pas. Aujourd’hui, avec la réapparition de son label Reiger-Records-Reeks (géré par sa succession – Kayn est décédé en 2011) et leurs sorties numériques continues de nombreuses œuvres inédites, nous devrons peut-être passer du statut de simple curieux de Kayn à celui d’auditeur plus sérieux.

Enregistrée en 2004, Zone Senza Silenzio est une oeuvre de 55 minutes composée d’éléments électroniques et synthétiques qui se situe à la frontière de la musique électronique « classique » (à la Stockhausen), de Kosmiche et de la dark ambient moderne. On peut dire que Kayn est un influenceur des deux derniers et un contemporain du premier, mais ces notions ne sont que des points de référence. La musique de Kayn est un animal à part entière.

Générée électroniquement par des configurations personnalisées qui utilisent l’indétermination aussi bien que la direction intentionnelle, Zone Senza Silenzio utilise des oscillations métalliques, des drones, des vagues de sons abstraits et des électroacoustiques croustillantes.

Les textures sont généralement rugueuses et l’ambiance est sombre. Les couches et certains des segments les plus déformés ressemblent à des synthétiseurs passés au crible d’une série de filtres et peut-être d’une touche de manipulation active des boutons. Mais ces murs de bruits chatoyants sont à la fois durs et exaltants. La plupart des « mélodies » sont assez courtes, mais réapparaissent sous diverses formes tout au long de l’album.

Tout au long d’une première écoute, on ne peut d’empêcher arrêté de chercher le bouton de volume pour l’augmenter. Ces efforts étaient gratifiants et sans doute nécessaires pour apprécier les détails subtils de Kayn, même si certains des passages les plus dynamiques étaient dérangeants. Néanmoins, pendant près d’une heure, mon attention était étroitement concentrée sur les structures bizarres émanant de nos enceintes.

Les recettes de ce disque et de beaucoup d’autres de la nouvelle série de disques de Kayn sont destinées à des œuvres de charité. Une raison de plus pour les télécharger sans créticences.

***1/2


Lucy Railton & Kit Downes: « Subaerial »

26 août 2021

Beaucoup de choses semblent impossibles dans Subaerial. À travers sept duos spontanés, Lucy Railton et Kit Downes jettent des sorts sonores captivants à l’aide de violoncelles, d’orgues et d’espaces vides. Enregistré à la cathédrale de Skálholt, dans le sud de l’Islande, le duo voyage à travers de vastes paysages, utilisant diverses formes de drone, d’improvisation libre et de musique classique moderne comme pierres de touche avant d’effacer toute notion de catégorisation. Subaerial est une exploration envoûtante de mondes sonores divins.

Railton et Downes ont une profonde compréhension qui agit comme un tissu conjonctif tout au long de Subaerial. Le morceau d’ouverture, « Down to the Plains » s’ouvre sur des interactions microtonales qui rappellent la lumière violette et jaune de l’aube et la finalité de ces teintes de pollution. Les notes d’orgue de Downes oscillent entre tension et catharsis, Railton alternant les bourdons texturaux gémissants à l’archet et les coups de pincement doux et rampants. Chaque fibre du titre est tournée vers l’avenir tout en prétendant ne pas savoir quelles horreurs se cachent derrière. Des moments de clarté pleine d’espoir émanent des échos modulants du violoncelle de Railton, tandis que l’orgue se lamente dans des tons pensifs et creux. 

Subaerial s’épanouit dans sa profondeur auditive. « Torch Duet » danse étrangement sans rythme, les tonalités aiguës nous avertissant que rien de bon ne nous attend. La résonance naturelle de la cathédrale retient les complaintes du violoncelle de Railton dans l’air, comme un spectre distillé dans du verre qui attend d’être libéré pour hanter à nouveau ces confins. La construction méthodique du drone et les interactions subliminales de Railton et Downes culminent dans la bourrasque sonore gothique qui est comme une libération massive de pression tirant le feu dans le dôme céleste. Il n’y a pas de place pour respirer, le duo hurle et glisse dans des couloirs à la vitesse de la lumière avant de tomber dans le noir. 

Railton et Downes savent non seulement faire ressortir le meilleur de leur jeu respectif, mais aussi ouvrir de nouvelles zones à explorer. Après le tentaculaire « Torch Duet », un court et doux goût de fantaisie séduit sur « Partitions » avant que le duo ne baisse le rideau sur les souvenirs magnétiques et obsédants qui flottent dans « Of Living and Dying ». Sur une toile de fond grise, les accords d’orgue méditatifs de Downes s’élèvent doucement tandis que le violoncelle de Railton projette des boucles émotionnelles dans le ciel. L’émerveillement tranquille à la fin de toutes choses pique. Subaerial se désintègre dans l’éther, et nous restons dans le silence à douter de nos souvenirs et à nous poser des questions.

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Lingua Ignota: « Sinner Get Ready »

26 août 2021

Il n’y a absolument rien de réducteur à comparer la musique de Kristen Hayter (alias Lingua Ignota) à celle d’autres artistes. En fait, l’artiste a achevé une carrière universitaire prestigieuse en canalisant ses propres expériences à travers des figures allant de Jean-Sébastien Bach à Andrey Markov. C’est pourquoi il est logique de faire appel à des musiciens comme Diamanda Galás, Jarboe et Lydia Lunch pour expliquer comment Lingua Ignota livre un art aussi vulnérable de manière aussi brutale.

Lingua Ignota est prête à partager les méthodes des femmes susmentionnées pour exprimer des traumatismes réels en s’appropriant une imagerie représentative qui est souvent liée à la victimisation, comme sur son album datant de 2019, Caligula. Son quatrième opus, Sinner Get Ready, n’explore pas seulement sa propre éducation chrétienne, mais aussi le privilège de masse qu’elle est capable de répandre parmi ses adeptes, en particulier au sein de sa communauté actuelle dans la Pennsylvanie rurale. Mais, comme le montrent des morceaux comme le lyriquement dramaturgique « I Who Bend the Tall Grasses » et l’intime, sample en forme de de prière « The Sacred Linament of Judgment », l’art classique de Lingua Ignota n’est pas aussi efficace lorsque l’auditeur tente de disséquer ses dispositifs tactiles, mais semble plus émouvant lorsque tous les faux-semblants sont abandonnés et oubliés.

Au fil de neuf compositions, Lingua Ignota encadre son piano traité avec des cloches d’autel, des enregistrements de terrain, des chants, des cordes orchestrales et un style vocal opératique contrôlé, afin de canaliser un large éventail d’humeurs. Mais il n’y a rien de mercuriel dans son quatrième LP, car le lugubre et délicat « Pennsylvania Furnace » (qui décrit un homme traîné en enfer par ses chiens) et l’exceptionnellement sombre et larmoyant « Perpetual Flame of Centralia » font que Lingua Ignota ressemble plus à un témoin de l’exploitation décrite qu’à une fatalité.

Sur des morceaux comme « The Order of Spiritual Virgins », qui ouvre le disque en neuf minutes, et « Many Hands », qui est un chant funèbre à l’orgue, Lingua Ignota fonctionne sur la patience spatiale, Hayter construisant de manière experte la tension à travers les flux et reflux sonores. Cela donne lieu à une heure de musique incroyablement exploratoire, malgré l’ambiance sombre qu’elle crée tout au long de l’album, comme en témoignent l’accompagnement au banjo « Repent Now Confess Now »et la conclusion presque mélodique « The Solitary Brethren of Ephrata ».

Comme Hayter a commencé sa carrière musicale en tant que spécialiste de la musique et de l’art, elle s’assure que les paroles qui hantent son dernier album sont aussi cauchemardesques que sa musique. Sa description de l’iconographie religieuse, remplie du sang de Jésus et de la torture aux mains de ceux qui jugent, est aussi horrifiante que les paroles de doom metal les plus dépravées. Sinner Get Ready n’est rien de moins qu’un album d’une efficacité saisissante, qui ressemble plus à une incantation qu’à une simple collection de chansons.

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James Welburn: « Sleeper In The Void »

26 août 2021

James Welburn évoque certainement un sens de l’épique avec ce nouvel album, Sleeper In The Void. Le plaisir réactif qu’est « Raze » brûle rituellement dans votre esprit comme un fantôme agité, puis est plongé dans un bain corrosif de bruit granuleux, se tordant à la manière de Soliloquy For Lilith sur des paraboles de basse et des scintillements de recul percussif jusqu’à ce que le drame prenne des couleurs divergentes et un mirage serpentin.

Une atmosphère magistrale, le magnifique frottement de « Falling From Time » reprend, tout en prisme et en pivotement, sa techno agrafée mâchée dans une bouilloire tendue et une caisse de résonance en forme de balle, alors que des cinématiques scintillantes s’y faufilent. Là où d’autres plongeraient dans une tempête de neige d’un abandon distordu, ici vous êtes traité avec des vues sculptées qui se fondent dramatiquement dans l’oreille, ajoutant de nouvelles perspectives sur le déroulement.

L‘oasis sombre de frettes et de cloches d’église sur le morceau titre suinte une sensibilité doomique qui n’a pas de place pour le cliché, et qui est soudainement percutée par de très belles percussions lugubres qui brillent par leur physicalité transpirante (grâce au batteur suédois Tomas Järmyr). Des scènes qui s’agitent, se vautrent dans une opacité croissante, puis sont déchirées par Icare, laissées à elles-mêmes pour manger harmonieusement leur miroir.

Ce sont des textures que l’on peut goûter, absorber – ces guitares tronçonnées qui accompagnent les croissants vocaux de Juliana Venter sur « In And Out Of Blue » sont de véritables montagnes russes de prouesses de production, attentives et vacillantes, serpentant la structure avec des accents excitants. Un gambit qui injecte dynamiquement le bourdon lugubre du morceau suivant, « Parallel », dans un contraste saisissant, alors que le bourdon distendu de la trompette de Hilde Marie Holsen se morigène en fractures en forme de sabre et en crevasses murmurantes, une ouverture frottée d’aubépine qui s’enfonce dans votre tête et scintille comme une hallucination léchée par la chaleur.

Ce qui laisse le shuffle techno pourri du dernier morceau pour fournir une épitaphe satisfaisante, fouetté par une rançon dans des métallisations éclaboussantes et des balayages arrière électrocutés, alors qu’une ballade tordue d’un seul mot éclabousse, engorgée d’abstractions vocales. Sleeper In The Void est un voyage audacieux et aventureux qui aboutit à un oubli béat.

***1/2


Beatriz Ferreyra: « Canto+ »

26 août 2021

Les enregistrements des compositions électroniques de Beatriz Ferreyra ont historiquement été difficiles à trouver, mais dernièrement, sa musique a commencé à atteindre un public plus large. En 2015, le travail de Ferreyra avec l’organisation pionnière de la musique concrète, le Groupe de Recherches Musicales (GRM), a été présenté sur un disque rétrospectif de Recollection GRM, apportant une nouvelle attention à sa pratique. En 2020, Echoes+ – un disque de Room40 centré sur la recherche d’un sens à la mortalité – a propulsé sa musique sur le devant de la scène, tout comme un album de Persistence of Sound de 2020 intitulé Huellas Entreveradas. Canto+, un autre disque de Room40, est le suivant, présentant un éventail éclectique de pièces issues des quatre dernières décennies de la longue carrière de Ferreyra. L’album de cinq titres est court et agréable, offrant un aperçu rapide et complet de l’éventail de la musique de Ferreyra.

Les compositions de Ferreyra ne s’appuient pas sur des motifs complexes ou des fourrés sonores denses pour captiver les auditeurs. Elle laisse plutôt les notes se dérouler à leur guise. L’intrication vient des textures qu’elle superpose et écrase – croquements et scintillements, anneaux perçants et bourdonnements flous. Canto+ réussit à réunir un mélange éclectique de sa musique, en mettant en évidence son sens de la simplicité. Certains morceaux de l’album sont percutants et futuristes, tandis que d’autres vivent dans des limbes glaciales, mais tous canalisent la capacité de Ferreyra à ralentir et à récolter les bénéfices de chaque instant.

Chaque plage de Canto+ témoigne d’une attention minutieuse aux détails : chaque rebondissement, chaque pincement et chaque bourdonnement sont placés de manière experte, et il est évident que Ferreyra est aussi à l’aise pour créer de la flottaison que de la liminalité. Dans « Étude aux sons flegmatiques », des sonneries éparses flottent dans un arrière-plan lointain tandis que des sons hantés murmurent en dessous, tandis que « Canto del Loco » ouvre l’album avec des étoiles filantes bondissantes qui ondulent sur des couches de carillons robotiques. La musique passe facilement de timbres lumineux à des rumeurs désespérées, même en quelques notes seulement.

Les sons futuristes de Ferreyra cachent également des motivations personnelles : « Jingle Bayle’s » et « Au revoir l’Ami » sont deux dédicaces à des amis proches, et Echo+ est centré sur l’histoire douloureuse de sa nièce. Cette intimité est subtile dans sa musique, mais omniprésente : ses détails méticuleux et son toucher fin donnent l’impression que sa musique est liée à une humanité plus profonde. Ferreyra travaille dans le domaine de la musique électronique depuis les années 1960 – résumer sa pratique en un seul album semble impossible. Mais Canto+ se concentre sur les parties les plus critiques de ses compositions, nous rappelant que chaque aspect de sa musique est soigné, des plus infimes aux plus philosophiques. Une approche subtile et envoûtante de l’électroacoustique texturale.

***1/2


Arooj Aftab: « Vulture Prince »

26 août 2021

Arooj Aftab est née au Pakistan et réside actuellement à Brooklyn aux États-Unis. Il est clair que ses racines ne sont jamais loin de son esprit. Avec son troisième album, Vulture Prince, elle nous offre un aperçu de ses réflexions acoustiques sur la perte. Chaque morceau vous touche d’une manière différente et vous éclaire d’une manière romantique et festive. Faire son deuil, c’est se languir, c’est se rappeler de sourire, quel que soit le chagrin que l’on ressent maintenant.

Aftab a perdu son jeune frère pendant l’écriture de son nouvel album et si la perte est omniprésente, elle est dépeinte dans un état calme et réfléchi. Cela pourrait être les guitares à combustion lente de « Saans Lo » qui évoquent une vibration gentille de Cocteau Twins croisée avec une prière au coucher du soleil. La voix feutrée mélangée à un scintillement lointain d’harmoniques de guitare et de souffle de vent constitue une expérience discrète mais profonde. Il pourrait s’agir de la voix dynamique d’Aftab, qui oscille entre harpes et violons sur « Baghon Main ». « Diya Hai » donnera l’impression que les sables mystérieux du temps changent les points de vue et les perspectives. Le riff est simple, mais la liberté de ce qui l’entoure est à nouveau cathartique et réconfortante.

D’autres morceaux s’éloignent de la formule acoustique simple. « Last Nigh » » mêle des éléments urbains et Arooj Aftab chante l’un des rares morceaux en anglais de l’album. Ici, le rythme a un swing reggae et le groupe est jazzy. Cet élément jazzy revient pour le morceau le plus proche, « Suroo », où une basse droite, une harpe, un synthé et une voix créent un morceau uptempo. Au fur et à mesure que le morceau progresse, il se rapproche d’un écho psychédélique, comme si tout devenait un mirage. L’une des caractéristiques de l’album d’Ajoor est que chaque chanson est une visite de lieux ou d’états d’esprit antérieurs. Le fait qu’elle les laisse dans une brume est assez révélateur du caractère temporaire de tout et de tous ceux qui nous entourent.

Les deux morceaux les plus longs sont le glorieux « Inayaat » qui fusionne harpe, piano, violon et voix dans une célébration éthérée. Signifiant « soin » ou « protectio » », le morceau a un aspect maternel, aidé par un magnifique travail de bugle. Le bugle revient pour le raj de « Mohabbat »qui est à la fois dévotionnel et plein d’amour. Ajoutez quelques percussions légères et des gazouillis d’oiseaux matinaux et vous obtenez une délicate illumination sur huit minutes de musique joyeuse.

Vulture Prince » est un album magique. Arooj Aftab a le don d’ajouter des tas de petites couches de musique qui donnent une impression de légèreté et de fluidité. Sa voix est absolument divine, elle calme votre âme sans effort tout en transmettant l’émotion. Elle parvient à faire sonner tant de choses comme si c’était si peu, tout en créant un impact colossal avec chaque bruit. Époustouflant.

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Mike Doughty: « Stellar Motel »

23 août 2021

Cela fait maintenant plus de deux décennies que l’on écoute Mike Doughty chanter des chansons. D’une certaine manière, cela peut paraître long pour suivre un artiste qui fait ce qu’il fait… mais Doughty semble toujours trouver un moyen de rafraîchir ce qu’il fait, de faire en sorte que quelque chose de vieux semble quelque peu nouveau et vibrant. En fait, c’est probablement le meilleur mot qu’on puisse trouver pour décrire Doughty : Vibrant.

Si vous n’avez jamais entendu parler de Doughty (même si on ne voit pas comment cela pourrait être possible), voici un petit cours de rafraîchissement. Doughty a commencé dans les années 1990 avec son groupe Soul Coughing. Ils ont produit d’étonnants disques acidulés et jazzy, remplis de paroles de poètes aux rythmes accrocheurs et de samples groovy. Puis Doughty s’est lancé en solo, a enregistré un album acoustique et l’a autoédité bien avant qu’Internet ne rende cela plausible. Puis Doughty a enregistré d’autres albums, a signé avec le label de son ami Dave Matthews, a fait d’autres disques, a quitté ledit label, a fait un autre disque, a autoédité un tas de démos via son site Web à ses meilleurs fans, a réenregistré un tas de morceaux de Soul Coughing et en a sorti un disque cool, et tout cela a été fait en maintenant l’une des meilleures présences en tournée de l’histoire du rock and roll moderne. Les « Question Jar Tours », au cours desquels Doughty répond aux questions que les membres du public ou les harceleurs sur Internet lui ont laissées entre les chansons, sont toujours une bonne soirée de plaisir. Il y a beaucoup de détracteurs dans le monde qui prétendent ne pas aimer Doughty pour un certain nombre de raisons, mais je leur ris au nez et je proclame simplement que Doughty, contrairement à tant d’autres, continue à produire de la bonne musique qui est facile à écouter et honnêtement, une tonne de plaisir.

Cela nous amène à Stellar Motel. Sorti à u milieu de ladite tournée « Question Jar », Stellar Motel a un peu beaucoup de choses à faire. Doughty s’essaye à son tour au hip hop, et fait un travail admirable, prenant un genre qui a tendance à manquer de musicalité et tournant dans quelques airs brillants, chargés de grooves accrocheurs et d’un excellent rap. « The Champion » est plus une ballade, luxuriante avec des cordes et des paroles intelligentes jusqu’aux ¾ du chemin quand MC Frontalot intervient et offre un rap doux en invité. « Pretty Wild » est plus ce que l’on pourrait attendre du hip hop, et présente Doughty rappant, rejoint par Clare Bizna$$ et Ash Wednesday. Sur « Let Me Lie », Doughty rappe sur un rythme électronique étrangement cool inspiré d’Atari, qui rappelle plus Kraftwerk que 50Cent, mais lorsque Big Dipper, invité, rappe, les choses deviennent un peu plus urbaines.

Environ la moitié de l’album penche vers ce hip hop expérimental et le reste du disque reste plus dans ce qui serait considéré comme un territoire plus traditionnel de Doughty.

Le premier « single » de l’album est « Light Will Keep Your Heart Beating In The Future » et quelle chanson pour lancer l’album ! Des percussions cradingues et des banjos qui s’entrechoquent portent la quasi-totalité de la chanson, et Doughty crache l’une de ses plus belles poésies depuis quelques albums. « When The Night Is Long » est un hymne, avec des guitares qui carillonnent, des cordes luxuriantes et un rythme endiablé. Cette chanson s’appuie sur le même genre d’esprit que l’un des morceaux les plus populaires de Doughty, « I Hear The Bells », contient également. Cette composition contrastera fortement avec celle qui la suit immédiatement, « Oh My God Yeah Fuck It ». Elle est un exercice de bruit rythmique et de plaisir, avec l’ensemble de jazz ambient de Moon Hooch and Miss Eaves. Il peut être un peu difficile de passer à travers cette chanson, surtout qu’elle suit un morceau de pop si doux, mais une fois que les choses commencent à rouler, le rap de Doughty et les saxophones gémissants de Moon Hooch donnent une vision très agréable, hautement artistique et irrévérencieuse du hip hop. Miss Eaves est géniale, et ses raps sont parfaits.

Après une vingtaine d’années, la plupart des artistes ont tendance à perdre un peu du tranchant de leurs dents, mais pas Doughty. Il continue à explorer la musique d’une manière très artistique et poétique, sans se limiter à un style de musique particulier ou à un instrument. Sa programmation reste intéressante, ses textes restent graphiques et aigus, sa voix est meilleure que jamais car son chant continue de grandir et de mûrir en profondeur. Stellar Motel peut comporter quelques moments difficiles pour les auditeurs occasionnels, mais ceux qui ont suivi Doughty sur le long terme comprennent que c’est son art, et qu’il vaut bien chaque instant.

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