Hurts: « Faith »

Hurts a toujours été un duo difficile à épingler. Énorme dans toute l’Europe tout en ayant un peu de mal à reproduire ce succès ici au Royaume-Uni, le tandem de Manchester a tranquillement construit un catalogue lourd d’émotion et de grandiloquence en ré-outillant le modèle pop électronique selon ses propres désirs.

Ce nouvel album, leur quatrième à ce jour et le premier depuis un Desire datant de 2017, leur donne l’espace nécessaire pour remanier tranquillement leur son, en y introduisant des éléments nouveaux tout en restant fidèles aux textures gothiques qui leur ont valu un tel succès sur le continent. Une pop accomplie qui joue avec des formules electro tout en s’ouvrant rarement sur de nouvelles voies, c’est néanmoins une expérience agréable, qui équilibre une créativité curieuse avec des pics émotionnels en pleine expansion.

La première partie de « Voices », par exemple, ajoute une teinte latine à la Rosalia grâce à cette ligne de guitare, tandis que le phrasé façon opéré de Theo Hutchcraft rappelle l’âme perdue de Billy MacKenzie de The Associates. « Suffe » » est une ballade pensive, enveloppée dans l’obscurité, le genre de bombardement que peu de groupes peuvent réaliser avec un aplomb aussi naturel.

Mais il ne s’agit pas ici que des nuances de pop crépusculaire. La production de « Fractured » semble canaliser le futurisme de Missy Elliott depuis son apogée à la fin des années 90, les capacités d’Adam Anderson étant poussées à leur limite. De même, l’électronique scabreuse de « Somebody » pousse Hurts dans un tout autre domaine.

En fin de compte, Faith porte t’émoignange du groupe dans le cadre esthétique qu’il s’est, peu à peu, forgé. Curieusement, c’est aussi leur quatrième album d’affilée à utiliser un titre en un seul mot. Hurts sait ce qu’il fait, et bien que certains changements soient marqués – une utilisation accrue des tropes de future-pop, par exemple – l’album est un renforcement habile de sons familiers.

En se terminant par une tentative de trouver l’espoir au milieu du désespoir avec « «Darkest Hour », Faith est façonné pour faire vibrer l’armée de ses fans, en équilibrant des idées nouvelles à sa mélancolie glamour.

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Linea Aspera: « LP II »

L’absence rend le cœur plus tendre, et c’est certainement le cas avac Linea Aspera. Un an seulement après leur premier album, le duo cold/minimal wave s’est séparé en 2013, et, depuis lors, leurs premiers travaux ont pris la direction plus audacieuse prise par les groupes darkwave et synthés de toutes tendances ces dernières années. Leur culte n’a fait que s’intensifier depuis 2013 : l’annonce de la reformation d’Alison Lewis et de Ryan Ambridge pour des concerts l’année dernière a fait déferler des vagues dans le monde de la musique sombre, et l’attente du LP II est très forte. Mais bien sûr, les deux hommes, en particulier Lewis sous la houlette de Zanias, n’ont pas été très enthousiastes dans l’intervalle, et l’intrigue de ce LP II allait toujours être de savoir comment Linea Aspera allait concilier son travail intermédiaire (si tant est qu’il l’ait fait) avec l’éthique originale du groupe. Une grande partie de l’album semble avoir été consacrée à l’étude des premiers styles de synthétiseurs dont le duo s’est toujours inspiré – en évoquant les sources d’ur de la minimal wave et de la synthpop – et en y ajoutant son propre éclat.

Cette approche « revampée » est très utile à Linea Aspera, car elle permet à l’auditeur d’avoir un aperçu clair et familier de la plupart des morceaux avant de les séduire avec des charmes plus subtils. L’étrange récit d’isolement et d’exploitation qui traverse « Redshift » trouve ses racines dans la bedroom-synth la plus hantée et lea plus dépouillée du début des années 80, mais les légères touches supplémentaires de la programmation ajoutent une brume désorientante, presque tropicale, au cauchemar. « Equilibrium » commence par une programmation de batterie fine et écho qui suggère également la moto NDW, mais alors qu’elle commence à s’étoffer d’arpèges analogiques et du chant de Zanias, rêvassant avec apathie tout en plongeant tête baissée dans l’oubli, ses nobles ambitions disco deviennent apparentes, sur « I Feel Love » par exemple

Le poids émotionnel et l’âpreté avec lesquels Lewis s’est fait connaître comme l’une des (sinon la) première chanteuse de n’importe quel monde adjacent à une vague que l’on voudrait nommer est visible, notamment dans les titres « Solar Flare » et « Wave Function Collapse ». Ces thèmes lourds et capiteux étaient présents dans le travail de Linea Aspera dès le départ, mais ici Lewis ne ramène qu’un soupçon des paroxysmes vocaux primordiaux qu’elle a apportés à « Into The All. » En pliant les dernières notes alors qu’elle chante « I know what you’re capable of / I saw it on the shores of Ithaca » sur « Solar Flare », il est impossible de dire quel acte de dépravation, de bravoure, ou les deux (le meurtre des prétendants de Pénélope vu du point de vue de Télémaque ?) est référencé, mais sa gravité est indéniable.

Les sons avec lesquels Linea Aspera travaille ont toujours bénéficié d’une implication plutôt que d’une indulgence. Lewis et Ambridge sont plus expérimentés ici, et apportent beaucoup de nouveaux trucs et de nouveaux sons à un modèle qui a maintenant quarante ans, mais ils ne donnent jamais le jeu. Recommandé.

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Metallica: « S&M2 »

Cela fait plus de 20 ans que Metallica a collaboré pour la première fois avec le San Francisco Symphony sur leur album live dénommé de manière effrontée S&M. À l’époque, le jumelage d’un groupe de métal avec un orchestre était encore une idée nouvelle et, aussi mitigée que soit sa réception, on peut dire qu’il s’agit de l’un des albums de rock symphonique les plus marquants de tous les temps, aux côtés du Concerto for Group and Orchestra de Deep Purple.

Au cours des décennies qui ont suivi la sortie de S&M, le monde du rock a vu des offres symphoniques en direct de Dream Theater, Kiss, les Scorpions et Aerosmith, entre autres. En tant que tel, S&M2 semble, tout comme de nombreuses de ses suites, moins essentiel que l’original, mais pas seulement parce que le concept a fait son temps. Enregistré lors d’un concert en septembre 2019, la setlist de l’album est similaire à celle de son prédécesseur, tout comme la plupart des arrangements orchestraux. On ne peut s’empêcher de se demander à quoi pouvaient ressembler des versions à cordes de classiques comme « Harvester of Sorrow », « Creeping Death », « Welcome Home (Sanitarium) » et « Fade to Black ».

Pourtant, S&M2 est une expérience en grande partie passionnante. En tant qu’artistes live, le groupe est plus soudé que jamais et le grognement grinçant caractéristique du frontman James Hetfield reste intact tout au long de l’album, n’évoluant qu’occasionnellement vers le yodel désaccordé qui a gâché de nombreux concerts du groupe à la fin des années 90 et au début des années 2000.

Le Heavy Metal a toujours été plus qu’une simple agression brute, et le meilleur travail de Metallica joue sur la lumière et l’ombre, la « sturm et le drang » chères à certains artistes allemends. Il est vrai que les parties orchestrales de plusieurs de ces chansons sont moins imaginatives pendant les sections plus rapides et plus thrash, et qu’elles ressemblent parfois à ces musiques de scènes de film d’action. Mais lorsque Metallica recule, optant pour un rythme lent sinistre plutôt que pour une attaque à plein régime, les cordes et les cors passent au premier plan, enveloppant la batterie et les guitares de contre-mélodies électrisantes.

La plupart des chansons qui ne figurent pas sur le premier S&M sont issues de la production récente moins impressionnante du groupe et, bien qu’elles soient interprétées avec compétence, elles ne sont pas nécessairement les mieux adaptées à un accompagnement orchestral et n’offrent pas non plus beaucoup d’arrangements intéressants. Il y a néanmoins quelques surprises : une reprise de « The Iron Foundry » du premier compositeur soviétique Alexander Mosolov, une version acoustique de « All Within My Hands » » autrement très percutante, et la ballade « The Unforgiven III » » dans laquelle Hetfield est soutenu par l’orchestre seul.

Le plus captivant et le plus emblématique de l’ensemble est sans doute le solo du bassiste symphonique Scott Pingel, qui interprète l’intégralité de la pièce solo « Anesthesia (Pulling Teeth) » de feu Cliff Burton, pleine de couches de distorsion électrique. Burton était un passionné de musique classique, et on dit qu’il a introduit des éléments comme l’harmonie et la sophistication dans les premiers pas de Metallica. Ne serait-ce que pour cette raison, S&M2 met ledit opus en valeur.

***1/2

Everything Everything: « Re-Animator »

Les héros art-pop de Manchester apprennent à faire la lumière sur la sélection de onze titres Re-Animator, d’une grande créativité. Ce cinquième disque du groupe se veut inspiré, dépassant la dystopie mondiale de Get To Heaven de 2015, tout en retraçant les touches personnelles qui ont fait de l’ensemble A Fever Dream nominé aux Mercury en 2017, un véritable rêve.

Le générique « Lost Powers » louvre l’album sur un cri d’alarme, avec les superbes notes de falsetto de Jonathan Higgs qui se mêlent à quelque chose d’un peu plus brut. Puissant et lettré, « Big Climb » utilise des couches de pop béatifique, avant de culminer dans ce plaidoyer désemparé : « J’ai peur qu’ils nous tuent tous… » (I’m afraid they’re gonna kill us all…)

Disque mince et tendu tout en permettant une incroyable ampleur, Re-Animator est animé par un réel sens de l’objectif. « It Was A Monstering » traverse Radiohead de l’époque Kid A, illuminant ainsi l’humanité, tandis que la pop synthétisée de « Planets » aspire à une évasion en gravité zéro dans sa touche mélodique.

« Arch Enemy » est, quant à lui, imprégné de la monstrueuse paranoïa de 2020, mais le groupe vise ici à être plus direct. Refusant de tirer sur la corde, les gants de Everything Everything ont beau être décorés de paillettes, ils sont ciselés par des contreforts en acier avec un Jonathan Higgs qui crache pratiquement ses mots.

Cela ne signifie pas, toute fois, que Re-Animator est un disque politique – du moins, pas dans le même sens que Get To Heaven. Au contraire, il semble être un concertina des meilleurs travaux du groupe – « In Birdsong » est charmant et quasiment angélique dans son expérimentalisme digi-pop, tandis que « Violent Sun » voit chacun de ses sens s’ouvrir vers l’extérieur en une sorte de surcharge mélodique.

Re-Animator est un disque d’une puissance soutenue qui rassemble les meilleurs éléments du groupe, offrant quelque chose de complexe mais d’accessible. Parade étincelante de la future pop, éclairée par une vision personnelle, Everything Everything charme par une ouverture d’espriit dont on espère qu’elle perdurera encore longtemps.

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The Brothers Steve : « #1 »

Suivant cette fière tradition de rock ‘n’ roll qui consiste à nommer des groupes de patronymes trompeurs, The Brothers Steve ne sont pas des frères, et aucun ne s’appelle Steve. Le groupe basé à L.A. joue sa propre marque de powerpop, avec une bonne dose de bubblegum ajoutée au mélange. Le combo a déjà sorti trois « singles » (dont un sur le thème de Noël), mais leur premier album  #1 contient sept nouvelles chansons, ainsi que trois morceaux qui figuraient sur ces « singles » (uniquement en numérique).

En accord avec l’esthétique des dessins animés de The Brothers Steve la musique du premier album fait fortement écho à celle des Vandalias, un groupe powerpop sur le thème des dessins animés, immortalisé sur l’un des sets essentiels de Jordan Oakes, les Yellow Pills. Mais les chants enjoués sont soutenus par une musique plus dure, qui rappelle Redd Kross dans sa pop punk la plus intelligente.

Les harmonies et les vocaux sont une tuerie et  #1 nous gratifie les deux en grande partie. Le riff musclé d’ »Angeline » est équilibré par le solide travail vocal du groupe. « She » n’est pas un classique des Monkees, mais c’est néanmoins un solide morceau de jangle-pop, avec quelques changements d’accords gagnants et de la subtilité dans le « rocking-out ».

Le groupe change de style tout en opérant dans le genre qu’il a choisi. « Carolanne » est une pop douce et mélodieuse qui rappelle Matthew Sweet. Le titre et le refrain de l’un des morceaux les plus forts de l’album s’exclame « We Got the Hits », et bien que cela puisse être exact ou non dans un contexte commercial, en termes de qualité, The Brothers Steve tient cette promesse. En outre, le « C’mon Pappy »» aux accents psychédéliques, canalise l’ambitieux rock mélodique de ces musiciens légeandaires des années 1960 à Los Angeles.

Poursuivant sur ce thème des années 60, l’ouverture de la deuxième partie, « Songwriter », suggère ce à quoi cela pourrait ressembler si The Stooges et The Monkees avaient accroché. (En d’autres termes, cela rappelle Redd Kross.) Précédemment sorti – bien qu’avec un mix différent – sous la forme du « single » numérique, l’accrocheur « Carry Me » sera certainement un titre qui deviendra culte.

Les applaudissements trouvent souvent leur place dans le pop rock, et ils sont très à l’aise sur « Good Deal of Love ». Cette chanson n’est peut-être pas une innovation stylistique, mais c’est une musique mémorable et bien conçue. De son côté, « Beat Generation Poet Turned Assassin » met en évidence le sens de l’humour irrévérencieux, axé sur la culture pop, qui imprègne la musique de Brothers Steve. La chanson elle-même est caractérisée par un jeu énergique, des accords de puissance déformés, une basse insistante, encore plus d’applaudissements et un refrain contagieux qui vous fera chanter. Il se pourrait bien que ce soit le morceau le plus fort du disque.

The Brothers Steve prendront une direction très différente avec un « Sunlight », du style Unplugged se caractérisant par un chant de tête doux, beaucoup de guitare acoustique, un joli morceau de piano électrique et des harmonies vocales proches. C’est un peu déplacé sur cette collection de rockers uptempo, mais cela montre bien que The Brothers Steve ont du talent et de la polyvalence à revendre.

***1/2

The Flaming Lips: «American Head»

The Flaming Lips, un groupe qui n’a pas peur de faire des changements radicaux, fait de la musique depuis 36 ans et pendant tout ce temps, peu de choses égalent American Head. Encore et toujours, ils ont mené des expériences qui ont fait couler des groupes de moindre importance. Zaireeka a eu besoin de quatre systèmes de lecture différents synchronisés simultanément pour capturer toute sa gloire. D’autres sorties ont été réalisées avec des fœtus en gélatine et des cœurs en chocolat noir. Si l’emballage a pu être une source d’inspiration, le combo a également repoussé les limites sonores de sa musique. Et c’est là que la formation laisse les autres disques dans la poussière.

Malgré une musique parmi les plus belles qu’ils aient jamais créées, ce disque contient aussi des moments incroyablement sombres. D’emblée, « Will You Return/When You Come Down » est incroyablement déprimant : « .Étoile filante / Accident dans votre voiture / Ce qui a mal tourné / Maintenant tous vos amis sont partis » ( Shooting star/ Crashing in your car/ What went wrong/ Now all your friends are gone), Wayne Coyne chante à la guitare acoustique, aux cloches et au piano. Pour un premier essai, ce doux lavage n’est pas exactement ce à quoi on s’attend.

Toutes les chansons semblent jaillir des banques de mémoire de Coyne, qui se penche sur les gens et les lieux, les temps passés, les vies antérieures. Certaines d’entre elles ne sont pas faciles à prendre, mais dans d’autres endroits, les souvenirs s’effacent beaucoup plus facilement. « Flowers of Neptune 6 » rappelle un voyage dans l’acide, « Le soleil jaune se couche lentement/ Faire de l’acide et regarder les insectes lumineux briller/ Comme de minuscules vaisseaux spatiaux en rangée/ La chose la plus cool que je connaisse » (Yellow sun is going down slow/ Doing acid and watching the light bugs glow/ Like tiny spaceships in a row/ The coolest thing I’ll ever know). Pourtant, la chanson n’est pas sans sa part de tristesse.

Cela semble être l’un des thèmes sur lesquels Coyne revient sans cesse dans American Head, l’idée que rien n’est isolé. Comme le note Coyne, « Notre musique préférée est le désir et elle est triste, mais elle est aussi positive et optimiste et elle parle de la mort et de la vie ». Ce sentiment que ces contradictions existent en même temps semble être au cœur de l’album. Au milieu des synthés et des cordes de « Mother I’ve Taken LSD », Coyne chante en termes déchirants : « Maintenant, je vois la tristesse dans le monde/ je suis désolé de ne pas l’avoir vue avant » (Now I see the sadness in the world/ I’m sorry I didn’t see it before . Ceci n’est, effectivement, pas exactement le genre de voyage que la plupart des gens recherchent.

Dans « You n Me Sellin’ Weed », le même Coyne chante le rôle d’une célébrité du trafic de drogue, et pourtant, on n’arrive pas à se débarrasser du sentiment que les choses ne sont pas exactement ce qu’elles semblent être. Parce qu’en fin de compte, lui et sa petite amie sont toujours confrontés aux réalités d’une vie qui n’a pas exactement joué comme ils l’attendaient. « Ouais, Danny et Grace ont tout compris/ Il vend de la coke pendant qu’elle travaille à l’abattoir/ Tu dois vivre ce que tu fais/ J’ai du sang dans ma chaussure » (Yeah, Danny and Grace got it all figured out/ He’s dealing coke while she works at the slaughterhouse/ You gotta live what you do/ Got blood in my shoe). La sirène synthétisée à la fin des chansons rend compte de l’ironie de la situation.

L’un des chefs-d’œuvre de l’album est « Mother Please Don’t Be Sad », qui parle d’un vol à Long John Silver’s que Coyne a vécu alors qu’il y travaillait. « Quand on pense à la fin des années 70, au début des années 80, nous travaillions tous dans des restaurants », dit-il. « Certains faisaient de la musique, d’autres de l’art, mais on travaillait dans un restaurant pour gagner un peu d’argent ». Rempli de cordes, c’est une fantaisie de ce qui aurait pu se passer lors de son expérience derrière le comptoir à Oklahoma City.

Un autre aspect fascinant d’American Head est le choix de Kacey Musgraves comme partenaire de chant. L’entendre chanter « Do You Realize » à Bonnaroo en 2019, a conduit à une rencontre entre elle, Steven Drozd et Coyne où ils ont tous réalisé à quel point ils avaient en commun. Ses apparitions sur le disque ne sont qu’un exemple de plus de la façon dont The Lips ont tendance à faire ce qu’ils veulent, après tout Coyne and Co. a également enregistré avec Kesha, Miley Cyrus et Erykah Badu entre autres.

Ce que The Flaming Lips nous montrent sur American Head, c’est qu’ils sont toujours capables de faire de la musique qui nous fait réfléchir et nous inspire. C’est ce que font les grands groupes. D’après les manifestations ici présentes, ils ont encore ce qu’il faut.

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Klô Pelgag: « Notre-Dame-des-Sept-Douleurs »

À la fin du deuxième chapitre d’une carrière à peine commencée, la détresse psychologique a conduit Klô Pelgag à une difficile introspection dans cette existence qui est la sienne, et qui sera la sienne pour longtemps. Admettons qu’il en soit ainsi, car elle a le talent et le pouvoir nécessaires pour déconstruire son art sans le nier, pour le reconstruire, pour le faire vivre toute une vie et plus encore. Pelgag sait parfaitement que ce n’est jamais acquis pour personne : il faut du courage pour se relever après les gifles et toutes les grandes incertitudes, pour lâcher prise, pour faire tomber le nombrilisme, pour aller de l’avant, pour faire de sa douleur un carburant pour la création. Notre-Dame-des-Sept-Douleurs incarne une transformation importante dans le troisième chapitre : Klô Pelgag devient la compositrice, parolière, arrangeuse, coproductrice de son œuvre, de surcroît chef d’orchestre, seule maîtresse à bord. Elle s’autorise même des arrangements ambitieux pour la pop de chambre, une tâche complexe autrefois confiée à son frère Mathieu, éduqué et formé à ce titre. L’écoute attentive de ses trois albums conduit à ce constat : sur le plan harmonique, ses arrangements pour cordes n’ont peut-être pas encore acquis la profondeur, l’ampleur et la contemporanéité de ceux de ses deux premiers albums, à quelques exceptions près – le final de « La Maison Jaune », par exemple.

Une écoute superficielle laisse plutôt l’impression d’une continuité, ce qui n’est pas exactement le cas, mais cette œuvre présente les germes d’un discours orchestral distinct, et nous excluons ici les trois arrangements plus mûrs pris en charge par Owen Pallett, lauréat du prix Polaris (sous le pseudonyme de Final Fantasy) et proche collaborateur d’Arcade Fire. L’organisation des sons pour un big band (cordes, cuivres) est un apprentissage concluant, la dynamique dans un petit groupe diffère de ce que nous avons entendu auparavant de Klô Pelgag, ici on sent une nouvelle force se déployer, un esprit parfois rock. Mais ce qui est le plus remarquable dans cet album, ce sont les paroles et la voix qui les porte. Les mots sont organisés plus simplement, les explosions poétiques sont mieux mises en valeur, l’auteur ne ménage pas ses efforts et rogne pour le mieux. C’est certainement un album dont l’appréciation grandit avec le temps.

***1/2

Sophie Hunger: « Halluzinationen »

Kreuzberg, un quartier de Berlin, est une contradiction inquiétante. C’est un endroit à la fois étonnant et terrible où habiter. Avec sa scène musicale pionnière (punk rock des années 1970, puis rap et breakdance) et son festival culturel annuel, c’est un lieu d’inspiration pour les créatifs. D’un autre côté, c’est l’un des quartiers les plus pauvres et les plus chômeurs de la capitale allemande, avec des revenus très faibles. L’expatriée Sophie Hunger vit actuellement dans ce quartier et, étant née dans la capitale suisse, elle peut le voir sous un autre angle. Le septième album de la musicienne suisse, Halluzinationen, emmène les auditeurs dans sa nouvelle ville natale, à la rencontre de certains de ses habitants, et dépeint ce que peut être la vie dans un tel endroit. Un endroit où il est facile d’halluciner, alors qu’elle glisse entre solitude et imagination paranoïaque. Un voyage intense, amusant et sombre.

L’ouverture mystique qu’est « Liquid Air » présente à la fois le quartier de Kreuzberg et l’atmosphère trépidante qui règne dans la plupart de ces « Halluzinationen ». « Vous ne pouviez entrer que si vous passiez un test d’alcoolémie indiquant un taux d’alcoolémie supérieur à 0,2 %. J’y allais pendant les semaines où j’écrivais « Hallucinations ». L’air semblait liquide », avait déclaré Sophie Hunger lors d’une interview dans un endroit étrange selon ses termes où elle se rendait fréquemment avec son amie Magdalena. En raison des conditions d’entrée bizarres, elles étaient excessivement ivres à l’arrivée et la piste reflète la perception biaisée de la réalité lorsqu’elles sont ivres : « Je prendrais un coup de n’importe quoi, ta cocaïne dilatée, ton vin acide, ton rouge à lèvres. »

Au fur et à mesure que la chanson progresse, d’autres techniques de production sont utilisées, notamment le tournoiement des roues de vélo, ainsi que des chants fantômes, des masques et un son criard, techniques utilisées à de nombreuses reprises sur le dernier LP de Sophie Hunger, Halluzinationen, mais également adoptées par Agnes Obel – la Danoise qui est également une étrangère vivant à Berlin. L’influence d’Obel se fait également sentir dans les moments sombres et ombragés du piano – qui rappellent aussi les iamthemorning de leur période la plus gothique – avec un bon exemple de ce style sur « Bad Medication ». Une combinaison efficace du piano du pianiste français Alexis Anerilles et du programmateur de synthétiseur japonais Hinako Omori.

C’est un album assez multiculturel si l’on considère que trois des morceaux sont également en allemand (le morceau titre, ainsi que « Finde Mich » et le conte de fées malveillant « Rote Beeten aus Arsen »). « Je suis en train de changer physiquement / Je ne peux pas être patiente, je suis un patient ». Après la maladie, après le sevrage. Si ce morceau donne l’impression qu’elle est coincée dans le même centre de santé mentale que Jenny Hval dans The Practice Of Love, « Security Check » »est un scénario encore pire pour Sophie Hunger, qui perd la raison.

Rappelant « Plane » de Jason Mraz et « AF607105′ » de Charlotte Gainsbourg, le morceau suit les procédures avant et pendant un vol. Alors qu’elle s’efforce de rappeler le calme. « Mets ton dentifrice et mes chaussures dans une boîte séparée, ils ne savent pas grand chose des singes dans ma tête / Sentant tes mains quand tu me caresses, il n’y a plus rien de sûr en moi » (Put your tooth paste and my shoes in a separate box, little do they know about the monkeys in my head / Feeling your hands as you pat me down, there’s nothing safe about me now), chante-t-elle alors que l’électronique de Hinako Omori devient de plus en plus spatiale et hors de ce monde.

Le vertige sucré et le message sur « Everything Is Good » – qui semble avoir été produit en mangeant des Skittles – sonnent d’abord hors d’un endroit sur un album qui est autrement plus sombre et pensif. Cependant, dans le contexte de Halluzinationen, cela pourrait être Sophie Hunger prenant des pilules du bonheur. Elle a vu une illustration célèbre de David Shrigley à trois pouces sur une tasse – dont le morceau porte le nom – et est soudain devenue une éternelle optimiste. Bien qu’il puisse s’agir d’un sarcasme ou d’un discours d’encouragement après une crise de panique : « J’ai couru aux Jeux olympiques, j’ai montré la ligne d’arrivée, je suis arrivé dernière / Donc tout va bien, tout va bien ». ( I ran to the Olympics I showed the finish line I came last /So everything is fine, everything is fine)

L’un des meilleurs morceaux du nouvel album de Hunger est sans aucun doute « Maria Magdalena ». Magnifiquement écrit, avec des tambours jazzy, un piano lounge et des effets subtils tels que des gouttes d’eau et un tourbillon d’échos spectraux, Sophie Hunger interprète à merveille le sujet d’une amie travailleuse du sexe locale : « Tes dents, ton cou, tu me laves les pieds / Combien ça coûte ? » (Your teeth, your neck, you wash my feet / How much does that cost ?) et l’histoire biblique de Marie-Madeleine : « Chante-moi une nouvelle écriture sainte, elle coule dans ton âme. Ne sauve pas Jésus. » (Sing me a new holy scripture, it flows your soul. Don’t save Jesus)

Sophie Hunger et le producteur Dan Carey (qui a également produit son précédent disque Molecules) ont utilisé une technique dangereuse d’enregistrement en direct sur Halluzinationen et cela a été payant. Enregistré aux studios Abbey Road – Hunger n’est pas particulièrement connu au Royaume-Uni, mais c’est une sorte de trésor national dans son pays d’origine, ses cinq derniers albums ayant été classés dans le top 2 en Suisse. Il n’est donc pas trop surprenant qu’elle se produise dans un studio aussi prestigieux – le disque a été réalisé en prises continues, ce qui est remarquable parce que les morceaux se fondent les uns dans les autres de manière fluide et que l’objectif de ne pas faire d’erreurs ajoute une anxiété bien réelle à des paroles déjà appréhendées.

Et l’anxiété pourrait se transférer à l’auditeur après la fin de l’album, car le dernier morceau comporte des lignes telles que « s‘il y a un endroit pour enterrer des étrangers, enterrez-moi ce soir. Hôtels, salons vides ; je peux tenir le requiem si vous voulez » (if there’s a place to bury strangers, bury me tonight. Hotels, empty parlours; I can hold the requiem if you’d like). Ou peut-être s’agit-il simplement de l’imagination débordante d’un résident vivant dans un lieu où l’identité est en conflit comme à Kreuzberg.

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Julia Reidy : « Vanish »

Vanish est toujours en mouvement, et se déplace toujours d’un endroit à l’autre. On a l’impression de sprinter en permanence, car dès la première seconde, un réseau de sons actifs et en forme de labyrinthe saute aux yeux de l’auditeur. Vanish marque les débuts de Julia Reidy. La musicienne australienne, qui est maintenant basée à Berlin, crée une musique éblouissante et séduisante qui s’articule autour d’une étincelante guitare à 12 cordes.

Des lacs de réverbération et d’autres effets sont utilisés pour étendre, étirer ou remodeler le son original de la guitare, et l’utilisation de l’auto-accord dans son travail vocal crée une musique distincte et colorée. L’ouverture, « Clairvoyant », est immédiatement actif et relève immédiatement ses manches. Vanish incorpore de nombreux sons différents et incroyablement luxuriants pour produire quelque chose d’explosif et de frais. Le premier morceau de dix-huit minutes se calme quelque peu lorsque la guitare se met en évidence, mais il continue à voyager à toute allure.

Une ligne de chant antérieure disparaît lorsque les cordes résonnent, et passe sur le manche comme si c’était une autoroute. Elle passera par de multiples itérations avant d’achever son voyage et de s’arrêter, et ses morceaux sont constitués de multiples sections. De temps en temps, une distorsion acide ronge la musique.

Le deuxième morceau, « Oh Boy », commencera à un rythme plus lent, mais les synthés ondulants et l’autotune déchiquetée de Reidy viendront bientôt perturber toute pause ou rêverie potentielle, et le record continue de dépasser la limite de vitesse. Vanish se déplace à une vitesse plus rapide que Sonic the Hedgehog ; et la musique de Reidy nous éblouit constamment.

***1/2

Kelly Lee Owens : « Inner Song »

Le LP éponyme de Kelly Lee Owens sorti en 2017 avait envoyé les auditeurs vers des hauteurs célestes, où les glyphes techno décontractés étaient tempérés sans effort par un chant hypnotique d’abandon joyeux. Le premier album, très expansif sur le plan rythmique, avait été très apprécié pour son sens d’exploration du silence, qui était un clin d’œil à divers sous-genres et était parsemé de moments d’obscurité parfaitement poignants. L’album qui s’est démarqué a permis à Owens de s’élever au rang d’artiste, prouvant ainsi qu’elle est bien plus qu’une chanteuse. Ce baptême du feu lui a permis $de se frayer un chemin dans un monde de spectacles joués à guichets fermés, de places de festivals et de collaborations impressionnantes avec des artistes comme Jon Hopkins.

Pourtant, parmi les réactions enthousiastes à ses débuts et les nombreux éloges de la critique, Owens n’a pas eu la vie facile. Son dernier album est le fruit de ce qu’Owens décrit comme « les trois années les plus difficiles de ma vie », une période chargée d’émotion qui, selon elle « a définitivement influencé ma vie créative et tout ce pour quoi j’avais travaillé jusqu’alors. Je n’étais pas sûre de pouvoir encore faire quelque chose, et il m’a fallu beaucoup de courage pour arriver au point où je pouvais à nouveau faire quelque chose ».

Cette offrande d’une Owens qui avait déjà du punch détaille les luttes qu’elle a menées au cours des trois dernières années, confrontant des pensées et des sentiments difficiles qu’elle a exprimés avec tant d’éloquence. « Inner Song » marque un autre pas de géant dans son évolution en tant qu’artiste, continuant à s’appuyer sur une discographie sans cesse croissante et aux promesses illimitées. 

L’album s’ouvre sur un remix audacieux de « Arpeggi » de Radiohead, qui est à mille lieues de la possibilité d’être étiqueté comme sacrilège. L’ouverture d’Owen rend simultanément hommage au morceau, tout en lui insufflant magistralement une nouvelle vie. Le morceau « On » en est la suite parfaite, avec es synthés en yoyo se mêlant de façon pittoresque à l’introduction de l’électro-pop, marquant une renaissance sonore du son de l’artiste galloise.

« Melt » est le titre le plus marquant de l’album et sans doute le plus expérimental. Ici, Owen confronte sa profonde frustration aux problèmes actuels du changement climatique. Le morceau est un rappel glacial des conséquences de la négligence humaine, employant un mélange de samples glaciaires aux sons de la fonte des glaces et du patinage. Les samples sont soutenus par des couches caverneuses de techno qui nous donnent envie de retourner sur la piste de danse.

En plus des questions globales, Owens aborde aussi des questions personnelles dans l’album. Ses racines personnelles sont aussi présentes que ses préférences sonores, puisque son compatriote John Cale, artiste gallois et légende de l’avant-garde, prête ses tuyaux caractéristiques au présage de « Corner Of My Sky » : « John et moi avons déjà travaillé ensemble lors d’une session précédente et avons formé un lien. J’ai réalisé que je pouvais entendre sa voix par-dessus cette berceuse psychédélique. J’ai osé lui demander s’il voulait bien contribuer au morceau et utiliser un peu de gallois là-dedans ».  

« Inner Song » sera un voyage atmosphérique autour de sommets et de vallées, de la voix éthérée qui transcende la réalité à des ballades électrisantes qui stimulent les sens. « Le pouvoir de conceptualisation de qui vous êtes a vraiment influencé cet album », déclare Owens à propos de l’essence de Inner Song, et son deuxième album l’exécute parfaitement. Cet opus est une découverte de soi qui ouvre les yeux, mis à nu pour tous puissent la voir

***1/2