Anna B Savage: « A Common Turn »

16 février 2021

Avec le succès inattendu de son premier EP d’Anna B Savage a été frappée par des accusations syndrome d’imposture qui ont étouffé sa créativité. Il a fallu cinq ans à la musicienne londonienne pour reprendre confiance en elle et enregistrer un suivi qui examine franchement sa vie.

Pendant cette période, elle a suivi une thérapie, s’est échappée d’une relation toxique, a fait divers petits boulots et a déménagé deux fois à l’autre bout du monde. Ces expériences se traduisent à maintes reprises par une réflexion brutale sur soi-même qui navigue de manière diverse sur la sexualité féminine, le doute de soi et les propriétés curatives de la nature.

Les sujets sont si importants qu’elle décrit comment elle a « imprimé toutes les paroles, les a collées sur mon mur et a tracé des lignes entre chaque idée correspondante », pour s’assurer qu’elle avait couvert tous les thèmes qu’elle aspirait à aborder. Il serait erroné d’appeler A Common Turn un album conceptuel mais les morceaux montrent un sens du développement personnel.

Le disques’ouvre sur « A Steady Warmth », un demi-piste expérimental qui semble être fortement influencé par la production de William Doyle. Elle a pris contact avec l’artiste, qui avait auparavant enregistré sous le nom de East India Youth, après qu’il ait publié un post sur les médias sociaux demandant aux gens de le contacter s’ils voulaient enregistrer ensemble.

Sa touche habile introduit des éléments électroniques dans un album qui, autrement, aurait été un auteur-compositeur-interprète supérieur. La plupart des dix morceaux pourraient facilement être réalisés avec seulement la voix et la guitare acoustique, mais ici, on leur donne des synthés chatoyants et des beats industriels subtils. À la fois austère et mélodique, cette production apporte des textures et des tournures sonores inattendues. « Two » et « BedStuy » sont les points forts de cet amalgame, de tristes beats de club se faufilant par intermittence dans le mix.

Cette production moderne est le parfait contrepoids à son arrière-plan. Ses deux parents sont chanteurs classiques et elle a passé les anniversaires de son enfance au Royal Albert Hall, où ils étaient toujours programmés pour le bal de Bach. Son contralto très contrôlé aurait pu être tourné vers l’opéra, mais avec son sens inné du mélodrame, elle ressemble plutôt au style vocal d’Anohni.

Les arrangements sûrs et confiants sont également l’équilibre idéal au doute lyrique de soi. Ils sont encadrés par d’innombrables références à la culture pop. Pendant 50 minutes, elle écoute « Spice, then Funera » », écrit »une ligne sur le mug de la chouette Edwyn Collins et se masturbe en pensant à Tim Curry en lingerie du Rocky Horror Picture Show.

La fiabilité et l’humour de ces confessionnaux de chambre à coucher rendent le contenu explicite plus vulnérable que choquant. Le « single » « Chelsea Hotel #3″ » une réponse à la chanson « Chelsea Hotel #2 » de Leonard Cohen, aligne la croissance personnelle sur la libération sexuelle. Après avoir avoué qu’elle ne « sait pas comment me faire plaisir » (now how to please myself), elle achète une balle – une sorte de vibromasseur – et se promet qu’elle « apprendra à prendre soin de moi » (will learn to take care of myself).

Cette promesse est un moment important dans le parcours émotionnel de l’album. Elle commence avec une telle déconnexion et un tel engourdissement qu’elle admet sur « Corncrakes » qu’elle ne « ressent plus les choses aussi vivement qu’avant » (feel things as keenly as I used to). La profondeur de son désespoir est telle qu’elle est prête à « essayer n’importe quoi, j’achèterai n’importe quoi » pour se sentir mieux. A la fin de l’album, sur « One », elle n’est pas tout à fait guérie mais on reconnaît qu’elle a le contrôle. « Je veux être forte » (I want to be strong), répète-t-elle, sa guitare gonflant et gagnant la force personnelle qu’elle désire tant.

En luttant pour le contrôle de sa vie émotionnelle et physique, Savage crée un paysage aussi distinctif que celui d’Aldous Harding. Sur cette base, elle peut être assurée que ses craintes de créer un album médiocre – comme elle l’avoue sur « Dead Pursuits » – ne sont pas fondées. On peut seulement espérer que son succès mérité ne déclenche pas une autre période d’écriture réduite à une page blanche.

***1/2


Hospital Bracelet: « South Loop Summer »

16 février 2021

Il y a un étrange trope en musique qui peint l’été comme un moment de joie, avec une fin de saison teintée d’une nostalgie sépia. Mais le mordant South Loop Summer de Hospital Bracelet n’est pas sans rappeler que le trio emo de Chicago a trouvé la juste note pourmettre à plat les changements d’humeur qu’implique la métamorphose des saisons.

Tout au long du disque, Eric Christopher aborde des sujets tels que les relations, la solitude, la sobriété et les abus avec une franchise sans faille. Il s’agit peut-être des thèmes de base de l’emo, mais ne vous attendez pas à un mélodrame angoissant. Malgré tous les sentiments positifs suscités par un Chicago ensoleillé, South Loop Summer est moins un drame de maturité qu’une horreur psychologique. Nous sommes peut-être aux premières loges en 2021, mais il est peu probable qu’il y ait un autre album cette année qui soit aussi troublant ou lyrique.

C’est particulièrement vrai pour « Feral Rat », « Sheetz » et « Happy Birthday », qui possèdent des récits graphiques et on y trouve une telle charge émotionnelle qu’il c’est presque oppressant, comme l’est le fait de se retrouver coincé sous une avalanche et de grimper dans la neige pour respirer.

Ce sentiment de claustrophobie ne se retrouve pas dans la musique, mais South Loop Summer est plutôt un voyage sonore audacieux à travers des jams pop-punk et des titres indie-rock tortueux. Le fait qu’un album puisse s’ouvrir avec les grands yeux du base-ball moderne et se terminer avec le cœur blessé de Big Thief souligne encore cette large palette.

En ce qui concerne le sujet, le fait que l’album mérite d’être écouté à plusieurs reprises et témoigne de la qualité des chansons écrites par Hospital Bracelet. C’est une chanson magnifiquement construite, dense sur le plan thématique et si bien écrite que le L du « Loop » (surnom du métro) de Chicago sic! est présent dans chaque note. Cela peut rendre l’écoute difficile, mais ces contes façonnés tels qu’ils sont par le combo exigent d’être entendus.

***1/2


Russ Young: « Tunnels To Float Through »

16 février 2021

Comme lors de de son EP Pala, publié en mars 2019, nous suivons le parcours de Russ Young, fidèle à Audiobulb pour son deuxième album, dans un format un peu intermédiaire (quatre titres pour trente-trois minutes), mais à une qualité toujours maintenue. Constant dans son travail autour d’une atmosphère à la fois très sensorielle et particulièrement travaillée, le Britannique confirme, avec ce Tunnels To Float Through, ses qualités et ses capacités.

A cet égard, sa capacité à combiner des éléments légèrement grésillants (respirations, mini-frambillements, bruissements divers) et des touches plus chromatiques (petites notes nacrées, zones de synthé lumineuses) n’est pas la moindre de ses vertus (« Thermal »). En changeant son schéma, l’Anglais peut aussi mettre davantage l’accent sur les morceaux tenus, en ajoutant (« Phalo ») ou non (« Spiral ») quelques chuchotements électroniques.

Jouant habilement sur la stéréo et le caractère oscillant de ses nappes, Russ Young met ainsi en place une forme de tremblement musical, proche du frisson que l’on pourrait ressentir avec les gelées automnales, proche aussi des reflets de la lumière filtrée par les vitres. qui nous renvoie la photo de couverture de Hugh Cowling. Mérites sonores et mérites visuels sont donc mêlés sur cet album, peut-être un peu trop court, mais certainement convaincant.

***1/2


Chris Abrahams: « Appearance »

16 février 2021

Le pianiste australien Chris Abraham, membre fondateur de The Necks, a commencé à donner des concerts en solo avant d’enregistrer avec l’avant-trio auquel il est le plus associé. Et si sa touche contemplative sur Appearance, ainsi que sur une série de concerts en solo remontant au milieu des années 80, est presque immédiatement reconnaissable, il y a moins d’énergie à l’œuvre sur les deux nouveaux morceaux que les aficionados de The Necks pourraient s’y attendre.

L’instrument, au rythme lent, est toujours placide, attrayant et contemplatif. Il arrive comme de l’argile intacte, attendant que les auditeurs gravent leurs impressions à la surface. Mais il y a de la forme ici, c’est sûr : « As A Vehicle, The Dream » fait monter doucement sa mélodie et la laisse s’envoler.

Abrahams conserve ici le son facilement accessible du clavier qui a aidé The Necks à fusionner le calme chatoyant avec des rythmes angoissants pendant des décennies. Même sans compagnie, le pianiste parvient toujours à s’enfoncer dans les idées sur Appearance, en mélangeant doucement des ornements changeants à chaque morceau de l’album.

Il est tout à fait possible qu’Abrahams envisage un concept thématique global, comme le suggère le titre « Surface Level », le deuxième morceau de l’album. Mais l’attrait de sa performance ici est que l’auditeur peut projeter ses propres idées et prédilections sur la toile de fond d’un son magnifiquement travaillé.

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Dead Poet Society: « – -!-« 

15 février 2021

Quelque part entre le groove-rock et la pop de genre, Dead Poet Society s’est lancé dans son premier album -!- nourri au spoken word. Il devient vite évident que l’argument de cet album exclamatif est que le quatuor veut subvertir l’opinion, « faire ce qui leur fait du bien », et marcher au son de leur propre tambour. Même si Dead Poet Society oscille définitivement entre les genres, en suivant l’histoire triste d’une relation toxique, sous les arrangements souvent glam-rock se cache un sens aigu que ce groupe de Boston veut vraiment impressionner. Peut-être un peu trop fort.

Le formatage des titres des morceaux peut sembler prétentieux, et il y a aussi d’autres erreurs. La piste « 13 -gopi- » est l’enregistrement d’une femme presque critique qui donne des commentaires négatifs ce qui détourne le message, si elle est mise en scène, et détourne la musique, si elle ne l’est pas. .SALT. tente d’être un croisement plus grivois entre The Smashing Pumpkins et Nine Inch Nails qui, bien que non inintéressant, n’ajoute pas grand chose à l’impression générale de l’album.

Mais il y a quelques points forts qui montrent le potentiel de Dead Poet Society. In Too Deep parle de la confusion qui règne lorsque l’on se bat pour trouver des réponses alors que tous ceux que l’on connaît semblent prendre un chemin plus fréquenté. Ce morceau chargé est à la fois lyrique et émotionnel et montre le quatuor à un carrefour chaotique avec des riffs de guitare lourds et une subtile nuance qui le porte. In Too Deep semble résumer la combinaison parfaite d’insouciance et de production pointue que le groupe recherchait, avec une énergie crépitante qui montre clairement pourquoi ce titre était un « single ».

« .getawayforheweekend. » a une sensation électrique similaire, ayant une nostalgie de Catfish And The Bottlemen meets The White Stripes qui apporte vraiment une certaine magie pop-punk à l’album, avec le chant de Jack Underkrofler à la fois grognant et sautant d’octaves, et un breakdown qui contraste avec le son ludique et hardcore du refrain. Il est clair que Dead Poet Society veut repousser les limites de son travail, et dans ce morceau du moins, il semble avoir trouvé le bon équilibre sans pour autant s’égarer dans la mer de la musique métaphorique. D’autres morceaux comme American Blood, I Never Loved Myself Like I Love You et .loveyoulikethat. sont tout aussi frappants, même s’ils ne semblent pas atteindre tout à fait la référence que le quatuor construit ailleurs.

Dead Poet Society semble passer d’un genre à l’autre et peut être interprété comme confus, plutôt qu’expérimental. « I Never Love Myself Like I Love You » est une ballade de type Two Door Cinema Club qui ne serait pas déplacée comme la dernière danse d’une fête après une bière trop faible, alors que .loveyoulikethat. est un rock sudiste huileux, bien qu’effusif, qui a du potentiel avec le chant d’Underkrofler, mais qui tombe à plat en instrumental.

Ce n’est pas que les morceaux eux-mêmes ne fonctionnent pas – la plupart des morceaux en eux-mêmes ont leurs propres éléments intéressants – mais plutôt qu’en tant que collection de chansons, il semble y avoir un manque de cohésion. Cependant, Dead Poet Society est très prometteur, avec un talent qui transparaît même dans les domaines les plus faibles. Bien qu’il s’agisse d’un début assez peu subtil, il marque le groupe comme un groupe à suivre. 

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The Grief: « Horizon’s Fall »

15 février 2021

On pourait craindre qu’un sentiment de fierté et de partialité ne se glisse dans la critique d’un album d’un groupe originaire de la ville de Cork, en Irlande tant ce pays, à juste titre, bénéficie d’une certaine aura.

The Grief, puisque c’est d’eux dont il s’agit, est le fruit d’une rencontre entre des musiciens incroyablement talentueux de la scène metal irlandais, Corr Mhóna et For Ruin, deux combos très respectés et ont sorti du matériel de qualité entre eux. Cependant, en 2016, leur amour nostalgique et profondément enraciné pour tout ce qui est heavy, sombre et gothique a forgé la création dedudit ensemble associée à un album qui s’est manifesté à partir de deux EPs sortis en 2020, Ascent en février et Descentqui a suivi en octobre. Ces deux opus d’une grande beauté et inspirés par le thème du destin, sont les ingrédients de Horizon’s Fall.

« To a New Dawn » ouvre les débats avec quelques accroches et riffs sentimentaux et mélodiques. Des guitares doubles luxuriantes remplissent l’air, permettant au chant clair de Stephen Quinn d’élever la chanson à un autre niveau. Ceux d’entre vous qui sont d’un certain millésime reconnaîtront et se réjouiront de sa splendeur inspirée de Paradise Lost. Le gothique et le doom metal des années 90 sont toujours présents dans cet album et c’est une joie d’entendre quand il est aussi bien fait.

Le titre suivant est l’herculéen et impeccable un « In Defiance »  qui est cristallin dans sonphrasé, avec des harmonies vocales claires et des tons doux pour commencer. Cependant, le vent tourne sans cérémonie et la chanson prend une tournure plus sinistre avec le chant guttural qui s’ensuit. L’étendue de la voix est une joie à entendre, mais dans ce duel bruyant, les voix claires l’emportent et atteignent des sommets vraiment élevés avant que les deux guitares principales ne voient le morceau.

Des moments plus durs et plus agressifs se retrouvent sur des morceaux comme « sunder ». Sa prestation sombre et poignante lui confère une présence énorme et la promesse d’un morceau classique en live. On peut entendre des échos de Mourning Beloveth gronder au loin à travers les sections denses et aériennes de ce morceau. Avec cette sortie, ils ont réussi à capturer toute l’atmosphère et le théâtre qui font la réputation du genre « doom metal ».

Le flux et le reflux de cet album sont bien ancrés et sont méticuleusement entretenus par la batterie de John Murphy (avec Con Doyle qui prend maintenant les baguettes) et le tout aussi talentueux Kieran O Leary à la basse. C’est une sortie aussi diverse que l’on peut s’y attendre dans un genre qui se nourrit de tempos sombres et lents et de contraintes lourdes.

Chacun des neuf titres a un impact réel et offre à la fois mélodie et menace. Des titres comme « The Ascent », avec son accroche de plomb est contagieuse, et son chant feutré est une félicitésuivi qu’il est d’un « Den of Thieves », qui est tout aussi raffiné et mémorable.

Le talent et la confiance dans le travail de guitare de cet album est vraiment quelque chose à voir. Des riffs lourds et oppressants aux grands airs de grandeur, le son est riche et plein, mais il a toujours cette présence lourde et imposante. Il est juste de dire que Paul Quinn et John Murphy sont de véritables artisans et constituent une véritable force motrice.

Pour résumer, « Horizon’s Fall » est un morceau de Gothic Doom » bien conçu et bien produit, qui peut se mesurer à tout ce qui existe aujourd’hui. J’irais même jusqu’à dire qu’elle n’aurait pas été mal placée non plus dans les années 90. Des comparaisons seront faites avec des aristes comme My Dying Bride, Katatonia et Paradise Lost, et c’est une reconnaissance justifiée du talent que ces garçons de Cork ont en abondance. Même l’artwork que Slava Gerj a produit pour l’album et les Eps est un triomphe. Une pochette d’album peut faire beaucoup pour créer une ambiance et donner à la musique plus de sens et de respect.

***1/2


Orphan Fairytale: « Tune In Tree Ears »

14 février 2021

Eva Van Deuren a fait son chemin sous le nom de Orphan Fairytale depuis 15 ans et plus. Avec son psychédélisme électronique qui oscille habilement entre le pétillant et le sinistre, Van Deuren est une présence prolifique dans nos sphères et sa musique est une constante qui touche et enchante irréfutablement tous ceux qui la rencontrent. Ces dernières années, elle a intégré la harpe celtique à son répertoire, créant de nouveaux sons qui se fondent harmonieusement dans le récit de sa trajectoire sonore unique.  Tune In Tree Ears, le premier LP de Orphan Fairytale sur KRAAK, présente ces morceaux de harpe qui ont été entendus pour la première fois dans le cadre de concerts en plein air en été, où les délicates mélodies pouvaient flotter dans les arbres au-dessus et s’envoler vers des espaces sans entrave.

Le caractère ancestral de l’instrument ajoute de nouvelles profondeurs à un univers musical déjà complexe qui a toujours embrassé la tragédie et la fantaisie dans une égale mesure.

Pont entre les éléments électroniques qui ont toujours défini son son et une nouvelle direction née d’une profonde connexion avec les éléments terrestres, Tune In Tree Ears déborde d’une nostalgie qui découvre de nouvelles directions dans le monde onirique d’Orphan Fairytale, lui permettant de s’épanouir dans le prolongement naturel des chemins déjà tracés.

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Alkerdeel: « Slonk »

14 février 2021

Il y a quelques mois, le combo belge Briqueville avait sorti un brillant disque, Quelle un opus qui explorait la vacette doom des choses. Aujourdhui, d’Outre-Quiévrain agalement, Alkerdeel nous présente, avec leur disque Slonk,du doomy black metal de la même engeance.

En écoutant Slonk, on remarque clairement à quel point le groupe plonge tête baissée dans des « symphonies » de type ouragan et à quel point il réfléchit à ses chansons. Cela devient évident lorsque vous regardez la durée des quatre morceaux et chaque composition est exactement aussi longue qu’elle doit l’être, ce qui signifie que nous ne pouvons pas parler de doom metal ou de black metal seuls mais d’un mélange des deux. 

Les chansons sont souvent centrées sur une combinaison intéressante de riffs rapides qui sont à la fois durs et ouverts, mais être un simple groupe de black metal n’est pas suffisant pour le quatuor de Gand, qui évolue de plus en plus vers un son de type nouveau Seattle, ile label Sub Pop et les groupes qui l’entourent et qui ont dominé la scène hard rock à la fin des années 80 et au début des années 90, Gand semble être l’endroit où il faut être pour tout ce qui se situe entre le drone ambiant et le black metal ; et Alkerdeel est une partie importante de cette scène depuis plus de 15 ans maintenant.

Slonk est leur quatrième album après un Lede datant de 2016. Il met en scène un groupe qui essaie de défier son public en ne lui donnant rien de à la mode et de repos ou de paisible, ce disque n’est pas du blackgaze ou de l’atmo-bm, c’est dans votre face dans un sens qu’il ne faut pas écouter si vous ne voulez pas être littéralement pris d’assaut ! Le groupe est capable de changer très subtilement le rythme d’une chanson en prenant lentement un cran ou deux sans que l’auditeur s’en aperçoive – un bon exemple serait le morceau d’ouverture « Vier » qui passe d’un morceau très ambiant à un monstre de malheur et se termine ensuite par une cascade de black metal de riffs de combat et de blastbeats. Le groupe intègre également beaucoup de grincements et de bourdonnements dans ses chansons, ce qui lui donne une sorte de ressemblance avec un groupe comme Gnaw their Tongues, avec lequel il a déjà sorti un album en collaboration. Slonk montre qu’Alkerdeel n’est qu’une unité soudée après 15 ans de collaboration et il ne faut pas s’en étonner mais la précision dont on peut être témoin sur ce disque est vraiment impressionnante.

Cependant, lorsque l’on parle des disques d’Alkerdeel, il ne faut pas oublier de parler des paroles et du concept qui se cache derrière le disque. Les paroles ne sont pas compréhensibles – et ce n’est pas à cause des cris de Pede mais à cause de quelque chose de très particulier : ils utilisent un dialecte de leur Belgique natale et, comme si cela ne suffisait pas, ils utilisent l’ancienne forme de ce dialecte, le genre de mots utilisés par les anciens – comment quelqu’un en dehors de ce groupe de personnes devrait-il avoir une chance. Et pour couronner le tout, Pede aime aussi utiliser des mots très ambigus pour rendre le tout encore plus inaccessible. Mais cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas une sorte d’idée derrière Slonk. Le disque parle des quatre éléments « Vier, Eirde, Zop, Trok » (Feu, Terre, Eau et Vent) et tout est entremêlé avec une sorte de mysticisme qui a trait à une langue développée au 16ème siècle par l’écrivain anglais John Dee qui s’appelle Enochian Key. John Dee utilisait cette langue dans ses journaux et disait que l’angélique était la langue que Dieu parlait avec ses anges et qu’Adam l’utilisait pour nommer tout ce qui se trouvait sur terre. Le journal montre certains éléments d’Enochian Key tels qu’interprétés par l’artiste qui a créé des illustrations pour représenter chacun des éléments en conséquence. En regardant ces illustrations, on sait tout de suite qu’elles représentent la parole ou les mots, mais quelle langue, quels mots, quel code – cela reste caché. Et comme l’a dit le chanteur Pede dans une interview, c’est ce qui caractérise Alkerdeel : cacher des choses dans leurs chansons. Eh bien, on peut cacher beaucoup de choses sous ces cacophonies brillamment arrangées. 

Alkerdeel montre une fois de plus que le black metal belge ou néerlandais est parmi les plus intrigants et que ce quatuor est l’un des plus intrigants du lot, parce qu’il demande beaucoup d’attention tout en vous donnant quelques petits trucs à mâcher qui s’avèrent ensuite si savoureux et amicaux que vous ne pouvez que les ronger jusqu’à ce que vous puissiez en tirer une conclusion sur ce que vous êtes en train de digérer pour vous-même. Si c’est ce que le groupe avait l’intention de faire ? On ne le saura probablement jamais, mais cela ne fait-il pas partie du jeu ? ! Si, ça en fait partie ! Ou pas ? Ne demandez pas à Alkerdeel. 

***1/2


Virginia Wing: « Private Life »

14 février 2021

Alice Merida Richards, de Virginia Wing, veut que vous sachiez qu’elle est une âme patiente et indulgente, prête à nourrir les autres en échange d’une assistance réciproque elle-même. Lorsqu’elle déclare haut et fort « I’m holding out » sur le refrain de » Out For Something », elle fait référence à la façon dont elle s’offrira de façon désintéressée, elle et sa musique, comme un moyen de soutien à quelqu’un qui tient peut-être aussi le coup dans l’autre sens, qui résiste à ses charmes et qui nie ses propres vérités et ignore son potentiel.

Le groupe de synthétiseurs mancunien, doucement réduit à un duo de Richards et de Sam Pillay au clavier, a, au fil du temps et avec une certitude sans limite, supprimé toutes les entraves visibles à sa propre inventivité personnelle, passant de fournisseurs de formules de maladies urbaines synthétiques à des mages philosophiques construisant des hybrides dansants séduisants pour les âmes éclairées.

L’idée d’être prisonnier des autres ou de construire une prison de son cru est approfondie dans « Half Mourning », où Mme Richards observe « A l’intérieur, vous êtes toujours en vie / mais vous êtes collé comme un aimant / aux murs et au sol / des pièces que vous habitez » ( Inside you’re still alive / but you’re stuck like a magnet / to the walls and the floors / of the rooms you inhabit) , et dans « Soft Fruit » où elle imagine la vie comme un pseudo assistant personnel électronique, Les paroles de « Lucky Coin » parlent également de la vie passée sous le filet d’un autre, à chercher des échelles pour monter et à aider les autres.

Cherchant à aborder le poids des freins et contrepoids que nous nous imposons, Private Life espère gaiement combler une partie du vide que ne comble pas notre servitude accrue envers les autres, les chansons contenues repoussant doucement dans toutes les directions, remplissant chaque surface de réverbérations optimistes et bienveillantes. La plupart des chansons de Richards adoptent un vague air de robot, mais en mettant l’accent sur des cadences choisies, en vous attardant à chaque petite variation de son accent pour voir où ils vont flipper ensuite, elle invoque le confort domestique et le malaise poétique de Laurie Anderson plutôt que la froideur impénétrable de quelqu’un comme Josie Jones de Big Hard Excellent Fish.

Les fans sont sans cesse mis au défi d’interroger leur situation, de sortir de leur timonerie, alors qu’ils élargissent leurs propres compétences d’auteurs-compositeurs et de musiciens, il y a des moments où ils s’abandonnent à leurs limites et laissent apparaître des fautes. La confiance du groupe 99 North se déverse littéralement dans le désordre, et le ronronnement de l’orgue funèbre de Private Life laisse entrevoir le destin qui attend ceux qui ne cherchent jamais qu’à obtenir leur lot dans l’ordre des choses. Virginia Wing, qui ne se laisse pas décourager par les pressions qu’ils continuent à subir, présente une forme de résistance désarmante aux problèmes de la vie.

***1/2


Kreng & Svarte Greiner: « The Night Hag »

13 février 2021

The Night Hag est une longue composition, et elle a été spécialement conçue pour induire le sommeil. Les efforts conjugués de Kreng et Svarte Greiner ont permis d’envoyer l’auditeur au pays des rêves, mais au plus profond du sommeil, on peut rencontrer des cauchemars aussi bien que les rêves les plus doux. La musique du sommeil est souvent relaxante, apaisante et dépourvue de drame, mais Kreng et Svarte Greiner ne sont pas vraiment des créateurs de berceuses.

La paralysie du sommeil est à l’origine de The Night Hag, et la pensée met immédiatement l’esprit dans un état de pressentiment. La sieste de trente-trois minutes commence par un silence, alors qu’un corps fatigué glisse hors du plan physique. Entraîné par une onde sonore brumeuse, à peine perceptible, l’auditeur est porté doucement, se balançant comme sur une rivière, s’endormant en spirale. Mais The Night Hag change bientôt de cap, et le disque est l’incarnation même de l’inquiétude.

Comme les terreurs de la paralysie, on ne peut pas échapper à ses griffes, on ne peut rien faire pour s’en sortir, si ce n’est la chevaucher. Des textures plus sombres surgissent lentement, mais le son reste mince, reflétant un rêve capable de changer de scène et de situation en un instant. Ces textures plus sombres ressemblent à un état de sommeil de plus en plus profond, un nouveau monde inhabituel où tout est possible et où tout peut se cacher au détour d’un virage. Le paysage semble aussi sombre et aussi encapuchonné que la nuit, où, chez nous et loin de la terre lointaine, se trouve notre dormeur nocturne. La musique se déplace avec subtilité, ajoutant à l’atmosphère hallucinatoire du disque.

L’incapacité de bouger instille une peur intense et immédiate. Les yeux se fixent vers le haut, scrutant aveuglément le plafond sombre tandis que le rêve nous envahit, se glissant dans la pièce et se faisant passer pour une silhouette mince et menaçante. En fait, l’un des principaux symptômes de la paralysie du sommeil est l’expérience d’une telle vision, de voir une personne ou une figure ressemblant à un démon dans la pièce. Si cela n’est pas assez effrayant, des voix imaginaires se mêlent à l’hallucination visuelle pour tourmenter la victime. Les expériences hors du corps sont également courantes, ainsi qu’un sentiment d’étouffement. Les démons, les sorcières de nuit et les enlèvements par des extraterrestres ont tous été intégrés dans le tissu de la paralysie du sommeil, mais il existe une explication scientifique et rationnelle à cet état. Il en va de même pour la musique de The Night Hag, qui ne divertit pas le surnaturel, mais présente la condition de manière réaliste (et d’autant plus effrayante), en mettant davantage l’accent sur la subtilité et la menace rampante.

Les « auditeurs » devront donc se méfier…

***1/2