Stefan Schmidt: « můra; arc/hive b-[classical guitar] »

23 janvier 2021

Stefan Schmidt, guitariste, compositeur et artiste du son originaire de Baden Baden, en Allemagne, est un musicien aux multiples facettes. Bien que son instrument principal soit la guitare classique, qu’il a étudiée dans des écoles de musique en Allemagne et en Argentine, il a également joué de la guitare électrique dans des groupes punk et, plus récemment, il s’est élargi pour jouer d’autres instruments à cordes et travailler avec l’électronique, qu’il utilise souvent pour créer des paysages sonores en développement progressif, à la fois industriels et bruyants. Ce dernier est exposé sur můra, un ensemble de neuf pièces pour violoncelle et électronique. Tout au long de l’album, Schmidt applique différents types de traitements électroniques à son travail pour violoncelle. La pièce titre et la pièce d’ouverture, par exemple, utilise une synthèse granulaire pour transformer les cordes frottées en vagues de son abstrait tout en conservant une partie du son natif du violoncelle. Comme sur můra, l’instrument acoustique est reconnaissable sur les autres pistes, même si son son subit des métamorphoses. Sur zoufalství, un seul son d’archet fait surface et descend par rapport à une base de basse profonde ; sur hřbitor, le son de l’instrument est étiré et ralenti au point où l’on peut imaginer chaque cheveu de l’archet tirant sur la corde. Sur rubáš, le violoncelle prend un son motorisé, en tournant sur un trille lent.

Quelques mois avant de sortir můra, Schmidt a sorti arc/hive b [classical guitar], une collection de performances inédites pour guitare classique couvrant une période de quinze ans. Les quatorze morceaux démontrent avec compétence l’étendue de l’engagement de Schmidt envers l’instrument et son potentiel sonore. Le jeu va du conventionnel, comme dans le juuichigatsu, à un jeu largement conventionnel avec une application judicieuse de la technique étendue (gesrah), à un jeu presque entièrement non conventionnel (eraly dren et maqtred, ce dernier étant une pièce délicatement belle construite presque entièrement à partir d’harmoniques). Les pièces qui font appel à un traitement électronique de la guitare, que ce soit avec un synthétiseur granulaire, des boucles ou d’autres formes d’augmentation sonore, sont les plus importantes. Le dernier morceau, la muara, d’une durée de près de quinze minutes, est une performance très traitée qui met en avant le travail récent de Schmidt avec des sons tirés d’une palette d’ambiances sombres.

***1/2


Distant Animals: « Constancy blooms: an abridged history of Rust »

23 janvier 2021

Distant Animals est le projet audio de Daniel Alexander Hignell-Tully, artiste du son, vidéaste et compositeur, réalisé au Royaume-Uni.

Après avoir publié ses œuvres pour des labels importants tels que Hallow Ground, NomadExquisite, Infinite Sync, Engram, Norient et Triple Bath, il arrive sur le label napolitain Liburia Records avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust, réalisé avec l’aide de Colin Tully au saxophone, Kevin Nickells au violon, à la guitare, à la voix et aux percussions et John Guzek au violon et au cor.

Intrigant et éclectique, Constancy Blooms : An Abridged History of Rust est divisé en deux longues suites, chacune d’une durée de 28 minutes, et dans lesquelles Hignell explore le développement de nouvelles techniques de composition et de sites spécifiques.  L’album est difficile à placer : à l’intérieur de celui-ci, musique concrète, classique contemporaine, free-jazz et synthèse électronique coexistent, divisés en deux courants en constante évolution qui reflètent le caractère des lieux où les enregistrements ont été réalisés.

Le premier morceau, « Outer », est soutenu par un léger son de synthétiseur modulaire qui donne l’impression de flotter. Progressivement aidé par le son des cors, le ton s’assombrit donnant vie à un premier contraste entre l’âme free-jazz et l’âme électronique de la composition. Peu à peu, les sons durs s’estompent pour laisser place à une couverture de bourdons qui agit comme une colle avec les sons dramatiques des instruments acoustiques jusqu’à ce que la moitié du morceau révèle l’âme numérique de Hignell. Il est intéressant de voir comment, dans le morceau, Hignell parvient à placer un phrasé de guitare classique sans être une note discordante dans un kaléidoscope de sons comme « Outer ».

Le deuxième morceau, Inner, commence par un tapis d’ambiance léger au rythme bien marqué. Ensuite, les sons déformés et le bruit du grattage des différents éléments acoustiques entrent en jeu, s’imbriquant pour obtenir une texture acousmatique complexe et fascinante, pleine de tension et de secousses. A mi-parcours seulement, le son est atténué par les notes douces et enveloppantes du piano. Une fois de plus, le morceau change de forme et devient une composition pour piano écrasante avant de muter en une masse de sons noirs, denses et viscéraux qui concluront le morceau.

Avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust Distant Animals utilise les notions de mémoire et de symbolisme culturel pour produire une œuvre qui se nourrit de contrastes, composée de nombreuses pièces différentes qui vont constituer un puzzle unique.

***1/2


Mike Lazarev: « Out of Time »

22 janvier 2021

Out of Time est un album du compositeur londonien Mike Lazarev. Construit comme la bande originale d’un film imaginaire et une œuvre remarquable dans son propre canon de haut niveau…

« J’ai imaginé des scènes, des scénarios et des conversations », nous dit Lazarev, « où la musique mettrait en valeur une histoire fictive. » D’une mélancolie ardente, les thèmes clés de Out of Time – le passage du temps, les moments fugaces, les souvenirs d’images supprimées ou imaginées, la chaleur du toucher qui s’attarde sur la peau – sont portés ouvertement et avec art. Il est sans aucun doute émotionnel, ses miniatures pour cordes et piano sont nostalgiques et émouvantes, tout aussi évocatrices sur le plan cinématographique que le décrit Lazarev. Une par une, chaque piste laisse une lueur persistante comme un feu lointain sur un horizon froid.

S’ouvrant sur des houles de cordes et des accords de piano plaintifs, le  « single » principal « Out of Time » donne un ton profondément expressif. Chaque note réverbérante est soigneusement posée sur une toile inondée de pureté et de calme, pour finalement se transformer en une rivière rapide d’une beauté à couper le souffle qui culmine en une fin suspendue et sans issue. Plus tard sur le disque, « Time Becomes » progresse comme une pièce d’Harold Budd ou une œuvre de Ryuichi Sakamoto, faisant fondre la glace avec des changements d’accords dulcicieux alors que des notes à cordes simples flottent sur un air raréfié. « Outerlude » change à nouveau d’ambiance, ses mélodies subtiles d’Europe de l’Est et les bruits naturels du piano – le claquement des touches et le battement des pédales – nous transportent dans une salle de bal hantée et déserte où un pianiste fantôme solitaire se lamente sur le poids d’un immense chagrin.

« Les protagonistes de ce film imaginaire se battent constamment contre les moments fugaces de cet avion. Mais il s’agit moins de la mort que de la vie. Et surtout, c’est une question de temps », écrit Lazarev. Il a raison : Out of Time est élégiaque – triste à en mourir, même – mais derrière les thèmes mélancoliques se cache une puissante affirmation de la vie, de la chaleur et de l’esprit humain.

Mike Lazarev est né à Kiev, en Ukraine, en 1977. À l’âge de six ans, ses parents l’ont envoyé dans un conservatoire pendant que ses amis jouaient au football sur le parking. Il passe son enfance à étudier la musique classique et à se produire dans la chorale d’État. Adolescent, avec sa famille, il a quitté l’URSS pour les États-Unis afin d’échapper aux persécutions, ce qui l’a libéré de la stricte discipline académique à laquelle il avait résisté pendant son enfance. Mais un an plus tard, la musique l’attire à nouveau : avec le premier ordinateur familial, il commence à utiliser un tracker basé sur des échantillons pour faire ce qu’on appelle de la « techno ». Au milieu des années 90, il avait déjà produit quelques disques. Plus tard encore, à Londres, il a finalement apporté son propre piano et a trouvé un professeur pour se replonger dans la musique classique. Mais, manquant de patience pour pratiquer, il se tourne vers le minimalisme réductionniste. Des mélodies pour piano douces, simples et tristes qui, d’une certaine manière, s’échappaient d’une âme perdue.

***1/2


Yellow6: « Silent Streets and Empty Skies »

22 janvier 2021

Yellow6 et le projet de Jon Attwood et le titre de son album, Silent Streets and Empty Skies, ne peut qu’attirer plus que l’attantion en ces temps de réflexion liés à la pandémie et aux confinements tant il correspond parfaitement à l’air du temps, si c’est cela qu’on peut dire.

En effet, il s’agit ici,d’une déclaration douce mais sombre sur cette époque troublée. Tous les morceaux ont été enregistrés entre avril et juin 2020, pendant la première période de quarantaine. Attwood a pris le temps de s’inspirer de la désolation dont il a été témoin autour de lui. Des parcs vides, l’absence d’avions dans le ciel, des gens qui évitent les rues. C’est une expérience visuelle étrange, mais qu’Attwood a magnifiquement traduite en un album ambient qui se veut apaisant. 

Sur cet opus, vous trouverez neuf morceaux, tous assez similaires et se fondant les uns dans les autres, ce qui garantit un bonheur d’écoute de 77 minutes. Attwood utilise des paysages sonores minimaux, des mélodies de guitare provisoires et des textures ambiantes aérées pour recréer ces joyaux. « V2 » est le morceau le plus notable tant il semble se diriger avec précaution vers la scène du jazz ambiant, ce qui correspondrait parfaitement à ce que Yellow6 voulait faire alors que, à d’autres occasions, comme dans « Broadcast », Attwood dépouille toute la scène post-rock pour créer quelque chose d’émotionnel.

C’est peut-être l’aspect le plus fort de cet album. Vous y trouverez pléthore d’émotions, une atmosphère quelque peu hantée qui reflète modestement le monde qui nous entoure. Certains d’entre vous peuvent verser quelques larmes en écoutant le sombre « Panam », d’autres peuvent trouver de l’espoir dans les sons apaisants de « Silent Flight », mais jil est certaoin que tous les fans d’ambient minimal et de post rock discret apprécieront beaucoup ces neuf titres de sucreries délabrées par leur arrière-fond sonore.

***1/2


Jiwi jr.: « Cooler Returns »

21 janvier 2021

Kiwi jr. sont de retour avec leur deuxième album, à peine un an après le premier. Cooler Returns poursuit l’approche tourbillonnaire du groupe pour créer une « guitar music » addictive.

« Absurd » est le titre le plus approprié que vous puissiez donner au groupe canadien, qui prend plaisir à créer des chansons pleines de caractère. Dans « Cooler Returns », vous entendrez parler du type d’électeur le plus dangereux, l’indécis, d’une histoire policière et d’une façon intéressante de montrer un nouveau VTT aux voisins, parmi toute une série de personnages. Vous entendrez le chanteur Jeremy Gaudet souligner à quel point le monde dans lequel nous vivons est étrange et particulier, en lisant les gros titres comme un prompteur défectueux.

Les riffs de guitare et les accroches apparaissent comme des personnages secondaires dans ces récits sortis de nulle part pour donner corps aux microcosmes qui les entourent. L’instrument jouant l’un des rôles principaux, c’est un soulagement de voir qu’il est à chaque fois nouveau. Les Kiwi Jr. excellent dans la construction d’un sens constant de la vibrance excitante et étoffent le fond de leurs chansons pour les faire se sentir aussi occupés qu’une rue bondée.

Les paroles de Jeremy Gaudet et sa conscience de soi font en sorte que Cooler Returns ne se lasse jamais et que vous attendez souvent de savoir ce qu’il va proposer ensuite. Qu’il s’agisse de lignes doutant que Woodstock soit jamais arrivé ou de vouloir « étrangler le jangle pop band » lors d’un mariage, un clin d’œil à eux-mêmes. Il semble n’y avoir aucun filtre entre la pensée et la parole et vous vous laissez emporter par ce qui lui vient à l’esprit ensuite.

Cooler Returns vous laissera peu de place pour respirer, mais de la meilleure façon possible. Le groupe ne projette pas seulement son propre sens de l’absurdité, mais il met aussi en évidence à quel point l’être humain est maniaque sur Terre en général. Il y a un niveau de charme incontestable dans leur musique et il y a cette ambiguïté palpitante qui fait que l’on ne sait jamais vraiment où ils vont aller ensuite.

***1/2


Buck Meek: « Two Saviors »

21 janvier 2021

Two Saviors est un peu un mystère, tout comme son créateur Buck Meek. Meek, un homme de la campagne de Wimberly, Texas, s’est installé au Texas et a sorti deux EPs en solo. Il a rencontré Adrianne Lenker et a enregistré deux autres EPs avant de se transformer en quatre morceaux et de devenir Big Thief. Il va sans dire que ce fut une aventure un peu folle, mais qui est devenue le mystère de son deuxième album solo.

En enregistrant avec la même distribution de personnages que celle qui a créé Buck Meek il y a deux ans, Meek et sa compagnie sont passés de leurs récits axés sur les personnages à quelque chose de beaucoup plus mystérieux. Il y a des couches dans les paroles, certaines parties se balancent logiquement, tandis que d’autres se mettent en place presque comme quelque chose d’un univers alternatif. Pourtant, musicalement, cette collection se joue dans un cadre plus simple que les arrangements intutifs du premier album.

Les histoires racontées par Meek existent dans un monde souterrain basé sur la réalité, mais pas toujours de la façon dont on pourrait s’y attendre. L’introduction de « Pareidolia » est un morceau acoustique relativement simple, mais l’entrée du groupe entier l’envoie sur un chemin teinté de country, tandis que les paroles offrent des visions différentes. Pareidolia est défini comme le fait de voir des choses qui ne sont pas là, comme les visions que l’on a en regardant les nuages. Meek chante : « Pareidolia/ Avec ta tête sur mes genoux/ Sur l’herbe à bison/ Les nuages se déplacent rapidement/ Sidney, dis-moi ce que tu vois » (Pareidolia/ With your head upon my lap/ On the buffalo grass/ The clouds are moving fast/ Sidney, tell me what you see). Les visions qui suivent sont en partie ordinaires, mais elles deviennent de plus en plus extraordinaires.

D’autres contes traitent d’un monde un peu plus stable, mais Meek trouve des courbes et des ronds qui chargent les chansons de manière inattendue. Le monde de « Candle » semble plus ordinaire et plus logique, mais il est imprégné d’un sentiment de paranoïa que la guitare à coulisse et le piano ne parviennent pas à dissiper. Le refrain crée une série de questions, « Vos yeux ont-ils changé ? Je me souviens qu’ils étaient bleus/ Ou bien toujours noisette ? / Toujours le même visage avec un trait ou deux/ Le même amour que j’ai toujours connu » (Did your eyes change? I remember them blue/ Or were they always hazel?/ Still the same face with a line or two/ The same love I always knew . Pourtant, le chanteur est assailli par l’idée d’être suivi.

Des images de piscines avec de la térébenthine existent dans le même espace qu’un « single « qui prétend qu’il ferait « n’importe quoi pour vous » sur « Ham on White ». Tel est l’univers de Buck Meek, mais ce n’est pas tout à fait inattendu puisque l’album a été enregistré dans la chaleur estivale de la Nouvelle-Orléans, un endroit qui est un monde en soi, unique et mystérieux à part entière.

Pourtant, en son cœur, Two Saviors est une collection de chansons qui semblent toucher toutes les bonnes notes, créant un air doux et comprifié qui va à l’encontre de nombreux mystères présents dans les paroles. Le monde de Meek est assez grand pour toutes les contradictions, parce que nous passons tous par une série de pensées et de sentiments contradictoires. À vet égard, Buck Meek exprime simplement la dichotomie qui existe en chacun de nous.

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Meadows: « Modern Emotions »

21 janvier 2021

Le nom d’un groupe comme Meadows suggère une riche palette de sons qui s’étendent jusqu’à l’horizon lointain. Le guitariste Daniël van der Weijde – groupes Silhouette, Incidense, Coppersky – explore ses rêves et son imagination avec son premier album, Modern Emotions. Un mélange mélodique de gothique, de rock et de métal qui rappelle Porcupine Tree, Muse ou Dream Theater. De belles œuvres de guitare tourbillonnent dans vos haut-parleurs, le tout habilement présenté à l’aide d’une programmation. L’utilisation de lignes de violon (« Dance With The Corpse », « Rebecca ») donne notamment aux compositions une touche de sensibilité supplémentaire.

Le guitariste basse Jurjen Bergsma est très heureux de pouvoir jouer avec les doigts dans le progmétal instrumental Powerture. Pourquoi a-t-on demandé aux guitaristes Ruud Jolie (« Within Temptation) » et Richard Henshall (« Haken ») de donner un solo, reste un mystère pour moi. Daniël a suffisamment de qualité dans ses doigts pour contrer le tempo rapide de Ruud Jolie dans « Good Times ». Une contribution qui annule la puissance de la guitare mélodique de Daniël ! A côté de cela, le chanteur Peter Meijer a quelques problèmes avec les régions basses et hautes de cet album. Dommage pour un opus qui vaut vraiment la peine d’être écouté malgré son manque de cohérence et de rais violonistes !

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The Necks: « Silverwater »

21 janvier 2021

La brièveté relative des trois titres de l’avant-dernier album des Necks, Chemist, a démontré que les longs développements d’idées musicales individuelles et clairement délimitées du groupe pouvaient être condensés pour les auditeurs en manque de temps. Les fans seront rassurés par le fait que leur dernier opus propose à nouveau une improvisation unique, ininterrompue, d’une heure, comme on l’attendait jusqu’à présent. Voilà au moins un retour à la norme. Mais sur Silverwater, The Necks ont tenté une nouvelle approche. Alors que les œuvres classiques des Necks, telles que Hanging Gardens, Drive By, ou même le langoureux Ether, se sont toutes développées selon des lignes audacieuses, plus ou moins directes, Silverwater est moins prévisible et plus protéiforme dans son développement. Au premier abord, son développement, particulièrement dans sa dynamique de tension et de relâchement, semble plutôt aléatoire, et donc insatisfaisant. Alors que les albums précédents présentaient des vues cristallines et sur grand écran, Silverwater est plutôt une lentille sur un microcosme d’incidents bouillonnants, et offre quelque chose de plus sombre, et sans doute plus riche. C’est comme si, après avoir proposé Chemist comme une offrande pour les personnes manquant d’attention, The Necks avaient créé quelque chose pour les auditeurs prêts à plonger et à s’immerger.

À l’écoute, on est alternativement attiré et aliéné par l’évolution incertaine de Silverwater. Le morceau-titre semble d’abord incohérent, bien qu’indéniablement séduisant dans ses parties. Une écoute plus approfondie au casque s’avère toutefois beaucoup plus révélatrice et immersive ; c’est comme si l’on examinait de près le maillage minutieux de mécanismes interdépendants dans les entrailles d’une horloge, chaque composant vrombissant dans un mouvement apparemment perpétuel. Le chatoiement brumeux de Silverwater est animé d’événements sonores qui s’enchaînent de manière imprévisible. Son évolution semble progressive, mais il ne fait aucun doute que son improvisation a été soigneusement préméditée.

Silverwater commence par le bruissement de percussions secouées, de battements de tambour et de coups de piano amortis et répétés d’une note. Au bout de quelques minutes, une pulsation de contrebasse calme les choses et des touches de piano apportent un accent mélodique. Les lignes instrumentales individuelles s’affirment ou s’effacent, permettant aux différents éléments de cohérer organiquement, mais sans jamais dominer, bien que les passages soient diversement caractérisés par des éléments sonores individuels : Un orgue Hammond, un piano, une harmonique non identifiable, peut-être un bol métallique frappé ou arqué, une intonation vocale grave, un scintillement presque subaudible, probablement d’origine électronique. Un écheveau dominant présente des frappes régulières de cymbales et une pulsation de piano superposée par un lavage de Hammond. À un moment de la deuxième demi-heure, une guitare électrique commence à gratter un refrain répété, bientôt rejointe par la basse et la batterie pour établir une dynamique de groupe presque conventionnelle, mais cet interlude est emporté comme le sable d’une plage.

La guitare, de son côté, fera d’autres brèves apparitions, ici soutenue par une subtile électronique, et il est remarquable de voir comment, dans un long morceau, des éléments aussi individuels et fugaces peuvent avoir un impact incisif. Plus loin, un long passage de Hammond et de piano avec des percussions insistantes de basse et de cymbale subvertit complètement l’ambiance précédente, pour que ces éléments cèdent à leur tour à une pulsation ambiante soutenue d’orgue électrique. Une fois de plus, une guitare grattée annonce un passage plus urgent de piano et de basse superposés, jusqu’à ce que le ronronnement du Hammond cesse brusquement et que des écheveaux de guitares électriques superposées donnent au morceau un côté dur. Ce sont tous des incidents isolés, comme des sables mouvants qui ne sont pas plus représentatifs de l’ensemble du désert qu’un grain individuel. À la fin, il y a une sorte de climax en sourdine, mais dans la dernière minute, il n’y a que l’ondulation régulière des cymbales alors que le piano faiblit, soulignée par de nouveaux sons électroniques subtils, et enfin un silence abrupt.

En ressortant d’une telle immersion complète, Silverwater semble profondément plus satisfaisant que lors d’une écoute superficielle sur des enceintes. Si les morceaux les plus courts de Chemist sont plus directs et plus faciles à comprendre, Silverwater est une preuve supplémentaire que The Necks sont sur quelque chose de spécial et qu’ils évoluent. Si vous pouvez accorder à cet album un peu de temps et d’attention, vous serez récompensé.

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Twenty Fingers Duo: « Performa »

21 janvier 2021

Deux cœurs, quatre mains, huit cordes et deux douzaines de doigts forment un phénomène sans précédent qui tente de repousser les limites de la musique contemporaine, dont les expériences musicales multicouches touchent chaque oreille attentive de manière différente. Les propriétaires des doigts sont le frère et la sœur, violonistes et violoncellistes, lauréats de concours nationaux et internationaux Lora Kmieliauskaitė et Arnas Kmieliauskas. Poursuivant les traditions musicales de leurs parents et grands-parents, le duo, pour attirer de nouvelles possibilités de performance et d’expression, a formé un phénomène inédit en Lituanie il y a quelques années. Ils ont formé un duo qui crée des expériences vivantes de sons intenses qui modifient le silence et l’espace, et permet de découvrir les instruments classiques avec des oreilles nouvelles.

Aujourd’hui, le duo présente une autre nouvelle expérience musicale sur la scène lituanienne – six formes authentiques de performativité, composées par des compositeurs lituaniens tels que Andrius Maslekovas, Dominykas Digimas, Arturas Bumšteinas, Julius Aglinskas, Rūta Vitkauskaitė et Mykolas Natalevičius. Cette collection de musique lituanienne contemporaine est devenue le premier disque compact du duo, Performa. Dans une interview, les membres du duo parlent de Performa, des performances et des diverses péripéties de la vie d’un musicien contemporain.

Les titres forment un ensemble intense, où le minimalisme se voit appuyer par des arrangements raffinés apportant ainsi à l’ensemble un joli flot de déviances habiles.

Ainsi, les cordes se croisent, se décroisent et se démultiplient, glissent et crissent sous le jeu des archets, cherchant parfois égarer l’auditeur par la technique, mais aussi à l’accaparer par un déferlement de sensations où expérimentation et sensualité s’épousent et fusionnent superbement.

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Fell From the Tree: « Enough »

20 janvier 2021

Pour Hannah Jocelyn, c’en était assez (enough). Après avoir passé les quatre dernières années à sortir de la musique sous le nom de Fell from the Tree, Jocelyn conclut maintenant un cycle de quatre albums par inadvertance avec Enough, une réflexion et une déclaration enthousiastes sur la propre identité de Jocelyn. Il n’y a pas de place pour contourner les idées ou dire ce que vous ne pensez pas dans ce titre – Jocelyn se met entièrement au service du projet. À un certain moment, c’est assez : il faut se faire face soi-même. 

C’est cette acceptation qui est à la base d’Enough. Ses onze chansons décrivent en détail l’agitation personnelle de Jocelyn et sa transition éventuelle, tout en définissant son son avec plus d’assurance que jamais. Plus qu’une simple pop de chambre accrocheuse, Enough repousse les limites de la musique de Fell from the Tree, en ajoutant une instrumentation live et des chansons plus ambitieuses qui osent être inattendues.

Au-delà d’un raffinement de Fell from the Tree au niveau du son lo-fi, Enough propose des invités puissants qui ajoutent de nouvelles dimensions aux chansons. « Never Alone » ajoute au mix un couplet inspiré de « Red Bone » du rappeur LoneMoon ; « Good Thing » se termine par un solo de guitare radical de l’artiste d’ambiance Brosandi. Le violon de Molly Robins est peut-être le plus émouvant de tous, car il transporte le dernier acte de la chanson dans un lieu d’une beauté cinématographique.

Bien que les principaux invités soient un ajout bienvenu au disque et aident à ajouter de nouvelles couches au son lo-fi de Fell from the Tree, ils n’éclipsent jamais la propre voix de Jocelyn. Suffisamment, après tout, est l’aboutissement de quatre années de découverte de soi, de Jocelyn sortant du placard et partageant son identité avec le monde. Enough est autant un record qu’une déclaration de soi, avec toute la douleur et les faux pas qui peuvent accompagner l’acceptation de ce que nous sommes vraiment. ll est à son meilleur quand il est le plus sincère et le plus courageux que Jocelyn nous offre une vue de première ligne de son parcours. Pour tous les synthés et les rythmes variés, je me trouve toujours plus attiré par les moments les plus simples d’Enough – Jocelyn chantant presque a capella pour commencer « What You Want », une ligne de piano minimaliste sur « Good Enoug » » qui implique de la profondeur sans donner sa main. 

Ces rares moments de parcimonie tendent à mettre en évidence l’expansion générale de l’album, qui peut être une bénédiction et une malédiction. La gamme d’influences et d’instrumentation est passionnante, mais sans beaucoup de moments de répit, les pulsations des rythmes peuvent commencer à s’épuiser. De même, les paroles de Jocelyn – bien que profondément personnelles – s’étendent sur des pages et des pages ; elles sont sérieuses et conversationnelles, mais verbeuses à l’excès, laissant peu de place à la contemplation.

Pour les douleurs de croissance qui peuvent accompagner l’ambition d’Enough, l’album s’achève sur une note plus forte, plus claire et plus confiante. Le coup de poing des deux titres de clôture de l’album, « Dress » et « Good Advice », amène la vision d’Enough à sa conclusion logique. Ils se gonflent et s’éclatent, prenant le temps de trouver leur sens et leur identité. Molly Robins ajoute des lignes de violon qui complètent parfaitement la voix de Jocelyn et donnent un sentiment de clôture à un album qui lui est consacré. À la fin de tout cela – Assez, oui, mais aussi le grand voyage de découverte de soi de Jocelyn qui a alimenté sa musique sous le titre Fell from the Tree – on nous offre une opportunité d’espoir. Nous ne savons peut-être pas où chercher, mais la découverte de notre véritable moi est le seul point de départ. 

***1/2