Breathless: »See Those Colours Fly »

15 septembre 2022

Breathless est un groupe que ne suivons que depuis peu. Nous avions été mis au courant de son existence il y a quelques années, lorsque nous avons entendu de nombreuses personnes parler en termes élogieux de Breathless et de la voix rêveuse du chanteur Dominick Appleton. See Those Colours Fly, sorti enjuillet 2022, est le premier album du groupe depuis dix ans et le troisième dans les années 2000. Le disquea été produit par Kramer, producteur de groupes allant de Bongwater à Galaxie 500 et Low. Breathless a travaillé pour la première fois avec Kramer lorsqu’il a mixé trois chansons sur leur album Green to Blue de 2012. Ce disque a été retardé par un terrible accident qui a frappé le batteur Tristram Latimer Sayer, qui est tombé dans le coma et il n’était pas sûr qu’il s’en sorte. Il n’a pas pu contribuer à ce nouvel enregistrement, laissant le claviériste/chanteur Appleton, le guitariste Gary Mundy et le bassiste Ari Neufeld se charger du travail créatif cette fois-ci. Bien sûr, la pandémie a également apporté son lot de difficultés, mais le groupe a évité les studios d’enregistrement professionnels et a enregistré la plupart de ses parties à la maison, ce qui lui a laissé plus de temps pour les assembler et les monter à loisir.

En écoutant ce disque, on ne peut qu’être frappé par sa beauté chatoyante, son esprit tranquille et son sens de l’espace. C’est exactement le genre d’expérience d’écoute dont j’ai besoin en ces temps terriblement chaotiques. Le morceau d’ouverture « Looking For the Words » est plein de majesté symphonique et donne le ton de toute cette séquence de chansons. Il se fond directement dans  » The Party’s Not Over « , une chanson quelque peu sombre mais qui est un véritable bijou. L’écoute de ses mottes sonores est comme le fait de planer à l’intérieur du meilleur rêve éveillé que vous ayez jamais eu. My Heart and I  » est quelque peu angoissante, sa belle parure mélodique recouvrant les paroles déchirantes comme un pansement. We Should Go Driving  » est une chanson directe et presque austère dans sa présentation, mais elle possède l’une des mélodies les plus fortes de l’album. Tout simplement génial ! « Let Me Down Gently » a un titre qui suggère une rupture, mais c’est à l’auditeur de voir si c’est le cas;que ce soit un connaissance proche ou pas , voilàl’exemple type de la composition qui ne peut que nous parler de pa sa somptueuse mélodie.

« The City Never Sleeps » nous offrira, de son côté, une pop orchestrale sombre, une bande-son miniature qui fait écho aux événements des trois dernières années. La vie ne sera plus jamais la même, mais la musique peut nous garder sains d’esprit et entiers, même si elle reflète ces tristes moments. « Somewhere Out of Reach  » devrait être un succès, c’est à la fois l’une des meilleures chansons que j’ai entendues cette saison et un point d’entrée certain pour l’ensemble du disque. So Far From Love  » est brumeux et multicouches, des brins gazeux de dream pop se mêlant au shoegaze et au psychisme trippant. C’est fantastique ! La dernière chanson,  » I Watch You Sleep « , dure plus de 7 minutes. Je m’imagine assis dans le noir, écoutant quelqu’un respirer pendant que mon esprit tourne à mille à l’heure. La mélodie est de premier ordre, et est un arrêt approprié à ce voyage musical rêveur que vous avez voyagé au cours de cette sortie. Un excellent baume pour les rêveurs du monde entier. Hautement recommandé

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Urge Overkill: « Oui »

15 septembre 2022

La dernière fois que nous avons pris des nouvelles d’Urge Overkill, ils surfaient sur le succès fulgurant de Saturation. C’était en 1993, il y a presque trois décennies. Oui, ils ont sorti Exit the Dragon en 1995, mais nous ne nous souvenons pas que l’un de ses morceaux soit passé sur une radio « alternative » (commerciale) à l’époque, et une succession de critiques tièdes nous a empêchés d’aller plus loin. Et le Rock & Roll Submarine de 2011, eh bien, nous l’avons découvert il y a seulement trente secondes.

Nous voici donc en 2022, accueillis par Oui. Et c’est comme si Urge Overkill n’était jamais parti. La même vibe bouillonnante, hargneuse (et légèrement crade) qui caractérisait Saturation est largement intacte. Une reprise de « Freedom ! » de George Michael ouvre le disque, et c’est plutôt bon, bien que l’arrangement semble avoir été fait à la dernière minute du studio.

Le titre « A Necessary Evil » est bien meilleure. C’est un morceau original qui rassemble tous les atouts d’UO en quelques minutes. « Follow My Shadow  » ressemble beaucoup à l’ancien Urge, avec des guitares rugissantes et serrées, et une sensibilité pop  saturée de riffs appliquée à des arrangements énergiques et attrayants.

« How Sweet the Light  » va exploser à en griller nos enceintes ; comme la plupart des morceaux de Oui, la chanson d’ailleurs semble très pressée de commencer. King Roeser et Nash Kato n’ont pas l’habitude de faire des fondus enchaînés ou de faire de la figuration ; leur approche de l’art de la chanson a un point commun avec les Raspberries (entre autres).

Si vous pensez que le début des années 1990 était une époque formidable pour le rock alternatif mélodique et dur, Oui vous donne l’occasion de découvrir une nouvelle musique qui vous y ramènera. L’ère du rock est peut-être – comme nous le disent les experts – derrière nous, mais Urge Overkill n’a manifestement pas reçu ce mémo. Ne le leur disons pas. Et espérons qu’ils sont de retour pour de bon cette fois-ci.

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Lisa Cameron / Damon Smith / Alex Cunningham: »Time Without Hours »

14 septembre 2022

Ce nouvel arrivage d’improvisation libre des vétérans Lisa Cameron (batterie), Damon Smith (basse) et Alex Cunningham (violon) fait mouche. Il combine juste ce qu’il faut de structure, d’ouverture, de discordance et de virtuosité. Cameron et Smith sont tous deux de formidables interprètes. Le premier utilise des passages de rythmes semi-prévisibles pour accentuer davantage les motifs plus mercuriens. La basse acoustique du second est profondément timbrée et presque hypnogène. Mais Cunningham est au premier plan pendant la majeure partie de l’album, sciant et grattant agressivement les notes de son instrument.

Par exemple, « A Wave Reborn » commence par des percussions lentes mais non conventionnelles, couplées à une basse à archet et à un thème de violon subtil et grinçant. L’utilisation de techniques étendues fait que l’exploration texturale prend le pas sur la mélodie. Cunningham extrait les notes comme s’il forgeait une œuvre d’art métallique abstraite à partir de matériaux bruts. Le morceau se transforme en une forme de ligne de basse qui marche (qui danse ?), avec Cameron qui joue beaucoup de cymbales et le violon qui va et vient au premier plan. Le tempo augmente vers la fin, avec le solo extérieur de Cunningham sur des rythmes denses et anguleux.

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Diesel Park West: « Not Quite the American Dream »

14 septembre 2022

Quel long et étrange voyage cela a été ! Trente-trois ans après que leur premier album Shakespeare Alabama ait présenté Diesel Park West au monde, ils sont de retour avec Not Quite the American Dream, leur premier depuis Let It Melt en 2019, trouve le groupe en pleine forme. Il envoie un message clair que Diesel Park West n’est pas seulement vivant et en pleine forme, mais qu’il prospère.  « Pourquoi sommes-nous encore là ? » demande John Butler, leader, auteur-compositeur et seul membre à avoir gardé le cap depuis leur formation en 1980 sous le nom de The Filberts.  Le combo est toujours poussé par le désir d’écrire et, comme ils le disent : « C’est de plus en plus facile. Nous arrivons aux répétitions, fatigués, crevés et énervés, mais quand nous commençons à jouer, en quelques minutes, nous avons l’impression d’être le meilleur groupe du monde. C’est pour ça qu’on est toujours là ! »  Let It Melt rappelle les points forts de DPW : des chansons classiques dans la riche veine de Moby Grape, Buffalo Springfield, Gene Clark et les Byrds, soutenues par un amour pour le rock’n’roll féroce, inspiré des Rolling Stones, et un talent pour les paroles à caractère social.  Butler, qui est déjà un maître de l’art, monte encore d’un cran dans son jeu en livrant douze chansons mémorables et pleines d’accroches. 

La pandémie de COVID a entraîné des restrictions dans le processus d’enregistrement, obligeant John à s’imposer comme le guitariste principal d’un groupe qui en comptait autrefois pas moins de trois. Le disque a été enregistré au Royaume-Uni mais a été terminé au Texas. C’est là que les musiciens/producteurs de Dallas Salim Nourallah et John Dufilho (Deathray Davies/Apples in Stereo) ont terminé l’enregistrement et le mixage.  Malgré les liens du groupe avec les influences américaines, le nouvel album est typiquement britannique, avec sa couverture de la scène de rue de Leicester et ses chansons à caractère social.   « Secondary Modern Man » est peut-être l’une des ruminations les plus parlantes de Butler, et aussi la meilleure chanson des Kinks que Ray Davies n’a jamais écrite. Son point de vue autobiographique sur le système éducatif britannique de l’après-guerre est accompagné d’une mélodie exubérante et d’un rythme de batterie endiable dont Ray Davies lui-même ne pourrait qu’être jaloux !

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Shaylee: « Short-Sighted Security »

14 septembre 2022

Sous le nom de Shaylee, l’auteur-compositeur-interprète Elle Archer, de Portland (Oregon), rend un véritable hommage  » Do-it-yourself  » à la musique qui l’a inspirée au départ, à savoir les œuvres du début du siècle de groupes de rock alternatif comme Flaming Lips, Wilco et Radiohead. Bien sûr, la plupart des groupes de rock alternatif qui l’ont inspirée font des clins d’œil évidents aux influences mélodiques du rock classique qui les ont inspirées, la power-pop jangly et le rock classique qui continuent de toucher les fans à ce jour. Profitant pleinement de la fermeture de la pandémie, Archer a concentré ses considérables talents sur la création d’une musique qui honore ce passé, tout en livrant une déclaration personnelle conçue pour passer l’épreuve du temps. Multi-instrumentiste, elle joue de tous les instruments, sauf quelques-uns, présentés dans cette collection de chansons – du moins toutes les guitares, la basse, la batterie et les synthétiseurs, mais elle remercie un ami, Matt, qui a fourni un peu d’orgue, de violoncelle et de violon sur quelques morceaux.

Comme la plupart des grandes œuvres d’art, les chansons de Shaylee racontent une histoire personnelle de lutte, le désir d’amour et ses échecs, et ses tentatives de vivre, de grandir et de développer des relations significatives en tant que femme transgenre, étant donné que « le monde change autour de nous ». Le fait que son histoire soit liée aux questions intérieures et à l’inquiétude de tous ceux qui se demandent quelle est leur place dans le monde rend ses chansons d’autant plus universelles ; elle raconte une histoire fondamentalement humaine. Et comme dans la musique pop, ce sont ses sensibilités mélodiques accrocheuses qui attirent l’auditeur dans son expérience, et c’est l’impressionnante collection de sons qu’elle réunit qui fournit le tissu conjonctif sur lequel repose toute grande musique.

Le fait de savoir qu’Archer a dû assembler ces hymnes power-pop longs et parfois très élaborés, une couche à la fois, ne vous empêchera pas d’imaginer un groupe complet en train de jammer sur des morceaux comme « Stranded Living Room », « Audrey » et « Oblivion », qui ont tendance à se construire pour permettre des solos de guitare majestueux, un domaine dans lequel elle excelle. Dans « Ophelia », elle inclut un breakdown noise classique pour exprimer le chaos qui peut survenir lorsqu’une attraction brève et rapide s’épanouit rapidement avant d’imploser.

Sur ce troisième album, Shaylee capitalise sur des années d’étude des chansons qui ont représenté le monde pour elle et apporte tout ce savoir à ce beau projet de bricolage, qui la place en bonne compagnie des efforts d’enregistrement solo de Paul McCartney et Todd Rundgren. Tout au long de Short-Sighted Security, les chansons d’Archer semblent demander s’il y a de la place dans le monde pour elle et sa musique, alors même qu’elle se taille un espace unique enraciné dans la démonstration de ses nombreux talents.

***1/2


Paul Roland & Mick Crossley: « Through The Spectral Gate »

14 septembre 2022

Paul Roland n’a plus besoin d’être présenté, sa position d’acteur majeur de la scène psychique underground à partir des années 1980 a conduit son compagnon de route Robyn Hitchcock à le décrire comme  » le Kate Bush masculin « , avec des albums de musique de chambre folk baroque comme Cabinet of Curiosities et des bijoux psychiques éclectiques comme Duel et Masque qui ont cimenté sa réputation d’auteur-compositeur unique et durable. Mick Crossley a récemment joué avec Roland sur des projets récents tels que Grimmer Than Grim et Hexen, ce qui a conduit à l’entreprise commune Through the Spectral Gate. Un peu plus cosmique que la production habituelle de Roland, avec des allusions et des teintes de Hawkwind du milieu des années 70 (pensez à l’époque de Warrior on the Edge of Time) ainsi que de Tangerine Dream, il y a néanmoins une obscurité et une qualité onirique qui nous touchent de la même manière que la muse de Katies, et qui plairont sans aucun doute à sa base de fans.

L’album commence par les synthés pulsés et les basses pensifs de « Open the Spectral Gate », un hautbois gracieux mais fantomatique reprenant un motif sinistre qui rappelle la majesté ombragée de Starless and Bible Black de King Crimson, évoquant un même sentiment d’effroi et d’émerveillement. Come Into My Mind & The Flickering Light  » suit le territoire plus familier de Paul Roland, avec sa mélancolie acoustique ornée décorée par des lavis de synthétiseurs analogiques et de bois choisis avec goût, avant que le deuxième mouvement de la chanson ne se lance (de la manière la plus Floydienne) sur une vaste vague de cordes, de synthétiseurs râpeux et de carillons de guitare. A la fois époustouflant et d’une grande force émotionnelle, il y a ici une myriade de détails et de moments, contenus dans ce qui n’est rien de moins qu’une symphonie électronique sur grand écran. Vient ensuite ‘Echo Forest (He Knows My Name)’, un morceau plus familier à Roland, avec ses harmonies gothiques psychologiques étranges et effrayantes et ses éclats de guitare brumeux. De nombreuses chansons de Roland s’inspirent du folklore, des histoires de fantômes ou de l’étrange et de l’inhabituel, et celle-ci ne fait pas exception à la règle. Il y a quelque chose de tout à fait sinistre à l’œuvre ici, parmi l’orgue aux motifs cachemire et les roulements de batterie descendants, comme si le Left Banke avait fait un mauvais trip, perdu dans l’obscurité des bois. Une coda acoustique offre une finale émotive et dramatique, avec un crescendo impressionnant de cordes et de guitare acoustique.

Silver Surfer Parts 1 & 2  » met le cap sur le cœur du soleil, avec des arpèges de synthétiseur chatoyants sur une performance sobre et tendue, le piano ponctuant les sombres nuages tourbillonnants et la performance passionnée de Roland. Le deuxième mouvement est un véritable « In Search of Space », avec des lignes de guitare qui s’élèvent et dérivent dans le vide sans fin. Witch’s Brew Parts 1 & 2  » renoue avec le folk occulte qui est le point fort de Roland, un morceau profondément mélodique et nuancé qui est d’une beauté sombre (avec une section finale atmosphérique et lysergique avec Geoffrey Richardson de Caravan au violon). Mantra « , quant à lui, est une construction lente, une chanson désertique hallucinatoire faite de basses exploratrices, de tourbillons de synthétiseurs et de pistes de guitare étoilées. La sitar et la boîte à shruti ouvrent  » The Third Eye & Blessings « , une version hantée mais perversement humoristique et cynique de certains types de gourous, qui se transforme en une odyssée de claviers vintage extrêmement satisfaisante.

C’est l’une des grandes forces de l’association de Roland et Crossley : nous bénéficions non seulement de l’écriture nuancée et de la maîtrise mélodique de Roland, mais la nature allongée de ces morceaux permet une portée et un cadrage cinématographiques qui ajoutent une dimension et une profondeur supplémentaires. Never Flown So High Before  » en est un bon exemple : des lignes de guitare fulgurantes, de vastes banques de synthétiseurs et des chœurs ornent le génie pop tordu de Roland, nous entraînant dans des domaines inexplorés, dans de nouvelles galaxies. Ayant déjà exploré les genres du garage rock des années 60, de la folk de chambre et du psych rock, cet engouement pour le cosmique et le space rock/prog convient parfaitement à Roland. Ensuite, ‘The Cave Song & Carlos’, avec ses teintes orientales et ses explorations psychiques de minuit, touche un territoire musical normalement occupé par des groupes comme Goat et Familia de Lobos (avec une touche de The Doors), et permet à Crossley de prendre la parole sur un morceau qui se transforme en un voyage mental, tandis que ‘Carlos’ évoque les Pink Floyd de l’époque Saucerful of Secrets participant à un rituel souterrain. Le final de « Crystal & Silent Star », propulsé par un battement de pulsation électronique semblable à celui d’un spectre, est à la fois obsédant et dynamique. Extrêmement atmosphérique et immersif, c’est la conclusion idéale d’un album profondément inventif, ambitieux et cinématographique.

On espère qu’une collaboration similaire pourra se reproduire entre Roland et Crossley, tant le succès et le dynamisme sont évidents ici. Il n’y a pas de concession au commercialisme ou de vente facile, on sent que c’est un album que les deux artistes ont voulu faire par pur amour de la musique, des sons évoqués et des univers créés. Ce véritable engagement transparaît, un travail d’amour qui récompense à chaque nouvelle écoute en vous transportant dans des mondes lointains et dans les recoins sombres et profonds de l’espace intérieur. Voyagez Through the Spectral Gate, vous ne voudrez plus la quitter.

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The Sadies: « Colder Streams »

13 septembre 2022

Avec le décès de leur leader, Dallas Good, du groupe canadien The Sadies, et sa déclaration ironique selon laquelle cet album est « de loin, le meilleur disque jamais réalisé par qui que ce soit », il est probable que l’on s’y intéresse de très près. Si vous n’avez pas entendu parler de The Sadies, il est probable qu’un groupe que vous admirez l’ait fait. Et cet album est loué par les critiques comme l’un des meilleurs, sinon le meilleur, album qu’ils aient sorti.

Avec leur maîtrise du mélange des genres, incluant des influences de rock psychédélique, d’alt-Americana, voire de punk et de surf, c’est une écoute dynamique. « La tristesse vient avec le soleil couchant » (The sadness comes with the setting sun), commencent-ils sur la première chanson à consonance particulièrement psychédélique, « Stop and Start », un peu comme une chanson hors du temps. Et l’album est empreint d’une écrasante lassitude du monde. « En ce jour et cette époque / La rage est devenue toute la rage / Nous choisissons de nous comporter / Comme des loups qu’on laisse mourir de faim dans la cage  » (In this day and age / Rage has become all the rage / We choose to behave / Like wolves left to starve in the cage).

Dallas Good a toujours eu ses questions brûlantes sur la vie après la mort et le jugement supposé de Dieu, une pensée lourde compte tenu de son récent décès, et il poursuit cette rumination sur ce disque. « Attendez que le monde prenne feu, puis essayez de prétendre / Tous nos péchés sont pardonnés à la fin », chante-t-il sur une chanson au symbolisme particulièrement religieux. Je dirais qu’il n’y a pas que de l’angoisse, mais c’est un disque assez angoissant dans l’ensemble. Et bien qu’il dise, peut-être avec un certain sens de l’humour, « Je peux faire ce que je veux / Personne ne me regarde / Je peux dire ce que je veux / Personne ne m’écoute » (I can do what I want / No one’s watching me / I can say what I want / No one’s listening to me), sur la chanson « No One’s Listening », qui fait penser à REM, les gens écoutent certainement le chant du cygne de Good avec un respect mérité.

Avec 14 autres albums à leur actif, les fans les plus fidèles auront de quoi visiter les lieux pendant de nombreuses années. Mais cet album produit par Richard Reed Parry (Arcade Fire) se termine certainement sur une note élevée, bien que triste. « J’aimerais ne pas m’en soucier / J’aimerais que rien de tout cela n’ait d’importance / Je ne suis pas meilleur que toi / Mais tu vaux mieux que ça » (I wish I didn’t care / I wish none of it mattered / I’m no better than you / But you’re better than that.). Good a toujours pris ses responsabilités à cœur et continue, dans cet album, à se plonger profondément dans les troubles actuels et la lutte pour être un homme bon dans un monde difficile. Personne ne peut dire qu’il ne s’est pas investi dans son travail. La direction que prendra The Sadies reste à voir, mais ce disque, que nous avons la chance de posséder, est un nouvel ajout à une réputation déjà dorée.

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Jagath: « Svapna »

13 septembre 2022

Jagath est un collectif russe qui produit de la musique d’ambiance « rituelle », mais le fait de manière inhabituelle. Ils évitent le traitement numérique et le synthétiseur en couches, et enregistrent plutôt dans les emplacements de résonance abandonnés – égouts et réservoirs souterrains par exemple – pour créer une bande-son pour la désintégration industrielle.

Les quatre longs pistes sur Svapna sont pilotées par l’instrumentation acoustique personnalisée, la percussions à partird’objets du quotidien et les voix. Les structures rythmiques vont au-delà des motifs de frappe typiques que l’on trouve dans la plupart des musiques rituelles et incorporent plutôt des éléments aléatoriques.

Associé à un jeu en grande partie improvisé d’instruments à cordes atypiques, en bois et en métal, cela donne à l’album un sentiment d’imprévisibilité. Les battements suivent rarement un tempo ou une cadence particulière, mais sont densément structurés avec plusieurs artistes contribuant. Les voix varient entre le chant, le drone et la chanson parlée. Il en résulte un effort édifiant particulièrement édité – c’est comme si les formations créées par l’homme s’effritent vers une bande sonore mélancolique d’acceptation.Si vous n’avez pas encore essayé l’ambient rituel, Svapna en sera une excellente introduction.

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Jockstrap: « I Love You Jennifer B »

12 septembre 2022

La force motrice de Jockstrap est d’être un duo composé de Georgia Ellery et Taylor Skye. Âgés de 24 ans, ils se sont rencontrés à la Guildhall School Of Music & Drama où ils étudiaient respectivement le jazz et la composition électronique. Bien que I Love You Jennifer B soit le premier album du duo, les deux membres ont été sous les feux de la rampe avec d’autres projets. Ellery a fait partie de Black Country, New Road et a collaboré avec Jamie XX ; Skye a travaillé en tant qu’artiste solo et a réalisé des remixes, déconstruisant des tubes pop de Kendrick Lamar, Frank Ocean et Beyonce. 

En tant que Jockstrap, les deux artistes créent une palette aussi éclectique que le paysage urbain contemporain de Londres, incorporant le pouls animé de Brick Lane, les façades brutales rétrofuturistes du Barbican et le charme baroque-pop de Camden Walk à Islington. D’une certaine manière, cette texture s’apparente aux premiers albums de James Blake, des cartes postales avec un paysage aquarellé d’une ville imaginaire. Pourtant, malgré ces allusions, Jockstrap parvient à créer une écosphère sonore reconnaissable.   

La musique de Jockstrap résulte des contributions égales de ses deux membres. Ces composantes sont aussi différentes et compatibles que le yin et le yang. Les arrangements post-dubstep désobéissants de Taylor Skye habillent les chansons volatiles de Georgia Ellery d’une couche substantielle de gravité dancefloor. La sensibilité folk trompeuse des premières secondes de l’album prend un virage vers le trip-hop profond. Ces rebondissements inattendus sont apparemment l’objectif du duo. Ils peuvent être soit musicaux, soit lyriques. L’utilisation libre du mot « fuck » sur le sixième morceau « Angst » contraste avec la douce mélancolie de l’arrangement de harpe électrique. La chanson interprète l’angoisse comme un processus dévastateur semblable à l’accouchement. Elle fait référence au souvenir qu’Ellery a gardé de sa mère comparant une crise d’angoisse à « la ponte d’un œuf ». La harpe aux allures de conte de fées donne une idée de la tranquillité de l’environnement où un anxieux peut difficilement trouver du réconfort, en jurant dans son souffle. 

Des principes de collage similaires s’appliquent à la production. Des fragments de démo sont incorporés dans la texture de quelques chansons, leur donnant un aspect légèrement obsédant. Lancaster Court « , avec sa guitare, est la seule ballade de l’album, avec des bribes de la pratique vocale enregistrée d’Ellery. Dans cette chanson, Ellery joue de la guitare sur disque pour la première fois. Avec des brosses occasionnelles de flûte et de percussion, la ballade évoque l’intérieur d’une chambre d’hôtel sombre où une rencontre sexuelle pourrait avoir lieu. 

Sur le morceau précédent, « Glasgow », des couches de voix combinées lo-fi et studio sont enregistrées sur une guitare grattée semblable à celle du deuxième album de Bon Iver. La chanson semble plus légère et plus sûre d’elle que le reste de l’album. Cependant, l’humeur change à la fin : « In that moment, I am so low / In that moment, I am so alone »(A ce moment, je suis si féprimé / A ce moment, je suis si seul).

La qualité énigmatique de la musique du groupe ne l’empêche pas d’être une bande sonore appropriée à la vie dans un lieu particulier. Aussi hétérogène soit-elle, l’architecture de Londres est souvent évoquée. Concrete Over Water  » évoque la grâce lugubre du domaine Barbican. Ellery et Skye avaient tous deux étudié à Guildhall peu de temps avant la production de ce titre. Les paroles parlent de lieux particuliers comme l’Italie et l’Espagne, mais il semble qu’il y ait un lieu particulier et inexistant, un souvenir dans la tête du héros lyrique. La chanson commence par des claviers semblables à ceux d’un calliope et la voix d’Ellery, donnant une sorte de souvenir d’événements qui pourraient être soit pré-pandémie, soit pré-Brexit, soit pré-peu importe : « I live in the city / The tower’s blue and the sky is black / I feel the night / I sit, it’s on my back / On my back / It makes me cry / This European air, I swear it does » (J’habite dans la ville / La tour est bleue et le ciel est noir / Je sens la nuit / Je m’assieds, elle est sur mon dos / Sur mon dos / Elle me fait pleurer / Cet air européen, je le jure). 

Les références à divers lieux géographiques sont omniprésentes dans l’album. Qu’il s’agisse d’une ville (« Glasgow ») ou d’un seul bâtiment (« Lancaster Court »), l’album évoque un sentiment de mouvement constant – et agité – familier à tout résident d’une métropole. 

Le morceau « 50/50 (Extended) », qui clôt l’album, est un morceau dubstep grinçant, contrairement aux accents émotifs de la majeure partie de l’album. Cela n’enlève rien à la sincérité de Jockstrap, mais montre la façon dont les émotions peuvent être supprimées ou transformées par un entraînement intensif sur le dancefloor. Le fait que les deux membres aient 24 ans explique en partie le choix de leurs noms artistiques ainsi que le titre de leur premier disque. En vieillissant, les niveaux de vulnérabilité se stabilisent progressivement. Les thèmes que le groupe explore sont familiers à la majorité de ceux qui vivent sur cette planète et, en particulier, dans ses parties les plus peuplées. L’anxiété, l’aliénation, la nostalgie, les raz-de-marée du désir, la douleur résultant de la reconnaissance de son ignorance et de son arrogance, etc. etc. Après tout, I Love You Jennifer B pourrait être une déclaration sur le mur d’un immeuble résidentiel, inscrite par un adolescent épris.

Différentes personnes trouvent différentes versions d’un airbag métaphorique qui les empêcherait d’avoir un accident émotionnel. S’inspirant de cela, Jockstrap offre une protection figurative pour les parties les plus exposées. Bien que cette musique soit loin d’être thérapeutique pour l’auditeur, elle vous invite volontiers à entrer dans leur monde étrange, émotif et intensément cinétique. Décidez par vous-même si cela vaut la peine d’y entrer.

***1/2


Chypled Black Phoenix: « Banefyre »

11 septembre 2022

Chypled Black Phoenix est un élément de base de la scène metal underground depuis une quinzaine d’années. Coduit par l’ancien batteur de ElectricWizard Justin Greaves, le groupe a vu un large cercle de musiciens contribuer à différents moments, et se distingue par leur capacité à créer des atmosphères sombres et de mauvaise humeur à travers un large éventail d’influences de genre. Banefyre est leur dernier opus, un monstre absolu d’album selon les trois normes du groupe.
Une note malheureusement nécessaire: moins on l’a dit à propos de la chanson d’intro de ce
disque « Incantation For The Different », mieux c’est. Au mieux, c’est un ajout malavisé à une libération déjà très longue, au pire, c’est un petit morceau qui apporte des monceaux de palpitations des sens menaçant le pronostic vital. Heureusement, la deuxième piste, « Wyches And Basterdz », essuie rapidement ce mauvais goût de la bouche de l’auditeur, générant une niveau plus élévé que le reste de l’album parviendra à maintenir.
Dans l’ensemble, cette performance s’étendra sur
les quatre-vingt-treize minutes de ses douze pistes. Les auditeurs conscients du matériel antérieur de Crippled Black Phoenix ne seront pas nécessairement surpris par les influences sonores dans le jeu, mais les chansons ici sont diversifiées de manière satisfaisante. « Wyches And Basterdz » est peut-être l’offre la plus souvent métallique, travaillant sur une base de riffage des malheurs, tandis que le duo de milieu d’album de « Rose Of Jericho » et « Blackout77 » plonge dans le post-rock, sentant comme des coupes perdues de la sortie de cette ère classique qu’ont été, pour ce genre, années 2000.

Entre les deux, il y a des offres plus immédiates, alt-rock, avec « Ghostland », qui prospèrnt comme un nombre étonnamment anthemique construit sur une mélodie folklorique triste et vaguement celtique. Dans les dernières étapes de l’album, « Everything Is Beautiful But Us » penche dans une interprétation inhabituellement magnifique de la scène d’Emma Ruth Rundle, tandis que mammouth plus proche « La scène est un faux prophète » est tout le prog de mélancolie rencontre le post-métal, inquiétant et puissant mais toujours en action avec retenue.
Banefyre souffre un peu de la maladie courante des œuvres de cette ampleur: plus de 1,5 heure, c’est long pour consacrer à un seul record, et un petit rognage profiterait probablement à l’impact de l’effort dans son ensemble. Cela dit, à l’exception de l’intro qui ne sera pas nommé, Crippled Black Phoenix a fait un travail très impressionnant ici en élaborant une musique d’excellente qualité, et même compte tenu du degré de variation stylistique, il y a une humeur cohérente tout au long. Il est surprenant que cet album soit un peu déprimé, qui contemple des sujets tels que l’iniquité sociale et les troubles urbains, la dépression et la religion, dont aucun n’est délivré de manière particulièrement édifiante. Les résultats fournissent une ambiance quelque part entre une expression artistique plus ordinaire de l’angoresse et une bande-son à un rituel satanique aux chandelles. Tout cela pour dire que si Banefyre est un album qui va vraiment secouer vos tripes dans un bon nombre d’endroits, c’est la nature hantée de beaucoup de ses chansons qui restera avec l’auditeur plus que tout.

***1/2