Courting: « Guitar Music »

25 septembre 2022

Le premier album d’un groupe est toujours un moment décisif. C’est le moment où l’on voit leur ambition se concrétiser dans un disque qui va soit les propulser dans la stratosphère, soit les faire échouer sur terre. Pour Courting, le groupe se situe dans la première catégorie.

Ce groupe de quatre musiciens de Liverpool, composé de Sean Murphy O’Neill, Sean Thomas, Josh Cope et Connor McCann, est l’un des groupes les plus excitants de ces dernières années dans le Nord-Ouest. En évitant le chemin sonore traditionnel que la plupart des groupes empruntent, Courting s’affiche fièrement comme un étudiant de l’ère du streaming. Avec des influences qui s’entrechoquent comme jamais vous ne l’auriez cru possible. De David Byrne à Kanye West en passant par Blur, Busted et Charli XCX.

Cela n’est nulle part plus apparent que sur le disque lui-même. Un assortiment d’influences musicales qui, pour la plupart, s’harmonisent bien. L’ouverture ‘Twin Cities’ se délecte du chaos hyper-pop et place la déclaration du groupe en avant et au centre. Tennis  » se rapproche davantage du post-punk tout en étant naturellement ironique. Avec des lignes comme « You’re a night in a Holiday Inn, I’m a breakfast bar with an unusual toasting conveyor belt » (Tu es une nuit dans un Holiday Inn, je suis un bar à petit-déjeuner avec un toast inhabituel.), vous savez que ces gars-là ont quelque chose de spécial. Loaded  » mélange post-punk et hyper-pop dans un morceau chaotique sur la façon dont l’embourgeoisement rend les villes sans âme et sur la nostalgie d’une époque où il était plus libre et insouciant.

« Famous » ressemble à l’attraction la plus démente du monde mais se transforme en un banger indie-punk digne de LCD Soundsystem. Il est suivi par le morceau  » Crass « , qui est le premier album de Courting. Jumper  » est un morceau qui sonne comme si Busted avait brièvement possédé le groupe, avec des guitares jangly et l’histoire d’un couple qui se rencontre et tombe amoureux, il marche en terrain connu, c’est sans aucun doute un ver d’oreille et une chanson qui ne demande qu’à être jouée en live. 

L’album – qui ne compte que huit titres – passe plus vite qu’un train à grande vitesse et ne laisse que peu de répit. Le groupe semble avoir distillé toutes ses idées et ses influences dans ces huit titres, sans aucun remplissage. En termes de critique, il n’y a pas grand-chose à dire. Le dernier morceau,  » PDA « , est un adieu aux fans, avec O’Neill qui chante : « J’ai dit que je ne pleurerai pas, car pleurer signifierait que c’est fini. » Mis à part la rupture intelligente du quatrième mur, l’instrumentation de la chanson se construit lentement et vous laisse sur votre faim.

Courting a prouvé qu’il était capable de changer selon l’humeur du moment, et Guitar Music montre ses forces dans l’un des débuts les plus excitants de cette année. Une chose est sûre. Ces gars-là sont des pop stars.

***1/2


Daniel Lanois: « Player, Piano »

24 septembre 2022

Daniel Lanois ? On pense guitares pas trop propres, trempées dans les eaux boueuses du Mississippi (ou d’un lac pas loin de Gatineau, terre d’origine). On pense réalisation, pour Dylan, U2, Gabriel, longue liste. Qui aurait dit : Lanois, pianiste ? Personne. Sauf Lanois. On le savait capable de tâter de tout. Peur d’avoir l’air amateur ? Au contraire. Ce que dit ce premier album à l’enseigne de BMG — et le rapatriement de son catalogue —, c’est qu’il n’a pas à refaire du Lanois. Occasion saisie, mode de création renouvelé.

Piano ? Va pour le piano. Pas fluide mais futé, Lanois compense : il enregistre la main gauche, puis la droite. Ou le contraire. Un contrariant chronique, le Daniel. Ainsi naît un pianiste pas vraiment pianiste. Un peu de programmation en sus. D’autres claviers. Ressort un album un peu artificiel. Pas du Lanois en prise directe, ni du Lanois enraciné. Plutôt Lanois en pleine expérimentation, fin mélodiste tout de même. Pas tellement ce que le titre Player, Piano annonce. Esprit de contradiction, va !

***1/2


Alex G: « God Save The Animals »

24 septembre 2022

God Save The Animals est le neuvième projet complet du roi de la lo-fi Alex G, et son premier en trois ans (après We’re All Going to the World’s Fair OMPS en 2022). Alex G est un artiste qui a fait preuve d’une production inégalée depuis ses débuts stellaires ‘Race’ en 2010, avec un grand nombre de singles, EPs et splits, et des crédits sur des projets de Frank Ocean, Porches et Japanese Breakfast, entre autres.

Comme il l’a été dit lors de critique du single  » Miracles « , ce nouvel album s’éloigne de ses racines lo-fi, avec un son plus raffiné et poli. Cependant, le morceau d’ouverture de ce nouvel album,  » After All « , semble rendre hommage à son histoire de basse-fidélité, en montrant une colonne vertébrale de touches brumeuses et de voix pitchées avec effets. Le single ‘Runner’ résume parfaitement l’ensemble du paysage sonore de l’album, une combinaison délectable de touches pincées, de batterie paresseuse et de ce son de guitare classique d’Alex G. De plus, ce single a permis à Alex, qui est un produit d’une scène Internet de niche avec une fanbase culte incroyablement dévouée, d’apparaître dans le Tonight Show Starring Jimmy Fallon – une différence frappante par rapport à ses humbles débuts sur Bandcamp.

Le disque avance doucement, la guitare (comme d’habitude) étant le point central de la liste des titres. Alex montre également une amélioration de ses capacités vocales ; il est rafraîchissant d’entendre sa voix claire et nette après tant d’années d’enregistrements lo-fi et DIY. Cela dit, l’album se replie parfois sur ces éléments lo-fi, qu’il s’agisse de voix trempées dans la room-reverb ou de saturation excessive de certains instruments. S.D.O.S.  » est un morceau essentiellement instrumental, qui contient un motif obsédant au Mellotron avant de se transformer en chant fortement accordé automatiquement, à la manière de 100 gecs. Entendre Alex G se mêler aux genres n’est pas du tout inhabituel, mais c’est une surprise bienvenue sur un album aussi « live ». 

« Immunity  » monte également d’un cran, avec l’intégralité de l’extrait qui s’enorgueillit de ces vocaux AutoTuned. Il se termine également par un jam instrumental bizarre, un mur de guitares bancales et de piano staccato. Forgive  » clôt l’album et est également le morceau le plus long de l’album. Il s’agit d’un morceau country et classique d’Alex G, présentant des banjos, des guitares électriques croustillantes et un rythme lent. Comme d’autres moments de l’album, il est principalement instrumental et s’éteint avec une rupture de la guitare principale.

Dans « God Bless the Animals », on retrouve Alex G sur son terrain de prédilection, avec ses morceaux à la guitare acoustique, somnolents mais doux, ainsi qu’une bonne dose de textures lo-fi, des traits de piano accrocheurs et quelques-unes de ses meilleures performances vocales à ce jour. Malgré la haute fidélité d’une grande partie du projet, cela n’empêche pas Alex d’expérimenter avec AutoTune et des sons plus étranges. Ainsi, même si les singles sont les plus attrayants commercialement, Alex ne perd jamais son intégrité ou sa signature sonore en tant qu’artiste et il nous offre ici un retour brillant qui reste attaché à ses racines DIY…

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Whitney: « Spark »

22 septembre 2022

Ce devrait être un crime pour le duo Julien Ehrlich et Max Kakacek de sortir un autre de leurs albums estivaux et chatoyants à la veille de l’automne. Pourtant, Ehrlich et Kakacek continuent d’impressionner avec leur troisième album de musique originale. Spark trouve Whitney explorant les rythmes d’accompagnement, les synthétiseurs et les arrangements de cordes avec des résultats gagnants. Semblable à Forever Turned Around de 2019, Spark nécessite quelques écoutes pour que ses vrilles trouvent leur pied, mais il vaut bien cet effort pas trop pénible.

Le morceau principal « Nothing Remains » s’annonce instantanément avec des synthés qui claquent doucement et sur lesquels Ehrlich chante avec son falsetto caractéristique. L’approche plus expansive s’applique pleinement au single « Real Love », où la programmation lourdement rythmée permet un point de départ pour des refrains tourbillonnants ponctués de synthés et de touches. Enregistré aux Sonic Ranch Studios du Texas, où d’autres artistes tels que Big Thief et Waxahatchee semblent avoir trouvé une nouvelle muse, le duo cite l’instrumentation élargie de Spark comme la source d’inspiration nécessaire pour aller de l’avant.

Ceci étant dit, ce sont quelques-uns des morceaux les plus subtils qui retiennent le plus l’attention ici. « Twirl » ressemble à un magnifique extrait en clé mineure des Beach Boys, dans le genre Surf’s Up. Les notes de piano imprègnent la chanson d’une lumière douce sur laquelle Ehrlich chante l’une de ses voix les plus plaintives en décrivant le désespoir d’essayer de s’accrocher à une relation qui s’étiole. Et bien qu’une version plus longue de la chanson « Cunty Lines », qui clôt l’album, aurait pu la placer dans le domaine de « Friend of Mine » de Forever Turned Around, les refrains vocaux doublés d’Ehrlich en font l’un des meilleurs moments enregistrés par Whitney. Déjà l’un des groupes de rock indépendant les plus soudés sur scène, Spark leur donne une douzaine de flèches supplémentaires pour leur carquois et peut-être une chance pour Ehrlich de sortir de derrière la batterie et d’apaiser nos âmes directement depuis la scène.

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Noah Cyrus: « The Hardest Part »

21 septembre 2022

Noah Cyrus a travaillé pendant la majeure partie de son adolescence à démarquer sa carrière de celle de sa célèbre famille et y est généralement parvenue. Une sœur encline à faire les gros titres et les récents drames parentaux ont rendu difficile le fait de tracer sa propre voie. Mais avec deux EP et son premier album The Hardest Part, l’auteure-compositrice-interprète s’impose comme une parolière compétente et une chanteuse forte. 

The Hardest Part est une offre modeste de 10 chansons folles, parfois presque alt-country, mais la capacité de Cyrus à tisser une émotion profonde dans sa musique donne à l’album un plus grand poids. Une honnêteté déchirante, un duo époustouflant et une orchestration simpliste font d’elle la star de sa propre histoire, d’une manière à la fois rafraîchissante et déchirante.

Noah Cyrus met son âme à nu sur cet album, l’honnêteté jouant un rôle thématique majeur dans les dix chansons. Les histoires de son propre chagrin d’amour, les allusions au divorce difficile de ses parents et les chansons sur la mort donnent un ton sombre à l’album. Cependant, Cyrus écrit sur ces sujets d’une manière qui fait que l’auditeur se sent vu, rendant la réalité de la douleur plus facile à supporter.

« Mr. Percocet » est un excellent exemple de sa capacité à détailler son expérience d’une manière à laquelle les gens peuvent s’identifier sans être trop cliché. La chanson détaille une relation destructrice impliquant des drogues, des états altérés et un amour qui se présente d’une certaine façon en public et d’une autre derrière des portes fermées. La voix rauque de Cyrus détaille la douleur d’aimer quelqu’un qui prétend l’aimer en retour, d’une manière qui semble brute au-delà de ses années. « J’aimerais que tu m’aimes encore quand tes drogues ne font plus effet le matin » (“I wish that you still loved me when your drugs wear off in the morning), chante-t-elle.

Elle aborde également les sentiments d’inadéquation avec une précision douloureuse et magnifique. « Si je te donnais moins, me voudrais-tu davantage ? » demande-t-elle sur le refrain de « I Burned LA Down ».

« My Side of The Bed » aborde l’incertitude dans les relations sous l’angle de la solitude. Plutôt que d’exprimer ses craintes à voix haute, Cyrus chante le fait de se mettre à l’autre bout du lit pour donner de l’espace à son partenaire et le silence du salon lorsque personne ne sait quoi dire. « Ready To Go » est une ballade lente sur l’amour qui a suivi son cours, reliant le temps emprunté aux dernières étapes d’une relation qui aurait dû se terminer il y a longtemps. 

Le lyrisme de Cyrus brille parce que les arrangements n’en font pas trop. Les chansons reposent essentiellement sur la guitare acoustique. Très peu d’instruments électriques, de synthétiseurs ou de modulateurs vocaux, ce qui donne plus de crédibilité à l’authenticité et à l’honnêteté. Des morceaux plus rythmés, comme « I Just Want A Lover » et « Hardest Part », montrent que Noah Cyrus peut s’aventurer dans ce domaine si elle le souhaite. Mais étant donné que les thèmes de l’album sont si personnels, les vibrations lentes sont bien plus adaptées à cette collection particulière de chansons.

Le titre le plus marquant est la ballade country « Every Beginning Ends », avec Ben Gibbard de Death Cab for Cutie. Les deux chanteurs parlent d’un amour qui s’essouffle comme la dernière lueur d’une bougie qui a brûlé mais qui a perdu son combustible. La chanson est guidée par la notion que l’amour est un choix que l’on doit faire chaque jour – et lorsque les raisons initiales d’aimer quelqu’un ne sont plus là, il devient plus difficile de faire ce choix. Leurs deux voix se marient à merveille et les deux parties sont tout aussi vulnérables, ce qui ajoute à la profondeur du morceau.

Cyrus semble ne rien retenir avec The Hardest Part, et son honnêteté est payante. La ligne directrice est facile à suivre dans chaque chanson. Il y a peu de variété musicale, mais comme cela ne semble pas avoir été le but de Cyrus, c’est d’autant plus attachant.

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Crack Cloud: « Tough Baby »

20 septembre 2022

Le collectif DIY jette aux orties tout semblant de genre, alors que chœurs et cordes se frottent aux kazzos et aux guitares déchiquetées. « La musique est un excellent moyen de laisser sortir sa colère, de tout mettre sur papier », conseille le père du batteur et chanteur Zach Choy sur le troisième album du collectif artistique Crack Cloud de Vancouver. Ce qui suit est un premier album inhabituellement introspectif, d’une sincérité digne de Kaufman et d’un mélodrame à couper le souffle, semblable à un This Heat plus acceptable. Dès le départ, l’intention est claire : Tough Baby est centré sur l’alchimie qui consiste à transformer un traumatisme en triomphe grâce à la créativité, et à faire un art qui se nourrit de soi-même.

Tough Baby est un bond en avant stylistique monumental qui, avec le recul, aurait pu être anticipé. Lorsque vous enlevez toutes les influences culturelles de 2020’s Pain Olympics, cela se résume au tissu cicatriciel émotionnel que Crack Cloud a emballé. Il en va de même ici : sur Tough Baby, le collectif se défait essentiellement de lui-même – de ses propres peurs, angoisses et illusions – des sentiments conventionnellement négatifs mais transformés en quelque chose de positif du fait qu’ils se manifestent sous la forme d’une œuvre d’art, et non d’un acte de dépréciation.

La dynamique post-punk traditionnelle des guitares agitées et déchiquetées et des jeux de mots abstraits est remplacée par des chœurs de femmes locaux et des arrangements cinématographiques effusifs. Malgré cette évolution audacieuse, des signes de l’ancien Crack Cloud apparaissent sous la surface, s’échappant à travers les fissures : « Crackin Up » conserve un semblant des versions précédentes, avec ses angles aigus et son aspect nerveux. L’inclusion de cuivres et d’une myriade de détails ésotériques (boucles de bande, collages sonores, kazoos et synthétiseurs) ajoute une résonance émotionnelle à l’intensité du chant de Zach Choy, qui semble pratiquement mâché et craché. Tough Baby est la sœur sophistiquée de Pain Olympics – plus XTC que Gang of Four – tout en étant plus bizarre, plus satanique et plus effronté que jamais. A classer sous : Apocalypse Disco.

Plus préoccupé par la narration visuelle que par le fait de se cantonner à des catégories musicales, le genre est pratiquement abandonné sur Tough Baby. Contrairement à la façon dont les disques sont digérés par la population, l’album fonctionne de la même manière qu’un roman ou un film. C’est le genre de narration dont Kendrick Lamar est le maître, avec une capacité à transporter les auditeurs dans un monde extérieur au leur – pour rire et souffrir par procuration à travers la musique.

La fluidité de Tough Baby ressemble à celle d’un album conceptuel, mais alors que les albums conceptuels sont généralement bien ficelés avec un élément de viscosité, Crack Cloud omet la logique en laissant libre cours à ses émotions. La nature contradictoire de la vie n’est pas une expérience cohésive. Le concept ici, alors, est peut-être simplement d’être soi-même, et de donner la priorité à ses sentiments.

Quiconque a assisté à une réunion des alcooliques anonymes connaît le discours consistant à s’abandonner à une puissance supérieure. Je n’écris pas souvent à la première personne, mais cet album a touché mon partenaire – qui suit actuellement son propre parcours de réhabilitation – à un niveau personnel et profond. Tough Baby est l’équivalent audio de la guérison d’une dépendance. Il accentue l’importance de la créativité en tant qu’acte de guérison, et la négation de l’ego en faveur de la communauté, de la solidarité et de l’action.

Malgré leur succès relatif, Crack Cloud reste farouchement indépendant. En tant que collectif DIY, ils travaillent selon leurs moyens, leurs seules limites étant eux-mêmes. Sorti sur leur propre label Meat Machine, le disque est dédié à l’idée que si l’on supprime les intermédiaires et que l’on laisse un groupe de personnes à leurs propres moyens – en leur donnant une liberté créative sans entrave – on peut obtenir des résultats profonds et, dans le cas de Crack Cloud, des chefs-d’œuvre opportuns ancrés dans l’espoir plutôt que dans le désespoir.

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Suede: « Autofiction »

20 septembre 2022

Suede a réalisé sans doute la reformation et le retour les plus réussis de ces dernières années. Le groupe a choisi de mettre un terme à sa carrière après que son cinquième album, A New Morning, sorti en 2002, n’ait pas répondu aux attentes, mais il s’est regroupé sept ans plus tard pour donner des concerts et, peu après, pour sortir Bloodsports, son album de retour en 2013. Cette démarche n’a pas seulement porté ses fruits, elle a également consolidé leur statut de groupe le plus constant de ces 25 dernières années, tout en leur faisant découvrir un nouveau public.

Autofiction, leur quatrième album depuis leur reformation (et leur neuvième album au total), est plus qu’à la hauteur des normes établies par ses prédécesseurs. Déjà décrit dans des interviews par le vocaliste et auteur-compositeur en chef Brett Anderson comme le disque punk du groupe, Autofiction représente un vaste départ musical par rapport au dernier disque de Suede, The Blue Hour en 2018. Pourtant, en même temps, il s’identifie facilement comme un album de Suede.

Enregistré aux Konk Studios de Londres, avec Ed Buller à la production, Autofiction est aussi vivant et direct qu’un disque de Suede puisse l’être. En effet, cette approche de retour aux sources fonctionne à merveille en termes de flux de l’album. L’album s’ouvre sur le post-punk guttural de « She Leads Me On », une sorte de parenté sonore avec « Ceremony » de Joy Division/New Order. Les tout aussi tapageurs « Personality Disorder » et « 15 Again » suivent, tandis que « The Only Way I Can Love You » et « That Boy on the Stage » poursuivent le contexte autobiographique d’Autofiction.

La chanson « Drive Myself Home », au milieu de l’album, est peut-être la chanson la plus évidente du disque pour ceux qui connaissent le vaste catalogue du groupe. Mais c’est vers la fin d’Autofiction que le disque prend de l’ampleur, notamment sur « It’s Always the Quiet Ones » – qui rappelle le Killing Joke de l’époque de Night Time – et le couplet final « What Am I Without You » et « Turn Off Your Brain and Yell ». La déclaration d’intention grandiose de ce dernier assure presque certainement la présence d‘Autofiction dans les échelons supérieurs de la liste des Best Of de 2022.

***1/2


The Marrs Volta: « The Mars Volta »

20 septembre 2022

Cedric Bixler-Zavala et Omar Rodríguez-López ont attendu une décennie. Le septième album (éponyme) du duo montre les paysages sonores complexes qui ont fait leur réputation, désormais habillés et chaussés d’un costume encore plus sophistiqué. The Mars Volta s’inscrit dans la continuité des bouleversements émotionnels et de l’expressivité fulgurante qui ont toujours fait partie du groupe.

Il y a beaucoup de psychédélisme et de riffs de guitare enrobés de sons plaintifs. En fait, il ne serait pas surprenant que Rodríguez-López ait percé un trou dans son pédalier pendant l’enregistrement, étant donné les nombreuses nuances d’effets wah-ing que l’on trouve ici. Mais l’album propose également des morceaux aux couches compliquées, comme  » Blank Condolences « , qui superposent des mélodies contrapuntiques, et même le court et éclatant  » Qué Dios Te Maldiga Mí Corazón « , qui présente des motifs de batterie hispaniques dans une forme de tango rock. Cerulea » est fièrement triste et acceptée. « Enfin, j’ai trouvé mon moment pour m’effondrer » (At last I’ve found my moment to fall apar), chante Bixler-Zavala alors qu’une guitare fulgurante s’élève au-dessus de lui dans un moment crucial pour le groupe.

The Mars Volta s’éloigne du modèle des longs morceaux qui grimpent et qui nous avaient été présentés sur Noctourniquet en 2012, et pourtant, il parvient à ne pas être en deçà de leur chaos coloré tant apprécié. Dans le morceau d’ouverture  » Blacklight Shine « , nous sommes accueillis par des percussions et des guitares aux accents des années 60, avant d’entrer dans  » Graveyard Love « . Cette deuxième piste est alimentée par des basses pulsées et des rythmes lents et gonflés, avec une caisse claire de style militaire. Il dévoile les recoins les plus sombres de cette nouvelle version du duo. En restant volontairement disparate dans un album où aucune chanson ne dépasse les quatre minutes et treize secondes, le disque est aussi bien construit que ses prédécesseurs, mais sait, dans sa maturité, qu’il n’a pas besoin de faire traîner les choses.

Il y a beaucoup de choses à décortiquer ici. The Mars Volta pourrait bien être un de ces albums qui grandissent en vous. C’est un disque qui peut vous faire penser à mille choses à la fois. Mais si vous êtes prêt à vous asseoir et à savourer le goût avant de digérer, vous comprendrez pourquoi il a mis si longtemps à fermenter.

***1/2


Death Cab For Cutie: « Asphalt Meadows »

19 septembre 2022

Après 25 ans, Ben Gibbard et ses coéquipiers continuent à écrire des pages pertinentes du livre de jeu de l’indie-rock. Sur Asphalt Meadows – une écoute parfois bruyante, parfois harmonieuse, et toujours contemplative – le groupe embrasse à la fois la subtilité et le tumulte pour produire un disque typiquement engageant. 

Le coup d’éclat de l’ouverture « I Don’t Know How To Survive » et « Roman Candles » présente la panique existentielle chaotique de la vie sur une planète mourante à travers des guitares explosives et des percussions persistantes. Gibbard apparaît de plus en plus vieux et sage, réfléchissant avec nostalgie à ses expériences changeantes de la vie à la quarantaine et au monde changeant qui l’entoure.

Ainsi, « I Miss Strangers « pleure le changement de chemin : « These days I miss strangers more than I miss my friends » (Ces jours-ci, les étrangers me manquent plus que mes amis), » Pepper », la perte d’un temps précieux : « » Il ne reste plus qu’une version des événements présentée de manière favorable au nom de l’autodéfense ».(All that’s left is a version of events favourably framed for the sake of self-defence), tandis que « Here To Forever » questionne le temps restant : « « I can’t help but keep falling in love with bones and ashes » (Je ne peux pas m’empêcher de tomber amoureux des os et des cendres).

Asphalt Meadows est un exemple typique de Death Cab : des guitares chatoyantes sur des percussions percutantes, des refrains décadents et un lyrisme nostalgique comme un sourire incontrôlable. Leur talent pour l’indie-rock mélancolique et vif reste inégalé et constitue un nouvel album mémorable. 

***1/2


The Beths: « Expert in a Dying Field »

16 septembre 2022

La sagesse conventionnelle dit que les accords majeurs véhiculent le bonheur et les accords mineurs la tristesse. Pourtant, l’un de nos professeurs à l’université nous a dit un jour qu’il pensait qu’il n’y avait rien de plus triste qu’un accord majeur de base. Peu d’auteurs de chansons dans le rock ‘n’ roll – qui est généralement un genre brutal et primitif lorsqu’il s’agit d’utiliser l’harmonie pour exprimer une émotion – possèdent la sophistication et le talent nécessaires pour qu’un accord de sol majeur ait l’air émotionnellement complexe lorsqu’il est joué sur une guitare électrique croustillante. Et Liz Stokes, des Beths, est l’une d’entre elles.

Stokes débite des chansons power-pop expertes depuis quelques années maintenant. Le premier album de 2018 de The Beths, Future Me Hates Me, explose avec des crochets accrocheurs et cathartiques, tandis que la suite de 2020 du groupe d’Auckland, Jump Rope Gazers, a introduit des nuances émotionnelles plus sombres et, occasionnellement, des tempos plus lents à leur répertoire. Le troisième album du groupe, Expert in Dying Field, est un tour de force power-pop exaltant, truffé de riffs de guitare hérissés et d’harmonies lumineuses et contagieuses. C’est aussi une exploration dévastatrice de l’anxiété, de l’insécurité et du regret – une réflexion sur le fait que, dans la vie, il ne peut y avoir de véritable joie sans tristesse.

Expert in Dying Field consolide et s’appuie sur les efforts précédents des Beths, offrant des rythmes fendus et une mélodie habile qui réussissent toujours à accentuer, plutôt qu’à obscurcir, la confrontation de Stokes avec ses démons intérieurs. « Silence is Golden « , par exemple, met en contraste l’aspiration désespérée de Stokes à une certaine mesure de paix et de tranquillité avec la piste d’accompagnement la plus rapide et la plus bruyante que les Beths aient faite à ce jour. « Je brûlerais toute la ville pour la faire taire », grogne Stokes, les pensées anxieuses qui bourdonnent dans sa tête étant de toute évidence assez fortes.

On trouve encore plus d’onomatopées power-pop sur « A Passing Rain », où un riff d’ouverture arpégé imite le bruit de l’eau sur une vitre et se transforme bientôt en un torrent de guitare lourde alors que Stokes se demande si son penchant pour les crises émotionnelles ne finira pas par faire fuir son partenaire : « Tu me dis gentiment que tu ne voudrais pas que je sois autrement, que tu n’es pas une menteuse, mais que je ne peux pas te croire quand je suis dans cette situation » (You tell me sweetly/You wouldn’t have me any other way/You’re not a liar, but I can’t believe you/When I’m in this).

Et si vous ne vouliez que des accroches et riffs, il y en aura à satiété sur l’album. La production de Jonathan Pearce est propre et immédiate, mettant en valeur les harmonies à plusieurs voix qui sont la marque de fabrique du groupe et les lignes de basse de Benjamin Sinclair, qui ont tout le punch et le pétillement d’un bon rhum-coca. C’est suffisant pour que le morceau le plus gai de l’album, « When You Know You Know », ressemble à un joyau perdu de l’alt-rock du milieu des années 90.

Sous ce vernis, cependant, l’écriture de Stokes est incroyablement capiteuse, rivalisant même avec la production récente de Courtney Barnett, une autre auteur-compositeur-interprète océanienne qui mêle une musique pop accrocheuse à des paroles chargées d’émotion. Stokes revient sans cesse sur ses doutes personnels. Sur « Knees Deep », elle magnifie son hésitation à plonger dans une piscine froide un jour d’été pour en faire l’apothéose de sa timidité chronique : « Je suis une lâche transformée en pierre/je reste là pendant des siècles/pour que toute l’histoire le sache » ( am a coward turned to stone/I stay there for centuries/So all of history knows about it). Et « I Told You That I Was Afraid » est encore plus brutal dans sa distillation des insécurités de la chanteuse : « Je t’ai dit que j’avais peur/que tout le monde autour de moi me méprise secrètement » ( told you that I was afraid/That everyone around holds me in some secret disdain).

Parce que les accroches ne cessent d’arriver, Expert in a Dying Field n’est jamais aussi lugubre que certaines paroles pourraient le laisser penser. En effet, l’instinct mélodique de Stokes est tel que c’est la douceur, plutôt que la morosité, qui est souvent mise en avant. L’album est complété par des chansons sur les relations amoureuses terminées : La première, le titre de l’album, dépeint une histoire d’amour qui touche à sa fin, tandis que « 2am » est un souvenir vague et insomniaque de bons moments passés, comme s’il s’agissait d’un rêve.

Mais Stokes n’a pas l’air amer. Sur « Expert in a Dying Field », sa voix glisse doucement vers son registre supérieur, produisant un effet étrangement apaisant alors qu’elle rumine, « Et je peux fermer la porte sur nous/Mais la pièce existe toujours » (And I can close the door on us/But the room still exists). Elle ne peut pas simplement enfermer ces parties douloureuses et désordonnées d’elle-même, car elles seront toujours là. Cependant, comme le montre habilement Expert in a Dying Field, elle a la capacité unique de les transfigurer en chansons rock accrocheuses.

***1/2