La compositrice canadienne s’appuie sur les compétences instrumentales de Tiffany Ng, Bridget Carey, Anton Lukoszevieze, Mattie Barbier, etc. pour produire un album à la vision singulière et très personnelle.
En 2014, pendant la préparation de leur première américaine au Tennessee, le supergroupe expérimental Nazoranai, composé de Keiji Haino, Oren Ambarchi et Stephen O’Malley, a fait l’objet d’un documentaire des cinéastes Sam Stephenson et Ivan Weiss. À un moment du film, O’Malley décrit une fois où on l’a empêché d’interrompre un « soundcheck » de Haino parce que le musicien japonais était en train de traiter tout l’oxygène de la salle, inspirant et expirant pendant une heure jusqu’à ce qu’il soit satisfait que toutes les particules soient passées par son système respiratoire. Sur Two Sisters, on a l’impression que Sarah Davachi imprègne nos pores de la même manière.
Son nouvel album offre, à cet égard, un « chamber drone » serein de quatre-vingt-dix minutes, encadré par le tintement percussif du carillon de cinquante-trois cloches de l’université du Michigan, le troisième plus lourd du monde. À travers des pièces granuleuses, musclées et texturées, découpées à partir de violon, d’alto, de violoncelle et d’un ensemble d’orgues, de cuivres et de flûtes, elle s’enfonce dans des sons de deuil qui sont retenus si longtemps qu’ils vous traversent, s’enfonçant dans votre corps par le biais des tympans battants et émanant de vos cellules, capillaires et veines. C’est une transformation moléculaire. Une transformation qui peut habilement changer le sentiment d’une pièce par une seule note résonnante.
Par rapport à Antiphonals l’année dernière, qui était un effort solitaire de Davachi, Two Sisters semble célébrer l’évasion des années de peste en s’engageant dans une collaboration très recherchée avec une multitude de musiciens, d’ingénieurs et de producteurs. Souvent, lorsque le nombre de participants augmente, la vision de l’artiste peut être diluée, mais, à en juger par les nombreux morceaux dont la durée est à deux chiffres, il semble que la concentration des seize co-conspirateurs était aiguë. Tout cela semble très personnel. Comme s’il s’agissait de l’œuvre d’un artiste singulier. Surtout lorsqu’on est invité à s’asseoir avec ces sons lents et lourds pendant des périodes qui font envie aux légendaires bastions du sustain débridé, Sunn O))).
À l’instar de la production du duo, il s’agit de compositions détaillées de longue haleine. Les ondulations et les modulations tonales subtiles présentent des similitudes avec les fluctuations patientes et discrètes des grands noms du cinéma lent comme Béla Tarr et Scott Barley. Le premier, en particulier avec Le Cheval de Turin, un film qui passe d’une étude captivante de la banalité à une répétition à la limite du matraquage. Les états s’entremêlent et se chevauchent, jusqu’à devenir une seule et même chose.
Cela ne veut pas dire que le film est ennuyeux. C’est plutôt le contraire. C’est passionnant, enchanteur, revigorant, même. Si vous avez aimé passer du temps avec les longs morceaux d’orgue de Kali Malone ou avec les cordes rugissantes de MMMD, vous en trouverez ici. C’est une mer langoureuse de sons qui passe lentement de la tranquillité au malaise et vice-versa. C’est quelque chose avec lequel il faut s’asseoir. A contempler.
Il y a du pouvoir dans la dissonance pour déstabiliser et dans l’harmonie pour plaire. Sarah Davachi plonge dans les intervalles entre ces états, là où réside l’émotion, et nous y retient jusqu’à ce que nous puissions la sentir rugir dans nos poumons.
N’oubliez pas de respirer.
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