The Cartographer attend sa diffusion publique depuis 2020. La pièce avait été commandée par le célèbre festival RoadBurn aux Pays-Bas pour être jouée en avril de cette année-là, mais hélas, en raison de l’apparition de la peste et de ses inconvénients bienvenus ou irritants (rayez la mention inutile), la représentation a dû être reportée. En regardant le bon côté des choses, deux années ont été mises à profit pour répéter et affiner la pièce, de sorte qu’elle était parfaite à 100% lorsqu’elle a été jouée au 013 Venue à Tilburg. Cela a également donné à Jo Quail l’occasion d’enregistrer le morceau aux studios Groenland aux Pays-Bas, avec tous les musiciens impliqués, et qui sortira le 6 mai. Ce morceau explore le nexus ou l’espace liminal où l’instrumentation classique et la musique lourde se rencontrent. Selon les mots de Jo Quail elle-même : « La lourdeur est un concept émotionnel qui va bien au-delà des limites du volume, de la vitesse et de l’instrumentation ». Pour moi, la lourdeur, c’est aussi l’espace, le timing, le phrasé, le ton et bien d’autres choses qui dépassent le domaine des mots. Vous les avez en abondance ici.
The Cartographer est composé d’une prose de cinq phrases, chaque phrase contenant une intention pour les différents mouvements. Chacune de ces phrases musicales est épurée par le système de hauteur de l’artiste et crée le motif musical sur lequel repose l’ensemble de l’œuvre. Le premier mouvement commence par un tambour grandiloquent, un bourdon caoutchouteux et des éclats de cordes qui donnent le ton avant la récitation d’un morceau de poésie. La noirceur est lente et suspendue comme la fumée ou la brume. La tension plane dans l’air tandis que le paysage sonore clairsemé ressemble à une terre désolée dépourvue d’arbres et de vie. Pour moi, c’est comme regarder au centre d’une âme morte. Le violoncelle de Jo, clairsemé et conforme à ses règles de composition, va et vient comme un éclair illuminant un sol stérile. Il y a aussi une sensation hypnotique d’être coincé dans une ornière pierreuse alors que les sons de cloches hypnotisent les oreilles, c’est comme si j’entendais mes neurones fonctionner ! La deuxième piste commence par une cacophonie de trombones, de carnyx sophistiqués, imprégnés des basses du piano et d’un violon nerveux qui tournoie et tisse sa fine sonorité entre les cuivres. Percussions endiablées, sons dissonants, babioles de piano et trille de violon. Hypnotique mais inquiétant. Les vocalisations d’une créature ressemblant à une méduse résonnent dans les ombres profondes, profondes. Qu’est-ce que c’est ? Oui, les cuivres font très « Guerre des Mondes » !
« Movement Three » est le morceau le plus long de l’album, avec des voix qui s’expriment depuis un endroit profond et chatoyant. C’est dissonant, comme on peut aimer quelqu’un intensément et le détester avec la même vigueur ? Vous savez qu’une chose peut avoir un goût horriblement agréable ou qu’une photo peut être d’une beauté dégoûtante ? Ceci est sombre, léger, lourd, agréable, sinistre et glaçant. C’est comme un croisement entre une partition de Gormenghast et « The Maldoror Chants » de SCHAMMASCH. « Bloody awesome ! » est tout ce que nous pouvons dire pour résumer ce morceau ! Le chant masculin sinistre et effrayant de Jake Harding est comme une scie coupant le beurre noirci ! Il faut attendre neuf minutes pour ce morceau, mais ça en vaut la peine ! J’adore la pompe « brillante » des trombones à la fin, comme dans un salut de triomphe pervers !
Le quatrième mouvement a une percussion qui frappe comme un tonnerre lointain. Un bourdon scintille comme un éclair. Le violoncelle se faufile, accompagné par les cuivres. Des légions de créatures elfiques dansent sur la pointe des pieds dans un cercle enflammé, les yeux brillants dans la lumière orange. Cela semble assez espiègle. Movement Five « , quant à lui, est un morceau qui commence par des chants glottés, une cacophonie de cordes qui rivalisent avec des voix qui s’élèvent et gémissent, puis les deux se fondent dans un flux linéaire et fluide. Il s’agit d’une chanson de nombreux Gorgones qui scintillent de manière séduisante dans les ombres profondes, le violon implorant. Le morceau se termine par une résonance profonde. Ce qui est en accord avec le morceau dans son ensemble. C’est résonnant.
Oui, résonnant et irrésistible. D’un autre monde et extraterrestre, c’est un morceau de musique bien pensé qui défie les genres et qui vous emmène dans un voyage intense dans un espace que vous avez probablement déjà visité mais que vous n’avez jamais vu de cette perspective. Il y a des violoncellistes qui sont dans la ligue de Jo Quail, mais ce qui fait que Jo Quail se distingue, c’est sa capacité à tirer d’un instrument, avec l’utilisation intelligente d’effets et de boucles, des sons que l’on n’aurait pas pu entendre autrement. Si Dante Alghieri était vivant aujourd’hui, je suis sûr qu’il chercherait Jo Quail comme compositeur pour la version cinématographique de son « Inferno ». The Cartographer est aussi un de ces morceaux qui doit avoir un moment spécial pour être apprécié. Vous n’ouvrirez pas une bouteille de vin spéciale si l’heure, la date, la qualité de la compagnie, etc. ne sont pas bonnes. Vous ne devriez pas non plus ouvrir cette bouteille. En résumé, c’est tout simplement génial et presque une honte u’on ne puisse être là pour assister à une diffusion publique en chair et en os…
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