Hey, Ily: « Psychokinetic Love Songs »

Il y a une énergie bourdonnante qui pulse dans Psychokinetic Love Songs de Hey, Ily – un disque sauvage, mais concentré comme un laser, qui puise dans la chiptune, la power pop, le pop punk des années 80 et du début des années 2000, avec des moments de thrash metal, de jazz et bien d’autres choses encore. Après les succès d’Internet Breath et de P.S.S.U.S.S.P., les attentes étaient grandes pour le premier véritable album du groupe, et ils se sont montrés à la hauteur de l’occasion, livrant unopus d’excellentes compositions qui ont toutes un impact individuel, mais qui forment un tout cohérent et conscient. Bien qu’il ne s’agisse pas d’un album conceptuel, Psychokinetic Love Songs est un album que l’on peut écouter dans son ensemble, car le groupe a conçu le disque pour qu’il suive un arc clair, avec les morceaux instrumentaux qui marquent le chemin, en commençant par « Rebooting ».

« Intrusive Thoughts Always » suit « Rebooting », et est également l’un des morceaux sortis en avance avec « Stress Headache » et « Psychokinetic Love Song ». Il démarre avec une énergie frénétique et une ligne de piano avec des vibrations d’île tropicale, fonctionnant bien comme un signal de ce que l’on peut attendre de l’album, car le morceau passe par quatre ou cinq genres différents avant de se terminer. « Stress Headache » s’ouvre sur un riff de guitare résolument années 80 qui évoque immédiatement les cheveux longs et le cuir moulant (ou, si vous êtes comme moi, la bande originale d’Adventureland). Le refrain de « I have a stress headache today / I tried some advil but it won’t go away / it’s worse than it was yesterday / ’cause the world’s still crumbling » (J’ai un mal de tête dû au stress aujourd’hui / J’ai essayé de prendre de l’Advil mais ça ne part pas / C’est pire qu’hier / Parce que le monde s’écroule toujours…)est l’un des plus poppés et des plus accrocheurs de l’album, transformant ce sentiment en une chanson amusante. Le pont de « I don’t want to die / or lose my mind / the world’s crumbling / my brain’s melting » (Je ne veux pas mourir / ou perdre la tête / le monde s’écroule / mon cerveau fond…) est suivi d’un solo de batterie prolongé et mortel de Connor Haman et d’un solo de guitare parfaitement années 80, joyeusement scandé par le chant.

Comme « Intrusive Thoughts Always », « Psychokinetic Love Song » est une représentation microcosmique du macrocosme de Psychokinetic Love Songs. On y trouve des riffs féroces sous des voix mélodiques sucrées, un refrain vertigineux, une diversion jazzy et des éléments mathématiques, le tout avant que les choses ne se transforment en une ambiance synthé des années 80 qui rappelle d’innombrables scènes de films où les protagonistes marchent dans des villes délabrées la nuit.

« Glass House » est tout aussi éclectique que les trois singles, avec des cuivres parsemés qui prennent le devant de la scène pour une brève valse, tandis que les paroles parlent du doute de soi et du stress qui semblent planer sur le disque, avec des lignes comme « why is it so damn hard to speak? / suddenly, all my friends are scary / watching all my friendships pass me / banging on these glass walls, why can’t you hear me? » (pourquoi est-ce si difficile de parler ? / soudain, tous mes amis sont effrayants / je regarde toutes mes amitiés me passer sous le nez / je frappe sur ces murs de verre, pourquoi ne m’entends-tu pas ? ». Il est suivi par l’instrumental « Dreaming », qui fonctionne avec « Rebooting » et « Shutting Down » comme des repères pour le disque, tirant une beauté cinématographique des synthés. Ces morceaux ne sont pas de simples interludes instrumentaux entre les chansons à texte ; ils expriment plutôt les mêmes idées et les mêmes thèmes que les chansons à texte d’une manière différente, formant un contraste plus calme avec les chansons plus maniaques prises en sandwich entre elles et reprenant un motif mélodique qui crée une ligne de fond et relie l’ensemble du disque.

« Machine ? » poursuit les vibrations cinématographiques qui imprègnent tant de ces morceaux, comme la bande-son d’une boîte de nuit futuriste dans un film de science-fiction, avec sa mélodie et son rythme légers et pop. Bien sûr, les choses ne restent pas toujours légères, et la chanson explose avant de revenir à une ambiance plus lisse avec l’ajout d’une guitare solo. Étant donné que le thème de la chanson consiste à se demander si l’on est une machine ou un être humain, l’atmosphère de science-fiction s’y prête bien, et les paroles évoquent le sentiment d’incertitude qui découle de la répétitivité d’une vie moderne de plus en plus dominée par le capitalisme et le monde numérique, alors que le chanteur Caleb Haynes se demande : «  am I machine? / are my feelings programmed inside me / are destinies binary? / are we copies of copies of copies of copies  / what am I feeling? / am I really feeling anything? / remind myself that I am breathing. » (Suis-je une machine ? / Mes sentiments sont-ils programmés en moi ? Les destins sont-ils binaires ? / Sommes-nous des copies de copies de copies de copies / Que ressens-je ? / Est-ce que je ressens vraiment quelque chose ? / me rappeler que je respire).

Une mention spéciale doit être accordée ici à « The Tempest », un morceau instrumental de piano classique absolument stupéfiant. Tantôt d’une beauté à couper le souffle, tantôt d’une démonie inquiétante, ce morceau semble former une trilogie avec « Machine ? » et « Human ! » – reliant les deux et reliant leurs thèmes pour créer une histoire cohérente dans l’arc global du disque. Partant du tourment mental de l’incertitude du morceau précédent, un peu après les deux minutes, « The Tempest » prend un tournant et les choses commencent à être plus légères. Il semble y avoir une réponse à la question posée dans le titre du morceau précédent. La plupart des groupes ne consacreraient pas autant de temps à une telle diversion sur un disque, mais c’est un morceau qui a besoin d’autant d’espace, et tout ce que l’on peut vraiment faire, c’est écouter avec étonnement en absorbant la tempête d’émotions qui déborde de tout le disque et qui semble être repoussée dans un sentiment de clarté à la fin du morceau.

« Human ! » reprenra les choses après « The Tempest », offrant la réponse affirmative obtenue dans l’instrumental. Il commence comme un morceau pop-punk incroyablement accrocheur qui aurait pu passer des semaines sur TRL au début des années 2000, mis en valeur par la basse grattée sous le chant dans le couplet et le refrain massif de « as long as I’m human / you’ll never be alone / our interiors are never born cold / I’ll always be human / you’ll never be alone / nothing will take this from us, no » (tant que je serai humain / tu ne seras jamais seul / nos intérieurs ne naissent jamais froids / je serai toujours humain / tu ne seras jamais seul / rien ne nous enlèvera ça, non). À partir de là, nous avons droit à d’autres riffs lourds avant un interlude choral d’une beauté obsédante qui se transforme en le plus grand solo de guitare de l’album – ce qui n’est pas peu dire étant donné l’activité et la mélodie du jeu de guitare de Trevin Baker tout au long de Psychokinetic Love Songs.

Après que « Human ! » ait été ressenti comme le point culminant thématique et énergétique de l’album, « Shutting Down » permet un moment de décompression alors que des synthés bas et menaçants se construisent lentement jusqu’à ce que la chanson explose dans le motif de « Rebooting », cette fois-ci plus triomphant et célébratif – jusqu’à un bref arrêt et un retournement de la bande qui nous fait basculer dans un royaume presque sacré, alors que la mélodie provient de ce qui est essentiellement un chœur de cloches numérique.

Pour un disque avec autant d’éléments et puisant dans autant de sources musicales différentes, il est impressionnant de constater que Psychokinetic Love Songs ne sonne jamais de manière excessivement désordonnée (il y a des moments où un peu de désordre est sûrement intentionnel) et qu’aucune des idées ne se heurte jamais d’une manière conflictuelle. Chaque membre du groupe joue avec sa tête, mais tout cela est au service des chansons et de l’album dans son ensemble, et le groupe sait quand il faut emballer les pistes avec du son et quand il faut se retirer et permettre à différents éléments et membres d’être sous les feux de la rampe, ce qui donne un album fascinant et unique.

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