Disassembler: « A Wave From A Shore »

24 mars 2022

Disassembler est une nouvelle collaboration entre Christopher Royal King (This Will Destroy You), et le violoniste / compositeur Christopher Tignor. À bien des égards, A Wave From A Shore est un magnifique rapprochement, malgré la distance béante qui sépare le duo.

Vivant de part et d’autre des États-Unis, l’album a été entièrement enregistré à distance. King a envoyé ses créations de synthétiseurs analogiques et de boucles à bande, nées à Los Angeles, à New York, où Tignor a façonné la musique en y ajoutant des échantillons purs de cordes, de piano et d’orchestre.

Leur musique est aussi un lien entre la côte Est et l’Ouest. Les différents styles de vie et les différentes cultures traversent la circulation de la musique et en deviennent l’élément vital, non seulement en la soutenant mais en l’améliorant.

Pour LA : des dérives ambiantes détendues, plus larges, captent les courants de la brise ainsi que les eaux somnolentes de ses rivages. Pour NYC : une forme studieuse, bien vernie et légèrement plus concentrée de musique classique moderne peuple la ville.

Les cordes très détaillées se marient bien avec le côté ambient plus brumeux des choses, élevant l’intensité émotionnelle de la musique. Les improvisations analogiques de King ont la liberté de vivre pleinement, se déployant innocemment comme les ailes d’un ange, et de temps en temps, elles fournissent un élan plus rapide pour rivaliser avec le rythme foudroyant du jeu vidéo « Sonic the Hedgehog », voltigeant avec excitation et pure allégresse.

Le morceau d’ouverture « In Devotion » donne immédiatement le ton. Ses cordes qui s’envolent sont mariées à une basse ambiante plus profonde qui s’élève du registre inférieur, émergeant des profondeurs et essayant d’ancrer la musique même lorsqu’elle s’élève.

Le contraste est là dès le début – l’est et l’ouest, l’air et la terre, l’espoir, l’optimisme et l’évasion colorée des rêveurs et de leurs rêves contre les plaques sans sentiment et uniformes de la vie quotidienne. Le poids émotionnel de la musique suffit cependant à faire abstraction de la réalité, et les cordes, en particulier, semblent s’étirer et danser vers le haut, jusqu’à atteindre les cieux.

Avec une profondeur et un espace étonnants, ces compositions sont des corps achevés, même avec la nature improvisée des synthés, qui scintillent à travers des nuages ambiants morphing. Les douces manipulations de bandes magnétiques peuvent être en contradiction avec l’instrumentation acoustique plus traditionnelle et classique du violon de Tignor, mais une connexion émotionnelle les unit. Bien qu’ils utilisent des méthodes différentes, les deux musiciens sont familiers avec l’art du développement émotionnel, quand il faut se retirer et quand il faut relâcher, quel que soit l’instrument ou le style. Avec sa musique classique moderne, sombre et brillante, qui éclaire les synthés ambiants qui s’enroulent autour des cordes comme les bras d’un amant, le disque laisse une impression forte et durable qui, contrairement aux traces de pas dans le sable, ne disparaît jamais.

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Destroyer: « Labyrinthis »

24 mars 2022

Le dernier morceau de Labyrinthitis de Destroyer – de loin le titre d’album le plus insolent du catalogue du groupe, souvent laborieusement arty – présente un arrangement dépouillé de grattages de guitare électrique discontinus et la remarquable voix filiforme de Dan Bejar. Avec son ambiance hermétique et ses paroles ésotériques et autoréférentielles, « The Last Song » est un retour aux premiers jours du groupe, lorsqu’il n’était qu’un mystérieux projet d’enregistrement pour un auteur-compositeur-interprète introverti de Vancouver. Le couplet «  Une explosion vaut cent millions de mots/Et c’est peut-être trop de mots à dire… »(An explosion is worth a hundred million words/And that is perhaps too many words to say) est la quintessence de Bejar, et un clin d’œil caractéristique à l’auteur-compositeur-interprète qui a l’habitude de remplir ses chansons avec des tonnes de poésie bohème.

Le reste de Labyrinthitis s’appuie davantage sur le prisme dance-rock qui définit le travail de Destroyer depuis Kaputt, sorti en 2011, et regorge de rythmes disco entraînants, de manipulations vocales numériques et d’interludes de piano free jazz. C’est sans doute l’œuvre la plus ambitieuse du groupe sur le plan sonore, mais malgré tout, beaucoup de ces chansons ne seront pas inconnues de ceux qui ont suivi le parcours de Destroyer. « The Last Song », par exemple, souligne la façon dont, malgré toutes les cloches et les sifflets que le groupe a ajoutés à sa musique, Destroyer a bouclé la boucle.

Comme Have We Met en 2020, Labyrinthitis a été enregistré en grande partie à distance, Bejar et John Collins, producteur et bassiste de longue date, se transmettant les idées depuis leurs domiciles respectifs en Colombie-Britannique. Ainsi, tout comme ce fut le cas lorsque Bejar a commencé à sortir des enregistrements solo quatre pistes sous le nom de Destroyer au milieu des années 90, le groupe est redevenu un projet d’enregistrement à domicile.

Labyrinthitis, cependant, est en fait plus un effort de groupe complet que Have We Met, avec des contributions indélébiles de l’équipe de tournée élargie de Destroyer. Et au lieu de Robyn Hitchcock et Pavement, Bejar s’inspire maintenant de New Order (« It’s in Your Heart Now ») et de Donna Summer (« It Takes a Thief »). Mais aussi dansantes et souvent accrocheuses que soient ces chansons, il y a toujours un sentiment de réclusion, d’impénétrabilité, qui imprègne l’album.

Si le sentiment d’isolement est une qualité déterminante des chansons du groupe, alors le sinistre « Tintoretto, It’s for You » est en quelque sorte le sommet de Destroyer. Dissonant et désorientant, avec Bejar qui chante « la bête mythique », « l’air de la mort » »et « le son de votre téléphone qui sonne et sonne et sonne », ce n’est pas un morceau typique pour les pistes de danse. Mais avec son battement sourd et sa section de cuivres bruyants, le morceau n’est pas exactement effrayant ou atmosphérique non plus, défiant toute catégorisation.

C’est ce que Bejar et sa compagnie font de mieux : transformer des éléments familiers en quelque chose d’inattendu. « June » ressemble à un remix prolongé d’un tube pop des années 80, imaginé par un prédicateur dérangé qui s’est retrouvé DJ dans une boîte de nuit. Bejar s’insurge contre les « putains d’idiots que quelqu’un a fait dans la neige » (fucking idiots someone made in the snow), chantonne à travers un breakdown céleste avec certains de ses jeux de mots bien sentis (hilarant, une rime littérale absurde de « moon » et « June » est impliquée), et finit par se lancer dans un discours parlé décalé alors que le groove soyeux et contrôlé du groupe devient de plus en plus frénétique.

Mais Bejar peut aussi être un mélodiste de classe mondiale, comme en témoignent les pulsations dance-rock « Eat the Wine, Drink the Bread » et « Suffer », cette dernière étant une chanson pop aussi entraînante que toutes celles qu’il a écrites, y compris pour les New Pornographers. Mais il y a quand même une certaine noirceur, avec Bejar qui parle de se venger de ses méfaits passés sur la guitare hurlante de Nic Bragg.

Labyrinthitis ne faiblit que légèrement lorsqu’il devient moins bizarre. Le titre « It Takes a Thief », aux accents disco, est trop direct pour offrir autre chose qu’une élévation passagère, tandis que « The State » », statique et lent comparé à « It’s in Your Heart Now » et « June », est peut-être l’épopée dansante de sept minutes de trop. On n’obtient jamais tout à fait ce que l’on attend de Destroyer, mais s’il y a une formule pour comprendre Labyrinthitis, comme toujours, elle se trouve dans l’esprit énigmatique de Bejar.

***1/2


Laura Cannell: « Antiphony of the Trees »

24 mars 2022

Sur son septième album solo, la Britannique Laura Cannell crée un miroir paysager à l’aide d’un ensemble de flûtes à bec et d’un traitement minimal des effets. Antiphony of the Trees est accordé à la fréquence de la nature, canalisant les modèles de vol et les chants des oiseaux aussi profondément que les esprits tissés dans les arbres. Elle raconte des histoires sonores tirées du bavardage des oiseaux. La musique de Cannell prend vie dans des moments fugaces, comme si elle avait cette capacité innée de relier les gens et les lieux par le son, comme si elle était un canal pour quelque chose de plus grand que nous. 

Antiphony of the Trees semble impossible ; la façon dont Cannell imite non seulement le chant des oiseaux, mais l’intégralité de chaque environnement différent. Bien que l’album soit enveloppé de la mousse humide de la forêt et du parfum du sol trempé par la pluie, il vise bien au-dessus des branches. Le titre de l’album est empreint d’anxiété et s’élève de plus en plus haut jusqu’à ce que le sol devienne un lointain souvenir. Des harmonies fantaisistes jettent un regard sur des mélodies entrelacées et sautillantes, légères et sans entraves. Là où « Antiphony of the Trees » s’élève, « Awake From Your Feathered Slumber » est niché dans un creux chaud avec des berceuses matinales tranquilles.

Alors que chaque chanson d’Antiphony of the Trees possède sa propre orthodoxie agréable, la façon dont chacune s’intègre dans le récit plus large est la véritable rêverie. « We Borrowed Feathers » saute dans des motifs répétitifs, comme l’écho perpétuel laissé par la résonance fauve de « For the Hoarders ». Cannell passe directement des lamentations cérémonielles de ce dernier aux essaims tonals soyeux de ce dernier, le charme des bois les reliant par des gestes secrets. Les contemplations n’ont de poids que s’il y a des moments pour les laisser aller et ces liens envoûtants sont parsemés dans l’album. Même les passages les plus pensifs de « The Girl Who Became an Owl »» qui clôt l’album, ne peuvent s’éloigner dans un royaume lointain que parce que les tons doux et sanguins de « Hidden in the Marsh Thistle » leur ont dit au revoir. Chaque beau moment est porté par des courants différents et plus profonds.

L’intérêt et l’expérience de Laura Cannell pour le folklore font partie intégrante des fondements émotionnels d’Antiphony of the Trees. Ses contes sonores sont intemporels, gravés dans le bois à partir du tissu des rivières et du sol. C’est un exploit incroyable et un disque incroyable. Si l’on s’arrête et que l’on écoute attentivement le silence, les battements d’ailes et les bruits de becs, on peut entendre ces esprits anciens chanter et danser avec le vent. 

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Tom Rogerson: « Retreat To Bliss »

23 mars 2022

Après la sortie de Finding Shore en 2017, une collaboration qui l’a vu s’associer à Brian Eno, la vie du pianiste et auteur-compositeur-interprète Tom Rogerson a changé de manière tumultueuse. Les années intermédiaires ont apporté la naissance d’un enfant, la perte d’un parent, et un diagnostic bouleversant concernant sa propre santé. Il quitte Berlin et retourne dans le Suffolk, un lieu familier et accueillant datant de son enfance, et commence à composer des pièces minimales pour piano dans l’église qui jouxte la maison de ses parents.

Sur Retreat to Bliss, qui constitue le premier album solo de Rogerson, les touches du piano ainsi que sa propre voix retracent et transcrivent des événements profondément personnels. Elles remontent également dans le passé, comme si elles voulaient revenir à des temps plus innocents. Les pensées intimes et privées qui se trouvent dans le cœur sont transmises par la voix, articulant et exprimant ce qu’un instrument est parfois incapable d’exprimer, car elles viennent directement de son âme.

Rogerson s’ouvre, ce qui est un signe de courage, et cela reflète son comportement naturel ainsi que d’autres qualités vertueuses de sa musicalité. Lorsque le bouclier tombe, il n’y a rien derrière quoi se cacher, et cette vulnérabilité nue rend l’album encore plus puissant. Elle révèle également une force intérieure et une volonté d’être soi-même. Rogerson libère ce qui était refoulé, le déversant à travers le piano, qui n’est pas seulement un ami familier mais une bouée de sauvetage. C’est de là que vient l’authenticité de la musique, il n’y a rien d’artificiel.

« Toute ma vie, le piano a été mon compagnon constant, mon confesseur, mon meilleur ami et mon pire ennemi. J’ai toujours écrit de la musique sur et pour le piano, mais elle me semblait trop personnelle, trop privée pour être publiée. Ces dernières années, j’ai connu des difficultés, des joies et beaucoup de changements. Ma réponse a été de me retirer vers ce en quoi j’ai le plus confiance : le piano, ma voix et le paysage dans lequel j’ai grandi ». 

Sincère et poignant, le piano résonne entre les murs de l’église, un lieu sacré et isolé pour la guérison des blessures. Tout s’effiloche dans ce lieu. Tout se défait. Le retour dans sa maison d’enfance est un purificateur, mais une fragilité subsiste. Quelque chose a été blessé et ressent le besoin de revenir en arrière, mais c’est aussi une lueur d’espoir, car les liens essentiels se recréent à nouveau. Le lieu, son moi et la musique sont tous ramenés au centre.

Retreat to Bliss est en accord avec lui-même, permettant à Rogerson de revenir à une époque plus stable et plus réconfortante. C’est aussi une digestion, une pause réflexive et une acceptation des événements. C’est un hymne chanté à son véritable foyer, qui se trouve aussi bien dans la campagne du Suffolk que dans son piano.

***1/2


Stabbing Westward: « Chasing Ghosts »

23 mars 2022

Peu, parmi nous, auraient parié que Stabbing Westward, un groupe de rock industriel chicagoen, réapparaîtrait chatouiller nos oreilles vingt ans après son premier impact. Pourtant, après tout ce temps, l’écoute leur premier nouvel album studio depuis 2001, Chasing Ghosts (COP International), et mon monde a de nouveau changé. Après avoir dévoré leur dernier EP Dead And Gone (COP International), les fans en voulaient plus et je n’ai certainement pas fait exception. Les membres fondateurs Christopher Hall et Walter Flakus ont conservé leur style caractéristique et les nouveaux membres Carlton Bost et Bobby Amaro ont apporté beaucoup de richesse au son.

Chasing Ghosts commence par « I Am Nothing » qui est sorti récemment en « single » pour nous préparer à ce qui va suivre. Il explore les sentiments de désespoir et de doute de soi qui se retrouvent dans la plupart des morceaux de l’album. « Damaged Goods » est le titre suivant, avec sa batterie et ses basses puissantes et dramatiques. Hall chante désespérément qu’il est endommagé au-delà de toute réparation et qu’il ne peut être sauvé. Les paroles, très parlantes, vous enveloppent et vous pouvez ressentir chaque parcelle de la douleur déchirante décrite.

La version retravaillée de « Cold » diffèrera légèrement de celle que nous avions entendue sur l’EP Dead And Gone. La chanson explore la solitude dans une relation où il y avait autrefois de l’intimité alors que « Push » s peut être considéré comme la ballade de l’album. Elle dure plus de sept minutes et l’intro rappelle les sons éthérés des synthétiseurs de Pink Floyd. La maîtrise des claviers par Flakus est particulièrement évidente dans ce morceau. « Push » explore les sentiments d’insécurité et de doute de soi et transmet le désir désespéré de réparer les choses sans savoir comment ; un titre propre à vous saisir le cœur.

« Wasteland » est plus heavy, avec la batterie d’Amaro qui frappe fort, et elle rappellera presque le style original du groupe sur leur premier album, Ungod. Un sentiment de réflexion personnelle, de post-apocalypse ou de pandémie, où l’on admet que l’on ne survivrait pas sans son partenaire.

« Control Z » référencera de manière intelligente la demande d’une nouvelle chance et à la nécessité de continuer d’y croire alors que « Crawl », réimaginé avec une saveur plus orchestrale, fera un travail incroyable en enveloppant la musique autour de la voix de Hall, devenue de plus en plus belle avec le temps.

« Ghost » traite de l’isolement dans une relation et de l’abandon émotionnel parfaitement illustraté par la couverture de l’album, réalisée par David Seidman qui capturera magnifiquement l’essence de Ghost, à savoir et la séparation de deux âmes et le fait d’en être déchiré. « The End » conclut alors l’album avec une réflexion sur soi, des émotions brutes, de l’insécurité et une demande de recommencement.

Après vingt ans, Stabbing Westward a produit, euégard à son contexte, un magnifique copus, il l’est, en l’espèce suffisamment pour qu’ill ne nous soit pas nécessaire de connaître leur catalogue passé pour l’apprécier ; si vous êtes nouvellement venu au goupe, c’est le moment idéal pour se jeter à l’eau.

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Natalie Nicole: « Spilling »

23 mars 2022

La beauté de la musique de Natalie Nicole est qu’elle donne l’impression de rêver sans effort. Depuis les voix feutrées, superposées et légèrement informatisées jusqu’aux synthés caoutchouteux utilisés, rien ne semble anguleux. Oui, il y a des boîtes à rythmes et des moments de basse épaisse, mais c’est comme si vous nagiez dans de la barbe à papa musicale. Il en faut beaucoup pour transmettre une telle fluidité et Natalie y parvient.

Dans son nouvel opus, Spilling, elle aborde des chansons où elle se sent accablée et souhaite que les circonstances changent. Sur la chanson titre, elle parle de promesses vides et des bleus qu’elles laissent. En même temps, la musique elle-même a un synthétiseur glissant qui se détache lentement vers la fin, comme si la chanson elle-même avait tourné au vinaigre. « Shallow Water » parle de sabotage et ce thème est présent tout au long du disque. L’indietronica à base de synthétiseurs est si facile à jouer que l’on peut passer à côté de la réalité des paroles dans leur livraison douce et feutrée.

« 2020 » est le morceau central qui mélange des moments de chorale éthérés avec une mélodie douce et mystique menée par une guitare. « Plume » va électrifier cette guitare pour un groove de basse qui me rappelle un peu Curve et Lamb s’ils vivaient un moment très sombre. Il y a aussi un élément de Garbage ici aussi, leur côté ballade au moins. Les synthés boueux et les arpégiateurs sont une constante lueur scintillante qui est ensuite rendue crasseuse avec des pics et des bruits de guitare. Le morceau de clôture « Centripetal » est probablement le plus ampoulé et le plus uptempo de l’album, avec une batterie « live » dramatique, des voix étouffées et des synthétiseurs qui couvrent vos enceintes d’un gémissement dystopique oppressant datant de 1988.

A travers tout cela, Natalie Nicoles a beau être muette et exprimer clairement des situations difficiles, elle n’en reste pas moins accrocheuse. Les mélodies et les accords aiment une bonne note mineure, mais cela fait partie du charme. Nicole ne fait pas de la musique électronique pour danser gaiement, c’est plutôt un balancement confortable et engourdi de morts-vivants. Avec des synthés et un rythme. J’ai vraiment accroché avec cette sortie et elle mérite beaucoup plus d’attention, donc si vous aimez votre electronica triste, donnez-lui un tour sur votre platine. Vous ne le regretterez pas.

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David Åhlén: « Watch and Pray »

23 mars 2022

Le nouvel album de David Åhlén, Watch and Pray, est concis mais tout à fait captivant. L’auteur-compositeur-interprète utilise une musique de chambre trépidante pour créer des rêves indie folk qui poussent vers quelque chose plutôt que de vous donner une réponse évidente. C’est peut-être une comparaison étrange mais une Bjork style ballade qui rencontre Anthony et les Johnsons. Et, pour ça, nous sommes présents.

Chaque morceau est d’une beauté dévastatrice. C’est peut-être la harpe, proche et personnelle, qui résonne dans vos oreilles (« My Only Treasure ») ou l’étreinte fraîche des harmoniums (« My Soul’s Beloved »), mais chaque morceau gazouille avec intimité. Ce n’est pas que le son soit à son maximum, mais chaque instrument semble amplifié jusqu’à votre oreille. Aucun titre n’est joyeux, ce sont tous des thèmes de chambre sombres, mais la façon dont les chansons sont composées permet de trouver des moments de beauté.

Prenons l’exemple de « And her Voice Was Heard ». Vers la fin du morceau, un motif déchirant aligne les guitares, les cordes et le chant comme Olafur Arnalds ou Erland Cooper sous stéroïdes.

Rien de tout cela ne serait aussi captivant sans la voix de David Åhlén. Il chante avec le plus doux falsetto que j’ai entendu depuis longtemps. Il ne vacille jamais et ne glisse jamais dans un chuchotement – c’est un falsetto ferme. Les paroles sont également sincères, ce qui ajoute une qualité lumineuse à l’ensemble, comme une chanson folk au crépuscule. La chanson titre clôt le dique avec le morceau le plus fantomatique et gothique qui soit et illustre le fait qu’à travers toute la morosité, une voix claire et chaleureuse peut faire passer la lumière. C’est un travail d’expert.

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The Cowboy Junkies: « Songs of the Recollection »

22 mars 2022

À l’approche de leur quatrième décennie, The Cowboy Junkies continuent d’interpréter les chansons d’autres artistes, les reprises étant un élément déterminant de leur répertoire depuis leurs débuts en 1986. Sur Songs of the Recollection, vous entendrez leurs interprétations uniques de Neil Young, Gordon Lightfoot, Bob Dylan, The Cure, David Bowie, Gram Parsons, The Rolling Stones et Vic Chestnutt. Oui, la fratrie composée de Michael Timmins (guitare), Margo Timmins (chant), Peter Timmins (batterie) et de l’ami de toujours Alan Anton (basse) est toujours aussi forte, avec des tournées prévues au printemps et en été. En écoutant ces neuf titres, on constate que le groupe conserve les mêmes qualités attachantes qui l’ont soutenu pendant ces 36 ans. Margo Timmins a même gagné en assurance et en intensité vocale.

On l’entend déferler et s’envoler sur le morceau d’ouverture de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, « Five Years » »de David Bowie, une chanson prémonitoire qui incarne la crise, qu’il s’agisse du changement climatique, de la pandémie ou des riffs politiques. Le groupe donne de la puissance à la voix de Margo Timmins, qui n’est plus la timide chanteuse qui a charmé tant de gens, mais une chanteuse passionnée et en colère. Ils emmènent « Ooh, Las Vegas » de Gram Parsons dans un territoire méconnaissable. Alors que la voix insouciante de Parsons masquait la noirceur des paroles, les effets de guitare réverbérés de Michael Timmins et sa voix jointe à celle de sa sœur la transforment sinistrement en une brume psychédélique.  Enfin, dans la chanson « No Expectation » » des Stones, souvent reprise, nous entendons le groupe dont nous sommes tombés amoureux la première fois, dans cette interprétation fidèle qui met en vedette la guitare slide de Michael Timmins et la voix rêveuse de sa soeur.

Comme beaucoup de leurs confrères canadiens dans presque tous les genres, il semble impératif de reprendre Neil Young, et The Cowboy Junkies décident de mettre les bouchées doubles. Ils apportent la noirceur requise à « Don’t Let It Bring You Down », l’accentuant avec des accords puissants et denses sur un fond cacophonique qui s’estompe avec le « It’s only castles burning… » de Margo. Ils juxtaposent cela avec une version remarquablement aérée et douce de « Love In Mind », révélant la voix la mieux équilibrée de cette dernière. Ils transforment « The Way I Feel » du chanteur folk Gordon Lightfoot en un morceau de rock rauque avec des rythmes lourds et une guitare enflammée. Ils se retirent à nouveau de la sonorité dense pour adopter un mode doux et délicat sur « I’ve Made Up My Mind (To Give Myself to You) » de Dylan, tiré de son album Rough and Rowdy Ways en 2020, ce qui en fait de loin le morceau le plus récent à être repris. Margo articule clairement les paroles poétiques sur une toile de fond décontractée et dépouillée, laissant cette chanson respirer librement, comme la chanson d’amour de Young. 

Comme leurs fans dévoués le savent, le groupe a noué une solide amitié avec le regretté auteur-compositeur Vic Chestnutt, au point d’enregistrer un album entier de chansons en hommage en 2009. Son « Marathon » est une autre de ces compositions effrayantes, atmosphériques et pleines d’effets de ce set. Ce mode mystérieux les porte également lorsqu’ils reprennent un titre de leur EP Neath Your Covers (2004), « Seventeen Seconds » de Cure. Michael et Peter s’échangent des lignes de guitares et des percussions qui s’écrasent, s’effaçant suffisamment pour que Margo puisse prononcer en toute intimité les paroles énigmatiques de la chanson, avant que l’instrumentation ne continue à peindre un paysage sonore creux et désolé.

Ce groupe est resté fidèle à sa sonorité singulière, langoureuse et atmosphérique pour mieux encadrer la voix de Margo Timmins. Même lorsqu’ils s’aventurent dans des sonorités plus denses et parfois plus dures, ils parviennent à se retirer avec succès dans cette zone de confort infectieuse. On ne peut pas dire que The Cowboy Junkies soit un trésor national, mais un trésor nord-américain durable et solide fera l’affaire.

***1/2


Heal & Harrow: « Heal & Harrow »

22 mars 2022

On ne peut qu’aimer un bon album conceptuel et Heal & Harrow en est indubitablement un. Le projet est une collaboration entre Rachel Newton et Mauren MacColl et est un hommage aux femmes qui ont été accusées dans les procès de sorcières écossaises. Explorant la mythologie, le folklore, les croyances religieuses et le surnaturel, c’est un album qui ne sera pas facile à écouter. Pensez à un folk écossais éthéré et dense et vous êtes dans le mille.

L’album alterne, en effet, entre des morceaux vocaux et instrumentaux, mais à aucun moment il ne perd son atmosphère de compacité. Chaque chanson est imprégnée d’histoire et la belle voix écossaise, la harpe et le violon ouvrent la voie. Certaines d’ailleurs, comme « Eachlair » et « Cutty Sark » voient leurs paroles ou des passages parlés tirés de textes historiques. Souvent, cela peut sembler un peu guindé, mais la prose de « Cutty Sark », par exemple, est posée sur un lit de kalimba. Des pianos bizarres et des sons trouvés apparaissent également sur l’album, comme le lancinant « Judge Not ». Cette approche multicouche de la conception sonore – fusionnant le traditionnel et le monde extérieur – enrichit l’ambiance générale. Parfois, elle nous fait penser à une narration audio en 3D. C’est subtil mais vraiment bien conçu.

Outre les magnifiques violons, guitares, harpes, voix et altos, chaque compositionn est accompagnée d’un texte et d’un site web contenant d’autres histoires sur le procès des sorcières écossaises à lire et à explorer. Mais la musique se suffit à elle-même. Les charmes celtiques d’une sombre mélodie menée par un violon dans « Isobel » sont envoûtants. Le drame cinématographique de « An Tein » » donne vie au feu et à une marche finale vers la mort. La gigue de « Da Dim », tendue mais éthérée, affichera, de son côté, une qualité inquiétante et même la luxuriante ballade traditionnelle que constitue « Figure of Clay » dévoilera une teinte plus sombre à chaque corde jouée.

Il se peut qu’il ne réponde pas aux attentes de ceux qui recherchent des gigues gaéliques abondantes, mais ce n’est pas le but de Heal & Harrow. L’album se veut une offrande austère et humble aux femmes qui ont été brûlées comme sorcières. À cet égard elle est respectueuse, endeuillée mais aussi pleine de volonté et d’esprit. Heal & Harrow a fait un album qui brasse des émotions complexes avec facilité. Trompeur comme le doit le genre auquel s’adonne notre tandem.

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Black Doldrums: « Dead Awake »

22 mars 2022

Le trio nord-londonien qu’est Black Doldrums aime s’adonner à l’art noir du gothic psych/post-punk ou de tout autre nom. Après avoir attiré des fans grâce à d’excellents EP, ils sortent aujourd’hui leur premier album Dead Awake après une attente … qui s’est fait attendre tardivement.

Dès l’entame il est évident que le groupe est passé à la vitesse supérieure, comme en témoigne le merveilleux riff tourbillonnant de « Sad Paradise » qui jette son éclat glissando sur un cœur sombre. Produit par Jared Artaud de The Vacant Lots, on sent que l’obscurité intérieure du groupe imprègne la musique ici, mais la rend aussi beaucoup plus accessible qu’auparavant. La musique est peut-être sombre, mais il y a une légèreté qui donne aux chansons une sensation de légèreté.

Bien sûr, nous ne parlons pas ici d’été (à moins qu’il ne s’agisse de blues) mais il y a un certain rebondissement dans un morceau comme « Sleepless Nights » qui rappelle le sentiment d’extase que le shoe-gaze peut susciter en vous. Ici, ce n’est pas aussi direct, et au lieu de cela, son mur de son discret rappelle les débuts de New Order, juste avant qu’ils ne découvrent la dance music. Pas vraiment les mains en l’air, mais des mains certainement saisies dans l’allégresse.

Il est intéressant que ce sentiment de communauté provienne d’une collaboration qui a traversé l’océan Atlantique, mais comme le groupe le dit, ils ont trouvé qu’ils passaient plus de temps à faire un effort pour communiquer qu’ils ne l’auraient fait dans le studio. La distance permet des moments de réflexion sur la musique en cours de création, et joue sur une sensation plus spacieuse. L’écho réverbéré de « Now You Know This » est porté par les vibrations de la communication ressenties à distance.

Comme avec tous les grands trios, il y a un son compact qui émane de la puissance et vous sentez qu’ils sont parfois prêts à libérer un mur de son absolu. Au lieu de cela, ils se retiennent et se concentrent sur un album qui les place dans une position à surveiller. A travers ces huit morceaux, il y a la promesse de quelque chose de beaucoup plus grand à venir, et vous sentez qu’ils pourraient bien être capables de faire des alumni plutôt classiques. En l’état actuel des choses, Dead Awake est un excellent premier album qui prend cette promesse et cette excitation du début et la moule en quelque chose qui pourrait être prélude à une carrière.

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