Travis Duo: « Hypnagogia »

9 janvier 2022

Ah, les années 1990 ! Cette époque faste où le rock expérimental comblait les lacunes entre la pop, le rock, l’alternatif, le punk, le hip-hop, le métal et pratiquement tout ce que vous pouvez imaginer. C’est l’époque qui nous a donné le Primus délirant de Les Claypool ou l’inénarrable Faith No More de Mike Patton, mais aussi l’une des premières sorties de ce dernier, celle de Mr. Aux côtés de Patton, Trevor Dunn, membre fondateur, a porté un groupe de reprises de death metal garage à des sommets de non-conventionnalité et aujourd’hui, en 2021, il est de retour. En s’associant avec Jarvis Earnshaw, fanatique d’ethno-jazz, le Travis Duo, comme ils s’appellent eux-mêmes, crée des vibrations trippantes sur Hypnagogia.

Cette bande-son de l’expérience du rêve lucide est caractérisée par un mélange de sitar et d’improvisations jazz, ce qui en fait à la fois une entité fluide et organique que l’on ressent plus qu’on ne l’écoute, mais aussi un monolithe écrasant de sons qui défie toute interprétation conventionnelle. Honnêtement, je ne savais pas que l’écoute facile pouvait être aussi épuisante – et c’est en soi un exploit incroyable.

Que l’on qualifie Travis Duo de néo-jazz, d’ethno-fusion ou de toute autre appellation valorisante, le fait est que les deux membres sont des musiciens pour les musiciens, pas pour le grand public. Dans cette optique, en tant que musicien moi-même, je me sens mal équipé pour traiter le contenu intellectuel de l’album, et je dois limiter mes propres opinions à des points de vue plus simples et plus humains.

Le résultat est un ensemble de compositions plus recherchées, plus sinueuses, qui privilégient l’humeur sur toute structure pédestre de type technique. Comme conséquence plus affective, la réponse est pré-émotionnelle. L’émotion a à peine le temps de s’exprimer que l’instinct s’est déjà emparé de vous et vous vous retrouvez à dévaler un trou de lapin d’illusions musicales kaléidoscopiques peintes en impulsions synaptiques sur une toile de lumière étoilée.

En plus des contributions centrales uniques de Dunn et Earnshaw, respectivement contrebasse/percussion et sitar/loops/voix, toute une série de grands noms collaborent à Hypnagogia, offrant un véritable orchestre d’instrumentation au disque. Parmi les plus remarquables, citons la flûte et le saxophone de Daniel Carter (Yoko Ono, Jaco Pastorius), le saxophone de Devin Brahja Waldman (Godspeed You ! Black Emperor, Thurston Moore) et les xylophones de Sean McCaul (Philip Glass Ensemble) – eux-mêmes un étrange hybride de styles, d’influences et de générations. Tous ces éléments mélangés peuvent ressembler à un chaos naissant, mais il y a toujours un thème central clair de conscience supérieure – et de joie non censurée dans le simple acte de création – qui sous-tend les divers composants à l’œuvre.

Ne vous attendez pas à un disque simple, représentatif de la base pop de l’un ou l’autre des membres : Hypnagogia est un disque à la texture dense, qui va au fond des choses et qui n’est pas destiné à être consommé par le grand public. C’est une lettre d’amour au psychédélisme, à l’expérimentalisme et à l’auto-expressionnisme et doit être traité comme tel. Il s’agit d’un voyage dans une galerie d’art indépendante, souterraine, qui sera probablement fermée d’ici un an, et non d’une grande journée au Guggenheim Museum : c’est un voyage d’exploration intensément personnel qui ne doit pas être entrepris sur un coup de tête.

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Drew Citron: « Free Now »

8 janvier 2022

Drew Citron est une membre établie de la scène indie de Brooklyn et est surtout connue sa participation dans des groupes tels que : Avan Lava et Beverly. Citron a formé Beverly en 2013 et a tourné avec des groupes comme The Drums et We Are Scientists. Citron et le batteur de Beverly, Scott Rosenthal, ont ensuite ouvert au Bushwick, la mythique salle de concert à Brooklyn, et ont récemment joué avec un groupe post-punk très apprécié, Public Practice. Dans toutes ces collaborations, elle a développé, affiné et finalement donné vie à ce qui est devenu son premier album solo, Free Now.

La chanteuse a produit Free Now après sa rupture avec son ancien petit ami, avec qui elle était en couple depuis six ans. L’album est une interprétation déchirante de la fin d’une relation à long terme. L’album aborde les thèmes du deuil, de l’autonomisation et de la gratitude. Les mélodies accrocheuses et les moments de distorsion grunge sont influencés par la dream pop, le grunge et le pop-punk des années 80 et 90. Avec des lignes de guitares pleines de deuil et de belles harmonies, l’album saisit parfaitement le sentiment de perdre un être cher. Cependant, les tempos s’accélèrent avec des claviers étincelants et des guitares endiablées jusqu’à ce que tous les instruments, à l’exception de la batterie, se retirent pour laisser place à un moment de clarté, nous rappelant que, même dans le cas d’un chagrin d’amour le plus douloureux, il y a toujours de la lumière au bout du tunnel. Citron chante : « I’m so free now/Moving slowly in the waves/I’m so over it » (Je suis si libre maintenant/Mouvement lent dans les vagues/J’en ai fini avec ça). Des titres comme Kiss Me et 17 sont des morceaux plus légers, avec beaucoup de distorsion, de cordes et de chatoiement.

Bien que le thème principal de l’album soit le chagrin d’amour, on ne peut pas définir l’album comme étant uniquement cela. C’est valorisant de voir une femme de 34 ans se sentir libérée après avoir mis fin à une relation à long terme. Citron explique : « C’est légèrement ironique, et cela montre comment le fait d’aller de l’avant après une relation importante peut être libérateur tout en étant déchirant. Nous avons réalisé la vidéo dans le nord de l’État, dans la nature, en nous concentrant sur la beauté simple et la sensation douce-amère de la chanson ».

Citron est arrivée à un endroit où elle est au sommet de ses capacités d’interprétation, d’écriture et de production, ce qui se voit clairement sur Free Now. Elle n’a plus peur de monter sur scène et d’être la personne de tête, d’écrire ses propres morceaux ; «  de « e mettre derrière une table de mixage et de tourner les boutons pour produire mes propres compositions ».

Il aura fallu du temps pour cela mais celui-ci a été bien utilisé tant Free Now est inspirant et témoigne d’un talent indéniable. Bien qu’il soit accompagné d’un grand nombre de chagrins d’amour, les messages puissants et l’expérience de Citron transparaissent. Il est juste de dire que la chanteuse est très expérimentée dans son domaine, ayant joué dans de nombreux groupes et sur de nombreuses scènes, mais, nonobstant ce parcours, Free Now est sa production la plus excitante à ce jour.

***1/2


Jonathan Richman: « Want To Visit My Inner House? »

6 janvier 2022

Faites confiance à Jonathan Richman pour vous inviter dans sa maison intérieure (inner house) et passer la plupart du temps à parler du monde extérieur. Cet auteur-compositeur-interprète de soixante-dix ans s’est taillé une place à part en chantant sur les plages, les gaz d’échappement des bus, les étangs, les ruelles, les pelouses tondues, les fontaines, les autoroutes, les étoiles, les lys des champs et les emballages de chewing-gum jetés – la beauté vibrante et délabrée du monde. Il est l’une des figures les plus singulières et les plus durables de l’histoire récente du rock’n’roll. Et son dix-huitième album studio est, sans surprise, tout à fait charmant.

« Connaissez-vous quelqu’un qui aime la vie plus que moi ? » (Do you know anybody who loves life more than I do?) chante Richman sur « This Is One Sad World ». « Probablement pas ! », conclut-il, et sa discographie jovialement expérimentale en atteste. Depuis près de cinquante ans, le musicien du Massachusetts est à la recherche de sons pour exprimer à la fois le monde intérieur et le monde extérieur, cherchant à faire tomber la barrière entre les deux. Il s’agit, inutile de le dire, d’une entreprise incroyablement ambitieuse, mais Richman s’en acquitte avec humour et humilité.

Cet album fait suite à SA, sorti en 2018, où Richman a collaboré avec le claviériste et producteur Jerry Harrison (The Modern Lovers, Talking Heads) et la tambourinaire Nicole Montalbano pour incorporer les qualités hypnotiques et bourdonnantes des ragas indiens. Le tamboura est parfois présent aux extrémités de ce nouveau disque, et le jeu de Harrison ajoute de la couleur au canevas des premiers et derniers morceaux de l’album, bien qu’il soit progressivement relégué au second plan par l’alchimie musicale partagée par Richman et le batteur Tommy Larkin. Ainsi, l’enchaînement du disque invite l’auditeur à un état d’intimité dépouillé, qui culmine dans la dernière chanson de contrition de Richman, « I Had To See The Harm I’d Done Before I Could Change ». L’instrumentation supplémentaire revient en fin d’album. Nous avons visité sa maison intérieure, vous voyez ?

Le titre de l’album fait référence à un poème du poète indien Padmalochan, et Sento, Sento est également basé sur une poésie traduite de Paramahansa Yogananda. « Mère, j’entends ta voix dans les fleurs » (Mother, I hear your voice in the flowers), murmure Richman sur l’avant-dernière chanson. La spiritualité a toujours été un élément de sa musique, et sa quête de connexion va au-delà de celle de l’interprète et du public, cherchant la communion avec toutes choses. C’est cet englobement de la vie qui rend les dichotomies comme intérieur/extérieur sans intérêt pour Richman, car le désir de proximité le fait avancer sans cesse. « Jusqu’à quel point puis-je être proche ? » (How close can I be ?) demande-t-il, « Jusqu’à quel point cela devient-il proche ? » (How close does it get?). Personne ne le sait avec certitude, mais Richman nous aide à approcher une réponse, et nous inspire à le découvrir par nous-mêmes.

***1/2


Nekromant: « Temple of Haal »

2 janvier 2022

 

Temple of Haal, le dernier album du trio de métal suédois Nekromant, se déroule comme la bande originale secrète du film Midsommar. C’est un beau morceau de musique, mais il manque de profondeur et d’originalité, tant au niveau des paroles que de la composition musicale. Souvent qualifié de Black Sabbath moderne, Nekromant imite le son classique du heavy metal sans y ajouter grand-chose d’autre qu’une valeur ajoutée de production.

Inspiré par Vargön, la ville natale du combo, Temple of Haal juxtapose le paysage suédois serein à une imagerie mythologique dure et désordonnée. Le guitariste Adam Lundqvist a déclaré dans une interview que le nom « Haal » dans le titre de l’album est une référence à Halleberg, l’une des montagnes jumelles de leur ville natale. Une version plus sinistre de Halleberg a été réimaginée pour la pochette de l’album.

Chaque composition de l’album est indépendante pourtant, et il ne semble pas y avoir de thème ou de concept global qui les relie entre elles, si ce n’est les divagations fantastiques de quelqu’un qui aurait trop regardé Le Seigneur des Anneaux. Cependant, les longs hivers sombres de la Suède semblent avoir donné à ce trio beaucoup de temps pour solidifier leur style musical. Leurs riffs sont déchiquetés sans effort, et leur son est étonnamment plein pour n’être composé que de trois personnes. Mais, conformément au genre, ils ont tendance à utiliser beaucoup de lignes répétitives, ce qui semble allonger des morceaux déjà longs comme « Olórin’s Song » et « King Serpent ». En conjonction avec leur utilisation d’un phrasé musical dynamique et peu changeant, il est facile de placer la majorité de Temple of Haal dans la catégorie « musique de fond ».

La chanson titre affiche leur style heavy metal dépassé. Elle offre ainsi un rythme régulier et expérimente avec un tempo coupé qui semble vouloir faire traîner la chanson au lieu d’y ajouter l’emphase voulue. Il n’y a aucune modulation ou variation mélodique, de sorte que la musique semble ne jamais arriver nulle part, restant constamment sur le même plan. La voix sonne un peu mince et tendue, surtout sur les notes lyriques du pont. Elle incorpore ensuite un solo de guitare prolongé pour rompre la monotonie de la conduite régulière, mais le cadre réel de la mélodie globale est assez standard. En bref, si ce morceau était plus court d’une minute, il serait peut-être plus facile à apprécier.

Le meilleur titre de cet album est « The Woods ». S’il était une émission de télévision, celle-ci mériterait sa propre série dérivée. C’est un morceau important, entraînant et qui se distingue du reste de l’album. Plus important encore, il comporte de nombreuses sections différenciées qui maintiennent l’attention de l’auditeur, ainsi que le chant en triolets facilement identifiable, « Lead me to my final haven, build me an altar of death » (Conduis-moi à mon dernier refuge, construis-moi un autel de la mort ), qui rallierait même le spectateur le plus détaché.

Nekromant a travaillé avec un nouveau label, Despotz Records, pour créer Temple of Haal. Le résultat en est une production plus pointue qui ne correspond pas tout à fait à leur style actuel. D’un point de vue positif, ce nouveau standard de production a une chance d’éloigner lentement Nekromant de son style heavy metal traditionnel et de poser les bases d’un son plus électronique, post-hardcore. Temple of Haal n’est pas un album exceptionnel, mais si l’on tient compte de la popularité du groupe et de sa présence positive sur les médias sociaux, il leur permet de se hisser au sommet de la liste des festivals. Il sera intéressant de voir ce qu’ils vont encore accomplir en collaboration avec Despotz Records. Le talent est là. Il est juste temps de l’explorer davantage. Espérons que Nekromant s’aventurera plus loin dans « The Wood » et en sortira prêt à exploiter tout son potentiel.

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Sturgill Simpson: « The Ballad of Dood & Juanita »

2 janvier 2022

À la lumière du parcours iconique américain, les cow-boys sont peut-être l’archétype le plus emblématique – et le plus insaisissable. Dans la tradition musicale, l’importance et la diversité incroyables du mode de vie des cow-boys sont dépeintes par des artistes comme Marty Robbins (Big Iron), George Strait (The Cowboy Rides Away) et James Taylor (Sweet Baby James). Aujourd’hui, avec The Ballad of Dood & Juanita, Sturgill Simpson y ajoute une nouvelle pierre.

Dans une récente interview, le magazinne Rolling Stone avait dépeint le Simpson contemporain comme une qu’elqun doté d’« identité indéniablement forte » un travailleur acharné et historique avec un côté rebelle. Sur Dood & Juanita, un album conceptuel censé être son dernier, Simpson fait porter des bottes similaires à son héros porteur de fusil et au reste de la distribution du conte. Grâce à une solide musicalité et à un contrôle de la narration, Simpson suscite l’investissement émotionnel et la connexion de ses auditeurs tout au long des 10 titres de l’album.

Le prologue du disque est une marche, semblable aux airs des corps de tambours de la guerre civile, qui place les auditeurs dans les collines du Kentucky en 1868. Les auditeurs entendent le cadre et l’intrigue et, comme dans la plupart des westerns, l’auteur va droit au but : il s’agit d’une histoire d’amour mettant en scène deux pionniers appalachiens mythiquement destinés et plus grands que nature.

Dood est le premier à faire l’objet d’une attention particulière, à la manière d’un conte de fées légendaire : il est le fils d’un mineur de montagne/ et d’une jeune fille Shawnee. Tout au long du premier morceau complet de l’album, Simpson et son groupe montrent leurs talents ; dès le début, l’introduction de guitare, violon et harmonica entraînés peint le héros sous un jour complexe. Lorsque la chanson commence à s’accélérer et à battre son plein près du refrain, les auditeurs se sentiront justifiés de considérer cette nouvelle version de l’histoire classique de l’Ouest sauvage. Pecos Bill tremblerait dans ses éperons en entendant parler d’une telle légende.

« One in the Saddle, One on the Ground », ballade amoureuse de Juanita, l’amante de Dood, est une chanson exemplaire de la prairie. Sur fond de banjo ralenti et d’harmonica surchargé, Simpson complique son histoire en révélant que Juanita a été faite prisonnière par des bandits. La chanson va de l’avant avec des vibrations typiques de l’action montante. Enfin, on fait connaissance avec les compagnons de Dood, son destrier Shamrock et son chien Sam, qui reçoivent tous deux leur dû dans leurs morceaux respectifs. Par exemple, dans « Shamrock », certains des choix musicaux les plus intéressants de l’album s’alignent sur l’amitié de Dood pour son cheval : les castagnettes claquent comme des battements de sabots rapides, tandis que la guimbarde et les brosses rapides de la caisse claire complètent les rythmes lyriques légers dans des lignes comme « Sure-footted as a billy goat/ With thirty-three-inch ears/ Clog dance on a snake with his front two feet/ And give the coyotes the rear » (un pied sûr comme un bouc/ avec des oreilles de 30 pouces/ il danse sur un serpent avec ses deux pieds avant/ et laisse les coyotes à l’arrière). Un beau solo en flat-picked laisse la place au reste du groupe, qui s’emploie à rendre facile l’échange de huit.

Sur « Played Out », Simpson est confronté à un autre dilemme classique du cow-boy : que doit faire notre héros lorsqu’il n’a nulle part où aller, lorsqu’il a des trous dans sa peau de daim et « une sensation de morsure qui commence à ronger » ? Eh bien, il doit enterrer son chien mort et aller de l’avant. L’imagerie de cette chanson est remarquable à travers la description par Dood du carnage physique exercé sur son corps et de celui de ses compagnons. Les thèmes de la solitude et de la douleur dans la chanson frappent profondément par le travail des effets de feu de camp, la conversation familière entre le banjo et le violon, et un écho expansif à la fin de chaque ligne. L’acte final d’enterrer son chien Sam semble métaphorique et encourage Dood dans sa quête de vengeance.

Si le morceau suivant, intitulé « Sam », fait un merveilleux travail de caractérisation et d’harmonies spirituelles, il amorce aussi un tournant introspectif dans l’album – un tournant qui s’éloigne de l’apothéose pour aboutir à une résolution pour le héros. L’avant-dernier morceau de l’album, intitulé « Juanita », est une magnifique chanson d’amour aux tons chauds du Sud-Ouest américain, d’où est originaire la captive Juanita. Avec un balancement et une démarche accompagnés de castagnettes et de guitare espagnole, Simpson chantonne des paroles comme « You are an ocean/ I am a grain of sand » (tu es un océan/je suis un grain de sable) pour montrer la dévotion de son héros à sa cause. L’interlude de « Juanita » consiste en des phrases délicates de la section des cordes, de l’harmonica et de la guitare.

Sur « Go in Peace », les auditeurs sautilleront en même temps que le banjo qui tourne, la marche de la basse qui voyage et cette fidèle guimbarde. C’est une chanson d’allégresse qui s’inscrit certainement plus dans la tradition bluegrass que le morceau conclusif « Ol’ Dood (Part II) ». Dans ce dernier morceau de l’album, Simpson revient à l’arrangement original de « Ol’ Dood (Part I) », bouclant la boucle en expliquant comment Dood a sauvé Juanita de son ravisseur Seamus – allant même jusqu’à suivre le coup de fusil qui scelle l’affaire.

L’album The Ballad of Dood & Juanita de Sturgill Simpson témoigne de la virtuosité et de l’authenticité esthétique de l’artiste de multiples façons, notamment par l’attention minutieuse qu’il porte aux détails lyriques et compositionnels. Alors que son cow-boy s’en va au soleil couchant et que Sturgill Simpson se prépare à jouer un rôle important à l’écran, il doit rêver profondément à sa prochaine aventure musicale.

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Stahlmann: « Quartz »

2 janvier 2022

En cet début d’année 2022, il est temps, peut-être, de mettre bas l’esprit des fêtes. Heureusement pour les fans de métal, Stahlmann a offert à sa base de fans un nouvel album intitulé Quarz, sorti le 10 décembre.

Basé à Göttingen, en Allemagne, Stahlmann (qui signifie « homme d’acier » en allemand) a fait son entrée sur la scène métal en 2008. Le groupe a sorti son premier EP Herzschlag seulement un an plus tard, en 2009, et a connu un succès immédiat puisque l’album est entré dans le top 20 du Deutsche Alternative Charts pendant quatre semaines. Stahlmann a signé avec AFM Records en 2010 et a ensuite sorti son premier album officiel, Stahlmann.

Le groupe s’identifie la à Neue Deutsche Härte, un sous-genre du métal qui se traduit par « nouvelle dureté allemande ». Clui-ci est influencé par la Neue Deutsche Welle, le métal alternatif et le groove avec des éléments d’électro-industriel et de techno – Rammstein en étant l’exemple le plus connu.

Stahlmann a connu sa part de succès et de reconnaissance au cours des 13 dernières années. Le groupe a tourné avec d’autres groupes du Neue Deutsche Härte comme Eisbrecher à travers l’Europe et a joué avec des artistes comme Doro, In Extremo et Saltatio Moris. Bien que le groupe ait reçu beaucoup d’attention positive, il a eu un roster inconsistant, passant par 14 membres jusqu’à présent. La formation actuelle se compose de Martin Soer au chant et à la programmation, Mario Sobotka à la guitare, Dimitrios Gatsios à la batterie et Eugen Getman à la basse.

Le chant de Martin Soer brille sur Quarz et complète parfaitement les instruments tout en ajoutant une touche techno à l’album. Ce mélange de métal et de techno lui confère une atmosphère futuriste, qui convient parfaitement à la nouvelle année qui s’annonce et à une période d’innovation.

Ce serait un euphémisme de dire que la meilleure partie de Quarz, ce sont ses instrumentaux. Chaque composition dans Quarz possède son propre feeling, et Stahlmann ne cesse de le renouveler. Certains morceaux comme « Gottmacschine » s’appuient davantage sur les guitares et les sons métalliques traditionnels, tandis que d’autres, comme « Herz und Tränen », ont comme support la basse et les influences techno.

Les titres les plus marquante de l’album sont « Wollust », « Herz und Tränen » et « Gottmaschine ». Chacune de ces chansons a son propre style pour se différencier les unes des autres. «  Wollust », par exemple, donne le coup d’envoi de l’album avec sa vitesse et sa dépendance à la batterie. « Herz und Tränen « , par contre, est une chanson plus vocale qui se concentre sur la techno, tandis que « Gottmaschine » s’appuie davantage sur ses guitares futuristes qui combinent les styles techno et métal. « Der Sturm » est également exceptionnel par sa capacité à s’intégrer dans les vibrations futuristes du disque, mais se distingue par ses instruments plus sombres et plus lourds, contrairement aux instruments plus légers du reste de l’album. « Sonnenreich » se singularise également par sa capacité à combiner des guitares et des batteries avec des rythmes techno qui donnent à la chanson une impression de modernité mais aussi de futurisme.

Dans l’ensemble, Quarz est un excellent ajout à la discographie de Stahlmann. Chaque titre véhicule son propre sentiment distinctif, complété par des voix et des rythmes forts. Les influences électro-industrielles et techno sont claires à travers les voix et les instruments, ce qui en fait un album peu ou prou atypique qui plaira non seulement aux fans de métal de longue date mais aussi aux nouveaux adeptes du genre pour son mélange de différents styles de musique.

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Nonfiction: « I Painted This One Blue »

1 janvier 2022

Le genre de rock alternatif sombre et lunatique perfectionné par Manchester Orchestra sur Mean Everything to Nothing a été imité maintes et maintes fois (souvent très bien !), mais rarement les acolytes ont cherché à se distinguer de cette formule. Le premier album de Nonfiction, Same Pain en 2019, pourrait bien être la meilleure prise de ce son depuis Mean Everything to Nothing une décennie plus tôt ; comme ces choses se passent souvent, le disque a reçu une attention critique minimale. Cette fois, cependant, Nonfiction a jeté le gant ; leur deuxième LP, I Painted This One Blue, tente de redéfinir leur son, en remplissant les coins avec des instruments folkloriques traditionnels des Appalaches – et le résultat est extrêmement réussi.

Les chansons rock les plus classiques de l’album, comme le titre d’ouverture « What Mr. Cogito Thinks About Hell » ou le « single » « No Shade », sont essentiellement des versions raffinées des chansons de Same Pain ; « Mr. Cogito », par exemple, est une transposition plus punchy et plus accrocheuse de leur son, qui met en valeur toute la palette vocale d’Evan King. Cependant, lorsque le sinistre « What Gnaws at Me » est sorti en « single », c’était la première indication que I Painted This One Blue allait donner une nouvelle direction au son de Nonfiction.

King a travaillé avec Conor Murphy de Foxing pendant la pandémie, et cela se ressent sur « What Gnaws at Me », King étant parfois le sosie exact du falsetto argenté de Murphy. La chanson serpente et rebondit à travers des couplets tendus avant que les cordes n’interviennent pendant le refrain pour étoffer le morceau et lui conférer une gravité inquiétante. Lorsque le tout s’effondre dans un pont post-hardcore, le violoncelle prend presque le dessus sur les guitares, créant une dissonance presque inconfortable entre les cordes arquées et les cris rauques de King ; c’est un bon avant-goût de ce que Nonfiction a dans sa manche sur le disque. D’autres titres tiennent cette promesse, comme « Your Arm. My Arm. Our Arm », qui sonnerait comme une chanson de Circa Survive si ce groupe s’installait dans la nature sauvage du Vermont pour écrire un album, ou le plus proche « Narrowsburg, NY », qui marie des rythmes de transe avec de la guitare en acier avant de laver le tout dans un pont psycho-rock, pour ensuite ramener le tout à la maison dans une magnifique coda folklorique qui ferait rougir John Ross de Wild Pink.

« LCL » et « Atacama » sont probablement les chompositions qui comblent le mieux le fossé entre l’ancien son du groupe et le présent ; la première, habillée de cordes et de banjo, conserve l’atmosphère sombre de Same Pain recadrée en ballade alt-country, et la seconde a une accroche qui éclate avec une steel guitar bluesy pour couper la morosité de ses couplets obsédants. Là où les deux excellent, c’est là où l’ensemble du disque excelle, dans sa capacité à mélanger de façon transparente la vibration et le ton du premier album du groupe avec une instrumentation hors des sentiers battus ; ce n’est pas une direction que l’on aurait pu prédire après Same Pain, mais c’est une direction qui, dans le contexte du nouvel album, semble parfaitement naturelle. C’est la preuve que le potentiel qu’ils ont montré sur leur premier album n’était pas un feu de paille, mais la marque d’un groupe qui, avec suffisamment de temps, créerait, sait-on jamais, un chef-d’œuvre. I Painted This One Blue pourrait être si ce n’est ledit chef-d’œuvre, une étape de plus vers la création d’un classique intemporel.

***1/2


Saint 44: « Blood on My Guitar »

1 janvier 2022

À l’époque de sa sortie en 2013, l’album Moving Mountains n’a pas fait grand bruit. Son ton sobre et plus endormi en faisait une sortie beaucoup moins immédiatement captivante que leurs précédentes sorties, et le groupe s’est séparé peu après. Dans les années qui ont suivi, l’influence de cet album est devenue évidente. Des groupes comme Overgrow, Seer Believer et Valleyheart se sont inspirés du cadre établi par Moving Mountains et ont expérimenté dans ces limites. Blood on My Guitar, le premier album de Saint 44, est probablement le groupe qui s’est le plus approché de ce son.

Blood on My Guitar n’est pourtant en aucun cas une copie de Moving Mountains ; pour commencer, le groupe de Ian Karoway a beaucoup plus en commun avec la musique traditionnelle des auteurs-compositeurs-interprètes qu’avec le post-rock automnal de Moving Mountains, mais l’influence se fait clairement sentir. C’est dans la voix de Karoway qu’elle est la plus évidente, adoptant un ton râpeux et haletant similaire à celui de Greg Dunn sur cet album, mais ailleurs, des chansons comme « A Bridge Elsewhere » et « The Orchid » s’épanouissent et se déploient d’une manière qui rappelle les crescendos majestueux de « Seasonal » ou « Eastern Leaves ».

Une grande partie du disque, cependant, s’inscrit dans le moule de l’auteur-compositeur-interprète, consistant en un peu plus de voix et de guitare. « Push & Pull » et « First Beach », qui constituent la pièce maîtresse de Blood on My Guitar, sont clairsemés et aériens ; ils ressemblent davantage aux premiers travaux de Noah Gundersen qu’à un projet de groupe. Le fait que les deux morceaux soient dos à dos aurait pu, sur un album plus long, provoquer un affaissement du disque dans sa partie centrale, mais pris en sandwich entre la conclusion explosive de « The Orchid » et le vif « Nail in the Coffin », le morceau le plus optimiste de Blood on My Guitar, ils ne font que donner un peu d’air.

Comme Moving Mountains, Blood on My Guitar peut être considéré comme un disque d’ambiance, qui se consacre surtout à créer et à maintenir une atmosphère de calme cohérente plutôt qu’à loger certaines mélodies dans la tête de l’auditeur ; pour sa variété sonore, l’album s’en tient effectivement à des tempos et des sentiments similaires. Mais là encore, pour un album qui n’atteint même pas une demi-heure, ce n’est pas un inconvénient. C’est plutôt la preuve que Saint 44 excelle dans ce qu’il entreprend. Sa prochaine collection sera certainement encore plus serrée et plus impressionnante – un exploit, car Blood on My Guitar est un merveilleux « debut album ».

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