Idles: « Crawler »

12 décembre 2021

Un phénomène qui continue de croître de force en force. Il a peut-être fallu près d’une décennie à Idles pour se faire connaître en dehors de son Bristol natal, mais depuis que Brutalism, leur premier album de 2017, leur a offert une plateforme insoupçonnée et implacable vers le monde extérieur, on peut dire qu’ils n’ont pas regardé en arrière. L’album Joy as an Act of Resistance en 2018 a consolidé leur statut de groupe de rock britannique le plus excitant de la dernière décennie.

Néanmoins, tout n’a pas été un long fleuve tranquille. Ultra Mono, sorti l’année dernière, a reçu des critiques mitigées bien qu’il soit le premier disque numéro un du groupe au Royaume-Uni, tandis que les luttes personnelles du frontman Joe Talbot contre la dépendance ont été bien documentées. Ce qui nous amène à Crawler, le quatrième album du groupe en autant d’années.

Si son prédécesseur était une sorte d’unité de changement du quintet pour la radio, Crawler prend un virage à gauche et ne s’arrête pas pour respirer jusqu’à la fin. Littéralement. Alors que les thèmes lyriques du traumatisme, du chagrin d’amour et de la perte restent une influence omniprésente, les 13 morceaux qui composent Crawler représentent le quintet dans sa forme la plus expérimentale sur le plan musical. Si l’ajout d’un orgue d’église et d’un saxophone à divers intervalles n’est pas vraiment synonyme de Godspeed ! You Black Emperor au plus fervent des auditeurs, il y a des éléments qui se recoupent.

Ainsi, le premier « single », « The Beachland Ballroom », est un hommage à la soul des années 60. En effet, l’annonce de l’album et l’arrivée du « single » en septembre ont été quelque peu surprenantes, d’autant plus que le groupe avait à peine pu tourner Ultra Mono. Idles a une fois de plus fait appel aux services de Kenny Beats, qui a coproduit l’album avec Mark Bowen, membre du groupe. Beats ne surcharge pas le mixage, mais fournit plutôt la colle qui relie les différents éléments de l’album.

Ce qui est évident dès le départ, c’est que Crawler n’a pas été conçu pour séduire les programmateurs de playlists radio, comme l’écoute malaisée de « MTT 420 RR » introduit l’album, son maelström de sons infusés de pédale un peu comme le classique incendiaire de Yeah Yeah Yeahs « Maps ». Mais ici, Talbot demande avec curiosité : « Êtes-vous prêts pour la tempête ? » (Are you ready for the storm?)

A partir de là, Crawler peut être décrit comme une tempête qui ne montre aucun signe d’apaisement. Alors que le morceau « The Wheel » (« Can I get a hallelujah ? »), porté par les basses, cède la place à l’inquiétant « When the Lights Come On », avant qu’un bruit blanc et une batterie caustique n’introduisent « Car Crash », il devient vite évident que Crawler n’est pas une promenade de santé. « The New Sensation » et « Stockholm Syndrome » dépeignent deux facettes très différentes de l’arsenal d’Idles, sans que l’une ou l’autre ne révèle grand-chose. Pendant ce temps, l’effacé « Crawl ! » et son pendant « Meds » décrivent les luttes personnelles de Talbot contre la dépendance de manière aussi graphique que possible en un peu moins de huit minutes.

Pris en sandwich entre deux morceaux de 30 secondes – l’interlude ambiant « Kelechi » et le thrash punk hardcore de « Wizz » – « Progress » entreprend un voyage implacable qui lui est propre. Des guitares en couches chatoyantes tandis que Talbot répète sans cesse le mantra Aussi lourd que mes os étaient/je ne veux pas me sentir défoncé, défoncé, défoncé/je ne veux pas rentrer à la maison » ( As heavy as my bones were/I don’t wanna feel myself get high, high, high/Don’t come home, as good as your grace was/I don’t wanna feel myself come down, come home to). Aussi troublant que subtil, c’est le son de la catharsis et très peu parviennent à relayer de tels sentiments de manière aussi poignante que Idles.

Musicalement, « King Snake » est sans doute ce qui se rapproche le plus de l’ancien disque d’Idles. Son introduction et sa structure ne sont pas très différentes de celles de « Mother », extrait de Brutalism en 2017, même si le contenu lyrique est légèrement plus autodérisoire : « Je suis le journal d’hier, le journal de demain » (I’m yesterday’s news, tomorrow’s chip paper).

Pour conclure, « The End », dont le refrain « Coupe comme un couteau, pique comme une tique, donne un coup de pied comme une mule » (Cuts like a knife/Stings like a tick/Kicks like a mule/Acts like a prick) est assez tranchant, alors que la musique se construit et s’accélère comme les dernières pages d’un journal intime, ce qui est essentiellement le but de Crawler. Il s’agit d’un final des plus brutaux qui devrait permettre aux détracteurs d’Idles de ne plus douter de l’efficacité du groupe. Crawler est, à ce titre, le son d’un combo qui regarde intensément vers l’avant, même si cela signifie revisiter ses démons du passé.

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Lesley Barth: « Big Time Baby »

12 décembre 2021

Au milieu de la première face de Big Time Baby, nous sommes confrontés à une sorte de parabole. Elle prend la forme de « Nashville », l’une des chansons les plus fortes du nouveau disque de Lesley Barth. La chanson raconte l’histoire, teintée de country-western, d’un musicien de studio de Nashville qui s’installe à New York, essayant de s’intégrer mais dont les « Thank you, ma’am » et les bottes à embout d’acier le trahissent toujours. On a beau essayer de fuir son passé, on ne peut jamais vraiment fuir les parties de celui-ci qui se cachent en nous. 

C’est un moment important de l’excellent deuxième album de Barth, non seulement parce que c’est une distillation de quatre minutes de l’excellence de l’album, mais aussi parce que son histoire est celle de Big Time Baby. Non, ce n’est pas une autobiographie, mais plutôt un guide de style sonore – les chansons de Barth sur Big Time Baby passent de l’alt-country au disco, du blues à l’indie-rock, de Nashville à New York. Elles mélangent l’ancien et le nouveau avec l’aisance de Kacey Musgraves et de Jenny Lewis. Big Time Baby a un charme nostalgique, mais il n’utilise jamais la nostalgie comme un opioïde ; au contraire, il transforme cette nostalgie en quelque chose de personnel et de profond, la voix de Barth elle-même.

Plus que les sons de « Nashville », la chanson aide à encadrer les thèmes du reste de l’album. « Ce que j’ai appris en écrivant cet album, c’est qu’on ne peut pas jouer sa vie et vivre sa vie en même temps », dit Barth à propos de Big Time Baby. C’est un disque de déguisements, de fuites de vies passées, de moments où l’on cesse de reconnaître son propre reflet. « Qui est la femme qui regarde en arrière la femme qui me regarde en arrière ? » ( ho is the woman looking back at the woman looking back at me ?) chante Barth sur le premier « single » de l’album. Aussi forte que soit sa voix musicale sur Big Time Baby, le disque reconnaît que son individualité n’est pas un phénomène sans effort. Cela demande du travail, et il faut souvent se tromper pour trouver la voie à suivre.

Heureusement pour nous, Barth a trouvé ce chemin et l’a suivi à toute allure pour réaliser Big Time Baby, un testament de son écriture et de son art. Le titre de l’album provient du morceau d’ouverture, « Lower East Side ». Sans contexte, il se lit comme un mème, une auto-dépréciation insolente. Dans la chanson, cependant, Barth ajoute de la dimension aux mots : eJe ne suis pas prête » pour le grand moment, bébé. C’est toujours de l’autodérision, mais beaucoup plus productif. Combien de fois nous nous sentons tous pareils : atteints du syndrome de l’imposteur, pas prêts à sortir de notre zone de confort ?

Heureusement, Barth ne pourrait pas se tromper davantage dans l’estimation qu’elle fait d’elle-même. Big Time Baby – avec tout son charme et son raffinement – prouve qu’elle est plus que prête pour le grand moment. C’est le son d’une voix en pleine ascension, une étoile qui naît d’une supernova.

***1/2


Calicoco: « Underneath »

11 décembre 2021

Underneath, le deuxième album de Calicoco, a été enregistré à Rochester, dans l’État de New York, une ville autrefois décrite de manière infâme et précise comme sinistre et déprimante, et il est vrai que le froid glacial de cette ville impitoyable imprègne le disque. Alors que le premier album de Calicoco (alias Giana Caliolo), le bien nommé Float, était aéré et léger, Underneath est régi par la gravité – les guitares distordues crissent comme de la neige fondue ; la basse lourde de la section rythmique maintient le plafond timbral de l’album juste au-dessus de la tête de l’auditeur, fournissant une impulsion autant qu’elle enferme vos oreilles. 

Ce virage vers une musique plus lourde et plus grunge n’est pas sans fondement. Sur Underneath, Caliolo plonge dans les profondeurs de la douleur et de la haine de soi, en réfléchissant à une période spécifique de leur vie qui ressemblait à l’enfer. Le début de l’album le dit clairement : « Je déteste vivre avec moi » ( hate living with me), chante Caliolo comme si s’y creusait les murs d’un trou qu’il s’est creusé lui-même. Ces sentiments de colère et de dégoût imprègnent le disque, représentés à la fois dans les paroles de Caliolo et dans leur instrumentation gélatineuse. 

Cela ne veut pas dire qu’Underneath est un disque déprimant. S’il traite de la dépression, en en brossant un tableau spécifique et aigu aussi bien que, par exemple, The Downward Spiral, le disque est plus soucieux de catharsis que d’apaisement. Malgré toute la peur et la cacophonie présentes sur l’album, elles sont presque toujours au service d’une sorte de résolution. Le tournant du disque, « Melancholy », s’ouvre de manière atmosphérique : une pulsation subtile derrière le piano et le chant de l’artiste. Tout au long de l’ouverture, le piano flirte avec la dissonance, des accords troublants perçant le vide. Tout cela se résout finalement en une démonstration émouvante de rock indépendant, dans la lignée de groupes comme Retirement Party ou Remember Sports qui brouillent la ligne entre la 4e et la 5e vague emo. Bien que la chanson commence dans un isolement désespéré, elle se transforme en une véritable prise de conscience des sentiments négatifs de la chanteuse.

L’ensemble du disque suit un chemin similaire, de la douleur à la compréhension, du chagrin à l’acceptation. 

Selon ses propres mots de Caliolo, l’écriture et l’enregistrement de Underneath ont été un processus aussi cathartique que son écoute : « J’essayais de mettre le chaos de mon cerveau dans quelque chose », disent-ils. « C’était douloureux mais c’était aussi très important pour m’asseoir dans ma propre peau ». Underneath est donc l’une de ces œuvres d’art puissantes qui est aussi thérapeutique pour l’artiste que pour l’auditeur. En se plongeant dans son inconfort, Caliolo a créé une feuille de route personnelle pour le traitement qui est suffisamment accessible pour que les étrangers puissent également la suivre. 

C’est un exploit audacieux, que peu de musiciens sont capables de réussir dès leur deuxième essai. Si Underneath n’est pas un disque parfait (l’informe « Cuore Mio » ne justifie pas que l’on ralentisse le disque au moment de son point d’inflexion), c’est un disque qui ressemble à l’aboutissement d’un artiste qui a trouvé la voix qu’il veut faire entendre. Si Caliolo est capable d’élaborer un disque qui sonne (et se sent !) si en phase avec le voyage émotionnel qui l’a précédé, alors le ciel est la limite pour le talentueux multi-instrumentaliste. En dessous, il y a une preuve de concept : exécutée magnifiquement et montrant une promesse infinie.

***1/2


Aspidistrafly: « A Little Fable « 

10 décembre 2021

« Landscape With a Fairy » »est le genre de chanson de musique de chambre à peine perceptible, conçue dans les salons et destinée à la chambre à coucher. L’impossible nom d’Aspidistrafly – un jeu de mots sur le titre du roman de George Orwell Keep the Aspidistra Flying – est celui de la chanteuse-compositrice April Lee et du producteur Ricks Ang, un duo de Tokyo et de Singapour qui se délecte de petits détails et de sons riches.

D’une voix feutrée et vaporeuse dans l’esprit de Vashti Bunyan, Lee roucoule sur les oiseaux bleus tandis que de vrais oiseaux gazouillent au premier plan, comme pour enrouler des guirlandes autour de la guitare acoustique doucement cueillie. Le refrain s’enfle ensuite d’amour perdu dans un arrangement de cordes triste qui n’aurait pas dépareillé sur un enregistrement des débuts de Ida.

Mais au fur et à mesure que ces détails émergent, des fanfares de piano étrangement fantaisistes maintiennent l’ensemble, même si elles semblent émaner d’une autre chanson dans une pièce adjacente. Ce genre de préciosité forestière est difficile à obtenir. Pour chaque Joanna Newsom pré-Ys, il y a une centaine de demoiselles aux yeux de biche et de gars aux cheveux ébouriffés qui donnent une mauvaise réputation au mot « twee » (mièvre,) mais « Landscape With a Fairy » et le magnifique deuxième album d’Aspidistrafly, A Little Fable, ont plus en commun avec des compositeurs d’ambiance comme Max Richter et, en cours de route, ont trouvé leur propre chemin couvert de feuilles.

***1/2


Delwood: « Delwood »

9 décembre 2021

On regrette vraiment l’âge d’or du post-rock musclé et sinueux qui était pratiqué par les mensonges de Shipping News et June Of 44. Heureusement pour nous, le groupe Delwood, composé de deux guitares basses, est entré dans la danse et sa première sortie est un véritable succès.

L’idée de deux guitares basses nous fait d’abord penser à Rothko et ensuite à Girls Against Boys, mais Delwood s’écarte bien du type de son que ces deux groupes très distincts ont produit et se dirige vers quelque chose qui carillonne et culbute, mais qui est toujours insistant dans sa propulsion rythmique. Les chansons sont constamment en mouvement, incapables de rester immobiles, se transformant légèrement, évoluant doucement mais rôdant comme un serpent dans le désert.

Le morceau d’ouverture « Hearts As Clocks » est directement lancé, les deux basses soutenant des parties très différentes du morceau mais s’entrelaçant. Le rythme vigoureux est rejoint par des chuchotements vocaux dont la menace croissante met l’auditeur en alerte. C’est comme une mèche allumée, mais sans savoir combien de temps il reste avant qu’elle ne rencontre la charge utile ou si elle pourrait simplement être un raté ; c’est cette tension qui traverse l’album. Les doux cors de Clement Dechambre s’opposent à la férocité latente et la basse chantante et swinguante joue le rôle de médiateur.

C’est le sentiment d’anticipation qui rend les choses fascinantes ici, une possibilité rampante d’une explosion contenue, comme une boîte pleine de ressorts qui grincent et se tendent en attendant une libération qui pourrait ne jamais venir. La texture et le ton de la basse sur « Ultimate » sont délicieux et la batterie souple, toujours bien dosée pour le morceau, donne un sentiment d’agilité, permettant de contenir les hurlements de la guitare et les chants célestes, tandis que les voix aléatoires et la basse lancinante de « The Sound Of Victory » rappellent un souvenir délavé de The Jesus Lizard.

Des éléments électroniques aléatoires sont intercalés dans une partie de « The Sequence Of Facts » par le génie des claviers Vincent O, dont la pression majestueuse m’a rappelé certains des éléments les plus longs et les plus abstraits de Physics, un groupe de San Diego qui nous a beaucoup manqué, tandis que « Parallax » est un post-hardcore tendu et laconique, mais qui cherche constamment une nouvelle route, s’enfonçant de plus en plus dans un avenir brillant mais imparfait, toujours méfiant et toujours préparé.

Bien que les morceaux comprenant Delwood partagent une même esthétique, ils varient considérablement, certains restant instrumentaux tandis que les morceaux vocaux passent de la menace murmurée à la frustration rauque et gutturale, et ils ont tous des virages, des creux et des plongées. Cela ressemble à cette sensation de se tenir sur une route au milieu de la nuit noire ; vous savez qu’un véhicule s’approche car vous pouvez voir les lumières, mais lorsqu’il prend un virage, les lumières disparaissent, puis réapparaissent beaucoup plus près, leur approche inexorable et leur proximité palpable. Arrivera-t-il jusqu’à vous ou fera-t-il un écart à la dernière minute ?

L’album s’achève sur le trébuchement furieux de « Lighthouses », dont les quelques secondes de silence sont si émouvantes que l’éclat de la voix vous sort de toute rêverie. C’est une fin convaincante et dense pour un album plein de lumière et d’ombre, mais rempli à ras bord d’aventure et d’intrigue.

***1/2


Neil Young & Crazy Horse: « Barn »

9 décembre 2021

Les époques et les tendances vont et viennent, mais une chose reste constante : Neil Young est toujours quelque part en train de préparer un nouvel album pour le monde entier. Avec plus de 40 albums à son actif, il n’est pas surprenant que celui-ci soit le 14e avec le Crazy Horse. Les chiffres mis à part, il est rare qu’un partenariat dure plus d’un demi-siècle, surtout dans le monde inconstant du rock ‘n’ roll. Après l’accueil chaleureux de Colorado en 2019, Young, ainsi que Nils Lofgren, Billy Talbot et Ralph Molina, se sont réunis pour un album organique de 10 titres, rempli de hauts et de bas. 

Enregistré cet été dans une grange du XIXe siècle située dans les Rocheuses, Crazy Horse a su capturer leur son brut tout en lui insufflant un charme décontracté. C’est le son de vieux amis qui font ce qu’ils aiment le plus. Quand ça marche, c’est magique, mais à d’autres moments, les chansons et les performances se traînent, manquant de concentration ou de dynamisme. Le morceau d’ouverture « Song Of The Season »s est un vrai bijou qui n’aurait pu être créé que par ce groupe. L’accordéon et la guitare acoustique mènent un conte de feu de camp sur les reines et les rois et le pouvoir majestueux du vent. Il met en évidence le talent enivrant de Young pour marier des éléments de folk, de country et d’americana en quelque chose d’entièrement personnel. 

« Heading West « suit, présentant sans doute la plus grande contribution de Crazy Horse à la musique, le rocker proto-grunge. C’est un morceau qui parle du bon vieux temps et de la façon dont «  maman m’a acheté ma première guitare ». Le ton de Young est encore assez brut pour décaper le papier peint, et le groupe ajoute un excellent petit swing derrière les procédures. Cela ne veut pas dire grand-chose, mais c’est un morceau qui vaut la peine d’allumer vos haut-parleurs. Avec Change Ain’t Never Gonna, Barn rencontre sa première pierre d’achoppement. Bien qu’il ait le cœur à la bonne place, son rythme sinueux et ses paroles maladroites tombent dans le domaine du vieil homme qui hurle dans les nuages. Nous devrions cependant être reconnaissants à Young de continuer à se battre pour le bien plutôt que de débiter des conspirations et des absurdités comme certains de ses pairs des années 70.

L’insipide Shape of You détient le titre douteux de pire moment de l’album. Sonnant comme une face B des Stones jouée ivre à mi-vitesse, The Horse se traîne tandis que Young peine à atteindre des notes élevées et à chanter son amour. Ce sont trois minutes oubliables, que le morceau suivant ne fait qu’empirer. They Might Be Lost est un cours magistral de simplicité et de narration. Sans fioritures et dégoulinant de chagrin, l’histoire d’un groupe qui attend l’arrivée d’un conducteur absent fait appel à votre imagination pour remplir les blancs en attendant les phares dans la neige. Le piano et l’harmonica donnent à la séquence d’accords répétée un certain poids émotionnel et contribuent à faire de cette chanson l’une des meilleures de ces dernières années pour Young. 

Les fans seront également ravis du groove nocturne de Welcome Back.  Malgré ses huit minutes et demie de durée, la chanson glisse sans effort, The Horse faisant avancer les choses tandis que la guitare de Young menace d’exploser à tout moment à travers la brume. C’est sans effort, cool et rempli d’un sentiment de tension palpable. Il aurait fait une clôture parfaite, mais il est curieusement suivi par le tiède Don’t Forget Love, qui, sans être aussi offensif que Shape Of You, parvient à perdre un peu de l’élan construit par le gagnant précédent. 

Dans l’ensemble, Barn est une réussite. Avec son charme facile et son atmosphère naturelle, il capture ces vieux routiers en train de faire ce qu’ils font de mieux, tout en réussissant à faire tourner de l’or par endroits. Il y a de l’alchimie à revendre, mais aussi suffisamment d’énergie de temps en temps pour exciter les sens. Ce sont des chansons terreuses à jouer sur la route, à apprécier autour d’un feu de cheminée. Ce sont de nouvelles chansons qui sonnent bien usées et bien aimées – un peu comme le Crazy Horse lui-même. Si l’écoute n’est pas surprenante, elle est presque toujours agréable.

***1/2


My Morning Jacket: « My Morning Jacket’

7 décembre 2021

Qu’il s’agisse d’une détermination tenace à évoluer ou d’une peur des rendements décroissants, les albums de My Morning Jacket depuis Z, le point de repère cosmique Americana en 2005, ont suggéré un groupe qui s’éloigne de ses points forts. The Waterfall (2015) (dont les sessions ont également donné lieu à la sortie surprise de The Waterfall II l’année dernière) offrait une puissante touche technicolor au son expansif du groupe. Mais même cet album n’a pas réussi à égaler le mélange musclé de rock sudiste croustillant et propice aux confitures, d’atmosphères espacées et de sensibilité d’auteur-compositeur-interprète cultivé sur At Dawn (2001) et It Still Moves (2003).

Enregistré sans pratiquement aucune aide extérieure après qu’une poignée de concerts donnés à l’occasion du 20e anniversaire de leur premier album The Tennessee Fire en 2019 ait ravivé les énergies du groupe, My Morning Jacket – leur premier album en six ans – se trouve à mi-chemin entre les excentricités brillantes des albums plus récents duh et la dynamique du « jam band » à combustion lente, mais hautement combustible.

Les chansons simples et l’aspiration à la compassion et à la connexion humaine dans un monde déraillé par l’avidité et les distractions technologiques dans les paroles sincères et directes de Jim James, auteur-compositeur, chanteur et guitariste, sembleraient simplistes, voire désespérément naïves entre de mauvaises mains. Ici, une réserve apparemment inépuisable d’idées et d’interactions télépathiques (écoutez comment l’implacable mantra d’un seul riff de « Love Love Love » voit le groupe imiter organiquement une machine bloquée sur une boucle enivrante, ou comment l’optimisme brillant de « Lucky To Be Alive » déraille en un duel de guitares pulvérisant juste au moment où l’odeur peu gratifiante d’une chanson fantaisie commence à émerger) et la gamme étendue de tons vocaux de James (implorant et countryfié sur « Out of Range, Pt 2 », mâchant les syllabes et crachant les os sur « Never In The Real World ») transforme le matériel en une expérience d’écoute joyeuse, chaleureuse et extrêmement contagieuse.

Il n’y a pas une seconde de perdue sur les trois épopées prolongées qui forment l’épine dorsale de l’album. Les accords d’orgue lugubres et la fusion des touches de Neil Young et Crazy Horse de « In Color » déclenchent un hymne d’une intensité (et d’une lourdeur) peu commune à l’acceptation de la diversité humaine, mais le véritable moment d’étonnement arrive avec « The Devil’s In The Detail ». Avec deux Jim James concurrents délivrant un sermon construit sur un accord et demi qui passe en quelque sorte d’une scène de bataille épique dans Stranger Things aux injustices qui maintiennent notre système consumériste obsessionnel, il faut un bon moment pour réaliser que sept minutes hypnotiques se sont écoulées avant que la chanson ne s’élève dans une coda space-rock à la Pink Floyd, le guitariste Carl Broemel étant maintenant passé au saxophone.

Bien que la légèreté et la rêverie de la magnifique conclusion « I Never Could Get Enough » soit clairement une chanson d’amour, il n’est pas exagéré d’imaginer que les sentiments de nostalgie s’appliquent à l’irrésistible besoin de retrouver le son de ce groupe remarquable après une longue pause. L’auditeur est susceptible d’être d’accord et de recommencer le disque depuis le début, une fois que les ondulations très cosmiques des claviers du morceau prolongé s’estompent enfin (mais trop vite).

***1/2


The Joy Thieves: « American Parasite »

7 décembre 2021

Avec autant de musiciens entrant dans les rangs des combos originaires de Chicago, il semble y avoir une source de créativité illimitée dont The Joy Thieves continue de jaillir. American Parasite marque la sortie du premier album du groupe, avec Chris Connelly prenant les rênes en tant que frontman comme s’il était né pour remplir ce rôle – brut, déséquilibré et venimeux, il correspond et amplifie la furie punk vicieuse de la musique, ses mots aussi acerbes et acides que jamais dans leurs observations d’un zeitgeist national toxique et détériorant. Alors que l’homme est souvent comparé à David Bowie dans ses divers autres projets, c’est comme s’il canalisait ici la période Tin Machine de Bowie, allant droit à la jugulaire avec des lignes telles que « Resist before abdication » et « We lost the century » dans « Crown of Expulsion », la batterie décalée et énergique de Dan Milligan étant comme un piston mécanique rouillé qui vous tape sur le cerveau. On peut dire la même chose de « Complicity » et « Blood Slogan : Sacred Tempo », dont les paroles insistantes et indéniablement accrocheuses ne sont renforcées que par les instruments, ce qui en fait de purs hymnes de protestation punk/rock dans la meilleure tradition du genre, tandis que les falsettos vacillants de Connelly et les superpositions décalées qu’il utilise si efficacement dans son matériel solo ajoutent encore plus de cette qualité punk/glam à « My Life in Power », les bribes de guitare slide rappelant étrangement l’abandon de la six-cordes de Reeves Gabrels lorsqu’il travaillait avec Bowie. « The Long Black Ribbon of Power » se distingue par ses riffs grinçants et ses rythmes hip-hop sur lesquels le rap hurlant de Connelly est aussi virulent que tout ce qu’il a créé avec Cocksure ou même The Revolting Cocks, les phrases de guitare à hauteur variable accentuant une fois de plus la frénésie sonore au milieu des cris de « You’re all that’s wrong ».

De même, « Flock to the Stop » est tout bonnement accrocheur et demande à l’auditeur de crier avec lui, même si un rythme industriel distordu et une harmonie vocale presque vaudevillesque dans le pont constituent l’un des moments les plus délicieusement fantaisistes de l’album. American Parasite frappe fort et vite comme une blitzkrieg, de nombreuses chansons se terminant en deux ou trois minutes, avant même que vous n’ayez eu la chance de traiter mentalement ce que vous venez d’entendre… et c’est là le but, car la musicalité et la poignance des mots sont telles qu’il faut tout simplement mettre l’album en boucle. On ne peut qu’admirer The Joy Thieves d’avoir ainsi si bien leur pari.

***1/2


Mark Bachmann: « Dream Logic »

7 décembre 2021

Dans un modeste home studio de Brooklyn, Bachmann a enregistré des souvenirs. Des guitares gonflées et des couches de synthétiseurs remplissent la pièce, à la recherche d’une recréation exacte des sentiments ressentis. Avec la rotation d’un bouton, il le trouve enfin.

Dream Logic est son dernier album – un mélange hypnotique de chansons pop ambiantes larmoyantes et d’instrumentaux cinématiques. Ses 11 titres s’étirent et expérimentent avec le genre tout en restant fidèles à un flux naturel. Les fans des deux derniers albums d’Orindal (très différents) de Bachmann – Walking Preference (2019) et Unconditional Love (2018) – apprécieront la façon dont Dream Logic parvient à les développer. Jusqu’à ce disque, il avait soigneusement contenu ses divers styles musicaux dans des collections soignées – enregistrer des chansons sous le nom de « Big Eater », enregistrer de la musique instrumentale orientée jazz snommée « Pachanga », et enregistrer de la musique drone mélodique répétitive sous son propre nom.

Le principe directeur de Dream Logic était d’intégrer ces modalités de création musicale, en permettant à ce qui allait sortir de sortir, sans se soucier de savoir si cela avait un sens. L’album a ainsi été enregistré principalement seul, Bachmann façonnant les sons avec des pédales de guitare ou les fonctions Varispeed de sa console à cassettes, ralentissant ou accélérant les pistes pour obtenir des résultats intéressants. Influencé par les années passées à jouer de la basse et à enregistrer avec Mega Bog, Bachmann a fait appel à un grand nombre de musiciens pour remplir le disque de charmes décoratifs. Kyle Boston (guitare) et Brady Custis (production/guitare) ont aidé à jeter les bases du roux textuel de Dream Logic avant que les Boggers Derek Baron (batterie), Will Murdoch (synthés), James Krivchenia (percussions) et d’autres n’ajoutent leurs épices au chaudron sonore.

Bien que le texte soit clairsemé, Bachmann rend ce qui est dit sur Dream Logic. Ses réflexions tristes et ses images floues de rétroviseur éclairent indirectement certains des moments les plus difficiles de sa vie – en particulier, la perte de son père en 2013, emporté par la maladie de Lou Gehrig. Le single exubérant et lourd en vibraphone « Apple Pie » est un hommage au passe-temps de son père, la pâtisserie, qu’il a continué à pratiquer alors que son esprit commençait à se détériorer ; « My Dad and His Boat » fait référence à une histoire racontée à plusieurs reprises par la grand-mère de Bachmann, qui peut ou non avoir été colorée par sa démence croissante. Chacun de ces souvenirs est présenté comme un fragment d’une association subconsciente, provoquant la tension d’un muscle avant de s’envoler aussi vite qu’il est venu. Ils sont tous suivis d’un espace de réflexion – ou d’évanouissement – comme on le verrait dans un film.

***1/2


Laurel Premo: « Golden Loam »

7 décembre 2021

Nous avons perdu le compte du nombre de merveilleux disques de guitare qu’il y a eu cette année, mais en cette fin 2021, les hits continuent d’arriver. Le plus frappant est l’étendue des styles, des sons et des émotions que les artistes apportent au bercail et Premo ajoute un autre bûcher à la collection avec les racines électriques mondiales de Golden Loam. Premo n’est pas seulement une fantastique guitariste, elle est aussi une violoniste accomplie (regardez cette merveilleuse performance avec Jake Blount) et c’est aussi cet esprit qui imprègne Golden Loam.

Premo a un toucher doux qui transmet un puits de force et de sentiment. Sur ces 10 morceaux, une intimité émerge du brouillard matinal, partagé entre les branches des arbres et les lits des ruisseaux. « On My Way to See Nancy », adapté du violoniste de Virginie occidentale Edden Hammons, son arrangement à la guitare fredonne, suivant les discrets sentiers sinueux à travers les forêts denses, à des millions de kilomètres de toute ville ou village. Le même esprit brûle dans « Jake’s Got a Bellyache » – une autre adaptation d’Edden Hammons – bien que le ciel soit plus sombre et que des feux soient apparus au loin. Premo donne à ces chansons une touche de modernité, même si leur cœur reste sans âge.

Golden Loam comprend également trois chansons originales, mais, comme les chansons originales de Myriam Gendron sur « Ma Délire », les passages de Premo, intemporels comme ils sont, auraient pu être écrites il y a 100 ans. Aidée par le joueur de bones Eric Breton sur « Jericho », Premo parcourt des gammes et des changements d’accords en creusant dans un blues imprégné de terre. Le soufre hurle dans la teinte déformée de sa guitare. « Father Made of River Mud » est plus contemplatif, arraché à des hymnes vieux de plusieurs siècles, car il considère les mouvements lents qui nous entraînent vers le bas.

C’est dans les moments les plus calmes, cependant, que Golden Loam brille le plus. « I Am A Pilgrim », l’une des seules chansons sur lesquelles Premo chante, brille absolument dans sa tendre progression. Cette chanson est un parfait microcosme de ce qui rend Golden Loam si mémorable, car Premo combine plusieurs fils de l’histoire, des hymnes gospel à la musique Sacred Harp ( tradition de musique chorale venue de Nouvelle-Angleterre) en passant par la famille Carter et ses propres ajouts, rassemblant toutes ces souches en un seul faisceau de lumière. La chaleur tourbillonne de la guitare et de la voix de Premo, remplissant l’air de l’odeur familière de la maison et éclairant le chemin vers un endroit sûr. 

« Torbjørn Bjellands Bruremarsj », une marche de mariage norvégienne séduisante, se situe dans un espace similaire à celui de « I Am A Pilgrim » et tend une main indulgente aux personnes fatiguées. Ces doux moments sont empreints de calme, tandis que des émotions solennelles planent avec précaution dans l’air. Premo ne recule jamais devant rien de tout cela, apportant une réalité viscérale à Golden Loam qui enfonce l’album dans le sol et fait germer ainsi une nouvelle croissance.

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