Desperat Journalist: « Maximum Sorrow ! »

19 décembre 2021

Si Desperate Journalist a évolué au cours de sa presque décennie d’existence, il n’a jamais sacrifié la catharsis et l’écriture de chansons saisissantes qui sont élevées sur leur stupéfiant quatrième album, Maximum Sorrow !.

Depuis leur formation en 2012 sous le nom de Desperate Journalist, Jo Bevan, Rob Hardy, Simon Drowner et Caroline Helbert ont créé une musique cathartique impressionnante. Tant sur leur premier album éponyme de 2014 que sur leur deuxième album, Grow Up, ils n’ont rien retenu de leur post-punk infusé de gothique. Leur élan vers l’avant s’est poursuivi alors qu’ils se dirigeaient vers la trentaine. In Search of the Miraculous les a vus intégrer des éléments shoegaze qui ont infusé de la luminosité dans leurs tonalités plus sombres. Cependant, ils n’ont jamais sacrifié l’essence de ce qui rend leur musique unique : la catharsis et l’écriture de chansons captivantes. Ces deux éléments sont mis en valeur sur leur nouvel opus, l’époustouflant, Maximum Sorrow !

Le quatrième album du groupe londonien est un témoignage du courage des femmes, raconté à travers un prisme qui passe de la mélancolie gothique au post-punk fiévreux. Le premier morceau, « Formaldehyde », surprend par son ton langoureux, la voix de Bevan devenant angélique sur une progression de tonalités sombres. « Quand tu seras parti, qui se souviendra de toi ? » (When you are gone, who will remember you?) demande-t-elle au protagoniste de la chanson. Une douleur persistante se fait entendre dans sa voix, comme si elle avait été laissée seule à souffrir.

Des endroits où elle a vécu aux personnes qui ont fait partie de sa vie, la misère entoure l’héroïne. Sur la dissonance sombre mais rugissante de « Fault », qui fait écho à un jeune U2 affamé, Bevan raconte un appartement crasseux qu’elle a occupé. Sa résidence et son quartier étaient remplis d’un désespoir qu’elle respirait chaque jour :

« Et ces complexes d’adolescents sont difficiles à battre/ Quand votre placard est rempli de défaites, de défaites, de défaites, de défaites ! / Ce n’est la faute de personne / Alors c’est la faute de tout le monde » (And those teenage hangups are hard to beat/ When your closet is piled up with defeat, defeat, defeat, defeat! / It’s no one’s fault / Then it’s everyone’s fault).

Sur le saisissant « Personality Girlfriend », le groupe adopte une approche grand écran qui fait écho à Pat Benatar à ses débuts. C’est un morceau austère mais passionnant, avec des rythmes lourds qui contrastent avec la guitare brûlante. Pendant tout ce temps, l’approche de Bevan passe de l’attrait à l’urgence. Si la chanson peut sembler être un appel à l’amour, notamment lorsqu’elle répète « Please will you love me », elle est bien plus que cela. Lorsque sa voix devient impassible, elle livre une critique mordante de la société et de la façon dont elle traite les femmes. Ce monde a condamné notre héroïne à une vie de solitude.

Même parmi ses proches, l’angoisse existe. « Fine in the Family » est porté par la guitare électrisante de Hardy et présente des variations dynamiques allant du shoegaze au power rock explosif. Ces changements capturent la déception de ne pas être à la hauteur des attentes des parents. Ou est-ce l’hymne du mouton noir de la famille ? Sur le morceau gothique-pop « The Victim », Bevan chante une personne qui a toujours joué le rôle de victime. Guidée par la basse tendue de Drowner, elle demande : « Un autre appel à propos d’un casting, qui laisserez-vous entrer ? » (Another casting call, who will you let inside?) . Pendant ce temps, l’étourdissant « What You’re Scared Of ? » est une ode à l’innocence perdue à jamais. C’est le coucher de soleil final livré de manière écrasante alors que ses tonalités évoluent de la tranquillité au tonnerre.

Toutes les chansons de Maximum Sorrow ! gravitent autour de sa pièce maîtresse, « Everything You Wanted ».  Ce chef-d’œuvre épique est l’élévation de Desperate Journalist à la perfection. C’est un mélange de l’éclat gothique de The Cure, du disco-punk exaltant de Blondie et des crochets hyméniques de Wolf Alice, enveloppé dans un linceul de noirceur inéluctable. Chaque mot prononcé par Bevan est dévorant, car elle chante notre quête collective de sens et de but. Au cœur de son récit se trouve l’artiste et interprète Kevin Bewersdorf, qui est passé de la promotion de sa marque Maximum Sorrow à l’effacement de sa présence en ligne. Mais il n’est pas le seul à réaliser que « vous ne serez jamais tout ce que vous vouliez » (you’ll never be everything you wanted) tout en essayant de combler « le vide où vous êtes né » (the emptiness you were born).

Cette quête sans fin de sens est juxtaposée dans et entre « Armageddon » et « Utopia ». La percussion d’Helbert crée l’urgence saisissante dans le premier moment du morceau. « Armageddon » s’ouvre ensuite sur la guitare d’Hardy, qui se mêle à un synthé scintillant. Un optimisme inattendu se dégage du morceau, y compris de la voix de Bevan qui chante « Armageddon is coming / So near ». Elle compte les jours comme l’héroïne qui anticipe le début de sa seconde vie. Ou peut-être se réjouit-elle de la fin des temps, telle qu’elle est décrite dans les derniers instants de la chanson ?

« Utopia » possède un caractère austère et hymnique qui tient à la fois de la renaissance et des derniers sacrements. « Bourré comme d’habitude / As-tu trouvé quelque chose de beau ? / Is this utopia ? » (Drunk as usual / Did you find something beautiful? / Is this utopia ?), chante Bevan dans une atmosphère de synthétiseur. La souffrance a pris fin, mais un nouveau voyage a commencé. Que ce soit ici ou dans une autre vie reste un mystère, mais l’esprit de notre héroïne vit toujours.

Il vit au sein de Jo Bevan (voix), Rob Hardy (guitare), Simon Drowner (basse) et Caroline Helbert (batterie). À l’instar des femmes auxquelles il rend hommage, Maximum Sorrow ! est un témoignage de la force du groupe et de sa quête sans fin de pertinence. Desperate Journalist a créé un autre album remarquable qui captive du début à la fin.

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Deep Vally: « Marriage »

18 décembre 2021

Pour leur troisième album, Deap Vally a reconnu que la somme de leurs parties – deux membres, deux instruments, deux voix – créait une barrière qu’ils voulaient abattre. Contrairement aux deux albums précédents, Lindsey Troy (guitare et chant) et Julie Edwards (batterie et chant) ont ratissé large afin de faire appel à un large éventail d’artistes pour ajouter un petit quelque chose en plus à leur dernière création.

En réfléchissant à la façon dont Marriage a vu le jour, le duo déclare : « être dans un groupe, c’est comme être dans un mariage : parfois c’est magique, parfois c’est un défi insupportable. Pour revigorer ce mariage, nous avons fait de ce troisième album une expérience de changement de genre avec de nouveaux collaborateurs et une instrumentation qui repousse les limites de ce qui nous définissait auparavant ».

Ainsi Marriage utilise le style blues-rock brut de Deap Vally et s’en inspire,r en fonction de la personne qui fait équipe avec le duo à un moment donné. Bien que, fidèles à leur parole, il est évident qu’ils ne sont pas prisonniers des grondements du rock ‘n’ roll guttural cette fois-ci. « Perfunction », une ode à la célébration de l’imperfection, est un morceau d’ouverture survolté qui lance avec aplomb le dernier album du duo. Parmi les trépignements gutturaux et le fretwork rongeant, les petites nuances s’agitent tandis que Troy grogne nonchalamment « I’m a mess/but I’m clever/so fuck it/whatever » (Ke suis une épave/Mais je suis assez intelligent/ pour tout merder). « Magic Medicine « , le premier « single » de l’album, s’élance dans un royaume psychédélique, grâce à son esthétique d’un autre monde. Il est clair que la collaboration du duo avec Flaming Lips sur le bien nommé Deap Lips en 2020 a permis à Troy et Edwards d’élargir leur palette musicale à quelque chose d’un peu bizarre. Avec un motif de synthétiseur fluide et un poing serré, « Phoenix » réduit le blues-rock pour introduire un groove dansant, tandis qu’un Troy sérieux proclame « rien ne va me faire tomber/rien ne va briser ma couronne/ tant que je peux respirer/personne ne va m’arrêter » (nothing’s going to take me down/nothing’s going to break my crown/as long as I can breathe/no-one’s going to stop me ). Un glam-stomp et une attitude couillue alimentent une autre chanson de défiance bourrue avec « I’m The Master » ; noueux et passionné, c’est Deap Vally revigoré et hurlant à la lune « I’m the master/I’m the man/when they come around here/you can tell them who I am » (Je suis le maître, je suis l’homme, quand ils viendront par ici, tu pourras leur dire qui je suis), comme s’ils étaient les nouveaux shérifs en ville.

Comme s’il s’agissait de préquelles à Marriage, le duo californien a sorti deux EP plus tôt cette année, Digital Dream et American Cockroach , qui suivent tous deux le même manifeste : la collaboration est la clé, le genre ne l’est pas. Deux titres ont été extraits de chaque EP : «  I Like Crime » avec Jennie Vee de Eagles of Death Metal/Palaye Royale et « Give Me a Sign »extrait de American Cockroach. «  High Horse » », avec KT Tunstall et Peaches, et «  Look Away « , une collaboration avec Jennie Vee de Warpaint, représentent de leur côté Digital Dream . Ce quadrant de chansons collaboratives montre que Deap Vally s’éloigne de ce que l’on pourrait attendre de son blues-rock délirant. En particulier, «  Look Away «  qui ressemble plus à Warpaint qu’au duo de Cali, grâce à son climat brumeux, marécageux et éthéré alors que «  Give Me a Sign » se déploie avec une texture fumée qui fait plus appel à la mélancolie et à l’atmosphère qu’à des batteries et des riffs déglingués. « I Like Crime » et « High Horse « , quant à eux, canalisent la soif de DV pour quelque chose de viscéral, mais avec une nuance électronique par-ci et un virage inattendu par-là.

Cela montre que si l’on garde l’intérêt et que l’on pimente les choses de temps en temps, cela augure d’un mariage heureux dont on a hâte que Deap Vally renouvelle les vœux dans un avenir proche.

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Katherine Priddy: « The Eternal Rocks Beneath »

17 décembre 2021

Écouter The Eternal Rocks Below, c’est sombrer dans une rêverie. Elémentaire et évocateur, le début tant attendu de Katherine Priddy trouve la chanteuse/compositrice basée à Birmingham mettant une touche contemporaine à la mythologie. Avec une voix comme l’eau qui jaillit d’une source de montagne, la grâce tourbillonnante du ton de Priddy fait écho à celle des grands du folklore celtique et britannique. En fait, lors du single Indigo, on entend même des nuances d’Enya, la mélodie du chœur lilte rappelant The Council of Elrond d’Howard Shore (qui ravira sans doute les fans de Trad et de Tolkien). Cependant, ne la prenez pas pour quelque magicien de tours bon marché ; un talent tout à fait unique, ce sens de la fantaisie Priddy canaux n’est pas un simple déchet. Inspirée par Brontë et la légende grecque, son talent pour la narration et les atmosphères surnaturelles donnent à cet ensemble d’originaux une sensation épique. Et qu’est-ce qu’un fil bien filé sans un peu de conflit?

Après le printemps 2020, les artistes ont dû tout réévaluer. Les calendriers de diffusion, les tournées, la communication avec les auditoires; il faudrait que tout soit fait différemment. Sur le succès de l’EP Wolf 2018, 2019 a été une année de rupture pour Priddy. Après avoir tellement impressionné Richard Thompson qu’il l’a invitée en tournée, elle a fait des répétitions de plusieurs pièces de radio et a tourné la tête au Towersey Folk Festival, à Shambala et au Cambridge Folk Festival. Ce dernier décerne à Priddy le Prix Christian Raphaël décerné chaque année à un artiste prometteur, offrant un soutien industriel significatif. Avec le soutien du programme de mentorat de l’English Folk Expo, le tournant de la décennie a été très prometteur, avec plusieurs dates, une sortie d’album et une performance de Glasto.

Mais Priddy a roulé avec les coups. Elle est devenue un incontournable de la diffusion en direct, rejoignant les téléspectateurs lointains dans le cadre du projet de loi du Philadelphia Folk Festival et s’est associée à plusieurs contemporains en ligne (l’un d’eux étant Ciaran Algar, dont les cols ont été une bouée de sauvetage pour de nombreux spectateurs épuisés par le confinement). J’ai d’abord pris conscience de Priddy à travers son sublime hommage à Nick Drake, quand elle a couvert « Northern Sky » et « River Man » aux côtés de Lukas Drinkwater, Jon Wilks et Jon Nice. Citant Drake comme l’une de ses plus grandes influences (elle a grandi à Alvechurch, juste en bas de la route de sa maison et lieu de repos à Tanworth-in-Arden) Priddy les interprétations fidèles et sincères a montré toute la nuance et l’intrigue introspective qu’il était célèbre pour. Sa biographie a également nommé John Martyn et Jeff Buckley, encore une fois sans surprise compte tenu de sa capacité vocale balletique et penchant pour tendre, arrangements luxuriants.

Avec un casting tout aussi impressionnant de musiciens, The Eternal Rocks Beneath a été enregistré pendant deux ans aux studios Rebellious Jukebox, avec Simon Weaver faisant un travail remarquable sur la batterie, les percussions et les tâches de production. « Indigo », qui ouvre le disque, fait allusion à l’accolade d’harmonies et de riches tartinades texturales encore à venir. Semblant provenir du même genre que ses The Old Tree Sssions, le trille de chants d’oiseaux nous fait entrer dans cette ode nostalgique à l’enfance et au passage du temps. Priddy a récemment partagé ses réflexions sur les raisons pour lesquelles ces thèmes semblent si répandus : « (C’est) une réflexion sur les autres éléments transitoires de l’enfance… Je pense que l’album dans son ensemble touche beaucoup de choses. Je suppose que c’est logique, étant donné que cet album contient un grand nombre des premières chansons que j’ai écrites à l’adolescence ».

Même avant de poursuivre son amour de la littérature à l’Université du Sussex, la maîtrise de Priddy de la langue et le songcraft semblent avoir été remarquablement bien arrondie. Prenez le couplet « A breath-cloud on a window, a shadow on the lawn / Or a leaf on the breeze and a star in the dawn » (Un souffle sur une fenêtre, une ombre sur la pelouse / Ou une feuille dans la brise et une étoile dans l’aube), par exemple, ou la perspicacité de « Your troubles are old for a body so young » (Tes problèmes sont vieux pour un corps si jeune), rappelant les réflexions de Buckley et Neil Young sur l’adolescence. Il y a une exactitude dans son écriture; pas un mot n’est déplacé. À propos de « The Spring Never Came », un film déchiré, elle se lamente : « J’ai perdu toute mon éloquence en vers », ce qui semble difficile à croire. En écrivant des chansons, Priddy aspire à l’idée que ses paroles devraient être assez fortes pour être seules sans accompagnement musical. Et ça se voit. The Eternal Rocks Below se sent souvent comme s’il devait être relié en cuir ou arborer le logo Penguin le long de la colonne vertébrale.

Si vous deviez externaliser les sœurs de First Aid Kit dans les landes du Yorkshire, vous n’obtiendriez probablement pas un résultat aussi tranquillement captivant que Wolf. Inspiré par Les Hauts de Hurlevent d’Emily Brontë, ne vous attendez pas à une quelconque théâtralité à la Kate Bush, juste à un subtil mélange d’Americana et de folk anglais, magnifiquement rendu et discret. Lorsque le tin whistle de Ciaran Clifford se fraye un chemin à travers ce lit sonore chaleureux de cordes, on se dit que tous ces drames d’époque seraient bien avisés de faire appel à Priddy la prochaine fois qu’ils auront besoin d’une composition suggérant un paysage rude et indompté. Si les prévisions étaient particulièrement menaçantes, Ring O’Roses pourrait servir le même objectif. Alors que certains folkloristes, tels que Steve Roud, nient les allégations selon lesquelles la comptine originale aurait des origines de peste, la version de Priddy explore ces profondeurs plus sombres, en s’inscrivant dans l’école de Kathryn Tickell, qui consiste à choisir une chanson pour enfants et à la transformer en une chanson aigre. Vous pourriez passer directement à la chanson, mais vous seriez seul, alors que des chœurs obsédants chantent les morts.    

Les ombres semblent traquer ces chansons. Dans « The Spring Never Came », « Shadow-boy » est la cause du malheur de Priddy. Alors que sur le morceau phare « Eurydice », avec son bavardage maniaque et son intro de ligne de guitare inversée, nous trouvons Orphée qui raconte son voyage : « Aux confins sauvages de ce terrain vague, où aveuglément je gaffe / Je brise le silence qui me traverse comme le tonnerre « , avant que la dernière strophe de Priddy ne donne ce coup de marteau dévastateur : « Et la première lumière du matin, un moment de calme / Une virgule, un tiret, une ellipse chargée jusqu’à ce que / Tu t’enfonces lentement, je savais que tu n’étais qu’une / ombre derrière moi / Je t’ai aimé aveuglément ». « Eurydice », « Icarus » et « About Rosie », Priddy marie les confessions autobiographiques tranchantes que l’on peut attendre d’un auteur-compositeur-interprète contemporain, avec des récits qui semblent traditionnels. Ces morceaux reflètent le compromis, la confusion et l’extase qui accompagnent parfois l’amour, mais ils restent dynamiques, quelle que soit la solennité de la situation. Prenez par exemple la note finale curieusement pleine d’espoir d’« About Rosie » : « La seule prison est le corps dans lequel vous êtes né / Tout est susceptible de changer sans avertissement ».

Une grande partie de la magie du disque est également due à un jeu exceptionnel. Le fingerpicking de Priddy sur « The Isle of Eigg » berce doucement la mélodie, la martelant en une délicate harmonie, avant que Mikey Kenny ne le rejoigne au violon, une rafale de notes captant les derniers rayons du soleil sur cet air celtique entraînant. Ailleurs, « Letters from a Travelling Man » offre un changement de rythme bienvenu, Richard March (de Pop Will Eat Itself) à la contrebasse swinguante, Michael King au banjo et Dan Green au bodhran, propulsant cet adieu en fanfare, tout dépendant du lead mesuré de Priddy.

Puis, les harmoniques ondulent sur le lent refrain de « The Summer Has Flown », alors que l’adieu de Priddy s’estompe. Mais l’impression reste. En discutant de l’inclusion de ses premières chansons dans cet album, Priddy a révélé son raisonnement derrière le titre : « C’est presque une façon d’emballer ce chapitre de ma vie et de tirer un trait dessus. Les roches éternelles en dessous – les fondations de ce qui a été et la base pour tout ce qui va suivre ». Eh bien, les fondations sont rarement plus solides que ça. Un début de véritable substance, c’est comme chercher un simple abri et tomber sur une mine de diamants.

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The Lathums:  » How Beautiful Life Can Be »

14 décembre 2021

Il est facile d’imaginer que les références constantes de la presse au jeune âge des Lathums (qui viennent tout juste d’atteindre la vingtaine) doivent être fatigantes pour le groupe. L’âge n’est qu’un chiffre, après tout. Pourtant, il semble toujours pertinent de le mentionner ici, étant donné la façon dont How Beautiful Life Can Be, leur premier album, sonne incroyablement pro. Ce disque pourrait, en effet, être attribué de manière convaincante à un combo qui en est à deux, trois ou quatre albums de sa carrière. 

Les nombreuses comparaisons établies par les journalistes avec des groupes aussi acclamés et sûrs d’eux que The Smiths, The Libertines et Arctic Monkeys ne font que prouver l’identité apparemment mature de The Lathums. Leur jeune âge, et le fait que le leader Alex Moore « avait seize ans avant même de penser à la musique », rend How Beautiful Life Can Be d’autant plus impressionnant.

Bien que les comparaisons soient faciles à établir (les guitares de la chanson titre et de « Circles Of Faith »sonnent avec un jangle façon Johnny Mar, et « Won’t Lie » va aussi loindans le registre qu’on peut le faire à l’entrée de 2002), The Lathums ne sont pas une version allégée ou copiée de l’un de ces groupes de prédiction. Ils sont, certes, apparemment enracinés dans le rock indépendant historique mais ils gardent une emprise ferme sur la modernité et, à ce titre, How Beautiful Life Can Be a toute la familiarité chaleureuse de la nostalgie tout en étant d’une fraîcheur vivifiante.

Le terme « vivifiant «  s’applique particulièrement à la dernière piste, «  The Redemption Of Sonic Beauty « . Sans minimiser les onze titres précédents, ce dernier est quelque chose de magnifique. Le titre légèrement prétentieux peut être pardonné pour son euphorie de ballade. Le solo de guitare, les aigus vocaux et la batterie qui monte en puissance sont tout ce que l’on peut espérer d’un morceau de clôture. Il est donc approprié que ses paroles explorent les joies de la musique elle-même : « Il y a un langage que tout le monde peut comprendre […] augmentation, syncopes, bonnes vibrations, musique à mes oreilles ». Le piano utilisé aurait été acheté d’occasion pour 100 livres sterling, ce qui rend le groupe encore plus attachant et lui confère cette chaleur usée qui lui est familière.

Alex Moore (guitares/voix), Scott Concepcion (guitares/claviers/voix), Ryan Durrans (batterie/voix) et Jonny « Bass Mon Jon » Cunliffe (basse) ont raison d’être soutenus par des géants tels que Tim Burgess, Blossoms et même Paul Weller. Attendez-vous donc à ce que de nombreux autres fans – qu’ils fassent partie de la fine fleur du rock ou non – rejoignent les rangs ; après ce début, il sera difficile de ne pas soutenir The Lathums.

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Dronny Darko & Phaedrus: « Quasi »

14 décembre 2021

Quasi est une nouvelle proposition façon science-fiction cinématique et dark ambient de la part de Dronny Darko (Oleg Puzan), qui fait cette fois équipe avec Phaedrus (Johan de Reybekill). Des vagues géantes de synthétiseurs s’écrasent sur des rivages extraterrestres, laissant dans leur sillage une électroacoustique bouillonnante. Des bruits mécaniques répétitifs résonnent en arrière-plan, évoquant un sentiment d’isolement et de danger.

Bien sûr, les drones denses et étouffants attendus sont également omniprésents, accompagnés de scintillements et de crépitements. Puzan et de Reybekill collaborent avec d’autres fournisseurs de styles similaires sur quatre des cinq morceaux de Quasi, à savoir Pavlo Storonskyi, Bryan Hilyard, Martin Stürtzer et Pavel Malyshkin. Chacun de ces individus ajoute sa propre couleur et ses propres textures à ses morceaux respectifs.

***1/2


Gianluca Becuzzi: « Mana »

14 décembre 2021

Vous avez déjà mis un nouvel album sur votre platine et au milieu de la première piste, vous êtes prêt à acheter tout le catalogue de l’artiste ? C’est ce que peut inspirer l’écoute de Mana de Gianluca Becuzzi. Basé à Rome et actif depuis les années 1980, Becuzzi s’inspire d’une grande variété de styles, dont l’électroacoustique, le drone, l’industriel, l’ambient et l’art sonore, mais son approche est distincte et singulière.

Becuzzi joue de la guitare et de la basse, et incorpore des échantillons et de la programmation dans le mélange. Cristiano Bocci joue de la contrebasse sur deux morceaux.

La première chose que l’on remarque dans Mana, ce sont les accords de guitare surchargés. Néanmoins, Becuzzi module ces riffs massifs avec des percussions et des échantillons d’instruments acoustiques ainsi que des sons aux sources moins identifiables. Vous entendrez donc des cordes, des bois, des synthés et des tambours… ou du moins quelque chose qui ressemble à ces instruments. D’autres samples sont plus ésotériques ou abstraits, notamment des bruits sculptés, des chants de moines tibétains et des sons de la nature. Certains morceaux ont une allure décousue, passant d’une palette à l’autre, mais Becuzzi parvient à les faire fonctionner.

En ce qui concerne l’ambiance, elle est sombre et dérangeante. Becuzzi incorpore souvent la dissonance, en explorant les motifs de battement entre deux notes ou par le biais de la distorsion électronique. Le résultat est inquiétant et obsédant, même si son jeu de guitare apporte des niveaux d’énergie élevés. Les percussions sont souvent de nature martiale, ce qui correspond au ton inquiétant de l’album.

Mana est une version 2CD, avec plus de 90 minutes de musique. C’est ce que l’on obtiendrait si une chimère génétique Dead Can Dance / Sunn O))) allait en enfer, collaborait avec Stockhausen, et revenait un ordre de grandeur encore meilleur. Bravo et doigts lévés pour manifester son appréciation.

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Negură Bunget: « Zău »

13 décembre 2021

Après le schisme fatidique entre Negru et les autres membres principaux de Negură Bunget en 2009, on s’est interrogé sur la légitimité et la substance du groupe dans son incarnation actuelle. On n’écrit pas ceci en tant que critique sauf si ce n’est que de se mettre à la place du fan qui reste déçu par la façon dont les choses ont tourné pour eux. JON n’est d’ailleurs certainement pas les seuls à dire que leur quatrième album, OM, possédait l’une des atmosphères les plus originales et les plus étranges jamais créées dans le domaine du black metal. Les deux membres du groupe, Hupogrammos et Sol Faur, ont créé un successeur magique à OM en sortant Dar de Duh sous le nom de Dordeduh. Dans une tournure d’événements qui n’est pas sans rappeler la débâcle plus récente avec Queensrÿche, Negru a embauché une équipe de nouveaux initiés et a poursuivi sa route. Vîrstele Pămîntului était assez décent, mais il n’est rien en comparaison de ce que l’autre côté de Negură Bunget a fait depuis, sans parler des monuments audacieux qui l’ont précédé.

En parlant d’une audacieuse «  trilogie transylvanienne » (dont Tău est le premier volet), il semble que les Negură Bunget d’aujourd’hui aient l’intention de faire une déclaration aussi (sinon plus) ambitieuse que leur ancien travail. Les trilogies achevées ont tendance à devenir des points de repère dans la discographie de tout groupe qui les tente. C’est à cause de cette promesse d’ambition que l’on peut être déçu par Tău, déçu parce que les autres attentes que l’on avait pour un album post-schisme de Negură Bunget ont été satisfaites., en revanche, vagabonde et raîne en longueur. Il représente un défi sans être, pour autant, gratifiant dans un sens durable. Il est agréable en dépit de ces choses, mais en fin de compte vient comme un écho artificiel de la maîtrise du genre auquel ce groupe vétéran était associée.

Il est intéressant de noter que la composition de Tău est presque identique à celle de Vîrstele Pămîntului. En d’autres termes, M. Negru est le seul propriétaire de la direction que prend le groupe ; le reste des musiciens est largement là pour remplir l’exécution. Tău reflète bien le style caractéristique du groupe : le mélange de folk et de black metal chargé d’avant-garde est ici dans son intégralité. Plus important encore, l’atmosphère bizarre et indescriptiblement mystique – qui a fait de Negură Bunget une écoute si difficile en premier lieu – est toujours là. Même si l’adhésion a donné lieu à la question de savoir si ce projet mérite son nom ou non, le son distinctif demeure. S’il y a un problème à prendre avec l’album sur une base purement stylistique, c’est que M. Negru n’a pas jugé bon de pousser le son en avant. Tău ressemble ainsi à une ombre discrète de leur passé, plutôt qu’au nouveau chapitre audacieux que le concept de Trilogie aurait pu promettre.

Oui, le son est étrange, mais pas d’une manière qui exige une bonne compréhension. Negură Bunget sonne automatiquement au moins un peu étranger par leur instrumentation folk omniprésente. Le folklore slave a influencé la façon dont les mélodies sont façonnées. Bien moins consonant que le folk de l’Europe du Nord-Ouest que l’on voit le plus souvent incorporé au black metal, Negură Bunget gagne tout de même des points par le sentiment qu’ils font du metal coloré de manière indélébile par son influence folk. Tant de groupes de métal «  folk » » pourraient être entendus tout aussi bien sans l’étalage d’accordéons et de violons. Même sans les flûtes de pan tourbillonnantes et les touches atmosphériques, vous seriez en mesure d’entendre des traces significatives de la patrie roumaine de Negură Bunget. Le style est confortablement décrit comme avant-gardiste, mais Tău se sent toujours comme l’amalgame largement naturel d’influences culturelles. Il existe quelques exceptions excentriques ; le son bourdonnant du thérémine à la fin de « Nametenie » ne peut être expliqué par aucune norme traditionnelle de la musique folk.

On peut certainement entendre le black metal à l’œuvre sur Tău, mais il est fait pour ressembler à autre chose par les couches de voix claires, les orchestrations folkloriques et les expérimentations extraterrestres. Qu’il s’agisse du vrai Negură Bunget ou non, Tău a une bonne maîtrise du style aventureux et dérangeant que j’ai (lentement) appris à aimer dans leur musique. Là où Tău souffre le plus, c’est dans l’écriture des chansons. Il y a de bonnes idées, mais seulement quelques bonnes chansons.’ »Schiminiceste », par exemple, est un morceau de clôture mélancolique, doté d’un refrain et d’une reprise parfaitement lugubres. « La Hotaru cu Cinci Culmi » sera, elle, une belle vitrine de leur côté folk, avec des chants païens enchanteurs et une instrumentation variée. Le plus souvent, cependant, la plupart des grands concepts de Tău ont besoin d’un meilleur contexte. Les chansons n’exploitent pas pleinement leurs meilleures idées ; elles s’égarent et errent, et ne donnent que rarement l’impression de construire quelque chose. La plupart du temps, un élan prometteur est enclenché, mais il est stoppé dans son élan par un détour malencontreux. « Taram Valhovnicesc «  en est un exemple particulièrement frappant : si les deux dernières minutes constituent l’un de nos passages préférés de l’album, la majeure partie du morceau sonne comme du black metal synthétisé bon marché. Il y a un temps et un lieu pour ce genre de choses, mais dans le contexte de Tău, cela sert à nuire à l’atmosphère folklorique de l’album.

Il n’y a rien qui me surprenne vraiment dans la façon dont cet album a tourné. Hupogrammos et Sol Faur étaient responsables de la majeure partie de l’écriture avant que Negură Bunget ne prenne des chemins séparés. M. Negru a prouvé qu’il était capable de diriger un groupe avec toutes les cloches et les sifflets associés à ce projet, mais l’écriture de chansons ne fait pas partie de ses talents les plus forts. Avec « Schiminiceste », Tău est très bon. Avec « Taram Valhovnicesc », pas vraiment. La plupart du temps, l’album tombe dans ce milieu indéfini où la musique est agréable sans être immersive.

On peut aimer cet album, mais on peut également espérer le meilleur pour les prochains chapitres de cette « Transylvanian Trilogy » sur laquelle ils travaillent, mais sauf la non-possibilité d’une réconciliation miraculeuse, on peut craindre que les meilleurs jours de Negură Bunget ne soient terminés, et ce depuis un bon moment.

***1/2


Makthaverskan: « För Allting »

13 décembre 2021

Makthaverskan réunit ses mondes contrastés de Scandigaze euphorique et de darkgaze saisissant sur son quatrième album éblouissant, För Allting.

1991 a été une année de changement incroyable. Le rideau de fer tombe avec la dissolution de l’Union soviétique, l’apartheid prend fin en Afrique du Sud et le shoegaze atteint son apogée avec l’album monumental de My Bloody Valentine, Loveless. La popularité du shoegaze a toutefois été de courte durée, le grunge et l’alternatif devenant le son dominant de la décennie. Mais contrairement à certains genres, le shoegaze n’a jamais disparu. Alors que beaucoup diraient que son renouveau a eu lieu à la fin des années 2010, sa résurrection s’est produite bien plus tôt. 

Entre le milieu et la fin des années 2000, des artistes suédois ont commencé à appliquer des signatures pop scandinaves au shoegaze, et le « scandi-gaze » est né. Parmi ceux qui ont mené la charge, on trouve Makthaverskan, qui a porté l’art au-delà de la dream-pop des années 90. Ils sont cependant remontés plus loin, appliquant le post-punk gothique de Manchester 1975 et y ajoutant une qualité austère. En 13 ans, Maja Milner (chant), Hugo Randulv (guitare), Per Svensson (guitare), Andreas « Palle » Wettmark (batterie) et Irma Krook (basse) sont devenus un groupe plein de contrastes. Ils sont capables d’impressionner et d’exalter, comme ils l’ont fait avec leur superbe troisième album, III, tout en rendant l’obscurité belle et envoûtante, comme ils l’ont montré sur Makthaverskan II. Ces deux mondes se rejoignent sur l’éblouissant För Allting.

L’album commence de manière surprenante, ce qui n’est pas nouveau pour le quintette de Göteborg. Un aspect hymnique apparaît dès « (-) ». Des bruits ambiants planent paisiblement tout au long de ses 92 secondes. Mais ce n’est qu’une distraction, car le morceau se transforme en une euphorie fulgurante avec « This Time ». Des guitares shoegaze endiablées, des percussions urgentes et une ligne de basse à la Peter Hook s’enflamment derrière la voix de sirène de Milner. Le rajeunissement qui éclate dans sa voix reflète ses paroles sur la nécessité de s’excuser pour les erreurs du passé afin d’aller de l’avant.

« Haine de soi oh haine de soi J’ai encore échoué Regarde ce que nous sommes devenus Maintenant, rien n’est plus pareil »

Le LP décolle à partir de ce moment. La dream-pop des années 90 à la Galaxie 500 filtre à travers l’étourdissant « Tomorrow ». Malgré le titre, le morceau est un regard dans le miroir et un questionnement sur les raisons pour lesquelles nous faisons sans cesse les mêmes erreurs. « Nous ne voyons pas que nous sommes les plus cruels / Et nous ne nous en soucions pas tant que cela ne nous arrive pas » plaide Milner. L’entraînant « All I’ve Ever Wanted To Say », qui est mis en valeur par le superbe jeu de batterie de Wettmark, et le chatoyant « These Walls » appliquent ce même thème, mais avec un regard introspectif. Ils explorent l’agitation et la guerre silencieuse qui existe dans l’esprit humain.

För Allting possède sa part de mouvements durables, ce que l’on peut attendre d’un groupe qui puise son inspiration dans la décennie qui a donné au monde certaines des chansons de bande originale les plus mémorables. La symphonie onirique qu’est « För Allting » est une ode à l’amour éternel. Milner chante avec émotion « You asleep in my arms for the last time / In my arms tonight for the last time » (Toi endormi dans mes bras pour la dernière fois / Dans mes bras ce soir pour la dernière fois) . Les sons de 1993 envahissent l’étonnant « Closer ». De superbes guitares shoegaze s’entrelacent avec une ligne de basse probante, le soufflet léger d’un saxophone, de délicates vagues de synthétiseurs et une batterie percolante pour créer une atmosphère merveilleusement nostalgique. La voix transcendante de Milner raconte de la même manière une histoire tirée d’un grand film sur le passage à l’âge adulte.

« Le vrai sens, c’est toi et moi Le miel de la vérité se trouve dans tes yeux Le jour et la nuit Je marche avec toi dans ma tête Oui, tu me donnes envie d’essayer »

A l’inverse, le quintette peut transformer l’éblouissement en une expérience de pur désespoir. Un suspense désertique s’élève de « Ten Days », sur lequel Milner décrit comment elle cherche à jouer « un jeu que je ne peux pas gagner / Je veux toujours plus de ce précieux péché ». « Caress » est le Gothgaze le plus exaltant. Alors que les guitares scintillent en arrière-plan et que les rythmes palpitent au premier plan, Milner parle d’une tragédie inoubliable qui laisse le protagoniste seul. Seul pour affronter ses démons.

Les Makthaverskan’s montrent leurs couleurs les plus sombres sur « Lova ». Après une ouverture brève et tremblante, le morceau devient immédiatement intense. Les guitares qui déferlent et les rythmes qui martèlent explosent, et le morceau reste sur ce tempo implacable jusqu’à la fin. Chaque seconde ressemble à une poursuite à grande vitesse, et la seule grâce salvatrice est le chant saisissant de Milner. Mais elle est aussi intense, car Milner chante qu’elle est prisonnière d’un souvenir. Comment elle est enchaînée à la luxure, au désir et à quelque chose, quelqu’un qu’elle ne pourra jamais avoir.

« Nuits sans sommeil, les souvenirs mentent  Tu es ailleurs maintenant  Mais tu étais à moi  Tu étais à moi  Used to be mine Nature cruelle, temps cruel »

Dans une autre décennie, les Makthaverskan auraient été considérés comme des légendes. Ils seraient célébrés pour leur capacité caméléon à passer du sublime au surprenant et, par conséquent, comme l’un des grands groupes suédois du 21ème siècle. Avec För Allting, ils pourraient bien recevoir une reconnaissance mondiale qui n’a que trop tardé, car le quintet de Göteborg a livré un nouveau et formidable album.

****1/2


Paul Kelly: « Paul Kelly’s Christmas Train »

12 décembre 2021

L’album de Noël apossède une réputation très contrastée au Royaume-Uni, mais en Amérique, il fait beaucoup plus partie du cycle culturel annuel, et à travers leur expérience d’enfance, certains albums de Noël ont eu une profonde influence sur certains musiciens modernes surprenants. Le premier album de Noël reconnaissable est probablement celui de Gene Autry, qui a inclus la chanson de 1939 « Rudolph The Red Nose Reindeer » et sa propre composition, « Here Comes Santa Claus », dans son album de Noël pour Columbia, établissant ainsi la norme. Des classiques du genre ont été publiés dans les années 50 et 60 par Elvis, Frank Sinatra, The Beach Boys, Phil Spector, James Brown et, plus tard, par des artistes tels que Willie Nelson, Emmylou Harris, John Prine, Nick Lowe et Bob Dylan.   Si le kitsch est certainement présent en abondance dans certaines chansons de Noël, d’autres montrent les merveilles de traditions séculaires d’écriture de chansons, de formes folkloriques et de chansons dignes du Great American Songbook. L’artiste australien Paul Kelly s’inscrit dans cette tradition avec son Christmas Train. N’oubliez pas que les Australiens ont leur propre vision culturelle de Noël, qui n’est pas simplement dickensienne ou basée sur le chant de « White Christmas ». Paul Kelly a déjà apporté une contribution significative au Noël australien moderne avec son propre classique de Noël éHow To Make Gravyé sur le Noël en prison.  C’est une véritable célébration de Noël dans toutes ses nuances et traditions, il y a un véritable esprit de Noël qui imprègne l’ensemble du disque sans aucun sens évident d’ironie négative ou de satire.

Pour sa célébration de Noël, Paul Kelly a sélectionné 22 titres qui explorent Noël dans le sens musical le plus large. On y trouve des chants de Noël traditionnels, des chansons écrites par lui-même, une reprise de Darlene Love, des chants juifs et islamiques, divers classiques de Noël du XXe siècle, une reprise d’une chanson de Noël du Band et une chanson moderne d’un auteur-compositeur australien. L’accompagnement est assuré par le propre groupe de Kelly et il y a une multitude d’invités, dont divers artistes, auteurs-compositeurs, diffuseurs et acteurs australiens. Au cœur de Noël se trouve une fête religieuse, et Paul Kelly aborde cet aspect dans Christmas Train avec beaucoup de respect et de détails. La version de « Silent Night » de Paul Kelly, avec Alice Keath et Sime Nugent, comprend un couplet en allemand, reconnaissant ainsi ses origines autrichiennes, mais elle a aussi une saveur hawaïenne faisant référence aux îles du Pacifique. La version de « Little Drummer Boy » met en scène la famille de Paul Kelly, ce qui donne une touche très personnelle à la chanson, et il reprend le spiritual « Virgin Mary Had One Son » enregistré par Odetta en 1960 et dans une version avec Emma Donovan. « Tapu Te Lo » avec Marlon Williams et le Dhungala Children’s Choir, est une version Māori de « O Holy Night », « Shalom Aleichem », avec Lior, Alice Keath et Emily Lubitz, n’est peut-être pas une chanson chrétienne, mais elle correspond parfaitement à l’ambiance religieuse d’une partie de l’album, C’est également le cas de « Surah Maryam », qui cite le Coran avec l’invité Waleed Aly, et il y a aussi une version du chant de Noël australien « Three Drover » célébrant le Noël dans l’outback, toujours avec Alice Keath et Sime Nugent.

Avant que quelqu’un ne commence à penser qu’il s’agit d’un disque solennel, Paul Kelly célèbre également les autres aspects plus amusants de Noël.  Les Bellrays seraient fiers de la version de Kelly de leur chanson « Christmas Train » avec Vika Bull, et Darlene Love ne pourrait pas contester cette interprétation de « Christmas (Baby, Please Come Home) « avec Linda Bull. Paul Kelly nous emmène aussi au Brésil avec « In The Hot Sun Of A Christmas Day » de Caetano Veloso. Nous pouvons également entendre un peu de l’amour du vocaliste pour le bluegrass dans sa version de « Swing Around The Sun » de l’Australien Casey Bennetto alors que »Christmas Must Be Tonight » de Robbie Robertson sera transformée en bluegrass dans un morceau enregistré en 2003. « The Oxen » est un poème de Thomas Hardy mis en musique et célèbre le rôle des animaux dans la tradition populaire qui remonte au moins au festival romain des Saturnales. Le thème des animaux est maintenu avec « The Friendly Beasts », enregistré avec Kasey Chambers et Dan Kelly, qui appartient à la tradition folklorique séculaire rappelée par les frères Louvin et célèbre les animaux parlants. Il est inconcevable qu’un album de Noël de Paul Kelly ne contienne pas une version de son propre classique de « How To May Gravy », où, à cet égard, la version présentée ici ne surjoue pas le côté sentimental de cette histoire d’adultère et de vie en prison. Un album de Noël sans le Père Noël n’aurait pas été tout à fait approprié, c’est pourquoi «  Intonent Hodie », un hymne latin du Moyen Âge, est inclus dans une version avec Alice Keath. Christmas Trainarrive enfin à destination avec le classique doo-wop « What Are You Doing New Year’s Eve » en compagnie de Alma et Willie Zygier.

Paul Kelly’s Christmas Train est loin d’être un disque de Noël qui vise à rapporter de l’argent. Il représente le point de vue de Paul Kelly et ses recherches détaillées sur ce qu’est Noël dans le monde moderne, dans toute sa variété de sons et de cultures. D’une certaine manière, c’est un reflet de l’artiste Paul Kelly, qui, tout en étant un Australien influencé par la country et le bluegrass, est aussi l’incarnation d’un véritable artiste mondial. Si vous avez toujours eu une aversion pour les albums de Noël, Christmas Train pourrait être suffisamment bon et différent pour vous faire changer d’avis. D’un autre côté, si vous n’avez jamais écouté les œuvres antérieures de Paul Kelly, cet album donne un excellent aperçu de l’artiste, même s’il est plein d’esprit de Noël. Cependant, nous savons tous combien un bon esprit peut être chaleureux et agréable.

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Forrest Fang: « Forever Cascades »

12 décembre 2021

De puis longtemps, Forrest Fang a été un artiste électronique et ambient. Il est, aujourd’hui, de retour avec Forever Cascades, une nouvelle version de son amalgame unique de styles. Bien qu’on parle souvent de lui comme de ses contemporains Steve Roach, Robert Rich et Michael Stearns, Fang s’écarte des sentiers battus par ces derniers. Outre les lavis de synthétiseurs et les motifs séquencés, Fang utilise le violon, le dulcimer et le clavinet, ainsi que d’autres instruments à cordes et percussions, dans des motifs imbriqués. Le résultat est rythmé, uptempo, et rappelle plus les travaux de Terry Riley que d’autres dans l’espace ambient.

De plus, contrairement à une grande partie de l’ambient plus sombre présenté dans ces pages, les offres de Fang sont plus lumineuses et plus optimistes dans leur ton. Mais une quantité surprenante de sophistication sous-tend cette positivité. Influencés par des promenades dans des zones naturelles autour de la baie de San Francisco, les morceaux de Forever Cascades ont une sensation dense, riche et organique. Le point exact où l’instrumentation acoustique se termine et où l’électronique commence se déplace et peut être difficile à cerner. C’est peut-être pour cela que cet album peut être écouté à des fins de relaxation ou de méditation plutôt que de déconstruction musicale. Dans l’ensemble, un voyage chaleureux et agréable.

***1/2