Monolord: « Your Time To Shine »

26 décembre 2021

Voici donc Monolord. Cinq albums, un groupe à part entière, et, sutout, un combo phénoménal. D’une certaine manière, ils sont toujours le même groupe qui nous a soumis avec Empress Rising et ses 12 minutes épiques de fuzz et de riffologie, mais il est clair qu’ils ont continué à élargir les horizons du doom.

Sans vouloir jouer les Nostradamus, on atoujours eu l’impression que Monolord était plus intelligent que ne le laissait supposer son adoration initiale du riff. Peut-être était-ce dû aux chansons déplorant la destruction de l’environnement, entrecoupées de l’habituelle morosité fantasmagorique que l’on attend du doom. Peut-être était-ce dû à leurs interviews dans lesquelles ils parlaient de leur amour des animaux – et de leur opposition à leur consommation. Ou peut-être est-ce le batteur, Esben Willems, qui compare la durée idéale d’une tournée à une course de vélo. C’est logique : les deux sont épuisants, et il s’ensuit sûrement que trois semaines sur la route est l’optimum quand on est dans une camionnette et qu’on traverse l’Europe, parce que cela a été prouvé pendant des décennies par des gens qui faisaient le tour de la France en vélo.

En fait, je sais ce qui distingue Monolord : Le T-shirt « Satanic Feminist » de Willems, qui figurait en bonne place sur les photos de promotion de No Comfort, et la façon dont les fans abrutis se sont mis en colère à sa vue. (Une parenthèse, dont je suis sûr que vous êtes déjà conscient : un plaidoyer pour l’égalité, ce que l’on pourrait interpréter comme un homme portant un T-shirt qui crie « feminist », ne signifie pas que le segment dominant de la communauté est rendu moins comparable. Cela signifie simplement que le segment opprimé est plus proche de devenir un autre alter ego.

Quoi qu’il en soit, cet album est une preuve supplémentaire que Monolord est plus que la somme de ses riffs. C’est de loin leur album le plus court, mais il est nettement plus introspectif que la plupart de leurs précédents travaux. Et dans la chanson titre, il apparaît que quelque part, au moins un membre du groupe a été à proximité d’une rupture déchirante. Ne vous méprenez pas, il y a toujours plus qu’assez de fuzz et de riffs pour satisfaire les fans qui pensent qu’ils auraient dû s’en tenir à l’implacable répétition d’Empress. Mais il y a une plus grande gamme de dynamiques et – voici un mot que vous n’entendez pas souvent quand il s’agit de doom – de la subtilité en jeu ici.

Et ce disque met en évidence, plus que tout autre album de Monolord, la cohésion du groupe en tant qu’entité unique : un mono-lord du doom, si vous voulez. Mika Hakki, Willems et Thomas Jäger jouent comme un seul homme. Prenez par exemple l’outro longue et atmosphérique de « To Each Their Own ». Le martèlement du tom-tom de Willems complète le grondement plus bas que le ventre d’un serpent de la basse de Hakki. Et Jäger est libre de suivre la basse avec un fantastique fuzz ou de s’élever au-dessus avec un solo chargé d’effets de chorus. Et il fait les deux. Tout se tient, sans que personne ne cherche à surpasser ou à alourdir ses camarades de groupe. Il n’y a pas d’excès, ni de soupçon d’egos se battant pour l’attention de l’auditeur.

L’album commence avec « The Weary » », en territoire assez familier, avec les trois membres qui matraquent comme un concasseur de gravier. Le V volant de Jäger laisse échapper un grincement, puis la chanson commence proprement, le chant du guitariste sonnant plus clair et plus mélodique qu’il ne l’a jamais fait. L’amélioration de la qualité des chansons au cours des trois derniers albums a été incroyable – et « The Weary » »en est la preuve. Oui, c’est lent, lunatique et malveillant, mais en même temps très entraînant.

Les deux chansons suivantes, «  To Each Their Own » et « I’ll be Damned » sont également des offrandes de grande qualité au Temple du Riff – la première est mélancolique et mélodique, avec des moments de calme presque doux, où la voix de Jäger n’est accompagnée que de sa propre guitare dans les couplets, avant que le reste du groupe n’intervienne avec un riff en montagnes russes pour le refrain. Et cette outro : elle vous fera réfléchir à vos choix de vie (dans le bon sens du terme). Cette dernière comporte une double grosse caisse et une ligne vocale robotique, avant que les choses ne s’étirent à la manière de Monolord.

La deuxième face est celle où les choses deviennent vraiment avant-gardistes. La chanson titre commence avec Jäger qui joue le riff d’ouverture comme s’il était au fond d’un puits. Puis le morceau proprement dit se met en marche – et il est massif. Huit minutes de fuzz glacial, avec des paroles qui poussent à la réflexion, suivies d’une longue outro qui met en valeur la basse de Hakki et se situe à cheval entre le doom et le dub reggae.

Et si cela vous détend, le dernier morceau, « The Siren of Yersinia », vous réveillera en sursaut, s’écrasant sur vos oreilles comme un sac de briques. Les couplets sont plus calmes, mais attendez : le refrain est d’un volume satisfaisant et aura la propension à s’enfoncer dans votre cerveau et à refuser de le quitter. La chanson elle-même est ce qui se rapproche le plus du fait que Monolord aborde l’isolement et la paranoïa de 2020-21. La Yersinia est une bactérie qui est l’agent causal de la peste. Alors quand Jager hurle « J’entends les sirènes de Yersinia, j’ai besoin de ta mort pour me libérer. J’entends le silence de nos millions, je sens la maladie respirer en moi » (I hear the sirens of Yersinia, I need your death to set me free. I hear the silence of our millions, I feel the sickness breathe in me), dans une mélodie qui donne la chair de poule, vous savez qu’ils ne plaisantent pas.

Parce que c’est Monolord, à part entière et après cinq albums. Vous voulez de l’intelligence et de la réflexion dans vos riffs ? Vous avez tout cela ici.

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Velvet Starlings: « Technicolor Shakedown »

25 décembre 2021

Velvet Starlings est un groupe de rock garage des années 60, originaire de Los Angeles et des villes balnéaires du sud de la Californie. Le groupe a été fondé par le guitariste et organiste Christian Gisborne mais est maintenant complété par les frères Foster et Hudson Poling, qui jouent respectivement de la batterie et de la basse. Leur premier album, Technicolour Shakedown, s’inspire de certaines de leurs influences comme les premiers Jack White, Thee Oh Sees et Arctic Monkeys, mais le groupe a créé un psych fuzz frais et grésillant avec une invasion britannique rétro de rythmes et de voix qui restent dans la tête. L’album est un gros doigt d’honneur soulignant que le rock n roll n’est pas mort et se veut preuve que ce type de son est intemporel.

Le premier morceau, « She Said (She Said) », démarre avec un orgue woozy rétro avant que Velvet Starlings ne passe à la vitesse supérieure et fasse passer le morceau à la vitesse supérieure avec une explosion d’instruments qui pourrait instantanément déclencher une mosh pit rapide. Les voix harmonieuses vous arrivent avec un effet légèrement fuzzé qui est contagieux alors que le morceau vous secoue le bas ventre. « Checkmate » s’ouvre sur un riff dur et des « Ooh Ooh Oohs » avant que la voix grinçante de Gisborne ne vous guide à travers la chanson. Cette attaque à plein régime exemplifie l’attrait de Technicolour Shakedown, car son élan qui fait taper du pied maintient une solide ondulation dans vos haut-parleurs à chaque composition.

« Can’t Control » est un autre titre qui vous tiendra en haleine car vous vous connecterez avec le sentiment décrit par Gisborne dans le refrain entraînant lorsqu’il chante en rythme « I can’t control my feet / got the music in my head / and I’m restless I’m asleep because I’m high on the feeling ! «  (Je ne peux pas te chasser de mon esprit / comme une chanson que j’ai dans la tête / et j’ai besoin de toi tout le temps / et ça ne cesse de se répéter.)

Avec Technicolour Shakedown, Velvet Starlings propose un regard neuf sur le rock garage, qui s’épanouit grâce à des voix débridées, des guitares électriques et un orgue de soutien bien placé. Les chansons ont une structure de base plus classique, car on peut facilement entendre le classique Face To Face des Kinks (1966), mais le groupe y ajoute un rock garage avec une attitude plus lourde qui me rappelle The Makers de Spokane. Si l’on ajoute à cela quelques « Yeh yeh yeh yeh yeh yeh yeh », un final instrumental, une durée de 31 minutes et un peu d’énergie moderne due au fait que le groupe s’est terré pendant l’année écoulée, Velvet Starlings a touché une corde sensible et vous fera croire fermement que le rock and roll, c’est la vie.

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Parcels: « Day/Night »

25 décembre 2021

Ils sonnent (et s’habillent) comme tous les grands groupes pop, rock et disco des 60 dernières années, tout en un. C’est absolument contagieux.

Très bien, cartes sur table. Nous allons faire beaucoup de références à d’autres musiques dans cette critique – ce qui devrait normalement être gardé au minimum – mais avec ce groupe, cela semble trop approprié. Parcels est un groupe dans l’ancien sens du terme. Chacun des cinq membres s’est rencontré au lycée, a joué de la musique pendant la pause déjeuner et, à partir de ce moment-là, ils semblent n’avoir jamais été séparés. Ils ont quitté leur maison de Byron Bay pour s’installer à Berlin et ont grandi ensemble en tant qu’amis et en tant qu’artistes, s’attachant à cette rare communion qui semble de moins en moins répandue à l’ère des producteurs en chambre et des artistes solos.

Il n’est donc pas surprenant qu’un groupe aussi engagé, aussi talentueux, ait conçu un double album extrêmement ambitieux et bien exécuté pour son deuxième LP. Les dix-neuf titres ont été enregistrés en direct aux studios La Frette à Paris – je répète – enregistrés en direct, et sont divisés en deux parties distinctes mais interconnectées, basées sur les concepts de jour et de nuit. La première, « Day », est libre, brute et exaltante. Dans « Night », la production se transforme légèrement en une affaire plus sombre et plus affectée. Le groupe a également été rejoint par Owen Pallet – l’arrangeur de cordes par excellence de la musique indé – qui donne à l’ensemble de l’album un aspect cinématographique, une narration orchestrale qui se déroule tout au long de l’album.

Tous les « singles », à l’exception de «  Famous » », se trouvent sur la face « Day », et bénéficient de mixages légèrement différents pour tenir compte de leur position et de leur flux dans l’album. « Light » ouvre la journée, donnant le ton avec des touches ambiantes, des cordes lentes et une construction douce avant que les lignes d’harmonie distinctives de Parcels n’éclatent. « Theworstthing » ralentit ensuite les choses après l’exaltation que véhiculent « Free » et « Comingback », avec le premier des morceaux les plus émouvants de Patrick Hetherington. « Somethinggreater » » est la chanson pop par excellence de l’album, un outro hymnique avec lequel on ne peut s’empêcher de chanter et « Outside » est également un morceau remarquable, avec Hetherington qui se confie sur les liens familiaux perdus et l’isolement.

Puis vient la nuit, où tout devient un peu plus sombre, un peu plus violent. Par exemple, dans « Thefear » » en comparaison avec « Day », les harmonies serrées pour lesquelles Parcels est connu sont encore plus serrées et manipulées, puis inversées, produisant une sensation étrange. Chaque chanson semble avoir une paire thématique ou sonore sur la face opposée du disque, « Light » et « Shadow » sont deux sections de la même chanson, « Comingback » et « Icallthishome » vont traiter de l’appartenance et de la connexion, « Somethinggreater » et « Once » luttent de leur côté pour un amour futur ou passé, « Daywalk » et « Nightwalk » montrent le côté plus jazz de Parcels, cette dernière contenant une outro avec un riff de piano style «  Kind of Blue «  qui s’épanouit dans le genre de soul psychédélique que l’on aurait pu entendre chanter par les Temptations dans les années passées. « Neverloved » est peut-être un peu trop rock opéra à notre goût, mais dans son ensemble, il est logique. « Lordhenry » sera la pièce maîtresse de  » »Night » » – un morceau énorme qui oscille entre de grands balayages orchestraux et des guitares disco rapides, soutenus par des percussions de style Tropicalia et des harmonies à la Beatles – difficile de ne pas l’aimer.

Il est vrai que certaines chansons ressemblent plus que de raison à des classiques d’antan. « Famous » a le même effet que le « Boogie Wonderland » de Earth, Wind and Fire, Free le soleil des Bee Gees d’avant la disco, »Light » l’ambiance d’aéroport de Brian Eno. Ils ont certainement canalisé le groove implacable de « Move On Up » de Curtis Mayfield (probablement la version étendue aussi…) pendant la genèse de « Comingback », mais cela ne l’empêche pas d’être la chanson de l’année (oui !). En fait, je dirais qu’elle est peut-être même meilleure pour cela – le lien avec le passé fait partie du plaisir de Parcels. Ils sonnent (et s’habillent) comme tous les grands groupes pop, rock et disco de ces 60 dernières années, tous réunis en un seul. C’est absolument contagieux. Parcels utilise ces classiques comme tremplin, et qui peut les en blâmer ? N’est-ce pas ce que font tous les groupes ? Parcels le fait juste avec une facilité déconcertante et, ce faisant, devient quelque chose d’entièrement différent.

***1/2


Ava Mendoza: « New Spells »

24 décembre 2021

La guitariste Ava Mendoza a eu une année 2021 bien remplie, enregistrant avec William Parker, Matt Mitchell et Kate Gentile, et publiant un excellent album en quartet avec Matteo Liberatore et Joanna Mattrey. Elle se produit également sur scène lorsque la situation le permet. Active depuis plus de dix ans, l’année 2021 est une année de rupture pour elle, tant en termes d’accomplissement musical que de reconnaissance.

Ajoutez à cela New Spells, un puissant enregistrement en solo à la guitare. Mendoza accroche sa guitare électrique à un ampli et à des effets pour interpréter cinq morceaux. Trois ont été composés par Trevor Dunn, Devin Hoff et John Dikeman, respectivement, et les deux autres par Mendoza elle-même.

Bien qu’elle soit vaguement associée au free jazz new-yorkais, son jeu est plus ancré dans le rock et le blues. Elle tord les notes et gratte des accords fortement déformés, tout en utilisant des glissades et des trilles. Le speed picking est une composante de son style, mais elle utilise aussi le feedback pour combler les lacunes.

Ses lectures des morceaux collaboratifs sont à la fois précises et lâches, souvent dentelées et anguleuses. Le morceau de Hoff, en particulier, a un côté blues distinctif ainsi qu’une mélodie piquante. La pièce de Dikeman est la plus abstraite et fait un usage généreux des techniques d’extension.

Mais c’est sur ses propres morceaux que Mendoza brille le plus, car elle joue des lignes lourdes et granuleuses avec une confiance en soi musclée que peu de guitaristes parviennent à atteindre. Elle parvient à être forte et affirmée sans être dominatrice. Avec un sens exquis de son instrument, Mendoza passe avec fluidité d’une mélodie à l’autre et d’un thème à l’autre, d’une manière qui semble plus improvisée que structurée, mais toujours connectée.

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Creux Lies: « Goodbye Divine »

24 décembre 2021

Originaires de Sacramento, Creux Lies n’ont jamais manqué de passion ou d’engagement. Au cours des deux ou trois dernières années, le groupe n’a eu aucun scrupule à traiter le style de post-punk romantique qu’il privilégie avec la sincérité qu’il exige. Mais si leur honnêteté n’a jamais été remise en question, leurs influences non plus. Le deuxième album Goodbye Divine est plus subtil dans sa lignée, plus musclé dans sa livraison, et apporte un plus grand nombre de chansons que son prédécesseur.

Rêveur, mélodique, et portant leur amour pour The Cure sur leurs manches, The Hearth de Creux Lies était une belle carte de visite pour le style du groupe, et peut-être plus important encore, les a fait partir sur la route – ce n’est pas le premier rodéo pour la plupart des membres du groupe et ils savent comment monter un spectacle. Mais Goodbye Divine fait rapidement impression grâce à la force de son matériel de base. Les titres qui clôturent le disque, « Jungle » et  « Wicked », sont des morceaux impressionnants de bombardements tonitruants, avec des instincts harmoniques solides soutenus par des tambours en écho et des arrangements de synthétiseurs grandioses. Tant dans le contenu que dans l’exécution, Creux Lies est beaucoup plus audacieux et sérieux ici, et c’est un meilleur groupe pour cela.

Le chant d’Ean Elliot Clevenger mérite certainement une grande partie du crédit pour ce bond en avant. Le long passé hardcore de Clevenger avant la formation du groupe n’est pas encore particulièrement détectable, mais il a trouvé un registre profond et imposant qui semble mieux correspondre à son registre naturel, et qui convient parfaitement à des morceaux vifs et entraînants comme « Misunderstanding » et « Renegade ». Cela ne veut pas dire que tout est sombre – ces voix se faufilent facilement dans les moments plus doux de l’album, comme le mélancolique « PS Goodnight » et la légèreté carillonnante de « Lor » », une revisite plus riche du son de The Hearth.

Bien que l’ADN de The Cure soit moins présent, les influences de Creux Lies sont certainement encore présentes dans Goodbye Divine – à cet égard, on perçoit beaucoup de Lowlife et de Tears For Fears, et les auditeurs un peu plus âgés et plus britanniques entendront peut-être The Church ou The House Of Love – toutefois, Goodbye Divine ne s’enlise pas dans un passé lointain. On pourrait probablement tracer des lignes de démarcation avec des groupes plus récents comme White Lies et un certain nombre de contemporains du groupe, mais il est important qu’aucun de ces noms ne saute aux yeux ou n’éclipse la présentation plus sévère et plus sobre d’eux-mêmes que Creux Lies propose ici. Ils savent ce qu’ils veulent et atteignent leur but avec assurance, à leur manière et avec un réel impact. REcommandable oui, mais aussi fortement recommandé.

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Maya Weeks: « Tethers »

20 décembre 2021

Tethers est beaucoup de choses, mais c’est surtout une réflexion sur ce qui est possible si l’on peut s’arrêter et prendre une longue et profonde respiration. Quelque chose de mystique imprègne les enregistrements de terrain aqueux, les méandres intimes du synthé et les mémos vocaux vulnérables qui sont légers dans leur approche mais lourds dans leurs résultats. Maya Weeks est une écrivaine, une artiste et une géographe accomplie, mais Tethers est son premier album qui rassemble toutes ces compétences et tous ces intérêts dans un journal intime à la dérive.

Le vent et l’eau sont des thèmes majeurs et font partie intégrante de Tethers. Si l’on considère le travail de Weeks sur la pollution marine, cela a du sens, mais dans ce contexte, il y a une proximité et un compagnonnage qui se déploient. Sur « Persona Archive/Future Rock Record », les mémos vocaux de Weeks sont comme des confessions de minuit ; la voix désincarnée d’un souvenir. « C’est ce que je préfère dans l’océan, la façon dont il me demande de suivre mon corps », récite-t-elle en faisant se chevaucher des vagues et des houles douces. En se penchant sur ces moments, en les capturant et en les libérant, un univers explose. « J’aimerais que tout ait un sens », dit-elle, faisant miroiter des pistes de torsion sous la lune océanique, se déplaçant de manière flottante avec la vibration de l’eau. « Je pense que tout le monde est médium. »

Tout au long de Tethers, les plus petites convergences portent les fruits les plus doux. Le statique qui se dissipe en incantations vocales envoûtantes sur « War on Time » coule avec une énergie ancienne, comme une magie oubliée depuis longtemps et réveillée. Le morceau se termine avec la voix de Weeks doublée, qui désoriente les auditeurs et les incite à se concentrer lorsqu’elle murmure : « Je pense qu’il est facile de sous-estimer à quel point il faut être intentionnel dans son travail ». Tethers est ainsi rempli de pépites saillantes et leur pouvoir de rétention n’est que rehaussé par des timbres personnels et éloquents.

Enterré dans le sable sur les premières vagues et le chant des oiseaux de « Argonite », Weeks rit. C’est un contrepoint aux notes sombres et aux accords mélancoliques qui propulsent le morceau jusqu’à ce point. Dans cette fraction de seconde, cependant, Tethers respire. Le premier album de Weeks est une méditation mélancolique sur une période étrange et difficile, mais il ne laisse jamais la lourdeur devenir l’émotion dominante. Même dans les heures les plus sombres, la lumière existe. Le rire existe. Tethers englobe tout cela et le reflète à travers le prisme unique de Weeks pour nous donner quelque chose d’enchanteur et de nouveau. Aucun d’entre nous ne sait vraiment où il sera dans un an, dans un mois ; les possibilités sont infinies et Tethers nous incite à ralentir et à laisser le chemin nous mener où il veut. Comme elle nous le dit, « Rien n’est certain, sauf la mort et le plastique ».

***1/2


VÍZ: « Veils »

20 décembre 2021

A la fin de « Veil 1 // source. », on entend un vrombissement comme si des vaisseaux spatiaux atterrissaient, au milieu d’un environnement techniquement inhospitalier. Avec l’album « Veils », on n’atterrit pas sur des planètes étrangères, mais au milieu du corps de la musicienne Réka Csiszér. Sous le pseudonyme de VÍZ, celle-ci publie son premier album solo et explore les concepts de « body horror », d’identité et de dualité avec un certain nombre d’appareils. Motif de pochette monochrome, sons sombres, ambiance pensive et parfois même douloureuse – cette electronica n’a pas grand-chose à voir avec la pop entraînante de Bitter Moon.

Une tentative de dialogue avec les esprits, une enquête sur son propre corps, la dissection de son esprit : Veils arbore un son ambient expérimental, plein de moments effrayants et de phrases qui font réfléchir. Le piano trébuche, apparemment assommé, dans l’abîme (« Veil 3 // jozefina. »), le chant de VÍZ devient une plainte (« Veil 5 // roter berg. »).

En outre, les drones et les surfaces ondulent en arrière-plan, les textures rugueuses et les matières qui grattent forment le corps de la musique. Lorsque les synthétiseurs s’emballent, il ne s’agit pas d’une libération, mais plutôt d’un transfert de forces ( » »eil 6 // reset. »).

Il peut arriver que l’on se sente un peu perdu et seul en écoutant Veils. « Veil 2 // föld. » situe un peu l’action avec la voix dans la réverbération, mais la rencontre avec VÍZ n’est pas préfabriquée. Chaque piste change les bases, un déroulement fixe ne semble pas exister. Ainsi, l’electronica sert de miroir, l’autoréflexion est encouragée. Jusqu’à ce que les sons et les synapses finissent par se rejoindre.

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Freyr: « Nicotine Bunker »

20 décembre 2021

Sur son premier album, Nicotine Bunker, l’auteur-compositeur-interprète suédois-islandais Freyr nous offre un réveil sombre avec son indie folk rayonnant.

Les meilleurs albums ont un point commun, quel que soit le genre, l’année ou la nationalité de l’artiste : les chansons suscitent une réaction émotionnelle. Cela explique l’attrait mondial durable des Beatles, de Marvin Gaye et de Bob Dylan. Leurs messages intemporels – de « All You Need Is Love » à « What’s Going O »n – trouvent un écho auprès des auditeurs aussi bien aujourd’hui qu’au moment où les chansons ont été écrites. Les mélomanes reviennent à des albums riches en émotions parce que les artistes ne sont pas de simples amuseurs. Ce sont des guides dont les paroles et les mélodies réconfortent nos cœurs et enrichissent nos esprits.

Alors que nous sortons d’une année d’incertitude, la musique revêt une importance particulière. Les artistes qui nous aident à naviguer dans notre monde post-pandémique avec un optimisme renouvelé ont toutes les chances de rejoindre les rangs de ces icônes. Les meilleurs albums de cette époque aideront à remplacer l’anxiété par l’espoir. C’est exactement ce que fait une étoile montante scandinave, en offrant exactement ce dont les auditeurs ont besoin maintenant.

Le premier album de l’artiste indie folk suédo-islandais Freyr correspond à cette période de réveil. Nicotine Bunker offre ainsi le renouveau du printemps avec l’éclat de l’été. Ces huit chansons mettent en valeur les talents exposés sur son premier EP de 2020, I’m Sorry, et établissent fermement Freyr Flodgren comme une voix de notre temps.

Nicotine Bunker jette un sort hypnotique avec le downtempo d’ouverture, « Avalon ». Entre les rythmes doux et les voix feutrées, les auditeurs n’ont d’autre choix que de se balancer. Ce titre a été l’un des premiers singles de l’album, de sorte que les fans de longue date ont eu le temps d’absorber ses couches exquises. Les nouveaux fans seront peut-être surpris de la rapidité avec laquelle ils se laissent envoûter par le son de Freyr.

Cet état de bonheur se retrouve dans la tendre ballade « Surveilling Sky ». Ici, l’esprit de Nick Drake sert de boussole à Freyr pour explorer les thèmes de la nature et de l’amour. C’est peut-être le morceau le plus romantique de l’album, marqué par une douce guitare acoustique. La production minimale capture l’intimité de cette sérénade céleste qui offre plus qu’un simple rappel à la respiration. La sérénité imprègne chaque note alors qu’il chante « Under amazing stars, here we are » et se poursuit sur la piste titre.

« Nicotine Bunker » évoque de chaudes brises d’été parfumées au jasmin nocturne. C’est ce qui différencie Freyr de la plupart des auteurs-compositeurs-interprètes qui adoptent une approche lyrique directe. Son style d’écriture amène les auditeurs à vivre le moment présent avec lui, en dirigeant leur attention non pas vers l’évidence mais vers l’éthéré. Alors que les artistes ordinaires pourraient chanter à propos d’un feu de camp, Freyr capture le crépitement des braises brûlantes avec sa guitare et transmet sa chaleur avec sa voix. Sa musique oriente votre regard vers la beauté de la nature – la luxuriance des forêts et le ciel étoilé. Son inspiration du plein air se traduit par un sentiment de paix dans toutes les langues.

Le titre « You Want Love » tire sur la corde sensible avec son instrumentation émouvante, tandis que les tons joyeux de « Modern Age » » égayent chaque paysage. Freyr a le talent de créer des accroches accrocheuses qui vous accompagnent longtemps après la fin de la chanson. « I’m the soundtrack of your gaze » est l’un des nombreux refrains de cet album qui font sourire. Même l’instrumental « Departure » qui clôt l’album, suscite un soupir appréciateur. Ces chansons rendent hommage à la beauté du monde et à tous ceux qui la recherchent. Nicotine Bunker est une expérience rafraîchissante d’un artiste remarquable qui mérite d’être connu


Blankenberge: « Everything »

19 décembre 2021

Les musiciens de Blankenberge, originaires de Saint-Pétersbourg, capturent l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire sur leur troisième album, un Everything qui est à la fois planant et cinématographique.

On se souviendra peut-être de 2021 pour avoir été l’année qui a lancé le mouvement art-punk gothique (Squid and Black Country, New Road) et ravivé l’histoire d’amour avec le shoegaze. En ce qui concerne ce dernier, les albums de Flyying Colours, Wednesday, Makthaverskan et Deafheaven ont montré que le genre pouvait encore être réinventé sans perdre l’euphorie surnaturelle et souvent cataclysmique qui lui est associée. Alors que l’année touche à sa fin, un groupe de plus nous rappelle pourquoi le shoegaze avance qu’il « vivra pour l’éternité ». 

Blankenberge, qui ne s’est jamais plié aux règles conventionnelles, a sorti son troisième album dimanche dernier. Everything est tout ce qui définit la grandeur cinématographique du shoegaze. Il s’agit, en d’autres termes, d’un spectacle éblouissant qui capture la puissance et les émotions de la musique créée il y a trois décennies. Le morceau d’ouverture « Time to Live » s’envole avec la spiritualité époustouflante de Slowdive à son apogée. À travers les guitares carillonnées et réverbérées et les rythmes martelés, la voix de Yana Guselnikova, qui ressemble à celle d’un lutin, s’élève pour nous dire de vivre l’instant présent. « Il n’y a pas de meilleur moment pour vivre / Qu’ici et maintenant » (There is no better time to live / Than here and now) chante-t-elle avec un effet hallucinant.  

Ce thème de la vie dans l’ici et maintenant est répété sur leplus que rêveur « No Sense » ; un sentiment de paix et de calme s’installe d’abord avant que la chanson ne s’intensifie progressivement. Alors qu’elle atteint son apogée cosmique, Guselnikova donne quelques conseils à suivre : « La vie est si belle/ Je le sais avec certitude/ Parfois, elle semble être une perte de temps/ Mais ce n’est pas vrai » (Life is so beautiful/ I know it for sure/ Sometimes it seems like a waste of time/ But it’s not true).

« Different » est, en son préalable,un séduisant morceau shoegaze qui se transforme en une explosion sonore à la Cocteau Twins. Cette approche turbulente reflète l’histoire de deux personnes qui prennent des chemins différents après avoir réalisé qu’elles n’étaient pas faites l’une pour l’autre. Un effet céleste srta obtenu avec « Forget », sur lequel les rythmes adroits mais probants du batteur Sergey Vorontsov et du bassiste Dmitriy Marakov ajoutent une qualité austère. Ils apportent l’élément de désespoir aux guitares lumineuses de Danill Levshin, et, ainsi, élèvent l’anxiété de Guselnikova. :« Je ne peux rien faire / Et même si je le pouvais / Je n’ai pas assez d’énergie / Pour me faire comprendre » (I can not do anything / And even if I could / I have not enough energy / To make myself be understood), chante-t-elle de manière on ne peut plus vulnérable.

Alors qu’il semble que le groupe ne pourrait pas atteindre des sommets plus élevés, il dévoile « Everything ». La pièce maîtresse de l’album est un voyage dans le cosmos, intégrant des tonalités post-rock à la Explosions in the Sky et la vision dramatique du shoegaze de Deafheaven. C’est aussi une démonstration magistrale de la façon dont des percussions urgentes peuvent transformer un son familier en pure catharsis. Alors que ses camarades de groupe s’approchent de l’oubli, Guselnikova garde les pieds sur terre avec ses mots : « Veux-tu vraiment être heureux/ N’aie pas peur de perdre/ N’essaye pas si fort d’obtenir plus/ Ne vois-tu pas que tu as tout ? » (Do you really want to be happy/Then don’t be afraid of losing/ Don’t you try so hard to get more/ Don’t you see you have everything ?).

« Summer Morning » est plus hivernal dans son effet, les guitares de Levshin perçant avec la réverbération cinglante de My Bloody Valentine. L’histoire de Guselnikova, elle aussi, est à la fois une fantaisie et un conte de fées post-apocalyptique, puisqu’elle raconte avoir ressenti la chaleur du soleil après une période dévastatrice. Le sursis instrumental, « Kites », offrira une pause momentanée, les guitares luxuriantes créant un sentiment de tranquillité. Elles se transforment ensuite en « So Hig » ». A l’instar de la production de Lush, le morceau alterne entre une atmosphère magnifique et une réverbération écrasante. L’approche imite l’image d’un cerf-volant tourbillonnant dans le vent, ce qui est une analogie pour rêver grand et croire en l’impossible. 

Sur « Fragile », Blankenberge livre un final épique. Il monte et descend, il est céleste et écrasant, et il capture l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire. Ou comme le dit Guselnikova dans ses derniers mots, « Mais nous avons tous besoin de quelqu’un / Pour nous aider à comprendre cette vie » (But all we need someone / To help us understand this life). Et c’est, aussi et ainsi, pour cette raison que le shoegaze, suivant la formule établie, « ne mourra jamais ». 

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