L’année dernière, Josefin Runsteen a collaboré avec Charles Spearin sur Thank God the Plague Is Over. Cette année, elle dévoile une partition composée pour la chorégraphie de la danseuse de Butoh Caroline Lundblad. Rien qu’avec ces deux œuvres, elle démontre sa diversité, mais il y a aussi une grande diversité dans les cinq mouvements de Hana. Le titre fait référence au mot japonais pour « fleur », et l’album célèbre la nature, les éléments et la capacité de renouvellement de la terre.
Cet album a une forte connotation religieuse, comme le montre l’image de la couverture (Edwin Landseer, 1851) qui fait référence à des histoires magiques et spirituelles. Les titres des scènes ~ vide, eau, feu, terre, air ~ sont à peu près analogues aux contes de la création. La musique est réfléchie, la chorégraphie est à la limite du divin. Le traitement multigenre suggère différents chemins de croissance, chacun convergeant vers un plan supérieur.
Au commencement, Dieu créa le ciel et la terre. Et la terre était sans forme et vide. Dans la scène d’ouverture, on entend le vent souffler sur le vaste inconnu ; le rush est interrompu par un carillon et des oiseaux. La nature commence à abonder, se développant sur la musique abstraite de la création, chacune sans forme, cherchant l’ordre. La harpe semble appropriée, les notes augmentant en volume et en confiance. Maintenant la voix, maintenant les cuivres, maintenant la forme qui se fond dans le glissando.
Une pluie fine commence à tomber, nettoyant l’air des notes de piano. Une éclaboussure soudaine ramène « Water » dans l’obscurité, avec des textures électroniques et des bruits de protoplasme. Des basses profondes invitent les danseurs. Un chanteur chante sur des gouttes et des tambours, puis se retire pour respirer. L’arrière-plan bouge et se transforme ; il n’y a pas de terre ferme. La musique s’arrête, le tonnerre gronde.
« Fire » éclaire son chemin par le biais d’une guitare et des cordes définies. Des drones de guitare épais descendent comme la fumée d’incendies pas trop lointains. Un gémissement sans paroles s’élève du maelström comme une supplication. Dans la scène IV (« Earth »), nous pouvons enfin voir une partie de la chorégraphie en action, la terre elle-même est lancée comme une balle, moulée, façonnée, lissée sur une pulsation cardiaque. La balle est maltraitée, malmenée, lâchée, couchée, aplatie. La caméra s’enfonce pour révéler la vraie terre en dessous. Des vrilles descendent comme des toiles d’araignée. La musique est d’abord tribale, puis se transforme en syllabes. Sa-ku-ra. D’autres vrilles sortent de l’argile et s’élèvent vers le haut. Une fille regarde les scènes d’un train de voyageurs. Nous ne sommes pas sûrs du lapin (bien qu’il y ait des lapins sur la couverture), mais à la fin, la boule d’argile a pris une vie propre, n’ayant pas besoin de mains pour flotter, accompagnée d’un chœur.
La vidéo du final, « Air », comprend des fragments de la chorégraphie de l’ensemble du spectacle, tandis que la musique contient un extrait de la poésie de Krishnamurti. Les cordes sont sereines, les éléments intégrés. Il y a de la place pour tous ici ~ les rythmes de danse reviennent avec un fragment de chanson. À la sixième minute, nous pouvons ressentir la joie du danseur de Butoh. Un segment visuel de tourbillon (comme un derviche) est suivi d’un segment musical de chœur, se terminant par une cascade de cordes. Le son final : une inspiration, l’aboutissement de la vie. Nous avons été restaurés par la nature, en tant que nature. Les
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