Anushka Chkheidze, Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, Lillevan, Robert Lippok: « Glacier Music II »

12 septembre 2021

Glacier Music II est la rare suite d’un premier opus et elle mérite d’être découverte.  Cinq ans après son prédécesseur, l’album continue de suivre les effets du changement climatique sur l’une des ressources les plus précieuses de la planète.  Un livret d’information accompagne le disque et fournit des informations précieuses (ainsi que des photographies étonnantes) à ceux qui s’intéressent à cette question cruciale.

Glacier Music I a commencé par l’enregistrement de la fonte des glaciers à Tujuksu, puis s’est étendu à un projet audiovisuel.  Lillevan est le directeur du projet, responsable des projections qui donnent aux concerts un impact supplémentaire.  Pour ce nouveau chapitre, le Goethe-Institut a recueilli des enregistrements sonores sur un glacier du Kazakhstan, qui n’a déjà plus qu’un tiers de sa taille mesurée à l’origine.  Les possibilités d’intervention se réduisent à une vitesse alarmante.  Mais tous les sons ne sont pas si lointains : Robert Lippok apporte les sons de la neige enregistrés par la fenêtre d’une voiture et des branches ramassées sur le sol.  L’astuce consiste à faire le lien entre le lointain et le proche.  Comme l’écrit Eto Gelashvili, « nous devons réaliser que si nous continuons à vivre ainsi, la beauté de la nature peut se transformer en quelque chose de très dangereux et de moins beau. »  À part Anushka Chkheidze et Hayk Kiroyi, ces artistes font un album qui vaut la peine d’être écouté afin d’attirer l’attention sur des informations qui valent encore plus la peine d’être écoutées.

La variété des sons est un attrait principal, de l’enregistrement sur le terrain à la musique en passant par la chanson folklorique.  Le premier son est de l’eau qui coule, introduisant « m3⁄s », qui fait référence au débit d’un glacier.  La musique est tendre, douce et grave. «  Infinite » envoie les cuivres vers les étoiles, mais fait référence à « une infinité en nous-mêmes » », et se tourne bientôt vers l’intérieur avec des tons de piano et de clavier réfléchis.  Puis les douces tonalités chantées de la berceuse écossaise « Sleeping glacier », projetant une pure sérénité.  Le collectif ne perd jamais de vue l’attrait esthétique du glacier ainsi que son importance environnementale.  Mais au-dessus de ces douces tonalités se cache une menace omniprésente, véhiculée par le grésil de « Ais » et les gouttes de « Numbers Drop », accompagnés d’un compte réel.  Il est possible de compter les gouttes d’un glacier qui fond, mais ces gouttes ne sont pas infinies ; une fois que les glaciers auront disparu, nous disparaîtrons probablement aussi.

Mais cela ne doit pas forcément se terminer ainsi.  Les efforts de Lillevan, de Lippok et d’un grand nombre de personnes partageant les mêmes idées sont la preuve que de nombreuses personnes se soucient suffisamment de cette question pour y investir leur vie.  Si le disque incite d’autres personnes à tourner leur regard vers les glaciers, nous pourrons peut-être encore préserver cette beauté ~ et cette stabilité ~ pour les générations futures.

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Roxanne De Bastion: « You & Me, We Are The Same »

12 septembre 2021

En ce qui concerne les titres d’ouverture d’albums, « Molecules » est aussi intense et volontaire que possible. Roxanne De Bastion ne plaisante pas avec un morceau qui s’attaque à la religion et aux opinions qui se font passer pour des faits, sur une bande sonore de guitares nerveuses et de voix glacées. You & Me, We Are The Same  » démarre sur les chapeaux de roue et ce n’est pas une surprise car il s’agit du nouvel album d’une des artistes les plus accomplies et les plus dévouées du moment. En effet, « I Remember Everything » est le titre suivant, avec une ambiance qui nous rappelle Dubstar ou St Etienne, grâce aux voix rêveuses et aux mélodies chatoyantes qui créent un peu de lumière par temps pluvieux. 

« Delete Forget Repeat » » continue sur le thème de l’écriture grandiose et discrète, et c’est vraiment la clé du succès de cet album : des chansons qui, à première vue, pourraient sembler être de la pop indé standard, révèlent rapidement leur gloire intérieure avec un plaisir triomphant. Les tons sombres de « Eras » » ont un soupçon de performance théâtrale à la Florence Welch, tandis que « Heavy Lifting » a une nature magique qui pourrait être utilisée dans une comédie musicale sur quelqu’un qui se tire d’une existence morose pour briller – Cinderalla mais à Sheffield au milieu des années 90. 

Le récent « single », « Ordinary Love », réconfortant et exaltant, fonctionne à merveille au milieu de cette collection, comme une chanson qui cherche à rassurer et à célébrer tous ceux qui traversent des moments difficiles dans leur relation. La douce combinaison de piano et de guitare sur « Smoke » évoque une chanson écrite dans la grisaille d’un malaise matinal, tandis que « I Know You » est probablement le meilleur exemple de la voix froide mais empathique de De Bastion, qui cherche à la fois à prendre le contrôle et à demander votre soutien à chaque respiration. 

L’avant-dernier morceau, « London, I Miss You », nous parlera de l’inévitable passage du temps, et la combinaison du chant et du piano lui donne une tristesse d’avant Noël tout bonnement splendide. L’album se termine par « The Weight », une confession autant qu’un appel à l’aide dans la confusion de l’âge adulte, accompagné de guitares tendres et ondulantes, toujours présentes et parfaitement adaptées à leur rôle de soutien sur cet album. Sur cet album, Roxanne De Bastion capte une énorme quantité d’émotions et parvient à les emballer soigneusement dans dix petits paquets au cœur lourd, mais, plus important encore, les paquets sont disposés en ligne, traçant une ligne nette sur ce passage de sa vie. Tout à fait magnifique.

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The Shadracks: « From Human Like Forms »

12 septembre 2021

Les noms de groupes intrigants sont rares, mais les Britanniques font mieux. Si vous n’avez pas entendu parler de The Shadracks, assurez-vous de réparer cette erreur. Shadrack est un nom d’origine babylonienne qui signifie littéralement « Commandement d’Aku », le Dieu Lune. Shadrack était l’un des trois captifs hébreux qui furent jetés dans une fournaise ardente et en sortirent indemnes. Punk comme l’enfer ! Quel nom parfaitement approprié pour un groupe qui porte ses influences primitives comme une couronne et ne tourne pas autour du pot.

Ce trio possède une chimie électrisante et des voix puissantes portées par son charismatique frontman et guitariste Huddie Shadrack. Sa voix peut vous rappeler celle de l’artiste prolifique Billy Childish, son père, qui a également produit leur dernier album From Human Like Forms. Par moments, sa gamme vocale polyvalente présente aussi quelques bizarreries à la Eddie Argos (Art Brut). La section rythmique est tout aussi compétente avec l’extraordinaire batteuse Elisa Abednego et le bassiste impérial Rhys Webb, mieux connu comme membre de The Horrors. 

Originaires du Kent, The Shadracks élaborent des hymnes acérés qui jettent un regard sec sur les relations humaines, dans la lignée du groupe de Birmingham des années 80, The Au Pairs. Y a-t-il quelque chose de plus récurrent dans la musique rock ‘n’ roll que de désirer quelque chose ou quelqu’un que l’on ne peut avoir ? C’est la pierre angulaire du matériel du groupe, résumée dans leur chanson « You Can’t Lose » ». Il s’agit de vouloir quelque chose que l’on ne peut pas avoir, de courir après l’inaccessible et de se retrouver à la merci de ses poursuites.

Rempli à ras bord d’énergie brute, d’assurance sans effort et d’un style intemporel, From Human Like Forms vous garde comme un chat sur un toit d’étain chaud tout au long de ses quatorze paysages d’humeur. Huddie utilise pleinement sa voix comme un instrument pour compléter ses paroles aiguës et sans complaisance. Les chœurs dégagent une aura plus candide qui résonne chez l’auditeur. Les chansons franches et féroces peuvent être suivies de chansons plus douces et sentimentales comme « You Like It Then », sans que cela ne semble incongru.

Dans leurs atmosphères les plus sinistres, The Shadracks peuvent également rappeler The Fall dans l’époque de This Nation’s Saving Grace, comme sur le brumeux et sinistre « Delicate Touch », l’un des sommets de cet album. Ils sont capables d’évoquer l’ambiance glaciale de la Grande-Bretagne des années 80 tout en s’appropriant intelligemment leur son.

À une époque où la musique se prend trop au sérieux et dans un océan de groupes sosies, quoi de plus valorisant qu’un groupe qui nous ramène aux valeurs fondamentales et à l’essence du rock ‘n’ roll brut et effronté ?

***1/2


Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

11 septembre 2021

Pour sa dernière épopée, le compositeur Lawrence English a évité tout ce qui est faabriqué par une main humaine et a choisi de tisser une série de morceaux à partir de sons enregistrés pendant une période passée en Amazonie.

Plutôt que de poser un enregistreur et de lui permettre de capter tout ce qui se passe et de le libérer, il a sélectionné, parmi cinquante heures de matériel, de créer des pièces autonomes qui mettent en valeur une certaine créature, ou une certaine ambiance qui est compensée par une toile de fond chargée de sons immersifs, ces sons plaçant l’auditeur au cœur de la jungle.

Réparti en sept sections sur A Mirror Holds The Sky, l’auditeur est submergé par des oiseaux inconnus et le bruissement latent des insectes. Des rythmes accidentels sont brièvement capturés et interagissent les uns avec les autres avant de disparaître en toile de fond. On a l’impression d’un lent mouvement panoramique et avant à travers la jungle, la direction du son changeant constamment et la variété et l’intensité augmentant et diminuant. Par moments, on a l’impression d’une cacophonie libre, d’une composition de joueurs mystérieux juxtaposés pour un effet maximal, jouant tous à fond sans se rendre compte de leur place dans le grand plan de Lawrence.

Un drone sinueux les accompagne presque constamment, se déplaçant subrepticement, un véritable fourmillement de sons, l’air rempli et vibrant. Il pourrait s’agir de coups frappés sur le flanc d’un bateau ou d’un afflux de crapauds qui ressemblent à quelqu’un jouant des woodblocks. La toile de fond pérenne monte et descend, son intensité donnant l’impression qu’on la dirige. Ces différents aspects d’un habitat aussi diversifié sont fascinants à écouter chez soi et, sur une piste, le son d’un orage traversant la jungle et entraînant des trombes d’eau dans son sillage vous aide à apprécier le fait d’être bien au sec à l’intérieur.

Il est étrange de constater que certains des sons sont presque synthétiques en raison de notre manque de familiarité, je n’ai jamais entendu un dauphin bota rosa ni un piha hurlant, et le fait que ces sons exotiques soient transportés dans ma propre maison, puis superposés à d’autres et construits dans un paysage sonore animé dépasse mes attentes. Les compétences de Lawrence en la matière sont impressionnantes et sa capacité à injecter un son particulier que l’on considère comme une constante, puis à le retirer progressivement pour laisser un vide notable est formidable. Cette sculpture complexe pour produire un flux diversifié mais constant témoigne de son amour pour le matériau et de son désir de créer un fac-similé idéal.

Si voyager en Amazonie vous semble un effort trop important, mais que vous aimez l’idée d’expérimenter la production sonore de cet endroit extraordinaire, A Mirror Holds The Sky est parfait. Chaque foyer devrait en avoir un exemplaire, juste pour montrer à quel point le monde est vraiment diversifié.

***1/2


Low: « Hey What »

11 septembre 2021

Le dernier album de Low, Double Negative, était rempli de musique désintégrée et corrodée, de chansons hantées par de mauvais esprits et des affaires inachevées, consumées par les tempêtes et le feu. Les mélodies et les voix – piégées sous une cacophonie d’instruments indéchiffrables, alors que les morceaux s’imbriquent les uns dans les autres – luttaient pour remonter à la surface avant de s’éteindre. C’était un virage à gauche de la dégradation de leur slowcore mélodique, et une des musiques les plus originales depuis des lustres.

Hey What est une progression naturelle, se nourrissant de la même énergie chargée. Cependant, les fantômes se sont échappés et reprennent le refrain de manière aussi claire et percutante qu’ils peuvent le faire. Le grondement qui sous-tend ces hymnes de foi dévotionnels – et parfois douteux – crépite maintenant en place plutôt que de se dissoudre.

La statique de l’ouverture de « White Horses » se transforme presque en un rythme. Quand il y a des percussions, ce ne sont pas seulement des tambours, mais un fracas biblique tonitruant. Lorsqu’il y a de l’électronique, ce ne sont pas seulement des guitares et des synthés – c’est la seule transmission claire d’un autre plan. Cela donne au disque un aspect plus lumineux que son prédécesseur (même si l’obscurité reste menaçante), même s’il a été réalisé avec les mêmes outils, quels qu’ils soient.  Faire de la musique qui peut vraiment vous surprendre après 13 albums et 28 ans de carrière est un témoignage du dévouement continu d’Alan Sparhawk et de Mimi Parker à leur art.

***1/2


The Meadows: « Deamless Days »

9 septembre 2021

Le sinueux Dreamless Days de The Meadows est l’oiseau rare d’un album qui voltige avec une beauté de papillon, une grâce et une magie mélodique profonde. Avec leurs propres chansons, ils parviennent à plonger profondément dans l’histoire mystique du Pays de Galles, tout en évitant habilement toute sérénité superficielle new age. Dreamless Day s’équilibre ainsi sur une douce corde raide folklorique au-dessus d’une rivière de tradition folk profonde. Et, on y trouve une âme de musique de chambre presque classique.

« Lullaby » donne le ton. Titania Meadow (c’est une affaire de famille !) chante avec une pure beauté, tandis qu’un piano et un violon ajoutent une sagesse âgée à la mélodie. C’est une musique très précieuse, mais une fois de plus, elle a la lourde et lente profondeur (pour puiser dans la mythologie galloise !) d’une prophétie de Taliesin, qui, soit dit en passant, prédisait que ce seraientt Cadwaladr et Cynan, et non Arthur, qui reviendraient pour sauver la Grande-Bretagne de ces méchants Saxons !

En effet, et pour votre information, les autres membres des Meadows (tous originaires du Carmarthenshire, dans le sud-ouest du Pays de Galles !) sont Melody, Fantasia et Harvey – ils jouent tous du piano, de la flûte, de la flûte à bec, du violon, de la guitare, du bodhran, et ils chantent tous. Non seulement cela, mais selon leur bio, Melody est aussi une « cuisinière passionnée ».

Ceci étant dit, »’Elusive Beauty » va continuer avec sa pulsation à plusieurs voix, encadrée par un piano. Puis un violon caresse la mélodie. D’une certaine manière, cela rappelle Kate Bush dans ses moments les plus intimes, Sally Oldfield sur son brillant album Waterbearer, et pour être plus ésotérique, la musique mystique de Fiona Joyce. Mais en réalité, la chanson est une version moderne du thème de l’Ode On A Grecian Urn de John Keats et avec sa folle poursuite de ces mélodies inouïes ». Oui, cet album est éhontément palpable dans sa quête voulue. Comme l’a écrit John Keats, « La beauté est la vérité, la vérité la beauté » (Beauty is truth, truth beauty).

Cet album est la bande-son de ce conte de fées dans lequel Raiponce peut déposer ses cheveux d’or ; on y touve pourtant aussi de la musique folklorique galloise. L’up-tempo « Merlin’s Oak And Other Tales » est une ancienne mélodie forestière qui chante avec le mystère des agroglyphes et qui a un refrain irrésistible (presque poppy !) pour démarrer !  Et « Castell Dryslwyn » est encore une fois un instrumental vivant à voix haute, avec une belle conversation entre flûte et violon, presque classique dans sa perfection, et qui touche à la pureté folk des Chieftains d’Irlande ou des Whistlebinkies d’Ecosse. Et, il est question, ici, d’un grand éloge qui est prononcé.

Ensuite, il y a une passion plus sereine, ponctuée de piano. « The Dried White Rose » laisse tranquillement entrevoir une émotion en forme de lame de rasoir. La chanson titre, « Dreamless Days », est à nouveau douce, mélodique et remplie de contemplation mélodique de fin de soirée ; elle est auréolée de ce violon et de cette flûte qui flottent au-dessus de la mélodie avec des ailes de pathos sympathique. « There’s You » poursuit, de son côté, cette beauté pure et évoque les voix de plusieurs fantômes versés dans la triste sagesse celtique tandis que « Gelli Aur » » accélère le rythme avec un autre instrumental pour tout le groupe (avec des percussions de bodhran !) qui est une merveilleuse juxtaposition à l’introspection précédente.

Et puis il y a « Dream You Into Life », qui capture l’éthique complexe de cet album : c‘est une chanson d’amour un peu évidente, avec une mélodie magnifique ; pourtant, la chanson est une profonde contemplation de la réalité – qui est le thème primordial de tout l’album. Oui, c’est une musique éphémère qui est profondément riche en questions mineures sur l’existence humaine.

Les dernières compositions poursuivent cette passion tranquille. « Spin A Dream » éclate lentement avec une félicité instrumentale et se rapproche d’une vibration orientale. Ensuite, une brève épopée, « The Tide » sera dramatique et pulsera sa passion, tandis qu’une fois de plus, la flûte et le violon s’élèvent avec un plaisir plein d’espoir au-dessus d’un rivage émotionnel pierreux qui connaît toujours la certitude que « vous ne pouvez pas arrêter la force de la marée » (you can’t stop the force of the tide).

En effet, comme l’a écrit John Keats, « Et, mélodiste heureux, infatigable, /Pour toujours pipant des chansons toujours nouvelles » (And, happy melodist, unwearied, /Forever piping songs forever new, Dreamless Days est une œuvre d’une beauté insaisissable », riche comme un conte de Grimm aux cheveux en cascade, qui, d’une manière très dorée, invite, heureusement, une fable ancienne dans un monde très moderne et très folky.

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Lawrence English: « A Mirror Holds The Sky »

7 septembre 2021

Avec A Mirror Holds The Sky, Lawrence English a créé un album fascinant. Le compositeur a enregistré en 2008 un catalogue d’enregistrements de terrain en Amazonie. Après avoir passé au crible 50 heures de sons amazoniens, English a superposé et classé tous les sons pour vous offrir un voyage immersif.

L’album est divisé en zones. Vous commencerez par la jungle, puis vous passerez à la rivière, à une île peuplée de grillons, au doux clapotis du rivage, à une tour pour observer la faune volante et à une tempête de pluie. Les pistes sont disponibles sous forme de sections individuelles ou jouées comme un morceau continu de 37 minutes. La façon dont les sons sont assemblés donne l’impression que l’Amazonie vit autour de vos oreilles. Des cris d’animaux aux grondements hydrosoniques d’un dauphin Boto Rosa, en passant par le bruissement du vent et les gouttes d’eau, rien ne s’arrête. C’est comme si on avait laissé un microphone capturer la nature dans toute sa splendeur.

La clé du succès de l’album est de reproduire ce ton naturel tout en veillant à ce que rien ne reste statique ou stable pendant plus de deux secondes. Lawrence English a soigneusement fusionné et superposé tous les différents enregistrements de terrain comme s’il s’agissait de l’Arche de Noé de l’Amazonie. Pas besoin de tambours tribaux ou d’interaction humaine – le vent ou l’eau fournissent un rythme et un timbre global. Les mélodies proviennent du chant des oiseaux ou des cris et stridulations des insectes. Ce n’est jamais calme – tout est fort, d’une manière qui semble hyperréaliste. Lawrence a fait fleurir les sons de telle sorte que le moindre bruissement peut donner l’impression de faire trembler le ciel. La meilleure façon de le décrire est de regarder la bande-annonce ci-dessous, mais je vous conseille vivement de l’écouter avec des écouteurs et d’entendre le monde chanter en stéréo autour de vous.

En tant qu’enregistrement de terrain ou morceau d’ambiance, c’est l’une de mes découvertes préférées de ces deux dernières années dans le genre. Si vous avez décidé d’acheter l’album physiquement, il est accompagné d’un livre de 48 pages de photographies prises sur place. Il est difficile de décrire à quel point l’Amazonie semble vivante ici – éteignez les lumières et sentez-vous comme si vous étiez dans le moment. C’est la chanson de Mère Nature, qui a été conservée.

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Maisie Peters: « You Signed Up For This »

7 septembre 2021

Le premier album de Maisie Peters, You Signed Up For This, est un aperçu de ce que représente pour des jeunes personnes et leurs premières relations le passage à l’âge adulte tant les chansons qui le contituent semblent tout droit sorties du journal intime d’une adolescente.

Après avoir travaillé avec des artistes tels qu’Ed Sheeran et James Bay ainsi qu’avec les producteurs Afterhrs (Niall Horan) et Brad Ellis (Jorja Smith, Little Mix), il est aisé de constater que Peters est pleine de talent et que ses influences sont évidentes dans sa musique.

La voix délicate de « Hollow », associée à une guitare folk scintillante et à une section de cordes douces, crée un environnement fragile, surtout si on le juxtapose au morceau précédent, beaucoup plus massif,  « Boy ». La façon dont Peters parvient à transmettre l’émotion à travers ses mélodies signifie que certaines des chansons pourraient être tout aussi efficaces en tant qu’instrumentales. Beaucoup de ces chansons pourraient faire partie de la bande originale d’un film sur le passage à l’âge adulte d’une adolescente de l’ère Angus, Thongs, and Perfect Snogging.

Coécrit avec Ed Sheeran et Steve Mac, le « single » « Psycho» est un point culminant de l’album. De loin le morceau le plus lourd et le plus dansant, il apporte en effet apporte un répit bienvenu par rapport à ses prédécesseurs acoustiques et, avec sa mélodie joyeuse et entraînante, c’est un morceau ideal pour vous faire vraiment du bien si vous sortez d’une rupture ou et vous remonter le moral.

Le plus gros problème de cet album est que, fondamentalement, beaucoup de chansons tournent autour de la même relation et de sa rupture – et elles se ressemblent beaucoup les unes les autres. Pour quelqu’un qui traverse une rupture, cet album sera une bonne écoute de réconfort, mais à part « Brooklyn » qui se concentre sur des vacances à New York avec sa sœur, toutes les chansons de l’album de 14 titres semblent suivre le même sujet.

Pourtant, mélodiquement, chaque morceau est magnifique. Ce n’est pas un mince exploit d’avoir sorti la bande originale d’un spectacle et un album la même année, même si You Signed Up For This peut avoir tendance à être répétitif.

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Bon: « Pantheon »

6 septembre 2021

Pantheon est une expérience visuelle et immersive. Bon – un partenariat de production, de composition, d’écriture et d’art entre Yerosha Windrich et Alex Morris – est curieux d’aller au-delà, affichant un intérêt qui confine à la passion pour tout ce qui touche à la culture populaire, à la nature, à la philosophie et aux perceptions normalisées et acceptées. À cet égard, la musique de Pantheon est un miroir qui renvoie directement à leurs propres perceptions et philosophies sur l’inclusion, le respect et la souveraineté personnelle.

Bien que le duo ait des racines britanniques, il est issu d’un héritage métis et, par conséquent, Bon jette un regard plus profond sur la contre-culture et « la perception de ce que la musique signifie et représente dans la société ». Leur approche réfléchie et orientée vers la nature est également naturelle, car le duo a toujours considéré ses sorties musicales comme étant saisonnières. Chaque chose a sa saison et son temps ; la musique s’épuise, hiberne et se renouvelle. Ils font également preuve d’une certaine fluidité en ce qui concerne les genres, se débarrassant de leurs restrictions potentielles en évitant leurs conventions.

Filmé à Londres, Pantheon oscille entre perceptions altérées et intérieures, et fait office d’ode à la nature. Sous sa surface, cependant, l’oeuvre est bien plus qu’une ode à la nature. Ses seize morceaux portent le nom de déesses et couvrent de multiples cultures et époques, et une féminité parfume les paysages sonores. L’utilisation d’échantillons de leurs propres enregistrements a produit, selon leurs propres termes, « quelque chose d’usé par le temps… avec l’esprit d’une cassette bien aimée mais en utilisant des techniques de production de pointe ». Les enregistrements évoluent naturellement, mais ils ont reçu un peu d’aide en cours de route. Le processus reflète ainsi pour eux « la nature cyclique et évolutive de tout processus créatif ».

Le morceau d’ouverture, « Flora », présente une harmonie chaude et gonflée et un chant d’oiseaux ; le matin est là et promet beaucoup. Le morceau se développe, les notes se déversent et débordent. Les horizons illimités de Bon sont évidents dès le début.

N’ayant pas peur de s’aventurer dans de nouveaux domaines sonores audacieux tout en conservant son esthétique classique moderne et ambiante, Pantheon n’est pas un album comme les autres. Son son frais et expansif est prêt à briser toute idée préconçue de ce que l’on pourrait attendre. Le registre inférieur des cordes semble fournir le gravier, la terre, dans la musique, tandis qu’à un niveau microscopique, des notes douces et carillonnantes semblent indiquer des gouttes de pluie fraîches, ou une dispersion de rosée du matin.

Le bruit, le léger sifflement et la distorsion sont des éléments intentionnels et vitaux de la musique, à tel point qu’ils sont traités comme des instruments à part entière. Le duo cherche à explorer la question suivante : qu’est-ce que la qualité, la perfection et le caractère, et que signifient ces mots pour nous ?

Sur Pantheon, Bon est également rejoint par Laraaji, Maxwell Sterling et Lucinda Chua, et la portée de l’album s’élargit encore avec l’ajout de ces artistes. L’album est une merveille de la nature, qui se déploie doucement et rayonne à mesure qu’il le fait. Tout comme le monde naturel, la musique ne peut être précipitée. Elle a son propre temps et son propre lieu – sa propre saison – et Bon développe le son doux comme la pêche avec patience, sans nécessairement affecter directement la musique qui en résulte, car elle semble pousser d’elle-même, développant des branches et des racines au fil du temps.

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Steve Gunn: « Other You »

5 septembre 2021

Other You se pose avec légèreté, ses mélodies briseuses se déployant de manière tranquille. Des morceaux de guitare blues folk se glissent discrètement entre les phrases vocales. Un groupe de rock complet est là pour soutenir l’ensemble, ainsi qu’un piano, mais les arrangements se fondent dans l’air. Il y a beaucoup d’air, d’espace et de lumière dans ces chansons, mais pas beaucoup de drame. C’est un repos agréable que d’écouter Other You. Il est difficile de se souvenir de ce que l’on a entendu, mais c’est très, très agréable pendant que ça se passe.

Il s’agit du sixième album de Gunn en tant qu’auteur-compositeur – il a une autre personnalité en tant qu’improvisateur et collaborateur instrumental – et il met en évidence la compétence et l’assurance qu’il a commencé à démontrer sur Eyes on the Lines et qu’il a vraiment réussi à atteindre sur The Unseen In Between en 2019. Ce sont des morceaux de mélodie soigneusement construits et magnifiquement arrangés, même s’ils flottent le plus souvent à la surface.  Il travaille avec un groupe de musiciens compétents mais quelque peu réservés – Ryan Sawyer à la batterie, Ben Boye au piano, Justin Tripp à la basse et à d’autres instruments, Rob Schnapf à la guitare (il a également produit l’album) et Jerry Borge aux claviers. Parmi les invités, on trouve un certain nombre de personnes qui se trouvent fermement dans l’orbite de Gunn. Par exemple, Bridget St. John, qui a chanté sur le disque 50 de Michael Chapman produit par Gunn, ajoute quelques contreparties à « Morning River ». Bill MacKay ajoute une troisième guitare sur le subtil «  Circuit Rider », tandis que Jeff Parker, vétéran de Tortoise, se joint à lui sur « Good Wind « . Mary Lattimore joue de la harpe sur « Fulton ». Pourtant, malgré, ou peut-être à cause du talent collectif des musiciens, il n’y a pas de démonstration de compétence. Tout se résume à des grooves ensoleillés, au ralenti, d’une grande clarté mais peu agités.

Ainsi, alors que le titre de l’album brille de mille feux – des parties de guitare tordues, une batterie vive et propulsive, des passages de piano scintillants – la chanson est enveloppée d’une atmosphère brumeuse. Gunn chante doucement, sans se presser, comme s’il vous racontait une histoire. Il y a un refrain, mais il est totalement dépourvu de grandiloquence. La chanson s’achève sur une mêlée instrumentale, mais en sourdine, comme si vous l’entendiez du fond du couloir.

Vers la fin de l’album, Gunn ajoute une friction bienvenue à des morceaux comme « Protection », où les guitares s’envolent sur un rythme motorisé ronflant et somnolent. « Reflection » prend forme dans une pulsation de clavier ondulante, dépouillée et introspective, mais gagne en densité au fur et à mesure que les synthés, la basse et la batterie gonflent. La mélodie de la chanson est charmante, à la fois en tant que confession et en tant qu’explosion dans le refrain, et il y a un travail de guitare sauvage ici, mais encore une fois, il faut l’écouter.

La chanson la plus étrange est « Sugar Kiss » un instrumental chatoyant qui regorge de vie et d’énergie naturelles. Imaginez un étang quelque part dans la nature, la harpe de Mary Lattimore sautillant dans les aigus de la lumière du soleil sur la surface, la basse se faufilant dans le mix comme un moustique affamé, un synthé faisant des vagues ondulantes, le tout humide et indéfini et très beau.

Mais la plupart du temps, Other You est plus joli qu’il n’est conséquent. Agréable à l’excès, il disparaît à une vitesse alarmante dans l’arrière-plan de tout ce que vous êtes en train de faire.

***1/2