The Killers: « Pressure Machine »

23 août 2021

Pour la plupart des gens, The Killers sera toujours un groupe qui reflète le faste et les circonstances de leur formation à Las Vegas ; leurs tubes sont remplis de refrains sans fin et d’une bonne dose de « chintz ». Mais c’est sur leur dernier album, Pressure Machine, que Brandon Flowers donne un aperçu plus personnel de sa ville natale de l’Utah ; Imploding The Mirage n’en est pas un. Né – comme la plupart des albums récents – après que la pandémie ait mis un terme à tous les projets du groupe, c’est sur leur septième album que Flowers et al semblent ralentir et ruminer de manière plus introspective qu’auparavant. Les comparaisons avec le Nebraska de Bruce Springsteen ne sont pas surprenantes – après tout, le Boss lui-même est apparu sur leur reprise de  » Dustland  » quelques mois auparavant – et ses empreintes sont très présentes sur Pressure Machine ; de l’harmonica mélancolique sur « Terrible Thing » aux détails complexes des paroles de l’album, le disque semble reprendre le manteau plus sombre de Springsteen.

Plus dépouillé et classique que les titres récents, Pressure Machine déterre tranquillement les histoires des petites villes et de la classe ouvrière américaines, dans toute leur gloire tragique. Des récits fictifs de la crise dévastatrice des opioïdes (« Quiet Town », « In Another Life »), de la lutte contre l’homophobie (« Terrible Thing »), de la violence domestique et de la vengeance (« Desperate Things ») sont tous tissés ensemble par notre narrateur, tandis que des clips radio enregistrés de résidents réels aident à illustrer à la fois la simplicité et les complications de la vie dans un tel endroit. Et si cette réflexion plus poussée sur la vie américaine n’est pas tout à fait ce que l’on attendait de The Killers, Pressure Machine prouve que l’évasion n’est pas toujours accompagnée d’un refrain accrocheur. C’est un album qui vous invite à creuser un peu plus loin.

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Chvrches: « Screen Violence »

23 août 2021

La pandémie a obligé tant d’entre nous à vivre notre quotidien à travers des écrans. De la télévision au téléphone portable et à l’ordinateur portable, les écrans ont défini l’isolement numérique. Cet état d’esprit a également défini la création de la dernière sortie du trio synth-pop écossais Chvrches, Screen Violence, le quatrième disque du groupe.

L’album, le premier du groupe depuis Love Is Dead en 2018, devrait sembler familier aux fans du groupe, mais il y a une croissance et une maturité supplémentaires pour Lauren Mayberry, Martin Doherty et Iain Cook à peu près dans tous les sens. Cela inclut l’écriture des chansons, la production et la performance. Screen Violence canalise également l’urgence et l’immédiateté qui rappellent les premiers travaux du trio.

Il y a aussi pas mal de matière à creuser ; trois des dix titres de l’album durent plus de cinq minutes. Le morceau d’ouverture, « Asking For A Friend », est un voyage musical et lyrique sur la résilience et le rebondissement. « Je ne veux pas dire que j’ai peur de mourir, je ne suis pas douée pour les adieux, je ne peux pas m’excuser » (I don’t want to say that I’m afraid to die/ I’m no good at goodbyes/ I can’t apologize), chante la chanteuse Lauren Mayberry sur les premières notes de synthé d’une grande simplicité. La chanson se construit lentement jusqu’à ce qu’elle devienne un paysage sonore synthé-pop, Mayberry répétant «Tu as encore de l’importance »  (You still matter). C’est une étincelle électrique et entraînante dès le départ.

La plupart des fans auront déjà entendu l’hymne « He Said, She Said », un cri contre les deux poids, deux mesures, et le gazage d’une relation abusive. « Il a dit que tu avais besoin d’être nourrie, mais que tu devais surveiller ton tour de taille et que tu devais être belle mais pas obsédée » (He said you need to be fed/ But keep an eye on your waistline and/ Look good but don’t be obsessed), chante Mayberry avant de proclamer : « J’ai l’impression de perdre la tête encore et encore » (I feel like I’m losing my mind over and over). Ce titre est le plus court de l’album, mais il est aussi le plus percutant au niveau des textes.

En reavanche, « California » va offrir un refrain optimiste et contagieux avec un message introspectif sur la façon de surmonter la peur de l’échec. « Que Dieu bénisse ce gâchis que nous avons fait pour nous-mêmes / Tirez-moi dans l’écran à la fin » (God bless this mess that we made for ourselves/ Pull me into the screen at the end), chantera ainsi Mayberry.

Le groupe a ajouté beaucoup de cloches et de sifflets à son sunivers sonore au fil des ans, en mélangeant des instruments live et des percussions avec ses synthétiseurs caractéristiques. « Violent Delights » est un morceau mid-tempo percussif et rythmique qui monte et descend du couplet au refrain. Il comporte une contribution vocale de Doherty, qui ne chante pas souvent. Les percussions lourdes restent présentes sur le morceau « How Not To Drown », qui est porté par la voix de Robert Smith de The Cure. Smith et Mayberry se complètent bien sur ce morceau dramatique et mélodique.

Le titre « Final Girl », simple et cinématique, remplace les synthés et les boucles par une instrumentation analogique plus traditionnelle. Mayberry chante le doute de soi et la gestion des pressions extérieures, tandis que les Chvrches redoublent une fois de plus d’urgence musicale. Alors que les synthétiseurs reviennent en force sur la un « Good Girls », qui évoque la nécessité de se savoir défendre.

« Lullabies », morceau mid-tempo dynamique sur la solitude de l’isolement, nous ramène au thème principal de l’album et le dynamique « Nightmares » commencera comme une ballade sombre et inquiétante avant d’exploser dans un paysage sonore de synthés et de boucles percussives.

L’album se termine par « Better If You Don’t », qui se démarque complètement du reste de l’album, du moins au début. Elle s’ouvre avec Mayberry chantant sur un riff de guitare clair, avant que le rythme n’intervienne à mi-parcours, se transformant en un morceau de pop indie qui constitue la parfaite rampe de sortie de l’album. Les fans de Chvrches trouveront un bon équilibre entre le familier et le nouveau sur Screen Violence, un effort solide pour un groupe qui fournit continuellement un excellent matériel.

***1/2


Mike Doughty: « Stellar Motel »

23 août 2021

Cela fait maintenant plus de deux décennies que l’on écoute Mike Doughty chanter des chansons. D’une certaine manière, cela peut paraître long pour suivre un artiste qui fait ce qu’il fait… mais Doughty semble toujours trouver un moyen de rafraîchir ce qu’il fait, de faire en sorte que quelque chose de vieux semble quelque peu nouveau et vibrant. En fait, c’est probablement le meilleur mot qu’on puisse trouver pour décrire Doughty : Vibrant.

Si vous n’avez jamais entendu parler de Doughty (même si on ne voit pas comment cela pourrait être possible), voici un petit cours de rafraîchissement. Doughty a commencé dans les années 1990 avec son groupe Soul Coughing. Ils ont produit d’étonnants disques acidulés et jazzy, remplis de paroles de poètes aux rythmes accrocheurs et de samples groovy. Puis Doughty s’est lancé en solo, a enregistré un album acoustique et l’a autoédité bien avant qu’Internet ne rende cela plausible. Puis Doughty a enregistré d’autres albums, a signé avec le label de son ami Dave Matthews, a fait d’autres disques, a quitté ledit label, a fait un autre disque, a autoédité un tas de démos via son site Web à ses meilleurs fans, a réenregistré un tas de morceaux de Soul Coughing et en a sorti un disque cool, et tout cela a été fait en maintenant l’une des meilleures présences en tournée de l’histoire du rock and roll moderne. Les « Question Jar Tours », au cours desquels Doughty répond aux questions que les membres du public ou les harceleurs sur Internet lui ont laissées entre les chansons, sont toujours une bonne soirée de plaisir. Il y a beaucoup de détracteurs dans le monde qui prétendent ne pas aimer Doughty pour un certain nombre de raisons, mais je leur ris au nez et je proclame simplement que Doughty, contrairement à tant d’autres, continue à produire de la bonne musique qui est facile à écouter et honnêtement, une tonne de plaisir.

Cela nous amène à Stellar Motel. Sorti à u milieu de ladite tournée « Question Jar », Stellar Motel a un peu beaucoup de choses à faire. Doughty s’essaye à son tour au hip hop, et fait un travail admirable, prenant un genre qui a tendance à manquer de musicalité et tournant dans quelques airs brillants, chargés de grooves accrocheurs et d’un excellent rap. « The Champion » est plus une ballade, luxuriante avec des cordes et des paroles intelligentes jusqu’aux ¾ du chemin quand MC Frontalot intervient et offre un rap doux en invité. « Pretty Wild » est plus ce que l’on pourrait attendre du hip hop, et présente Doughty rappant, rejoint par Clare Bizna$$ et Ash Wednesday. Sur « Let Me Lie », Doughty rappe sur un rythme électronique étrangement cool inspiré d’Atari, qui rappelle plus Kraftwerk que 50Cent, mais lorsque Big Dipper, invité, rappe, les choses deviennent un peu plus urbaines.

Environ la moitié de l’album penche vers ce hip hop expérimental et le reste du disque reste plus dans ce qui serait considéré comme un territoire plus traditionnel de Doughty.

Le premier « single » de l’album est « Light Will Keep Your Heart Beating In The Future » et quelle chanson pour lancer l’album ! Des percussions cradingues et des banjos qui s’entrechoquent portent la quasi-totalité de la chanson, et Doughty crache l’une de ses plus belles poésies depuis quelques albums. « When The Night Is Long » est un hymne, avec des guitares qui carillonnent, des cordes luxuriantes et un rythme endiablé. Cette chanson s’appuie sur le même genre d’esprit que l’un des morceaux les plus populaires de Doughty, « I Hear The Bells », contient également. Cette composition contrastera fortement avec celle qui la suit immédiatement, « Oh My God Yeah Fuck It ». Elle est un exercice de bruit rythmique et de plaisir, avec l’ensemble de jazz ambient de Moon Hooch and Miss Eaves. Il peut être un peu difficile de passer à travers cette chanson, surtout qu’elle suit un morceau de pop si doux, mais une fois que les choses commencent à rouler, le rap de Doughty et les saxophones gémissants de Moon Hooch donnent une vision très agréable, hautement artistique et irrévérencieuse du hip hop. Miss Eaves est géniale, et ses raps sont parfaits.

Après une vingtaine d’années, la plupart des artistes ont tendance à perdre un peu du tranchant de leurs dents, mais pas Doughty. Il continue à explorer la musique d’une manière très artistique et poétique, sans se limiter à un style de musique particulier ou à un instrument. Sa programmation reste intéressante, ses textes restent graphiques et aigus, sa voix est meilleure que jamais car son chant continue de grandir et de mûrir en profondeur. Stellar Motel peut comporter quelques moments difficiles pour les auditeurs occasionnels, mais ceux qui ont suivi Doughty sur le long terme comprennent que c’est son art, et qu’il vaut bien chaque instant.

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Deafheaven: « Infinite Granite »

22 août 2021

Il est vrai qu‘Infinite Granite, le cinquième album des Franciscanais Deafheaven, marque un virage sonore très net pour le groupe, mais c’était prévu depuis longtemps. La dernière fois que nous avons entendu parler d’eux, il y a trois ans, le quintet était occupé à améliorer le son pour lequel il s’était fait connaître ; avec Ordinary Corrupt Human Love, le groupe s’est élevé contre les idées préconçues sur ce qu’il était ou devrait être – bien que son attaque blackgaze caractéristique soit présente et correcte – et semblait être de nature transitoire, soulevant autant de questions que de réponses. Alors : nouvelle décennie, nouveau label… nouvelle direction ? Eh bien, pas tout à fait ; car, bien que les efforts précédents aient mis l’accent sur les rugissements déchirant la gorge de George Clarke et les blast beats urgents du batteur Daniel Tracy, la beauté a fait partie de leur musique tout autant que la noirceur, les deux étant ressenties et exprimées aussi profondément l’une que l’autre.

Cette fois-ci, c’est la force motrice de leur dernière offre, souvent fournie par le poids des deux guitares de Kerry McCoy et Shiv Mehra. Clarke est également passé au chant clair, pour la plupart, ce qui sera un choc pour ceux qui plongent dans le morceau d’ouverture « Shellstar » en s’attendant à son approche habituelle. Son nouveau style suggère une approche plus douce dans l’ensemble de l’album ; le premier morceau atteint un sommet vers trois minutes et demie, ce qui contredit cette suggestion. C’est plus accessible en fait, mais le quintette opérait dans un cadre pop à certains moments sur leur percée de 2013, Sunbather, donc ce n’est pas comme si c’était un nouveau territoire pour eux. À l’époque, le chant de Clarke nécessitait une certaine puissance ; celle-ci a simplement été détournée pour créer quelque chose de lumineux dans sa composition et d’ample dans son approche, mais non moins puissant dans son exécution.

« Great Mass of Color » est mélancolique à souhait et illustre parfaitement le changement de son du groupe, ancré par les lignes de basse percutantes de Christopher Johnson, alors que l’échange de tension et de relâchement entre le couplet et le refrain devient progressivement plus imposant, avant que les auditeurs ne se voient rappeler que c’est bien le groupe qu’ils ont connu. La chanson se détache et les cris familiers de Clarke tourbillonnent en arrière-plan alors qu’elle se rapproche de sa conclusion ; dans une curieuse inversion des rôles, l’ancienne voix de la chanteuse principale fournit maintenant la texture et la couleur qu’elle aurait auparavant cherché à obtenir de McCoy, Mehra et Johnson. Clarke ne se sert pas de ce hurlement comme d’une béquille, pour donner un sentiment de familiarité ; au contraire, il ne l’utilise qu’au service de la chanson. Si le chant rauque de Clarke était un point de friction dans le passé, il est ici un instrument supplémentaire, déployé avec parcimonie pour un impact maximal ; cette chanson est donc une introduction idéale pour les nouveaux auditeurs.

« Great Mass of Color » débouche sur « Neptune Raining Diamonds », un instrumental au synthétiseur d’une beauté désarmante, impressionnant en soi mais absolument merveilleux dans son contexte. (En sortant de l’autre côté, les sept minutes de « Lament for Wasps » commencent presque en territoire dream-pop. C’est certainement le son le plus doux que le groupe ait jamais produit, mais il y a un groove insistant derrière tout cela, fourni en grande partie par la batterie de Tracy. La vitesse et la férocité qu’il a apportées au groupe sur les albums précédents sont présentes lorsqu’elles sont sollicitées – comme l’indique la dernière minute de cette chanson, qui donne une tournure particulièrement psychédélique au Deafheaven d’antan, agrémentée de motifs de contrebasse de Tracy – mais il y a une créativité exprimée tout au long du morceau dont le reste du groupe peut se nourrir.

Cet esprit de collaboration définit leur nouveau matériel, et la friction créative entre chaque membre individuel signifie que Deafheaven se pousse collectivement plus fort qu’auparavant ; ces cinq-là ne sont pas du genre à se reposer sur leurs anciennes gloires, nous le savons depuis qu’ils ont suivi Sunbather avec le déchirant, oppressant et magnifiquement sombre « New Bermuda ». Le quintet se donne à fond sur le morceau de clôture « Mombas », dont les débuts doux et l’impression de valse régulière et chaloupée sortent complètement du cadre, même sur un album qui cherche à redessiner le plan de Deafheaven. Puis Clarke se met à chanter – une mélodie étrangement familière qui s’avère être un remodelage de la ligne mélodique de « Neptune Raining Diamonds » (dans une tonalité et une signature temporelle différentes) – et la chanson commence à se construire progressivement vers l’un des meilleurs moments de tout le catalogue du groupe lorsque, vers la cinquième minute et demie, les vannes s’ouvrent et le quintet se lâche. Des rythmes endiablés, des cris, des grognements et des harmonies de guitare en forme d’appel et de réponse abondent au fur et à mesure que la chanson s’élève. Et ce n’est pas tout, car même si le morceau s’arrête brusquement, vous en resterez bouche bée.

Une décennie après s’être présenté avec Roads to Judah, Deafheaven s’est transformé en un groupe aux multiples facettes et à l’ambition stupéfiante. Les signes étaient là sur Ordinary Corrupt Human Love, mais la réinvention du groupe s’est faite avec aplomb. Il y a suffisamment de son ancien son dans Infinite Granite pour mettre fin à l’idée que le groupe est désormais méconnaissable au nom de la croissance artistique. Le chant de Clarke mis à part – et ce changement sera bien sûr la première chose que les auditeurs de longue date remarqueront – le groupe n’est pas intéressé à se répéter et ne l’a jamais été. Comme avant, il y aura probablement des discussions sur ce que ce groupe est, ou devrait être, sur les conventions de genre dans lesquelles il s’inscrit, et ainsi de suite – il a montré qu’il ne se soucie pas de tout cela, et cet album est une riposte aux sceptiques alors que Deafheaven se transforme, une fois de plus, en la meilleure version de lui-même.

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Michael Larocca: « Connecticut »

22 août 2021

Larocca est un batteur, percussionniste et artiste électronique basé dans le Connecticut. En tant qu’improvisateur acoustique, il est un coloriste subtil ; ici, il crée une musique concrète qui semble principalement ancrée dans des enregistrements de terrain de divers types – vraisemblablement pris dans le Connecticut – et quelques enregistrements de son travail à la batterie. In the Basement a l’allure d’un enregistrement documentaire plein de bruits de pièce, de pas et de sons de divers objets ramassés, secoués et frottés au hasard. Une pièce dédiée à James Ferraro présente un son de mouette en boucle et traité, ainsi que des sons de congas et/ou de bongos.

La chute d’eau à l’origine des sons traités de Waterfall Interrogation pourrait être une chute d’eau, un ruisseau local ou tout simplement l’eau qui tombe d’un robinet de cuisine (par une intéressante synchronisation, une des premières œuvres de musique concrète de Gerry Hemingway, originaire du Connecticut, a été créée autour d’un enregistrement de terrain d’un ruisseau de la région de New Haven). L’œuvre la plus conventionnellement musicale parmi les cinq pistes de l’album est le morceau dédié à la technologue et compositrice électronique Laurie Spiegel. Dans ce morceau, Larocca superpose un riche lavis électronique aux sons de l’eau qui bouillonne et du chant des grillons.

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Rachika Nayar:  » Fragments »

22 août 2021

Fragments de l’artiste sonore new-yorkaise Rachika Nayar sont une collection de petites boucles de guitare, construites dans l’environnement familier de sa propre chambre. Et cette ambiance confortable s’est glissée dans sa musique, lui donnant un sentiment de bien-être immédiat ; chaussures enlevées, café à portée de main. Cette sortie est la dernière entrée dans THERE, la série de musique en cours de Commend, enregistrée en dehors mais inspirée par les efforts communs de l’espace RVNG Intl. dans le Lower East Side.

Nayar, une compatriote new-yorkaise, a noué un lien étroit et une relation intime avec la guitare pendant son enfance, et elle a depuis exploré les nombreuses possibilités labyrinthiques de cet instrument. Elle est amoureuse de la guitare, et cela se voit. Les fragments de Nayar utilisent des effets pour faire évoluer et plier davantage le son de la guitare au-delà des attentes ou des idées préconçues, notamment avec l’utilisation de pédales de retard, qui servent de toile de fond à l’improvisation et finissent par créer des arènes rythmiques entièrement nouvelles. Les morceaux de guitare en couches ont évolué d’une pratique à une source profonde d’exploration de soi et de restauration, assurant une musique de nature personnelle et spirituelle, à la fois dans sa domesticité et dans sa philosophie de connaissance de soi à un niveau plus profond. La musique rend tout cela possible.

Il est également intéressant de noter les processus préliminaires d’écriture et de composition de Nayar, et la manière dont ses idées évoluent – naturellement ou après un travail plus approfondi – vers une seule chanson. Ces fragments sont tellement essentiels à la musique, ils sont au cœur de son être, que le mot lui-même a été marqué et utilisé comme titre. Ils préservent et mettent en valeur un moment unique, un fragment solitaire, un aperçu fugace d’une seconde, capturé à jamais, mis en boucle, répété, disséqué, rejoué encore et encore pour le mâcher et le savourer, avant qu’il ne s’éloigne et ne disparaisse.

L’exploration profonde d’un seul instant est d’une intimité inégalée, tout comme l’ancrage inévitable à un lieu, un moment ou un événement spécifique, et de ce fait, les fragments ont une authenticité qui ne peut pas vraiment être égalée ; il faut vivre quelque chose, traverser quelque chose, pour vraiment y résonner, le comprendre et le capter.

Nayar considère sa musique comme un « compagnon constant », offrant un espace essentiel pour la purification et le renouvellement, et cet album porte particulièrement sa personnalité, puisqu’elle l’a enregistré chez elle, un endroit où elle se sentait bien et où, selon les mots de Nayar, elle pouvait accéder à son cœur et cultiver une sorte de mouvement interne dans les moments de stase.

Nayar place le rythme et la mélodie au premier plan de sa musique. Ils ont tous deux un rôle prépondérant, et bien qu’il s’agisse de minuscules boucles, elles contiennent des profondeurs infinies. Les mélodies s’étendent bien au-delà de leur brève durée de deux minutes environ, et Nayar est capable d’intégrer beaucoup de choses dans un seul morceau sans jamais donner l’impression d’être encombré ou alourdi. Dans la force de l’âge, la musique glisse sur des cordes propres et douces comme du beurre. Son jeu est virtuose, et sa technique et son exécution technique en sont la preuve. Les mélodies ne sont jamais perdues dans leur propre complexité en boucle, et elles ne sont jamais mises au second plan par sa technique de classe mondiale. Au contraire, son habileté technique permet aux mélodies de grandir, d’évoluer et de faire leur propre truc, d’être elles-mêmes, et c’est à cela que sert la technique. Les notes contiennent une bonne dose d’humilité, et un vague parfum de nostalgie ou de nostalgie de quelque chose de perdu. La musique est conçue de manière réfléchie et, à l’écoute répétée, quelque chose de nouveau attend d’être découvert. Les multiples couches de la guitare convergent toutes, créant un magnifique réseau kaléidoscopique de rythmes et de motifs complexes en boucle ; un endroit où tout un écosystème de mélodies fortes et récurrentes se sent chez lui.

***1/2


Nathan McLaughlin: « Stoner Lake in G »

22 août 2021

Stoner Lake in G est une œuvre solo de Nathan McLaughlin, et c’est aussi sa première sortie sur Full Spectrum Records. Enregistré à Stoner Lake et à Hudson, dans l’État de New York, le disque est composé de « miniatures de synthétiseurs », délaissant son utilisation de longue date des boucles de bande et des méthodes de bobine à bobine, qui étaient devenues une sorte d’agrafe dans son travail précédent.

Pour cet album, les « machines à bobines », très utilisées et appréciées, ont été laissées sur l’étagère et remplacées par une sélection maison d’équipements sonores modulaires. À propos du changement de méthode, McLaughlin déclare que « la bande était là il y a 40 ans quand je suis né et sera encore là demain, beaucoup d’autres personnes font ce genre de travail et peuvent donc reprendre le flambeau ».

Pour cette raison, Stoner Lake in G est synonyme de nouvelle croissance. McLaughlin se perfectionne, et il est capable d’exploiter et d’explorer de nouveaux domaines sonores, ce qui lui donne finalement l’occasion de s’affranchir de l’utilisation de bobines à bobines. En mélangeant la saveur de ses sons et en mettant le synthétiseur en vedette, la musique semble mûre et évite le cauchemar de la stagnation.

Dans cette nouvelle architecture sans restriction, les notes sont capables d’arriver en piqué, de plonger vers le bas et de disparaître au fil du temps. Décrit comme une méditation sur l’expérience passée, le potentiel futur et les vies possibles qui auraient pu être mais qui ne se sont pas réalisées, l’opus incite nos sens à une écoute tranquille, mais qui n’a pas peur de s’exprimer. Des couches de synthétiseurs sont lentement révélées et des souvenirs sont déterrés ; la musique se tourne vers des mondes plus lumineux à venir tout en regardant en arrière dans les cavernes plus froides de la nostalgie. « Venus », le morceau le plus proche, s’achève sur une note passive et sereine, où l’on peut entendre le scintillement des étoiles et l’écho de synthés inspirés de la science-fiction. Avec un mastering réalisé par Andrew Weathers et une pochette fournie par Gretchen Korsmo, Stoner Lake in G est disponible dès maintenant en édition spéciale sur cassette et en téléchargement numérique.

***1/2


Lorde: « Solar Power »

22 août 2021

L’idée de ce qu’est la musique pop et de ce que peut être une pop star est en constante évolution. Il semble que nous soyons entrés dans une ère où les plus grandes sensations pop adoptent un réalisme émotionnel au lieu des excès grandiloquents du passé. Sur son dernier album, Solar Power, Lorde a créé une collection de chansons discrètes, réfléchies et très conscientes d’elles-mêmes.

Tout en reprenant des éléments du passé, le son Laurel Canyon des années 60 mélangé aux confessions des chanteurs-auteurs de Lilith Fair des années 2000, Lorde a créé un album parfaitement en phase avec notre époque. Les composotions sont aussi drôles que déchirantes et remplies du genre d’ennui contemporain qui vous est certainement familier si vous avez déjà fait défiler Twitter pendant une heure ou deux. Le producteur Jack Antonoff sait comment ajouter la quantité requise de construction dans chaque chanson, superposant des pads de synthé et une tonne de chorus aux guitares acoustiques, tout en gardant les procédures sonnant très organiques. Solar Power est un beau pas en avant pour Lorde en tant qu’artiste. Elle semble extrêmement détendue, confiante et plus naturellement elle-même qu’elle ne l’était auparavant.

Après avoir terminé la tournée mondiale de son dernier album, Melodrama, Lorde est retournée en Nouvelle-Zélande pour récupérer et l’album commence par un aperçu de ce qui se passait dans sa tête pendant cette période. Ressemblant plus à un prélude qu’à une véritable chanson, « The Path » donne le ton parfait pour ce qui va suivre. Sa voix est à l’avant-plan tout au long de l’album et elle chante par-dessus une ligne de guitare bancale, remplie de refrains, « Now I’m alone on a windwept island/Caught in the complex divorce of the seasons/Won’t take the call if it’s the label or the radio » (Maintenant, je suis seule sur une île balayée par le vent / Pris edans le divorce complexe des saisons / Je ne prendrai pas l’appel si c’est l’étiquette ou la radio), avant d’ajouter qu’elle veut juste « The Sun to show us the path » (Quee soleil pour nous montre le chemin), établissant le thème récurrent de l’album de se retirer dans la nature pour trouver une sorte de clarté. « Solar Power » ressemblera à un mash up insolent de « Freedom » de George Michael et de « Loaded » de Primal Scream, et c’est comme attraper un rayon de soleil par une journée froide.

La plupart des titres de l’album oscillent entre des ballades minimales à base de guitare comme « Fallen Fruit », avec son message de préoccupation environnementale, et des titres plus optimistes comme « Secrets from a Girl (Who’s Seen It All) », qui ne dépareillerait pas face à « Torn » de Natalie Imbruglia, avec son acoustique grattée et son breakbeat entraînant. Le point culminant de l’album, « Stoned At The Nail Salon », le deuxième « single » de Solar Power et une chanson qui semblait être un choix étrange pour un « single » mais qui, dans son contexte, prend tout son sens. C’est Lorde au meilleur de sa forme. En tant qu’auteur, interprète et parolier, tout ici s’accorde à merveille. Elle capture la tristesse et l’inquiétude inhérentes à toute décision importante que l’on doit prendre dans la vie et c’est d’une beauté saisissante.

Solar Power semble être le début d’un nouveau chapitre dans la carrière de Lorde. Une sensation pop qui ne se soucie pas de faire de la musique pour quelqu’un d’autre qu’elle-même. L’album conserve l’honnêteté dont elle a fait preuve sur Melodrama, sans le bagage de devoir faire de ces chansons des tubes et l’album tout entier s’en trouve amélioré. Détendue, confiante et hilare, cette idée de ce qu’est la musique pop et de ce que peut être une pop star a évolué en quelque chose de sacrément bien.

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Villagers: « Fever Dreams »

22 août 2021

La vulnérabilité a toujours été la force de Conor O’Brien. Villagers existe dans l’espace qui mesure la distance entre la confiance de l’auteur-compositeur lauréat de l’Ivor Novello Award et son incertitude. Les moments de plaisir nés dans les interstices de cette inconnue sont les moments où la meilleure musique de Villagers embrasse le ciel. 

Rappelez-vous dix ans en arrière et son interprétation saisissante de Becoming a Jackal dans l’émission Later… with Jools Holland et calculez les kilomètres parcourus entre cette prestation acoustique et l’ambiance Marvin Gaye-Fronts-The-Flaming-Lips du sensationnel « So Simpatico » du nouvel album Fever Dreams. C’est ce que font les grands artistes avec l’âge : ils s’améliorent.

***1/2


Great Silkie: « Dawn Chorus »

22 août 2021

Great Silkie, combo originaire de Londres, a remué les eaux du psychofolk pastoral avec ses premiers « singles » « Scared To be Alone » et « So Many Hours », et il revient aujourd’hui sur la crête de la vague à laquelle son premier album Dawn Chorus va certainement donner naissance. Le chanteur et guitariste Sam Davies a écrit son album dans une solitude quasi-totale à la campagne, alors qu’il traversait une sorte de crise existentielle, puis il l’a enregistré en direct sur des bandes analogiques afin de capturer au mieux l’essence du groupe. Décrit comme si « Syd Barrett chantait avec les Byrds et jouait des chansons de Pentangle avec la jeunesse des premiers Blur » (une analogie pertinente à certains égards), Great Silkie capture quelque chose de chacun de ces groupes ; toutefois, Dawn Chorus n’est pas un simple hommage, il se passe en effet quelque chose ici qui suggère un talent nouveau et unique qui creuse un sillon authentique et fascinant qui lui est propre. Le plus excitant, c’est que ce n’est que le début, le début de ce qui, espérons-le, sera un voyage pour rivaliser avec certains des artistes auxquels Great Silkie est comparé.

S’ouvrant sur le sarclage brumeux du dimanche après-midi et la wah-wah laconique de «  Ten Pounds « , il est immédiatement évident que quelque chose de spécial est en train de se produire. La voix tranchante et passionnée de Davies ajoute un sens du hors-champ et un côté new wave anguleux au cadre décontracté, avant de plonger dans la mélancolie façon « west coat » de « Nothing Will Change » avec ses harmonies chaudes et luxuriantes et sa belle mélancolie. Construites de main de maître, ces chansons se tordent et se transforment ; il n’y a rien de prévisible ou de piéton ici. Au contraire, il y a une approche délibérément créative et expérimentale à l’œuvre, bien qu’elle soit alignée avec un fort sens de la mélodie – en effet, par moments, Great Silkie fait penser à Wire dans sa version la plus psychédélique, vers « Outdoor Miner ». « I Don’t Know How To Say I Love You (These Days) « , en revanche, est un morceau de beauté baroque, amoureusement embelli et mené par le piano, avec une guitare slide qui pleure sur un refrain envolé. Il y a une véritable ambiance de fin d’été sur l’album, reflétant peut-être le processus d’écriture et le lieu où il a été enregistré, une nostalgie et une réflexion qui nous touchent et nous évoquent dans la même mesure. On peut presque sentir la lumière du soir qui projette des ombres et des formes, alors que la journée touche à sa fin. « Birthday Wish » en est un bon exemple, ses descentes de guitare ajoutant à la fois une tension tranquille et une sensation de temps qui passe, de longs après-midi solitaires.

« Silly Boy » suvra, avec la batterie habile de Charlie Salvidge qui propulse les lignes de guitare cristallines d’une manière dynamique et excitante, démontrant que Great Silkie peut habilement passer à la vitesse supérieure quand il le faut. « Gone Long », quant à lui, révèle l’amour de Davies pour la scène de Canterbury, découverte lors de son déménagement de Berlin à Wiltshire, ainsi que les aspects plus pastoraux des Kinks et de Pentangle. Des harmonies vocales qui font se dresser les cheveux sur la tête intercalent un couplet circulaire et brumeux, la chanson dans son ensemble évoquant une sensation céleste et pourtant d’un autre monde, à la fois sacrée et étrange. Par contraste, la terreuse et carillonnante « How Could This Happen » s’élancera sur les courses de basse fluides d’Andrew Saunders, aux côtés des explosions de guitare enflammées de Davies et de son jeu de précision en forme de cloche. Ensuite, la chaleur acoustique bucolique de « Great Blondel » se fraie un chemin dans l’âme, un regard campagnard vers l’horizon qui canalise à la fois Bert Jansch et Syd Barrett, tout en restant une créature à part entière. Le jeu de guitare de Davies mérite une mention spéciale ; immaculé et porteur, complexe mais pas voyant ni égocentrique, il ajoute de la texture et de la tapisserie plutôt que de la frime. Son jeu apporte également un sens de l’originalité et un style reconnaissable, peignant un certain nombre de coins et d’angles bizarres et agréables sur la toile de Great Silkie. Comme pour prouver ce point, ‘Such Silence’ termine l’album sur une séquence de figures de guitare en écho et en boucle qui conspirent pour créer une ambiance et une atmosphère dont Eno lui-même serait fier à juste titre. De douces vagues d’orgue déferlent, tournant en rond et se superposant jusqu’à ce qu’un chœur d’harmonies vocales sans paroles et une guitare à l’archet viennent clore le tout de manière cinématique et émotive.

Pour un groupe aussi jeune (bien qu’ils aient chacun un certain pedigree dans des formations et collectifs précédents), c’est un travail étonnamment accompli. Dawn Chorus est à la fois riche et orné de détails et de décorations folkloriques, tout en laissant beaucoup d’espace pour exister dans les chansons, leur permettant de respirer. Il est aussi chaleureusement réconfortant, tout en étant empreint d’une tristesse tranquille. De plus, le son de Great Silkie est peut-être vintage, mais il est totalement en dehors du temps et des modes, vivant confortablement dans son propre univers et sa propre époque. Dawn Chorus est donc, à ces multiples égards, un kaléidoscope délicat, un album aux multiples facettes, visages et côtés. L’écouter, c’est s’extraire du monde pour un temps, se laisser transporter ailleurs. Et qui ne le voudrait pas ? 

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