Martha Wainwright: « Love Will Be Reborn »

26 août 2021

Martha Wainwright n’a jamais caché qu’elle est issue de l’une des lignées musicales les plus célèbres du Canada. Elle a enregistré des chansons avec son frère Rufus et sa tante Anna McGarrigle, a repris les chansons de son père Loudon et a participé à des concerts d’hommage à sa défunte mère, Kate McGarrigle.

C’est pourquoi il n’est pas surprenant que son dernier album, Love Will Be Reborn, soit un disque à propos de et dédié à la famille – mais pas de la manière typique à laquelle les fans sont habitués. Réalisé par Pierre Marchand (qui a enregistré des albums pour son frère, sa mère et sa tante), l’album montre que Wainwright s’éloigne de ses paroles austères et confessionnelles sur l’amour et la luxure. Au lieu de cela, la musicienne montréalaise aborde les questions liées à la maternité et à la vie domestique dans des morceaux comme le frémissant et tordant « Getting Older » et le squelettique « Report Card ». Mais cela n’enlève rien à la passion de Wainwright, qui pousse sa voix fumeuse au-delà de ses limites sur la chanson-titre aventureuse et sur l’enjoué et optimiste « Hole in My Heart ».

Alors que ses précédents albums faisaient largement appel à des musiciens invités bien sélectionnés (notamment son dernier LP, Goodnight City datant de 2016), Wainwright a enregistré cet album dans le sous-sol de son café montréalais, Ursa, avec un groupe comprenant Josh Cole de l’ensemble de jazz de Vancouver, October Trio, ainsi que Thom Gill et Phil Melanson des indie-poppers torontois Bernice. Cela a permis de donner à des chansons comme la surprenante « Being Right » et la mélancolique « Body and Soul » un aspect plus intime que ses précédents albums. La collaboration avec Marchand a également permis à Wainwright d’obtenir un son plus terreux, comme en témoignent la pulsation de « Middle of the Lake » , qui ouvre l’album, et la chanson «  Rainbow », qui ressemble à celle de Stevie Nicks, et qui s’oriente vers le sens du drame poussiéreux de l’alt-country.

Le morceau de clôture de l’album, « Falaise de Malaise », marque deux premières pour Martha, puisque la chanson est entièrement chantée en français et que l’accompagnement au piano marque la première fois qu’elle joue d’un instrument sur un album, sa voix planante remplissant généralement cette condition. Bien que la fin de l’album traîne en longueur à cause de chansons larmoyantes comme « Justice » et « Sometimes », Love Will Be Reborn n’en reste pas moins un album étonnamment intime et dépouillé de la part d’une personne aussi naturellement théâtrale que Martha Wainwright.

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Lingua Ignota: « Sinner Get Ready »

26 août 2021

Il n’y a absolument rien de réducteur à comparer la musique de Kristen Hayter (alias Lingua Ignota) à celle d’autres artistes. En fait, l’artiste a achevé une carrière universitaire prestigieuse en canalisant ses propres expériences à travers des figures allant de Jean-Sébastien Bach à Andrey Markov. C’est pourquoi il est logique de faire appel à des musiciens comme Diamanda Galás, Jarboe et Lydia Lunch pour expliquer comment Lingua Ignota livre un art aussi vulnérable de manière aussi brutale.

Lingua Ignota est prête à partager les méthodes des femmes susmentionnées pour exprimer des traumatismes réels en s’appropriant une imagerie représentative qui est souvent liée à la victimisation, comme sur son album datant de 2019, Caligula. Son quatrième opus, Sinner Get Ready, n’explore pas seulement sa propre éducation chrétienne, mais aussi le privilège de masse qu’elle est capable de répandre parmi ses adeptes, en particulier au sein de sa communauté actuelle dans la Pennsylvanie rurale. Mais, comme le montrent des morceaux comme le lyriquement dramaturgique « I Who Bend the Tall Grasses » et l’intime, sample en forme de de prière « The Sacred Linament of Judgment », l’art classique de Lingua Ignota n’est pas aussi efficace lorsque l’auditeur tente de disséquer ses dispositifs tactiles, mais semble plus émouvant lorsque tous les faux-semblants sont abandonnés et oubliés.

Au fil de neuf compositions, Lingua Ignota encadre son piano traité avec des cloches d’autel, des enregistrements de terrain, des chants, des cordes orchestrales et un style vocal opératique contrôlé, afin de canaliser un large éventail d’humeurs. Mais il n’y a rien de mercuriel dans son quatrième LP, car le lugubre et délicat « Pennsylvania Furnace » (qui décrit un homme traîné en enfer par ses chiens) et l’exceptionnellement sombre et larmoyant « Perpetual Flame of Centralia » font que Lingua Ignota ressemble plus à un témoin de l’exploitation décrite qu’à une fatalité.

Sur des morceaux comme « The Order of Spiritual Virgins », qui ouvre le disque en neuf minutes, et « Many Hands », qui est un chant funèbre à l’orgue, Lingua Ignota fonctionne sur la patience spatiale, Hayter construisant de manière experte la tension à travers les flux et reflux sonores. Cela donne lieu à une heure de musique incroyablement exploratoire, malgré l’ambiance sombre qu’elle crée tout au long de l’album, comme en témoignent l’accompagnement au banjo « Repent Now Confess Now »et la conclusion presque mélodique « The Solitary Brethren of Ephrata ».

Comme Hayter a commencé sa carrière musicale en tant que spécialiste de la musique et de l’art, elle s’assure que les paroles qui hantent son dernier album sont aussi cauchemardesques que sa musique. Sa description de l’iconographie religieuse, remplie du sang de Jésus et de la torture aux mains de ceux qui jugent, est aussi horrifiante que les paroles de doom metal les plus dépravées. Sinner Get Ready n’est rien de moins qu’un album d’une efficacité saisissante, qui ressemble plus à une incantation qu’à une simple collection de chansons.

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James Welburn: « Sleeper In The Void »

26 août 2021

James Welburn évoque certainement un sens de l’épique avec ce nouvel album, Sleeper In The Void. Le plaisir réactif qu’est « Raze » brûle rituellement dans votre esprit comme un fantôme agité, puis est plongé dans un bain corrosif de bruit granuleux, se tordant à la manière de Soliloquy For Lilith sur des paraboles de basse et des scintillements de recul percussif jusqu’à ce que le drame prenne des couleurs divergentes et un mirage serpentin.

Une atmosphère magistrale, le magnifique frottement de « Falling From Time » reprend, tout en prisme et en pivotement, sa techno agrafée mâchée dans une bouilloire tendue et une caisse de résonance en forme de balle, alors que des cinématiques scintillantes s’y faufilent. Là où d’autres plongeraient dans une tempête de neige d’un abandon distordu, ici vous êtes traité avec des vues sculptées qui se fondent dramatiquement dans l’oreille, ajoutant de nouvelles perspectives sur le déroulement.

L‘oasis sombre de frettes et de cloches d’église sur le morceau titre suinte une sensibilité doomique qui n’a pas de place pour le cliché, et qui est soudainement percutée par de très belles percussions lugubres qui brillent par leur physicalité transpirante (grâce au batteur suédois Tomas Järmyr). Des scènes qui s’agitent, se vautrent dans une opacité croissante, puis sont déchirées par Icare, laissées à elles-mêmes pour manger harmonieusement leur miroir.

Ce sont des textures que l’on peut goûter, absorber – ces guitares tronçonnées qui accompagnent les croissants vocaux de Juliana Venter sur « In And Out Of Blue » sont de véritables montagnes russes de prouesses de production, attentives et vacillantes, serpentant la structure avec des accents excitants. Un gambit qui injecte dynamiquement le bourdon lugubre du morceau suivant, « Parallel », dans un contraste saisissant, alors que le bourdon distendu de la trompette de Hilde Marie Holsen se morigène en fractures en forme de sabre et en crevasses murmurantes, une ouverture frottée d’aubépine qui s’enfonce dans votre tête et scintille comme une hallucination léchée par la chaleur.

Ce qui laisse le shuffle techno pourri du dernier morceau pour fournir une épitaphe satisfaisante, fouetté par une rançon dans des métallisations éclaboussantes et des balayages arrière électrocutés, alors qu’une ballade tordue d’un seul mot éclabousse, engorgée d’abstractions vocales. Sleeper In The Void est un voyage audacieux et aventureux qui aboutit à un oubli béat.

***1/2


Yair Etziony: « Further Reduction »

26 août 2021

Aucun d’entre nous n’était prêt pour ça. Séparation, détachement, décès, frénésie médiatique incessante… Nouvelle normalité ? Nous n’avons pas eu le temps d’y réfléchir, pas vraiment : tout s’est enchaîné, et tout temps de réflexion n’a fait que déclencher un nouveau niveau d’horreur lorsque nous avons pris conscience des réalités les plus dures, non seulement du présent, mais aussi de l’avenir possible. Il y a des gens et des lieux que nous ne reverrons peut-être jamais, mais le fait d’exister dans l’instant présent ne nous a laissé que peu de temps pour assimiler réellement cette perspective. Tout l’art créé au cours de cette période a été affecté par les changements que 2020 a apportés au monde, alors pourquoi le nier ? C’est ce que se demande Etziony, et c’est une question juste : même l’art qui n’a pas été spécifiquement ou directement influencé par les événements de l’année dernière aura été affecté d’une manière ou d’une autre, et l’impact psychologique d’une année de verrouillage mondial, à l’exception des amis et des parents, prendra probablement beaucoup plus de temps à se défaire vraiment.

Dans quelle mesure vous sentez-vous ajusté pour parler aux gens ou agir normalement à proximité, sur votre lieu de travail, en public, en général ? Combien d’entre nous sont désocialisés, socialement maladroits, mal à l’aise avec les autres ? Combien de personnes souffrant d’anxiété sociale ont

Et c’est ainsi que Yair Etziony a écrit Further Reduction après être rentré d’Israël à Berlin en septembre de l’année dernière. Selon ses propres mots, quelque chose en lui a « craqué » lorsqu’il a réalisé que de nombreux endroits qu’il connaissait et aimait avaient tout simplement cessé d’exister.

L’album commence par une ambiance expansive et résonnante, et se poursuit avec la même chose : Further Reduction est, ainsi, un opus construit sur des pulsations rythmiques et des flux et reflux lents. Prenez, par exemple, « Caves of Steel », qui est un travail d’ambiance, mais qui pointe vers des structures bien définies et des sons de nature solidement percussive.

Le premier morceau, « Reploicaset » ; passe d’un son clairsemé et échoique à une houle sonore pleine, progressive et lente. Il peut évoquer des scènes de vie sous les océans, comme les méduses qui pulsent dans les eaux profondes. Il y a des passages de tranquillité prolongée, mais aussi d’agitation.

De courts échantillons vocaux font écho aux vagues dans « Polar Vortex » et « Recreate and Update », et ces moments perturbent le long et lent bourdonnement sinistre de l’ensemble de l’album – bien que ce soit très positif, ajoutant de la texture et de nouvelles couches d’inquiétude alors que des tons changeant lentement tournent et se réverbèrent. Avec Service Recovery, tout a été réduit à un grattage, un bourdon qui plane et ronronne, et les dernières étapes de l’album sont sinistres, inquiétantes, et s’amenuisent jusqu’à une lente conclusion, où nous sommes laissés avec rien d’autre que le silence pour réfléchir, tout comme ces nuits sombres où la conversation s’arrête et où nous nous retrouvons seuls au monde, nous demandant précisément quelle est notre place, qui – si quelqu’un – s’en soucie, et ce qui va se passer ensuite.

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Beatriz Ferreyra: « Canto+ »

26 août 2021

Les enregistrements des compositions électroniques de Beatriz Ferreyra ont historiquement été difficiles à trouver, mais dernièrement, sa musique a commencé à atteindre un public plus large. En 2015, le travail de Ferreyra avec l’organisation pionnière de la musique concrète, le Groupe de Recherches Musicales (GRM), a été présenté sur un disque rétrospectif de Recollection GRM, apportant une nouvelle attention à sa pratique. En 2020, Echoes+ – un disque de Room40 centré sur la recherche d’un sens à la mortalité – a propulsé sa musique sur le devant de la scène, tout comme un album de Persistence of Sound de 2020 intitulé Huellas Entreveradas. Canto+, un autre disque de Room40, est le suivant, présentant un éventail éclectique de pièces issues des quatre dernières décennies de la longue carrière de Ferreyra. L’album de cinq titres est court et agréable, offrant un aperçu rapide et complet de l’éventail de la musique de Ferreyra.

Les compositions de Ferreyra ne s’appuient pas sur des motifs complexes ou des fourrés sonores denses pour captiver les auditeurs. Elle laisse plutôt les notes se dérouler à leur guise. L’intrication vient des textures qu’elle superpose et écrase – croquements et scintillements, anneaux perçants et bourdonnements flous. Canto+ réussit à réunir un mélange éclectique de sa musique, en mettant en évidence son sens de la simplicité. Certains morceaux de l’album sont percutants et futuristes, tandis que d’autres vivent dans des limbes glaciales, mais tous canalisent la capacité de Ferreyra à ralentir et à récolter les bénéfices de chaque instant.

Chaque plage de Canto+ témoigne d’une attention minutieuse aux détails : chaque rebondissement, chaque pincement et chaque bourdonnement sont placés de manière experte, et il est évident que Ferreyra est aussi à l’aise pour créer de la flottaison que de la liminalité. Dans « Étude aux sons flegmatiques », des sonneries éparses flottent dans un arrière-plan lointain tandis que des sons hantés murmurent en dessous, tandis que « Canto del Loco » ouvre l’album avec des étoiles filantes bondissantes qui ondulent sur des couches de carillons robotiques. La musique passe facilement de timbres lumineux à des rumeurs désespérées, même en quelques notes seulement.

Les sons futuristes de Ferreyra cachent également des motivations personnelles : « Jingle Bayle’s » et « Au revoir l’Ami » sont deux dédicaces à des amis proches, et Echo+ est centré sur l’histoire douloureuse de sa nièce. Cette intimité est subtile dans sa musique, mais omniprésente : ses détails méticuleux et son toucher fin donnent l’impression que sa musique est liée à une humanité plus profonde. Ferreyra travaille dans le domaine de la musique électronique depuis les années 1960 – résumer sa pratique en un seul album semble impossible. Mais Canto+ se concentre sur les parties les plus critiques de ses compositions, nous rappelant que chaque aspect de sa musique est soigné, des plus infimes aux plus philosophiques. Une approche subtile et envoûtante de l’électroacoustique texturale.

***1/2


Arooj Aftab: « Vulture Prince »

26 août 2021

Arooj Aftab est née au Pakistan et réside actuellement à Brooklyn aux États-Unis. Il est clair que ses racines ne sont jamais loin de son esprit. Avec son troisième album, Vulture Prince, elle nous offre un aperçu de ses réflexions acoustiques sur la perte. Chaque morceau vous touche d’une manière différente et vous éclaire d’une manière romantique et festive. Faire son deuil, c’est se languir, c’est se rappeler de sourire, quel que soit le chagrin que l’on ressent maintenant.

Aftab a perdu son jeune frère pendant l’écriture de son nouvel album et si la perte est omniprésente, elle est dépeinte dans un état calme et réfléchi. Cela pourrait être les guitares à combustion lente de « Saans Lo » qui évoquent une vibration gentille de Cocteau Twins croisée avec une prière au coucher du soleil. La voix feutrée mélangée à un scintillement lointain d’harmoniques de guitare et de souffle de vent constitue une expérience discrète mais profonde. Il pourrait s’agir de la voix dynamique d’Aftab, qui oscille entre harpes et violons sur « Baghon Main ». « Diya Hai » donnera l’impression que les sables mystérieux du temps changent les points de vue et les perspectives. Le riff est simple, mais la liberté de ce qui l’entoure est à nouveau cathartique et réconfortante.

D’autres morceaux s’éloignent de la formule acoustique simple. « Last Nigh » » mêle des éléments urbains et Arooj Aftab chante l’un des rares morceaux en anglais de l’album. Ici, le rythme a un swing reggae et le groupe est jazzy. Cet élément jazzy revient pour le morceau le plus proche, « Suroo », où une basse droite, une harpe, un synthé et une voix créent un morceau uptempo. Au fur et à mesure que le morceau progresse, il se rapproche d’un écho psychédélique, comme si tout devenait un mirage. L’une des caractéristiques de l’album d’Ajoor est que chaque chanson est une visite de lieux ou d’états d’esprit antérieurs. Le fait qu’elle les laisse dans une brume est assez révélateur du caractère temporaire de tout et de tous ceux qui nous entourent.

Les deux morceaux les plus longs sont le glorieux « Inayaat » qui fusionne harpe, piano, violon et voix dans une célébration éthérée. Signifiant « soin » ou « protectio » », le morceau a un aspect maternel, aidé par un magnifique travail de bugle. Le bugle revient pour le raj de « Mohabbat »qui est à la fois dévotionnel et plein d’amour. Ajoutez quelques percussions légères et des gazouillis d’oiseaux matinaux et vous obtenez une délicate illumination sur huit minutes de musique joyeuse.

Vulture Prince » est un album magique. Arooj Aftab a le don d’ajouter des tas de petites couches de musique qui donnent une impression de légèreté et de fluidité. Sa voix est absolument divine, elle calme votre âme sans effort tout en transmettant l’émotion. Elle parvient à faire sonner tant de choses comme si c’était si peu, tout en créant un impact colossal avec chaque bruit. Époustouflant.

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Leila Abdul-Rauf: « Phantasiai »

25 août 2021

Pouvez-vous entendre ce bruit lointain ? Est-ce un oiseau ? C’est un avion ? Non. C’est… une trompette modulée. Wdiante !. Pourquoi aurait-on pensé que c’était un oiseau ? Pour être honnête, « trompette modulée » n’est pas exactement une expression qu’on utilise souvent – ou que quiconque le fearait d’ailleurs – à cet égard, on comprendrait aisémentpourquoi ce ne serait pas notre votre première idée. Pourtant c’est l’étoile brillante de Phantasiai, le quatrième album ambient de la Californienne Leila Abdul-Rauf qui vient à l’esprit. Armée d’un peu plus de mélodies vocales, d’un glockenspiel et de la trompette susmentionnée, Leila Abdul-Rauf est prête à créer des atmosphères inquiétantes et des voyages énigmatiques. Comment l’auditeur se débrouille-t-il dans ces carrefours brumeux ?

Phantasiai est divisé en deux grands morceaux, comportant chacun quatre pistes. Chacune est juste assez éloignée de son mouvement parent pour être autonome en cas de besoin, mais elle est suffisamment similaire pour qu’il soit facile de considérer l’album comme l’expression de deux idées ou histoires distinctes, explorées dans leur intégralité au cours d’un peu moins de quarante minutes. Les instruments sont lourdement chargés d’effets : réverbération, distorsion, modulation transforment de simples coups de glockenspiel en échos perçants et tremblants qui portent des mélodies frémissantes de malaise, et donnent à la trompette une portée comparable à celle des synthés superposés. Par conséquent, malgré le nombre relativement restreint d’instruments utilisés pour ce projet, Phantasiai est capable de créer des atmosphères inquiétantes et troublantes. « Distortions in Phantasy III : Suspension » est le premier morceau de l’album à incorporer des voix dans le mixage, combinant des cloches lointaines avec le bourdon de la trompette et réussissant à créer une arène lugubre dans laquelle la musique se construit, une arène qui s’infiltre dans « Distortions in Phantasy IV : Disembodiment » pour renforcer le froid et le malaise. C’est dans ces morceaux que la mission de l’album est la plus claire : des impressions sombres et ambiantes de douleur, de perte ou de monotonie, racontées comme une histoire ouverte à l’interprétation.

Des morceaux comme ces deux-là, avec des constructions lentes sur des thèmes répétitifs, sont les points culminants de l’album, mais il est difficile de ne pas avoir l’impression que Fantasiai se laisse emporter par l’instant et fait des méandres. Bien sûr, il s’agit de musique d’ambiance, donc une certaine quantité de méandres est attendue, mais lorsque « The I Emerges » démarre avec « Rebirth », il est surprenant de voir à quel point il se passe peu de choses. Il y a beaucoup de drone sinistre, la trompette chante une mélodie lugubre, et puis tout se désintègre dans un trop long grognement de morosité et de malheur qui, bien qu’agréable sur le moment, est oublié presque aussitôt qu’il se termine. On trouve un peu difficile d’expliquer les nuances de l’album qui font que certains morceaux intéressants et d’autres oubliables, mais l’album passe tellement de temps à me faire passer d’un côté à l’autre qu’il devient rapidement difficile de garder la trace des parties que l’on a aimées et de celles à coté desquelles nous sommes passés

Ainsi, Phantasiai ressemble moins à huit titres issus de deux mouvements pour former un seul album qu’à une seule entité informe, à l’aise dans son arène et peu désireuse de s’éloigner de son idée initiale. Prenez le dernier morceau « The I Emerges IV : Cell » – ce titre innove en incorporant un piano pour donner au moment un sentiment de drôlerie, ce qui correspond bien à l’idée de « cellule ». Le problème, c’est qu’il fait la même chose, encore et encore, pendant les cinq minutes que dure le morceau, ce qui donne l’impression qu’il n’est pas très inspiré comme conclusion. On ne m’attend pas à ce que le style soit excitant, mais perdure l’impression qu’Abdul-Rauf essaie de raconter une histoire qui est souvent prise dans son propre élan sur son album. L’ensemble se déplace et tourne constamment sur lui-même, oscillant entre le fascinant, les méandres, l’agréable et l’oubliable, d’une manière qui rend difficile de le juger correctement.

Parfois, on l’appréciere donc, parfois non. Ce que Leila Abdul-Rauf a construit avec Phantasiai est une expérience narrative immersive, mais, pour moi, elle manque d’impact. Le facteur de mémorisation qui me donne envie de revenir à l’album et de creuser plus profondément dans la morosité est absent de Phantasiai, ce qui le rend un peu difficile à recommander. On ne déteste jamais une lecture de l’album – en fait, jon est même impressionné par la quantité de sentiments qu’Abdul-Rauf est capable de glaner à partir d’une gamme relativement simple d’instruments – mais on peut craindre que le style de Phantasiai ne soit tout simplement pas fait pour toutes les oreilles.

***1/2


GosT: « Rites of Love and Reverence »

25 août 2021

GosT est, depuis 2013, le véhicule du producteur et chanteur James Lollar. La musique de GosT, qui s’inscrit dans la catégorie synthwave, s’inspire en fait de nombreux domaines, dont le post-punk, l’industriel et le black metal. Lollar a d’ailleurs régulièrement partagé la scène avec des groupes de métal comme Pig Destroyer, The Black Dahlia Murder et Mayhem, ainsi qu’avec des groupes de synthwave comme Perturbator et Carpenter Brut.

Rites of Love and Reverence est le sixième album de GosT, et Lollar le décrit comme « l’aboutissement de tout ce que j’ai appris au cours des huit dernières années environ où j’ai fait de la musique électronique ». I s’agit plus d’un raffinement que d’une réinvention, et il affirme y avoir trouvé « toute sa confiance, tant sur le plan sonore que vocal ».

La musique rassemble ici des éléments de house, de synth pop, d’industriel, de rock gothique, de noise et de métal, pour en faire une fusion synthwave très cohérente. Le disque est lourd, sombre et abrasif, mais aussi très mélodique. Des percussions simples et percutantes, noyées dans une ambiance gated des années 1980, font avancer les morceaux. Des motifs rythmiques de synthétiseurs pulsent au loin. Des ostinatos mélodiques qui résonnent arrivent et disparaissent. La basse palpite et groove. Les effets atmosphériques montent et descendent. Des glitches et des explosions sonores inattendues secouent et réalignent le climat sonore de temps à autre. Le chant post-punk profond et douloureux de Lollar tisse des mélodies arides.

Parfois, des cris féroces de black metal se font entendre. Sur « Bell, Book and Candle » et « November is Death », Bitchcraft s’invite dans des segments parlés angoissés. Les paroles, sur la façon dont la sorcellerie a affecté les femmes à travers l’histoire, sont traitées de façon troublante et sinistre par ces approches vocales variées mais complémentaires.

Hormis les voix, les instruments semblent presque tous être synthétiques. De temps en temps, les guitares font leur apparition, comme sur « Burning Thyme », qui clôt l’album et qui, pendant un moment, rappelle New Model Army jusqu’à ce que l’assaut du synthétiseur commence pour de bon.

Les tempos sont en grande partie dansants, et de nombreuses sections de la musique pourraient être mélangées sans problème au set d’un DJ house ou électro. À d’autres moments, cependant, nous pourrions écouter un groupe de post-hardcore avec des instruments électroniques, ou une sorte de collaboration entre The Sisters of Mercy et Justice. Le trope familier de la synthwave, constitué d’éléments de bandes originales de films des années 80, n’est jamais très loin de la surface ; certaines parties de synthétiseur fonctionneraient sans problème comme des accompagnements alternatifs de Blade Runner ou de n’importe quel autre classique. Toutes les couleurs sonores disparates sont mélangées de manière experte.

Rites of Love and Reverence a son propre son qui affiche ouvertement ses influences sans compromettre son aura de fraîcheur et d’originalité. Les arrangements sont souvent sombres et durs, mais il y a aussi une énergie jubilatoire et même un sens de l’amusement dans beaucoup de mélodies hymniques et d’effets sonores exagérés, presque de style dessin animé.

Bien quel’album ait une excellente production à bien des égards, le disque souffre beaucoup de la décision apparente (au niveau du mixage ou du mastering) d’écraser l’audio beaucoup trop lourdement à l’aide d’un limiteur dur. Le son a été écrasé au point que le disque, malheureusement, est une écoute beaucoup moins agréable et satisfaisante qu’il ne le mérite vraiment. Oui, les sons, l’enregistrement et les arrangements sont superbes, et la présentation atteint un équilibre agréable entre la chaleur de la vieille école et la précision moderne. Cependant, le traitement de type « loudness wars » rend le disque beaucoup moins excitant et beaucoup plus épuisant qu’il ne pourrait l’être si on lui donnait plus d’espace de respiration dynamique.

Rites of Love and Reverence déborde d’une menace inquiétante. Il évoque les bandes originales de films de science-fiction classiques et les bars gothiques des années 80, mais sonne également de manière contemporaine et originale. Il est indéniablement lourd au sens du métal, mais aussi incroyablement proche de la musique de danse de club. James Lollar est clairement un maître et un visionnaire. Si les murs entre des scènes musicales apparemment antithétiques s’estompent de plus en plus au fur et à mesure que de nouveaux sous-genres se croisent, alors GosT représente peut-être une accélération prémonitoire de ce processus. Ce disque est incontestablement fort et, parfois, magique, au-delà de son simple contenu lyrique. Il est à deux doigts d’offrir une expérience enchanteresse du début à la fin, mais il en est empêché par le traitement sonore étouffant mentionné plus haut. Néanmoins, ce nouvel opus ravira sans aucun doute les adeptes actuels de GosT et aidera ce projet de fusion de genres à attirer encore plus de nouveaux adeptes.

***1/2


The Joy Formidable: « Into the Blue »

25 août 2021

Près de 15 ans; c’est une longue période pour être dans un groupe. Comment faites-vous pour que le jus créatif coule à flot ? Certains ensembles trouvent une chose dans laquelle ils sont bons, et continuent à la faire, à l’infini. (Voir : Bad Religion, la plupart des groupes pop.) D’autres réinventent audacieusement leur son, rejetant les styles abrutissants du passé dans l’espoir de réussir à capturer quelque chose de nouveau et de vital. (Radiohead, Tegan And Sara, n’importe quel nombre de groupes bruitistes qui se lassent de leurs pédales de distorsion). Mais dans l’ensemble, la majorité des groupes continuent simplement à élargir lentement leur palette sonore, tout en s’accrochant au concept fondamental qui les a fait naître en premier lieu. Dans le cas de The Joy Formidable, une confrontation constante avec le passé est devenue une partie intégrante de la discographie tumultueuse du groupe. Cette tension est mise en évidence sur Into The Blue, un disque qui s’efforce de redécouvrir la magie du mixage du groupe, tout en essayant de concilier ce qui a été fait auparavant avec le désir de voir tout cela avec un regard neuf.

Tout au long des années 2010, la production du groupe a ressemblé à une lutte constante pour transcender le succès arena-rock instantané du premier album The Big Roar, une fusion quasi parfaite de riffs de guitare massifs et de refrains encore plus massifs, le tout ancré par le chant joyeux et triomphaliste du chanteur Ritzy Bryan, éloquent et abstrait à parts égales. Wolf’s Law, sorti en 2013, reprend la même formule et tente de recréer la magie qui a prouvé que les débuts du groupe n’étaient pas un hasard.

Mais Hitch s’est éloigné musicalement sans apporter grand-chose en retour, un cas évident de douleurs de croissance qui n’ont jamais trouvé d’exutoire solide. En 2018, cependant, il semblait qu’une renaissance créative était en train de se produire, Aaarth incorporant un mélange capiteux de nouvelles influences et techniques à la bombarde riff-rock du groupe, ce qui a donné lieu à un album qui possédait moins de catharsis légère, mais une transition admirable vers un type de groupe légèrement différent, tout aussi à l’aise avec les grooves décalés qu’avec les hymnes à quatre sur le plancher.

C’est ce qui fait de Into The Blue un disque si étrange. Bien que l’on y trouve quelques fioritures diverses – et deux chansons basées sur une profonde ballade à la guitare acoustique – c’est un retour indéniable à la forme initiale, bien qu’avec la sensibilité évidente d’un groupe qui s’efforce de trouver à nouveau la magie dans la formule. « Je ne retournerai pas à rien » (I won’t go back to nothing), chante Bryan sur « Back To Nothing », une épopée shoegaze magistrale qui donne néanmoins une voix à l’incertitude musicale capturée par l’album : « Que ça se termine… il n’y a pas de rencontre au milieu, maintenant. » (Let this end… there’s no meeting in the middle, now) se répète en leitmotiv cette phrase, et on a l’impression qu’elle s’adresse au groupe qui rejette tout ce qui est trop aventureux, et qu’elle se concentre sur les rythmes et les riffs hard-rock pulsés sur lesquels The Joy Formidable a fait ses preuves.

***1/2


Emmett Brown: « Weird Science »

24 août 2021

Emmett Brown, passionné de dark synth et de synthwave, œuvre depuis 2016. Le premier album, Manic, témoignait d’un amour pour les films d’horreur des années 80 avec une pochette sur laquelle figurait un autocollant « Be Kind, Please Rewind ». Cet opus de sept titres a valu à Brown d’être suivi par de nombreux fans de synthwave. Vers la fin de l’année, leur deuxième EP Void est sorti. Une fois de plus, les fanatiques de synthwave ont dévoré le sept titres, et le sentiment n’a pas changé lorsqu’ils ont sorti The.

Évidemment, le titre de l’album est inspiré du film des années 80 du même nom. Cependant, si vous lisez cette critique en espérant voir des comparaisons entre l’album et la comédie, vous n’en trouverez aucune. L’album commence donc par un morceau d’introduction appelé simplement « Intro ». La pluie, le tonnerre, les bips d’un ordinateur archaïque et des fioles bouillonnantes composent ce morceau cinématique. Avec une ligne de synthé profonde, « Intro » va, à ce titre, créer une ambiance sombre pour Weird Science. « 88 » vient ensuite et il fournit un rythme soutenu ; les breaks glitchs abondent dans ce morceau dansant. Aux alentours d’une minute et trente-huit secondes, tout se calme pour laisser passer un peu de piano. Bien sûr, cela ne dure pas longtemps car on retourne dans le vif du sujet. Bien joué. 

Les vibrations effrayantes se poursuivent avec « Cobwebs », morceau qui remplit les oreilles de partitions synthétiques adaptées à la saison la plus merveilleuse de l’année, Halloween. Des chants de sorcières donnent le coup d’envoi de « Watts Up » avant que l’on ne soit jeté dans un chaudron de beats et de kicks électroniques granuleux. Jonn Konstantine et Sequencer collaborent tous deux avec Emmet Brown sur le titre « Synthetic Horror ». Bien qu’il m’ait été difficile de déceler une différence dans la production avec l’ajout des deux noms, « Synthetic Horro »’ n’en est pas moins un autre banger de l’album. Le morceau Qi, « Death Becomes You », qui fait penser à Halloween, est un concentré de bruits impies. 

Si l’électronique fait merveille sur «  Collider », c’est le son métallique de la guitare de Deaths Gate qui donne vie à la chanson. Il ajoute un côté plus brutal à la chanson. Sunesis fait également une apparition sur la chanson en tant que choriste, et sa contribution donne une touche plus légère à cette chanson autrement lourde. Le dernier titre « Heavy Metals » est une autre collaboration avec Deaths Gates, on peut penser que le titre du morceau s’explique assez bien ; il est rempli de guitares méchantes et de batteries qui pompent, soutenues par l’électronique pulsée d’Emmett Brown. Bien joué.

Bien que toute référence (si tant est qu’il y en ait une, à part le titre et la pochette) de Weird Science à son équivalent cinématographique des années 80 soit perdue pour nous, cet album de huit titres a réussi à m’impressionner. Alors qu’il est maintenant dorti, une partie de certains d’entre nous qurait souhaité que l’album sorte en octobre, car les thèmes, les sons et la production me rappellent tellement cette période de l’année. Les chansons produites par Emmett Brown sont à elles seules incroyables, et ses collaborations avec Jonn Konstantine, Sequencer et Sunesis sont toutes excellentes. Notre préféré dans l’ensemble vient à la toute fin avec « Heavy Metals », caril est donné de croire que Deaths Gate et Emmett Brown ont associé leurs travaux les plus durs ensemble pour un final brutal. Pour les fans de synthés sombres, d’électronique lourde et de métal, Weird Science est un opus qu’l est conseillé de ne pas manquer. Sept des titres sur dix ! « Beast From Beneath ». Leur seul « single » à ce jour, « Holdin’ Back » ( avec Sunesis) avait été évincés en 2021, et ils avaient une tonalité plus lumineuse et synthpop. Les personnes en charge sur Lazerdiscs Records ont pris note des réalisations et des possibilités de Brown et c’est pour cela que ce dernier a annoncé la sortie de ce nouvel album sur ledit label.

***1/2