Big Hogg: « Pageant of Beasts »

26 juillet 2021

Ce groupe de Glasgow est devenu un élément incontournable de la scène musicale de la ville, collaborant régulièrement avec des compagnons de route locaux comme les membres du très regretté Trembling Bells, ainsi qu’avec des sommités de passage comme Ex Reverie (le groupe a récemment accompagné Gillian Chadwick sur son excellent opus Isobel Gowdie avec Julia Jeffries). Mélangeant avec aisance des éléments particuliers du psychisme de la côte ouest, du funk des années 70 et du folk rock britannique de Fairport, ils offrent un mélange séduisant et enivrant qui conserve aussi fortement leur propre marque unique et leur style identifiable. Les albums précédents, tels que l’éclatant premier album éponyme de 2015 et le suivant Gargoyles, ont marqué la croissance de Big Hogg en une unité qui peut joyeusement nager dans des eaux expérimentales tout en gardant un groove stable et une forte sensibilité mélodique, une capacité qui leur a valu une reconnaissance critique significative. Conçu à l’origine à la fin de l’été 2018, Pageant of Beasts consolide et élargit les précédentes sorties de BH, tant sur le plan sonore qu’en termes d’écriture, sans doute aidé par le fait d’avoir été écrit et enregistré par tout le groupe ensemble dans un studio voisin de Glasgow, puis mixé pendant le huis clos. Il y a ici un sentiment authentique et tangible de cohésion et de « verrouillage » de parties et de styles disparates ; une fusion en quelque sorte, une magie qui s’est produite avec les bons composants et les bons acteurs, au bon moment.

Le morceau d’ouverture, « Golden Beasts », est une véritable fanfare, une salve de trompette solo pour ce qui est à venir, il est convenablement royal et plein de promesses. « Here Come The Moles » sera un mélange de Funkadelic et d’une séance d’entraînement psychédélique, habilement ancrée et encadrée par la section de cuivres et une guitare tour à tour carillonnante et brûlante. La voix de Sophie Sexon se marie parfaitement avec celle de Justin Lumsden ; en fait, Big Hogg tisse une tapisserie extrêmement efficace, chaque partie et chaque joueur contribuant de façon transparente à l’image sonore. Ensuite, « Man Overboard » accentue ses penchants soul des années 70 avec une rafale de flûtes adroites, avec à nouveau un soupçon de psychisme baroque à la Nirvana ou The Left Banke. On peut entendre l’ex-Trembling Bell Lavinia Blackwell apporter sa voix distinctive, son collègue Mike Hastings apparaît également sur l’album, tout comme la multi-instrumentiste Georgia Seddon, fille de Mike Heron de The Incredible String Band. « Smoking Again » plonge dans le psycho-rock enflammé que Big Hogg peut évoquer comme s’il faisait partie intégrante de son être ; cependant, l’exécution apparemment sans effort cache une interaction d’une complexité impressionnante entre des éclats de guitare en fusion et des cuivres, comme un mélange capiteux de Kinks de l’époque Village Preservation et de TS McPhee. Suit une version vréritablement envoûtante du « Willow’s Song » de Paul Giovanni, tirée de The Wicker Man, à la fois chatoyante et envoûtante. Le groupe saisit habilement l’étrangeté inhérente à la chanson, en laissant beaucoup d’espace aux bois bucoliques et aux échos électroniques spectraux pour ajouter un côté inquiétant. « Red Rum » fait honneur à Pentangle, la contrebasse créant un contraste saisissant entre des moments d’exploration plus calmes, influencés par le jazz, et une série de descentes de cuivres et de guitares à couper le souffle.

Ensuite, l’intro à la trompette de « All Alone Stoned » mènera à une beauté réfléchie et nostalgique aux couleurs de Canterbury, ses guitares bridées et son instrumentation délicate offrant une douce nostalgie qui montre encore une autre facette de Big Hogg, avec un orgue fuzz à la Richard Sinclair. La chanson se termine par le chant « Ringtone Round » de The Quatermass Conclusion, qui ajoute un aspect inquiétant et obsédant. « Magisetellus » est une tranche scintillante et psychédélique de cosmiche doux, mais avec des éclats intermédiaires de flûte et de cuivre en clé mineure qui ajoutent un courant de tension et un drame tranquille. Toujours dans le cosmos, les synthés analogiques introduisent « Wyverns », un morceau de space rock en spirale, imprégné de prog, qui est vraiment transportant et qui flotte dans son propre univers unique et orné. Un possible point culminant de l’album, le ciel rempli d’étoiles que BH invoque ici indique certainement un coin musical qu’ils seraient les bienvenus d’explorer davantage. Les cuivres de « Bouffant Tail » et son approche libre servent de toile de fond à une curieuse poésie performative – et offrent un espace pour reprendre son souffle – avant de déboucher sur la chamber-pop laconique qu’est « Cat Fool » qui sonne déjà comme un classique intemporel, ou quelque chose que l’on pourrait dénicher dans une collection de vinyles des années 70 acclamés par la critique (le breakdown à la fin vaut à lui seul le prix de l’entrée). En conclusion de l’album, la trompette solitaire revient, clôturant le voyage (et c’est un album visuellement puissant, avec à la fois son imagerie lyrique et ses harmonies multicouches évoquant diverses époques historiques et zones géographiques, de l’Angleterre de Kevin Ayers à la côte ouest californienne de la fin des années 60/70, avec un soupçon de New York et de Chicago entre les deux).

Un retour triomphal donc et un autre bijou dans la discographie croissante de Big Hogg. Si c’est votre tasse de thé, plongez dans leurs précédents albums, vous y trouverez des trésors. Il est, en outre, magnifiquement packagé, comme pour les sorties précédentes, dans une couverture conçue et illustrée par Julia Jeffrey.

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The Cleaners From Venus: « Penny Novelettes »

19 juillet 2021

Penny Novelettes est la toute nouvelle version et le dernier joyau à ajouter à la couronne de The Cleaners From Venus, alias Martin Newell, dont les récits intemporels sur la vie provinciale, de l’amour et de tous les points intermédiaires ont fermement établi son travail dans la grande tradition des auteurs-compositeurs-interprètes anglais. 

S’inspirant de thèmes contemporains mais familiers aux adeptes de ce pionnier de l’underground DIY, l’album regorge d’histoires nostalgiques d’amour perdu et d’observations sur la vie quotidienne des Anglais. Comme le titre de l’album l’indique, les chansons de cette collection contiennent des histoires racontées de manière classique qui peuvent être considérées comme des vignettes individuelles de l’existence d’une petite ville ou comme un commentaire sur la société britannique moderne.

Le titre « Penny Novelettes » est le récit poignant mais léger d’un livreur démodé qui est « un retour à une époque bien antérieure » (a throwback to some much earlier time) et qui s’habille comme « le père de son père » (his dad’s dad), qui finit par trouver le grand amour avec une fille du coin, comme l’auraient fait les générations précédentes de sa famille. Évoquant la mélancolie de la meilleure œuvre de Ray Davis, l’acceptation par les personnages du fait que leur mariage ne doit pas être comparé à celui de Meghan et Harry met en évidence une acceptation sans réserve de leur chemin de vie et une incapacité à envisager que cela puisse changer un jour.

« Estuary Boys » dresse un tableau saisissant de la culture « dépensez comme vous gagnez » (spend as you earn) de la société britannique moderne. À la fin de chaque semaine, la vieille couronne ternie au-dessus de la ville brille sur ses habitants qui parlent de voyages en Thaïlande ou à Berlin et trouvent des clients pour le « Paco Rabanne à l’arrière de la camionnette » garée sur le parking du pub. La voix vive de Newell et l’instrumentation enjouée illustrent l’attitude joyeuse et insouciante de tous ceux qui ont l’expérience de cet élément de la vie britannique.

A l’opposé, « Flowers of December » est une évocation onirique de l’amour perdu, avec un thème instrumental insistant, des riffs de guitare qui s’entrechoquent et une voix éthérée. Le « cygne sans espoir » de la chanson qui nage dans la rivière semble incapable d’échapper aux souvenirs du passé qui laissent un désir ardent de jours meilleurs. Les effets et l’instrumentation tout au long de la chanson font penser à un morceau perdu depuis longtemps, extrait d’une session d’enregistrement inédite de Revolver.

Le commentaire social de « Statues » est couplé à un son qui rappelle l’apogée de la power pop. Les solos de guitare classiques et les harmonies vocales se combinent pour aborder des questions contemporaines telles que la pandémie de grippe, l’agitation sociale et l’aide financière aux pauvres. Les plaidoyers persuasifs de l’auteur en faveur du changement sont mis en valeur par une mélodie accrocheuse caractéristique et un arrangement dynamique. 

Sur les 14 pistes de cet ajout bienvenu au catalogue considérable de Newell, Penny Novelettes capte l’imagination de l’auditeur en peignant une image des temps passés et présents, chaque chanson mettant en scène des personnages différents et dépeignant des événements à la fois exceptionnels et banals, afin de mettre en lumière les parties de la Grande-Bretagne que nous avons aimées et perdues et celles qui, pour le meilleur ou pour le pire, demeurent.

***1/2


Clairo: « Sling »

19 juillet 2021

Il y a quelque chose de désarmant mais aussi de stimulant dans les paroles de Clairo. Elles sont comme la porte légèrement entrouverte qui vous invite à entrer dans un salon douillet. Elles sont l’aimable hôte qui vous propose d’accrocher votre veste, la tape dans le dos qui vous confirme que « oui, vous êtes au bon endroit ».

Les premières lignes de « Bambi », le morceau d’ouverture du deuxième album de Clairo, Sling, illustrent parfaitement cette idée : « J’entre dans un univers conçu contre mes propres croyances » » Vous ne savez peut-être pas tout à fait ce que signifie cet hôte réconfortant, mais vous êtes d’accord. Vous vous asseyez sur une chaise ouverte. Vous décidez de baisser votre garde et d’écouter.

Avant que la neige n’ait complètement fondu de vos bottes, vous vous retrouvez à hocher la tête et à interrompre jovialement en signe d’accord ; vous êtes trop excité pour leur dire que « oui, j’ai ressenti la même chose ! ». Sling fourmille de moments précis que vous n’avez jamais pu décrire, mais vous êtes tout simplement ravi que quelqu’un puisse ancrer ces sentiments qui vous ont toujours semblé ésotériques et abstraits.

« Je ne peux pas tout foutre en l’air/ Si ça n’existe pas du tout » (I can’t fuck it up/ If it’s not there at all), reconnaît astucieusement notre logeur. Vous ne vous êtes pas rendu compte que c’est exactement la façon dont vous avez géré vos problèmes au cours de l’année écoulée. Vous êtes déconcerté et vous appréciez l’effet calmant d’un ami attachant qui vous a manqué pendant des mois.

La soirée est déjà bien avancée. La plupart des invités se sont dispersés, mais vous êtes captivé par une conversation facile avec l’hôte. Le deuxième pot de café fait sa tournée et vous levez les yeux pour remarquer les tapisseries de laine drapées contre les murs lambrissés. Elles semblent immuables et sans âge, comme si elles avaient existé avant la construction de ces murs et qu’elles survivront bien au-delà de l’intégrité structurelle de la maison.

Alors que les paroles de Clairo s’apparentent à celles d’un hôte empathique, ses performances instrumentales sont filées comme des tissages d’héritage qui décorent ce rassemblement douillet. Elles ont toujours été là, si intentionnelles et inégalables dans leur tonalité que l’on ne peut imaginer d’autres notes à leur place. En d’autres termes, l’instrumentation de Sling est si absolue et si adaptée qu’on a l’impression qu’elle a toujours existé, qu’elle n’a pas pu être écrite, mais trouvée : ordonnée.

Les timbres pastoraux de Sling représentent un changement par rapport au précédent album Immunity. La confiance tranquille des arrangements décadents, des lignes de basse piquées avec audace et des pianos penchés remplace l’incertitude des guitares chantées en chambre et des harmonies mélancoliques. Il y a une vision et un objectif distincts derrière le dernier album de Clairo, qui rappellent volontiers l’écriture aérée et puissante de Karen Carpenter ou de Carole King, mais qui passent par le filtre soigneusement élaboré d’un poétique de la génération Z en Clairo.

La production soignée de Jack Antonoff fait ce qu’elle est censée faire : elle donne à Clairo une toile bienvenue pour peindre ses paysages à la Bob Ross, des scènes de nature idylliques qui emmènent l’auditeur dans le studio du nord de l’État de New York où ils ont enregistré Sling.

Il est vrai que cette appréciation semble quelque peu ostentatoire, mais vous en êtes à votre quatrième tasse de café et ces choses ont un sens pour vous. Vous êtes maintenant complètement absorbé par la magie chaleureuse de la pièce, de son décor omniprésent, de l’étrange hôte et de sa sagesse divine qui vous est si délicieusement offerte. Vous savez que vous devriez rentrer chez vous, mais vous mettez votre tête en arrière, vous autorisant une autre série de contes et presque 45 minutes d’inspiration qui vous rassure et vous conforte.

***1/2


Trapist: « Ballroom »

19 juillet 2021

Quelle belle surprise que celle-ci ! Comme beaucoup de ces productions, celle-ci a été écoutée une fois puis oubliée depuis. L’album ne plaisait pas vraiment, mais la raison nous en échappait. Après l’avoir réécoutée, jon peut comprendre pourquoi. C’est très lent, ça prend du temps pour se développer, ça demande une écoute complète et surtout, ça demande à l’auditeur d’être en accord avec l’idée qu’il ne s’agit pas de la destination mais du voyage. On peut supposer que ce n’était pas notre cas lorsque on l’a entendu pour la première fois.

Trapist est (était ?) un trio viennois composé de guitares et d’électronique (Martin Stiewart), de percussions et d’électronique (Martin Brandlmayr), et de contrebasse (Joe Williamson).  Ces trois musiciens jouent avec retenue et finesse tout au long du disque.

Il y a plusieurs points forts dans cet album.  Tout d’abord, ils sont brillants pour synthétiser l’acoustique (batterie, guitare à cordes de nylon, contrebasse) avec l’électronique. C’est fait si naturellement que cela devient un non-événement dans le champ sonore global.  En écoutant cet album, je n’ai jamais pensé à séparer ces deux éléments.  Les deux sont si étroitement liés par la hanche que les textures et les ambiances globales donnent l’impression d’un jeu d’ensemble symbiotique, et pas seulement d’instruments acoustiques sur l’électronique.  Le tout est-il plus grand que la somme de ses parties ?  Pas complètement, parce que, pris isolément, chacun joue très bien, mais vu sous un angle plus large… c’est un paysage sonore substantiel et tout à fait charmant.

Deuxièmement, troisièmement et quatrièmement, il s’agit des instruments et des musiciens eux-mêmes. On dirait qu’il y a ici des guitares à cordes de nylon et des guitares électriques, mais les guitares à cordes de nylon sont très en avant et au centre. Cet amalgame fonctionne, et c’est un beau mariage lorsqu’il interagit avec l’électronique subtile (et parfois pas si subtile).

Les tambours et les percussions sont également merveilleux. Il y a beaucoup de travail au pinceau ainsi qu’un arsenal d’objets percussifs divers et variés… le tout joué de manière très libre et sans effort. C’était fascinant de se concentrer sur cet aspect.

Enfin, la basse acoustique, jouée à la fois de manière arco et pincée, est de très bon goût, même si elle est un peu discrète. Pendant les sections arco, elle prend un son de bourdon électronique où j’ai dû faire une double prise sonore pour déterminer qu’il s’agissait bien d’une basse acoustique.

Ces raisons et d’autres encore m’ont suffi pour dire que Ballroom est en effet une belle déclaration. On ne peut qu’être heureux de l’avoir dépoussiérée et de vous la recommander vivement.

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Johanna Samuels: « Double Bind »

18 juillet 2021

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être considérée comme la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album, Double Bind, combine des aspects de folk, de swing jazz, de country-western et de pop acoustique, faisant preuve d’un talent artistique synonyme d’Ingrid Michaelson et des rêveries des Decemberists.

Les accents tordus qui entourent « Real Tragedies » ont un côté folk porche, tandis que « Please Say Some Good » a une touche de swing. « From Above You » présente un glaçage pop classique qui rappelle Carole King, et les rythmes de basse lourde qui soutiennent « This Place » sont accentués par des acoustiques teintées de country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur lorsqu’elle dit : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux pour prétendre que tout est réel / La vérité de nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’était la raison pour laquelle nous formons une bonne équipe… Est-ce que ça irait si je m’éloignais / Les parties que tu as écrites ne fonctionnent pas de toute façon ». ( Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque ainsi les relations personnelles dans ses textes, un thème récurrent tout au long de l’album. Il y a une qualité de Matt Costa dans son timing mélodique, comme le montrent « Give It Up » et « Chanson ». Elle passe des textures folkloriques de ces deux titres à une teinte country-western dans « Your Door », en introduisant des éléments américains dans l’enregistrement.

Double Bind démontre l’acuité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

***1/2


The Flatlanders: « Treasure of Love »

18 juillet 2021

The Flatlanders est une sorte de supergroupe réticent qui mérite bien la reconnaissance qu’il a pu obtenir. Composé de trois légendes musicales de l’État de l’étoile unique – Joe Ely, Jimmie Dale Gilmore et Butch Hancock et, depuis peu, du légendaire joueur de pedal steel et multi-instrumentaliste Lloyd Maines -, il n’a réussi à sortir que sept albums en tandem depuis sa création il y a près de 50 ans, ce qui fait de chaque nouvel album un événement. La preuve en est que le bien nommé Treasure of Love marque leur première collaboration depuis une douzaine d’années.

Cela dit, ce nouvel album ne constitue pas une rupture radicale avec le mode opératoire habituel du trio. « Je ne suis qu’un homme ordinaire », insiste Gilmore sur leur reprise bien adaptée de Leon Russell, « She Smiles Like a River ». Il en va de même pour la reprise de « Long Time Gone » de Tex Ritter, qui dégage l’honnêteté et l’humilité inhérentes à une approche que l’on ne peut qualifier que de modeste. Le fait que tous les titres de ce généreux coffret de quinze chansons, à l’exception de deux d’entre eux, soient des chansons d’autres personnes témoigne de leur désir de submerger leur propre ego et de rester fidèles à leurs racines. En effet, il s’agit d’une question d’inspiration. Par exemple, « Give My Love to Rose » est tellement fidèle à l’original qu’il serait difficile de faire la différence entre la lecture de Flatlander et le classique de Johnny Cash. On pourrait dire la même chose de leur version «  down-home » et sans prétention du « Treasure of Love » de George Jones, en dépit de la voix grinçante de Gilmore. D’autre part, les entrées originales – « Satin Shoes » d’Ely et « Ramblin’ Man » »de Hancock – s’intègrent parfaitement et avec assurance aux standards qu’ils ont sélectionnés. Ce n’est pas un mince exploit si l’on considère l’éventail d’auteurs qui se succèdent dans la liste des titres – Bob Dylan, Paul Siebel, Earnest Tubb, Mickey Newbury, Tex Ritter et Townes Van Zandt, entre autres.

Il y a, pourtant, quelque chose de délibérément audacieux dans la tentative de recycler des standards bien usés comme « She Belongs To Me » de Dylan et en particulier le classique blues souvent repris « Sittin’ on Top of the World ». Le trio s’exprime avec une aptitude et une assurance qui non seulement rendent justice aux versions séminales, mais s’assurent également qu’elles correspondent à leur propre modèle. Cette dernière chanson, en particulier, devient un morceau de musique countrifiée qui se distingue de tout facteur de familiarité auquel on pourrait s’attendre.

Les fans des types hors-la-loi en général – Waylon, Willie et Johnny en particulier – trouveront une cause commune avec l’objectif des Flatlanders – à savoir, une appréciation robuste et durable de l’Americana essentiel sans le besoin de l’étiqueter comme quelque chose de nouveau, à la mode ou même opportun. Avec Treasure of Love, la révérence des Flatlanders pour leurs racines reste fidèle à son titre.

***1/2


Gozer Goodspeed: « Ghosts of the Future & Past »

17 juillet 2021

Voici, à première vue (ou écoute), une collection étrange du troubadour blues-folk de Plymouth, Gozer Goodspeed, mais ce n’est pas un artiste à prendre au pied de la lettre. Ayant récemment signé sur le label Lights & Lines, un album composé d’anciens titres remixés, d’enregistrements rares et de quelques nouveautés a été rassemblé sous le titre de Ghosts of the Future & Past et constitue une excellente plate-forme de départ pour les non-initiés. 

S’ouvrant sur le rythme envoûtant de « Gambler’s Last Day « , Goodspeed présente son style roots, influencé par l’Americana et agrémenté de paroles qui racontent des histoires, d’une guitare qui gronde et d’un rythme traînant. Charlatans and Hypnotists  » est un morceau entièrement nouveau qui sonne comme si Frank Turner fournissait une guitare d’accompagnement à un flux de conscience de Tim Booth avec une énergie qui démange. Le morceau favori « Rattlebone Colour » est toujours aussi contagieux, tandis que « Man With the Ruined Knee » transporte toujours l’auditeur dans une réserve amérindienne, dans les heures calmes de la nuit, avant que l’aube ne fasse son apparition. 

On trouve dix-sept morceaux sur cette collection et chacun d’entre eux est conçu avec un soin délicat et une passion égale, un fait confirmé par la complexité de « Barrel Headlong into the Night » » qui se déploie comme un jam de l’ère Joshua Tree de U2. « What You Got Going On, Lewis ? » et « The Blueman and the Headshrinker » sont deux des meilleurs exemples d’écriture de chansons basées sur le blues que et seront, à ce titre, des acrées compositions. La guitare profonde, riche et tourbillonnante de « Impossible to Pick Up » fonctionne parfaitement pour une chanson sur l’intangibilité du chagrin, avant que « Survivor by Habit » » ne reprenne la piste de l’Americana avec des éléments des Black Crowes et des Indigo Girls.

La voix de Goodspeed prendra un tour crépusculaire et poussiéreux sur « The Key Broke Off Clean In The Lock » », une chanson qui est la bande-son parfaite d’une nuit passée sous les escaliers à s’émerveiller de la taille de tout cela. La progression de l’artiste solo au capitaine du navire sur « ‘Running with the Outliers » sera, elle, brillante à entendre, alors que le groupe de frères de Goodspeed, les Neon Gamblers, se joignent à eux pour une fête complète, un thème qui se poursuit sur « Pumas and Neon Signs », plus calme. « We never talk about the time you found God on the King Point Marina » est la ligne d’ouverture de « King Point Marina », une référence au point de repère bien connu de Plymouth, pourrait, de son côté, facilement être une complainte de Dylan. 

Le côté diabolique de Goodspeed transparaît sur « Rebuilt and Remade », où il vous raconte les secrets du monde tout en faisant tourner paresseusement sa fidèle guitare acoustique. « The Killjoy Bulletin » est un enregistrement live (l’espace que Goodspeed habite le plus naturellement) d’un morceau très bluesy sur le désir de se déconnecter du réseau électrique, avant de nous offrir une fenêtre sur ce qui est à venir sur l’inédit « Now’s Not The Time To Lay Low » – les choses se présentent bien, d’ailleurs. L’album se termine là où il a commencé (en quelque sorte) avec un remix de « Gambler’s Last Day » par Chris Love, des Whistlewood Studios de plus en plus célèbres, avec une dose supplémentaire d’orgue et de marécage. 

Gozer Goodspeed a déjà amassé un back catalogue incroyablement diversifié, authentique et impressionnant dans lequel je vous invite à plonger et à vous rouler comme un gagnant du loto sur un lit de billets de 20 £. Cependant, l’histoire est loin d’être terminée avec un nouvel album de matériel frais prévu pour 2022 et un retour sur la scène après un hiatus imposé par une pandémie. Prêt à monter à bord ? Vous feriez mieux de l’être, ce train est en route pour la gloire.

***1/2


The Go! Team: « Get Up Sequences Part One »

17 juillet 2021

Ces éternels outsiders que sont The Go ! Team reviennent avec des rythmes endiablés et des airs de fête doux-amers, toujours aussi turbulents et exubérants. Des vies entières d’euphorie et de tristesse sont liées à la musique du combo. C’est particulièrement vrai pour le sixième album d’unge roupe, meurtri et effervescent, qui arrive dans l’ombre de la pandémie et de la mort du père de l’auteur-compositeur et producteur Ian Parton atteint de la maladie de Ménière diagnostiquée en 2019, un trouble de l’oreille interne qui peut entraîner des vertiges et une perte d’audition.

Toutefois, l’équipe Go ! Team a trouvé la force dans l’adversité et c’est un air de défi qui imprègnera Get Up Sequences Part One. Cette sensibilité apparaît au galop dans le vaillant cliquetis de mélodies et de samples de Parton ainsi que dans la voix de la chanteuse Ninja, qui frappe et virevolte à la manière d’une pom-pom girl avec des lames de rasoir dans ses pompons.

« World remember me now » (Le monde se souvient de moi maintenant), chante Ninja (de son vrai nom Nkechi Ka Egenamba) sur le morceau du même nom , titre qui ne sonnera pas comme une supplique mais plutôt comme un ordre. Ce sentiment de détermination à se lever et à compter pour quelque chose est renforcé par les grooves doux-amers de Parton. Ceux-ci sont tapissés de cuivres de fanfare, d’harmonicas détraqués et d’une symphonie de steel drums. Et ils sont teintés de cette sorte de douleur automnale qui ne peut être évoquée que lorsque la vie vous a donné quelques coups de pied dans les tibias.

Comme toujours avec la Go ! Team, cet enchevêtrement de rythmes, de refrains chantés en terrasse et de guitares qui partent en spirale dans l’éther, est maintenu par un esprit d’outsider. Cette qualité d’outsider a toujours été l’une de leurs forces les plus méconnues. Et cela nous ramène aux circonstances dans lesquelles le groupe de Brighton a été révélé au monde en 2004.

Il s’agissait, alors, point culminant de la vague post-Strokes et White Stripes de jeunes guitaristes teigneux. Ou, dans le jargon, l’âge d’or de l’indé de la décharge. Tout comme la Britpop, c’était l’un de ces moments inconfortables où l’industrie se fixait sur le passé plutôt que sur l’avenir. Et tout comme la Britpop s’est attachée à des années 60 dont on se souvient à peine, l’indé des décharges tente d’évoquer les excès gonflés du rock des années 70.

Il y avait beaucoup d’excès dans l’indie de décharge aussi – trop de chansons qui n’allaient nulle part, trop de musiciens s’efforçant d’être médiocres. Et puis est arrivé The Go ! Team pour montrer qu’il y avait une meilleure façon de faire. Ils ont été inspirés par Bollywood et le hip-hop autant que par Sonic Youth et Nirvana. Et ils ont saupoudré l’anarchie d’une sensibilité joyeuse et triste tout droit sortie des Carpenters, d’Abba et des Beach Boys.

Plus d’une décennie plus tard, l’indie a rejoint le grand incinérateur du ciel. Et pourtant, la Go ! Team perdure, résistant aux frondes, aux flèches et à la caricature qui s’est accumulée autour du groupe en tant que pourvoyeur d’hymnes de fête bidimensionnels. The Get Up Sequences Part One possède ses moments d’incandescence débridée, c’est vrai. Cependant, une énorme mélancolie s’en dégage également. « Heartbreak but I’m okay / I’mma wipe my tears, no fear this way » (Cœur brisé mais je vais bien / Je vais essuyer mes larmes, pas ce ne sront pas ici des larmes de peur), entonne le rappeur de Detroit IndigoYaj sur « Cookie Scene ». C’est un couplet dévastateur – sombre mais avec un brin de lumière. Et cela confirme que, pour ceux qui souhaitent couper leur vie en deux, The Go ! Team sont toujours les maîtres du couper-coller en matière d’élaborer sur la notion de hagrin d’amour.

***1/2


Wavves: « Hideaway »

14 juillet 2021

Nathan Williams n’est probablement pas assez reconnu pour son talent d’auteur-compositeur. Il a très tôt catalogué Wavves avec des hymnes de punk mollasson aux titres tels que « So Bored » et « Idiot » – mais il a également montré un talent pour les imitations étourdissantes d’Animal Collective, les harmonies des Beach Boys, les chansonnettes de cirque bizarres et les projets secondaires axés sur le rythme.

Ce talent caméléonesque pour les différents styles est mis en avant sur Hideaway, qui atténue au moins quelque peu le crunch pop-punk des albums récents You’re Welcome et V. Cette fois-ci, Williams – avec le bassiste Stephen Pope et le guitariste Alex Gates – se frotte au classicisme pop des années 60 sur la valse « Hideaway » et le cahotant « sha-la » qui remplit « Honeycomb ». Ils expérimentent égalementavec le galop country traditionnel sur le twangy « The Blame », et concluent l’album sur le slow chaloupé qu’est un »Cavia » mené au clavier.

Avec « Sinking Feeling » le groupe fait enfin honneur à toutes les fois où il a été qualifié à tort de surf rock (car chanter sur la plage n’est pas la même chose que faire du surf rock) en superposant des leads de guitare à la Ventures avec des strums acoustiques vifs et des arpèges réverbérés.

Bien sûr, il y a toujours les habituels bangers pop-punk : Williams imite parfaitement le Billie Joe Armstrong de l’époque d’American Idiot sur le morceau d’ouverture « Thru Hell » alors que « My Prize » arborera un rebondissement heureux qui rappelle les vieux copains de Wavves, Best Coast. Comme d’habitude pour Wavves, les paroles traitent de paranoïa, de dépression et d’un sentiment de malaise qui est faible en détails spécifiques et lourd en lignes comme « Hiding hate away / It’s like a river wants to drown, drown, down me » (Cacher la haine / C’est comme si une rivière voulait me noyer, me noyer, me descendre.).

Mais même lorsque les Wavves s’aventurent en terrain connu, l’album de neuf chansons est si court et en traînant qu’il passe comme une brise océanique rafraîchissante. Plutôt bien pour ce sous estimé combo.

***1/2


Origamibiro: « Miscellany »

12 juillet 2021

Cette saison particulière accueille Origamibiro de retour après un hiatus qui a duré près de six ans et qui se manifeste sous la forme d’un album comprenant un ensemble de travaux amassés depuis la sortie de l’album Odham’s Standard de 2014, chaleureusement accueilli. Il marque également le retour du projet à ses origines en tant qu’entreprise essentiellement solo du compositeur et producteur Thomas William Hill, basé à Nottingham, bien que ce dernier n’hésite pas à souligner que le contrebassiste et multi-instrumentaliste Andy Tytherleigh, qui faisait partie de son incarnation en tant que trio audiovisuel, reste un collaborateur important.

La nouvelle collection s’appelle Miscellany, un titre qui s’avère approprié non pas parce qu’il sonne comme un album cousu ensemble à partir de travaux disparates sur une longue période de temps – bien au contraire – mais parce que c’est un mot qui capture l’essence du modus operandi éclectique d’Origamibiro, à savoir une « exploration de la nature tangible des objets quotidiens et des textures à la fois dans et hors de la maison ». Les ronces de la forêt, les jouets en plastique et les débris de pièces de piano démolies ne sont que quelques-uns des objets dont on nous dit qu’ils sont réutilisés pour tout le potentiel sonore qu’ils offrent, aux côtés d’une palette instrumentale variée comprenant la viole de gambe, le piano, la cithare, le bol chantant, le glockenspiel, les boîtes à rythmes et les gongs.

Ce qui fait que l’album fonctionne si bien, c’est que Hill ne se contente pas d’explorer les propriétés sonores de divers objets et instruments pour la nouveauté, mais semble surtout découvrir toute la gamme de leur musicalité. Il est vrai que l’on peut se surprendre à essayer de comprendre l’origine de tel ou tel son ou à s’amuser de l’ingéniosité dont font preuve des morceaux ludiques comme « Zoo », mais la vision musicale de Hill et ses compétences de compositeur font que le tout s’assemble de manière cohérente et convaincante. Les divers sons et textures sont étroitement tissés dans des structures rythmiques agiles et fusionnés avec une instrumentation luxuriante, des mélodies engageantes et une chaleur pastorale amicale qui en font un véritable plaisir à écouter. Si Miscellany englobe des travaux compilés dans le passé d’Origamibiro, il semble également ouvrir un nouveau chapitre pour le projet, ce qui est une perspective séduisante.

***1/2