The Holy Family: « The Holy Family »

Le label psychédélique Rocket Recordings a ajouté une nouvelle corde à son arc avec la signature du collectif hallucinatoire The Holy Family, dont le premier album sort aujourd’hui. Il s’agit d’un voyage d’enfer, qui traverse librement l’électronique moderne et le folk le plus ancien et le plus terreux, la motorik la plus bourdonnante et le manteau fondu de l’acid rock.

Le groupe est l’invention fiévreuse de David J. Smith, autrement dit de Guapo et de Miasma & the Carousel of Headless Horses, et donc un nom bien apprécié des voyageurs qui s’aventurent dans des paysages sonores plus ésotériques.

The Holy Family, l’album du même nom, se présente comme une explosion de 13 titres, en double album, à travers les mondes du psychédélisme, du psychofolk pastoral, du kosmiche et autres, toujours changeants, toujours séduisants.

« Je pense que si je devais essayer de l’exprimer par des mots, ce serait ma tentative d’interprétation musicale d’une histoire de meurtre et de mystère très trippante et psychédélique, ou d’un rêve ou d’une hallucination d’un autre monde », explique David.

Pour le groupe dans son ensemble, l’inspiration esthétique vient du réalisme magique d’Angela Carter – dont le documentaire de 1991 The Holy Family Album a baptisé le nouveau projet – et de l’art surréaliste de Dorothea Tanning. Tous deux laissent entrevoir un breuvage, élixir sombre et spectral d’une excellence champignonneuse, un creusement dans un folklore plus profond de la terre qui murmure encore son nom si l’on tend l’oreille.

L’esthétique très particulière de The Holy Family a évolué naturellement à partir d’une improvisation initiale, puis d’un affinage minutieux de cette matière première aux côtés d’amis de longue date et de voyageurs musicaux tels que Guapo, Kavus Torabi, Emmett Elvin, Sam Warren et Michael J. York, qui se sont retirés à la campagne pour se retrouver et permettre à leur vision de prendre forme. Les overdubs et les superpositions ont suivi plus tard.

Et il utilise chaque recoin de l’espace-temps de son double album ; chaque coin, chaque recoin, chaque passage de domestique, chaque coupe secrète et verdoyante est exploré dans un disque qui exulte dans le psychédélisme, de l’électronique au folky, de la félicité au cauchemar. Tout est du grain à moudre pour The Holy Family.

Attendez-vous, non, sachez que les choses vont se transformer, que la porte va s’ouvrir pour révéler d’autres sphères, d’autres spectres au-delà. Suivez le conseil du Dr Leary et examinez le décor et le cadre. Ce disque en sait plus que vous ne pouvez l’imaginer ; il a vu des choses qui vous laisseraient éparpillés comme autant de confettis dans les chemins intérieurs. C’est beau, c’est effrayant, c’est même magnifiquement effrayant.

« I Have Seen The Lion Walking » commence la quête de la vision et nous nous fondons dans le monde avec des harmoniques douces et le son de l’environnement d’un bonheur néo-shoegaze ; les guitares, les voix qui chantent au milieu, tout semble courir à rebours dans le temps. Les flûtes se mêlent aux chants d’oiseaux pour apporter un pastoralisme à la Grantchester, et pendant tout ce temps… ça enfle, ça se construit, ça vous enrobe avec une douce insistance. C’est comme ce moment, une heure après que vous soyez tombé, où la lumière commence à scintiller. Et ça se superpose, de plus en plus profondément ; et le scintillement de l’accord majeur commence à se liquéfier dans la suite et le titre énigmatique « Skulls The … » qui, nous dit-on, a eu sa genèse comme un thème conceptuel pour une série policière fictive dans laquelle le protagoniste est une victime de l’acide plutôt que l’habituel alcoolique endurci (un grade au-dessus, donc, du Hamish Macbeth qui se gave de « spliffs »). Ce piano a une tournure de pressentiment des années soixante-dix/ »A Day In The Life » ; il est temps d’embrasser l’expérience et de glisser en aval parmi un intervalle d’accord brumeux, des instruments à anche tournoyants, tout un palimpseste de basse fuzz, des carillons champignons de la guitare, des percussions squelettiques REM-state. Accrochez-vous au chant résolutif, à l’incantation ; c’est votre fil d’argent.

« Inward Turning Suns » est votre premier sommet ; le tout premier « single », il est accompagné d’une animation magnifiquement stylisée – vous pouvez la regarder à la fin – dans laquelle le mythe anglais rencontre les lignes épurées de l’esthétique manga. Le morceau lui-même est une délicieuse émeute de masques à l’envers et de paroles scandées. Il y a beaucoup d’épices, qui glissent dans votre sang dans un éblouissement de voix arrachées, d’échos et de flûtes souk luxueuses qui s’envolent, descendent et plongent. C’est… c’est du psychédélisme à l’état pur, éclairé par la lumière.

L’animation qui l’accompagne a été créée par Mike Bourne, qui explique : « J’ai créé, animé et tourné la vidéo entièrement en 3D, puis je l’ai délibérément « dégradée » en post-production, en évoquant l’animation celtique 2D de films comme Le Seigneur des anneaux de Ralph Bakshi. Je voulais mélanger cela avec le langage visuel distinct du cinéma folklorique et d’horreur des années 70 et des films d’information publique comme les terrifiants Lonely Water et The Finishing Line.

J’aime beaucoup l’utilisation des zooms et des mises au point, le grain des films 16 mm, la typographie audacieuse, les couleurs sourdes, etc. et j’ai pensé que cela compléterait les paroles légèrement macabres. »

« Stones To Water » s’appuie sur un déferlement percussif dispersé et exaltant, qui rappelle le travail du groupe psych japonais Ghost, injustement oublié. La basse fuzz et le trémolo de la six-cordes scintillent, apportant une merveille brumeuse au sustain et au drone ; c’est un instrumental avec un groove lâche et une profondeur atmosphérique dans laquelle on peut se délecter alors qu’il se désagrège progressivement en un rythme cérémoniel Jaki Liebezeit, perdu dans les bois où les choses sauvages appellent, hululent et proclament. Il se transmute en la fumée crépusculaire de « Desert Night », une autre atmosphère psychonaute, plus courte, qui fait vibrer le son de ce qu’il y a là-bas, au-delà du scintillement de la flamme, avec un peu du Chocolate Watch Band dans son aspect le plus cinématographique.

« Wrapped In Dust » est le fantôme dans votre psyché, le plus sinistre des appels et réponses vocaux provenant de l’espace intérieur, la voix de David étant tantôt un cri moqueur, tantôt brute et gutturale. Agité, intense, sans air, on peut presque voir les ombres tourbillonner, les esprits danser. Vous pouvez frissonner ou prononcer un juron admiratif. Faites-vous à l’idée.

« World You Are Coming » semble s’éloigner un peu de l’intensité – semble, juste un peu, vous comprenez ; en commençant par des tambours africains et un bourdon, d’autres petites gouttes de son placées là habilement pour tromper votre ouïe, le chant est complètement acide, traité jusqu’à une abstraction sinistre et en légion avec une chorale qui tient une vibration de note de mantra. Mais oh! : faux sens de la sécurité ; il est si facile de transmuter, comme la basse se déterre du riche terreau et commence son grognement cyclique, il s’épaissit d’une musique qui est tellement du maintenant et également tellement d’une tradition plus sombre et ancienne. Perdez vous, embrassez l’état altéré, comme vous êtes supposé le faire. Cette musique a évolué au cours des siècles avec cette intention.

Et supplicant maintenant, absolument à son apogée, avec les huit minutes du morceau précédent qui s’évanouissent dans un trille chaud et « Inner Edge Of Outer Mind » qui atteint les douze minutes, et nous sommes juste là, juste là, dans la guitare hurlante, incandescente ; le piano qui s’interpose et flotte hors de la tonalité, psych-honky-tonk ; la basse musclée, aucun horizon n’est visible d’un côté ou de l’autre, David émergeant masqué et espiègle avec un texte déclamatoire et disparaissant une fois de plus dans des énoncés désincarnés, vestigieux, avec un peu de ce ton hargneux et obsédant de John Lydon dans PiL quand ils étaient bons. En fait, c’est tout à fait ça ; imaginez Metal Box façon Public Image Ltd sous une avalanches de bonnets liberty, une austérité post-punk à la base vaincue par les « shrooms ». C’est très intense.

« A New Euphoria » admet plus d’air parmi son galop délirant, un balancement de clics et de claquements percussifs, son motif central claveté pulsant comme un cœur. Des nappes de bourdonnement de guitare de retour balayent le tout, et c’est un endroit plus léger à habiter, non moins chargé de mystère, mais plus à l’échelle humaine que les piliers soniques jumeaux maintenant au-dessus de notre épaule. Dans un concept diurne, la nuit profonde est maintenant positivement en retrait avant les rayons de « See, Hear, Smell, Taste », vraiment luxueux à la manière E2-E4 de Manuel Göttsching ; tout en scintillement et en carillon. Et on se relâche, on se détend, jusqu’à ce que tout se brise pour David, à peine accompagné, lorsqu’il entonne : « Je vois / Catastrophe … J’entends / Les buses sont proches. » (I see / Catastrophe … I hear / The buzzards near). Vous ne pensiez pas vous en tirer si facilement, n’est-ce pas ?

éAnthony’s Fireé était le deuxième « single » avant l’album, et il se présente comme une profonde odyssée folk psychédélique, avec une technique d’arpèges de marteau-piqueur, des guitares violonées et un glissement vocal, des percussions doucement tribales avec l’odeur des générations passées s’amassant à votre épaule, prêtes à conspirer et à danser, exultant dans l’ombre ; une incantation pastorale de drone-folk de la plus belle forme.

David J Smith s’étend sur la chanson : » »Conçu et enregistré dans un champ de champignons (quelque part) en Angleterre, »’St Anthony’s Fire » voit notre conte mystérieux en cours d’élucidation rayonner vers son sommet de délire ».

Un sacré voyage se termine par le diptyque « Chasm ». On touche presque terre, mais pas tout à fait encore. La première partie est un bourdon ouvert, ambiant, avec la fumée et les têtes d’orage d’atmosphères plus grandes, plus élémentaires, qui se dressent sur la crête, avançant inexorablement ; on peut presque goûter l’ozone. C’est la partie de l’album qui se rapproche le plus de l’electronica contemporaine et elle est carrément jolie. La deuxième phase rassemble ses énergies pour une dernière charge dans votre tête, vibrant de puissance polyrythmique, colorée par un piano et un synthé en libre association.

Délirant. Psychotrope. Ténébreux. Itératif. Multi-teintes ; le premier album de The Holy Family est tout cela à la fois. Indulgent ? Oui ; pourrait-il en être autrement ; le voudriez-vous autrement ? Voyager aussi loin dans les différentes musiques psychédéliques – acid folk, krautrock, witch folk, délire freeform pur et simple – c’est voyager là où les cartes ne disent pas grand-chose. Il faut avoir le pouvoir de faire confiance à son instinct et aux états de conscience altérée qui permettent d’émettre depuis les bords.

La musique pour l’entrée et l’immersion absolues, si loin de la musique comme choix de style de vie ou marchandise, comme toile de fond, c’est une chambre après l’autre de texture et d’atmosphère intenses à enfiler et à perdre dans la nuit. Amenez quelques personnes partageant les mêmes idées, et laissez-vous emporter et envelopper.

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