Kurt Wagner nous parle de l’arrière-plan du nouvel album, Showtunes, de la conversion de la guitare en sons de piano, de la poursuite de l’adoption de la technologie et de l’élargissement de son éventail de collaborateurs et de sa nouvelle approche « walkyrienne ».
En tant que leader de Lambchop pendant la majeure partie des 30 dernières années, Kurt Wagner a poursuivi un long et satisfaisant voyage musical où les développements du son du groupe ont été graduels et réfléchis. Pourtant, il y a également eu des clins d’œil discrets à différents genres en cours de route, des embellissements agréables et des expansions de leur esthétique alt-country de base. Le nouvel album Showtunes offre une autre sorte de détour stylistique, s’appuyant sur la nouvelle direction mise en place sur This (Is What I Wanted To Tell You) en 2019 et Flotus (2016), car Wagner s’inspire indirectement des « showtunes », des standards américains de la première moitié du XXe siècle.
Il ne s’agit cependant pas de reprises ou d’appropriations proches, mais plutôt de pièces typiquement impressionnistes qui rassemblent les forces d’écriture de Wagner et son intérêt plus large pour l’expérimentation musicale. Étant donné le sentiment de progression qui a défini les dernières sorties de Lambchop, il est étrangement approprié que lorsque nous rencontrons Wagner pour parler de l’album, la conversation commence sur une note de voyage. « Je suis en ce moment à Las Vegas chez mes beaux-parents. Nous ne les avons pas vus depuis un certain temps, alors nous sommes venus en voiture. C’est bizarre de voyager. Je n’ai pas pris l’autoroute depuis plus d’un an. J’ai l’impression que les choses changent avec la pandémie. Après avoir traversé le pays en voiture, j’ai l’impression que nous sommes sur le point de voir beaucoup de gens sortir et se déplacer ».
Le contexte de Showtunes était légèrement différent des autres albums de Lambchop. À l’origine, les chansons devaient être interprétées au festival Eaux Claire dans le Wisconsin, l’événement organisé par Aaron Dessner de The National et Justin Vernon de Bon Iver. Malheureusement, la pandémie n’a pas permis d’y parvenir, mais Wagner a tout de même continué à réaliser l’album. « J’avais fait ce travail, j’allais l’emmener là-bas et nous allions essayer de trouver comment le présenter en direct. Au lieu de cela, nous avons simplement travaillé à distance et je pense que cela a très bien fonctionné ».
Le « nous » fait référence au dernier groupe de musiciens qui composent l’ensemble Lambchop pour ce disque, une extension de la politique de « porte tournante » qui a contribué à former la base du groupe au fil des ans. Pour cet album, il s’agissait initialement des producteurs Ryan Olson, Andrew Broder et Jeremy Ferguson, avant d’accueillir également le DJ de Cologne et ancien collaborateur Twit One, le trompettiste CJ Camerieri et James McNew de Yo La Tengo. Pense-t-il que les chansons ont fini par avoir un son différent de celui qu’elles auraient eu si le festival avait eu lieu ?
« Oh oui, je pense que le fait d’interagir avec des gens au même endroit se prête certainement à une direction différente. Je pense que ce qui est excitant, c’est ce que les gens avec qui vous travaillez sont capables d’apporter à ce à quoi je pensais déjà. Ces gars sont tous des producteurs à part entière, pas seulement des musiciens, même James de Yo La Tengo par exemple, il a fait les derniers disques de Yo La. Ils apportent une perspective différente sur ce qu’est la réalisation d’un disque et c’est amusant et intéressant. La pause que la pandémie a apportée m’a permis de joindre commodément des gens qui auraient été habituellement très occupés, donc ça a été une grande chance d’avoir de nouveaux contributeurs ».
Quelle part de l’album a été improvisée par opposition à celle qui a été préconçue ? « Je pense que les contributions à celui-ci étaient définitivement plus improvisées et ouvertes. Ce que je leur ai présenté était essentiellement un disque de piano, dont je ne joue pas vraiment, mais lorsque j’ai trouvé un moyen de passer de ma guitare au piano, cela a vraiment changé ma façon d’écrire les choses. J’ai laissé beaucoup d’espace pour qu’ils fassent leur truc. Cela a donné des idées fixes sur les chansons, mais aussi des possibilités de ce que vous pouvez faire d’autre avec ».
L’un des principaux facteurs de création de Showtunes a été la conversion par Wagner des sons de sa guitare en piano. S’agit-il simplement du résultat de son intérêt et de ses expérimentations constantes en matière de technologie musicale ? « Oui, j’en apprends de plus en plus sur ce qui est possible avec les programmes que j’utilise. Cela ouvre de nouvelles idées et de nouvelles approches, et peut-être même un nouveau genre de choses à explorer. La plupart des premiers showtunes de gens comme Hoagy Carmichael et George Gershwin ont tous été écrits au piano. Cet instrument me fait penser à cela, et une fois que je me suis plongé dedans, j’ai réalisé que c’était quelque chose que je n’étais jamais capable de faire auparavant en raison de mon manque d’habileté au piano. Mais la technologie peut vous ouvrir des choses si vous n’en avez pas trop peur. »
Y avait-il un sentiment d’essayer délibérément de s’éloigner du son alt-country avec lequel beaucoup de gens l’associent ? « Eh bien, bizarrement, je pense que Showtunes s’inscrit dans le style Americana, mais peut-être que je l’élargis un peu. La technologie peut vous ouvrir des choses si vous n’en avez pas trop peur ».
Il est vrai qu’il y a toujours des points familiers à Showtunes, mais il y a également beaucoup de choses qui se passent sous la surface. On note qu’il a l’air de vraiment apprécier de fonctionner avec la liberté et l’absence de restrictions lorsqu’il fait de la musique en ce moment. « Oui, je cherchais quelque chose de moins structuré, quelque chose que je n’avais jamais fait auparavant, mais j’étais prêt à l’embrasser pour voir où ça allait ». Cela semble également pertinent pour les voix sur l’album. L’un des principaux points de différence sur le dernier album This (Is What I Wanted To Tell You) était la façon dont il gérait les voix, et Showtunes le voit essayer différentes choses à nouveau. S’agissait-il simplement de voir ce qu’il pouvait faire différemment, en traitant presque la voix comme un instrument ?
« Oui, absolument. Je pense que ce que j’ai découvert, c’est que c’est comme lorsque vous avez un nouveau jouet et que vous êtes vraiment excité à son sujet, mais qu’après un certain temps, vous aimez toujours le jouet, mais vous réalisez qu’il peut encore vous procurer de la joie sans avoir à l’user. » Le dernier morceau de l’album, « The Last Benedict », comporte même des voix quasi-opératiques saisissantes. « L’un des gars avec qui j’ai travaillé, Andrew Broder, est pianiste mais il est aussi ce qu’on appelle un turntablist, et il aime contribuer de cette manière. En fait, il interprète cette voix en direct. Cela semblait étrangement approprié et renforçait l’ambiance ».
« Chef’s Kiss », le premier « single » de l’album, traite de la nature temporelle de la vie. Y a-t-il dans ce titre un sentiment d’appréciation de l’instant présent, de plaisir de quelque chose qui ne peut être répété régulièrement ? « Je pense que c’est une réflexion sur des choses que je fais en vieillissant. Tous les mots de cette partie du disque ont été créés avant la pandémie, donc ils peuvent avoir une certaine résonance avec notre situation actuelle, mais à ce moment-là, c’est juste une coïncidence. Il est inévitable qu’en tant qu’auditeurs, nous prenions en compte notre environnement pour traiter les choses que nous écoutons, c’est une chose tout à fait naturelle. L’aspect lyrique de l’album est quelque chose qui m’est venu à l’esprit il y a quelque temps, lorsque j’étais vraiment en train de creuser et d’essayer d’affiner ce que je faisais en tant que parolier ».
L’album comporte également deux pièces instrumentales (qui portent un excellent nom), « Papa Was A Rolling Stone Journalist » et « Impossible Meatballs ». Il choisit de ne pas s’attarder sur les noms lorsque nous en parlons, se concentrant plutôt sur le rôle plus large qu’ils jouent dans l’album. « C’est quelque chose auquel j’ai beaucoup réfléchi ces derniers temps. Si l’on veut présenter un album comme un tout plutôt que comme des chansons individuelles, il est parfois agréable de le soutenir avec quelque chose de plus instrumental. Curieusement, quelques autres personnes que je connais et qui font des disques font cela, ils combinent des chansons et des morceaux instrumentaux qui soutiennent l’idée d’un disque comme un tout. J’ai remarqué très tôt que les disques de hip-hop comportaient ces petits interludes et j’ai pensé que c’était une excellente idée, surtout dans la façon dont les gens reçoivent la musique aujourd’hui. Quand je fais un disque, je pense à le présenter comme un tout, je n’ai jamais été doué pour faire des singles pop à succès ou quelque chose comme ça, mais je suppose que j’ai essayé. » Il s’interrompt en riant en se rappelant un certain morceau d’il y a 20 ans. Lorsque on lui suggère qu’il a eu ses moments, cela lui vaut une sorte d’accord d’autodérision. « Oui, j’ai eu *un* moment », dit-il en riant.
Se sent-il toujours influencé par d’autres musiques ou artistes après avoir fait de la musique pendant si longtemps ? « Je suis inspiré par la musique que font mes amis, mais aussi par toutes les nouvelles musiques qui sortent. Je l’étudie et je m’intéresse particulièrement à sa production. Peu importe le genre, je m’intéresse à la façon dont nous progressons en tant que producteurs de disques. J’aime vraiment les choses qui repoussent les limites de ce qui a été fait auparavant. Je l’ai constaté dans de nombreux genres musicaux, qu’il s’agisse de hip-hop, de musique électronique, de musique expérimentale ou de musique classique contemporaine. Mais je suis également fasciné par la façon dont les disques étaient réalisés dans le passé, par exemple dans les années 1940 ou 1950, comme les premiers disques de jazz, et comment ils capturaient cela. Pour moi, c’est magique. Il ne s’agit donc pas seulement de technologie, mais aussi de l’enregistrement lui-même, et parfois la beauté de la façon dont quelque chose a été enregistré peut vraiment améliorer l’expérience d’écoute. C’est comme la différence entre un enregistrement live d’une performance du Grateful Dead et un enregistrement créé en studio à New York. Il y a juste cette différence audible qui améliore l’expérience. Je suis intéressé par la façon dont nous progressons en tant que créateurs de disques. J’aime vraiment les choses qui repoussent les limites de ce qui s’est fait auparavant ».
Showtunes a un côté plus jazz que la plupart des autres albums de Lambchop, en grande partie grâce aux cuivres de CJ Camereiri. Wagner l’avait-il déjà croisé ? « Je ne l’ai jamais rencontré mais je suis un grand fan de son travail depuis un certain temps. Il a sorti un très bel album solo (sous le nom de CARM) au début de l’année. En l’écoutant, j’ai réalisé qu’il pourrait être l’homme avec lequel travailler sur cet album. Il est assez polyvalent et je connaissais bien ce qu’il faisait avec yMusic et Bon Iver, mais quand j’ai entendu son album solo, j’ai compris que nous étions sur la même longueur d’onde ». (Il a d’ailleurs raison au sujet du premier album de Camereiri sous le nom de CARM – une collection brillamment atmosphérique qui comprend des contributions de Sufjan Stevens, Bon Iver, Yo La Tengo, Shara Nova de My Brightest Diamond et Mouse On Mars).
En tant que personne qui fait de la musique depuis des décennies, est-ce que le dernier album est toujours votre préféré ou ce que vous considérez comme votre meilleur ? « Oh oui, c’est toujours comme ça ! », convient-il. « C’est encore plus vrai avec les nouveaux trucs sur lesquels je travaille actuellement. C’est encore mieux. » Ce qui semble indiquer que les quelques années prolifiques qu’il vient de vivre sont sur le point de se poursuivre. Lorsqu’il termine un album, se réjouit-il tout de suite de ce qu’il peut faire ensuite ? « Pour moi, l’essentiel est de faire des disques. C’est comme ça que ça a commencé. Lorsque nous avons fait notre premier disque, nous ne nous sommes pas rendu compte que quelqu’un allait l’écouter. Puis, bien sûr, nous avons été autorisés à en faire un autre, puis un autre, puis un autre, et cela a fini par devenir ma vie. Certains artistes sont des artistes de scène, ils vivent pour ça et font des disques pour soutenir cette idée. Dans mon cas, je pense que l’on peut dire que je suis un artiste qui vit pour ça », dit-il en riant.
Envisage-t-il un jour un scénario où ces chansons pourraient être jouées en direct ? « Je l’envisage, c’est sûr. Je ne suis pas encore sûr de ce que cela va être. Il y a beaucoup de points d’interrogation en ce moment, mais je suis juste excité par la façon dont les gens commencent à se replonger dans la notion de jouer de la musique en direct à nouveau. Je vais prendre des notes, rester sur la touche un peu plus longtemps et voir comment tout cela va se passer ». En attendant, nous avons la lumière et l’ombre de Showtunes, un album qui montre comment Kurt Wagner continue d’avancer dans des directions intéressantes, réinventant ce que Lambchop représente tout en explorant de nouveaux sons.
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