Le label expérimental américain 12k réédite certains de ses plus anciens disques, qui ont tous deux résisté à l’épreuve du temps. Frame, de Shuttle358, a été produit à l’origine en 2000 à Pasadena, en Californie, tandis que Monocoastal, de Marcus Fischer, fête son 10e anniversaire. Pour la première fois, les deux disques seront publiés en vinyle.
Monocoastal est décrit comme étant « l’un des moments les plus déterminants de l’évolution de 12k ». C’était la première sortie de Fischer, qui est devenu depuis un habitué du label, à la fois comme partenaire de tournée et comme collaborateur. Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce fut une sortie capitale. Monocoastal a également eu un impact sur le label dans son ensemble, façonnant ses sorties au cours de la décennie suivante, devenant ainsi un fil essentiel de la structure du label.
Pour ce disque, Fischer s’est inspiré de ses déplacements sur la côte ouest américaine. Le sifflement de la bande magnétique avance et recule, au rythme de la marée du Pacifique, et des sons organiques et minuscules se déploient comme un origami musical. Les enregistrements de terrain se mêlent aux instruments plus traditionnels et aux sons trouvés. Un piano a été trouvé, situé dans le coin d’un entrepôt de récupération, seul, abandonné, et a été ressuscité pour revenir à la vie une fois de plus. Il est assis à côté d’un xylophone, fabriqué à partir de clés en métal. Pour cette raison, Monocoastal contient à la fois des supports analogiques et numériques. Les sons naturels sont encouragés et on leur donne de l’espace pour respirer.
Le fondement de Monocoastal est un son lo-fi, dont les textures s’érodent et sont sur le point de se dissoudre complètement, en grésillant de façon distante. Les imperfections sont essentielles aux textures parfaitement formées du disque, et le son reste sobre et minimal. Les boucles tenteront toujours de se resserrer, mais les couches supplémentaires offrent un aperçu de l’expansion.
Minimalisme et design froid peuvent souvent aller de pair, mais bien que la musique de Fischer tende vers le minimal, les tons qu’il déploie sont en fait pleins de familiarité et de confort, rappelant deux décennies de vie sur la côte ouest. Les tonalités lo-fi font en sorte que la musique est effilochée, déchirée et usée, et cela vient du fait de vivre sa vie et de progresser avec le temps ; des rides et des plis vont apparaître, le visage frais finit par vieillir. Il en va de même pour la musique, et son vieillissement est la chose la plus naturelle du monde. La musique met l’accent sur la lumière et la côte ouest, se promenant le long des routes côtières et offrant ses vibrations détendues et côtières, bien que les tons soient encore quelque peu restreints. L’espace est essentiel, et rien n’est caché. Les notes conventionnelles « moins attrayantes » ont l’occasion de briller. Dans la musique populaire, ces mêmes notes auraient été éditées, polies ou rejetées, mais la beauté ne devrait jamais être définie par la popularité, et les sifflements discrets et les textures réfractaires à la lumière sont rendus encore plus beaux par leurs imperfections.
***1/2
L’édition du 20e anniversaire de Frame est citée comme étant la sortie « classique » du label basé à New York. Frame a inauguré une ère d’humanisme, de mélodie et d’organique à l’époque du Microsound et du mouvement Clicks and Cuts au début du siècle. Alors qu’il était encore imprégné de son numérique et de la magnification de l’erreur en tant qu’intention, l’album a ainsi a réussi d’une certaine manière à fusionner l’émotion dans ce qui était devenu un mouvement musical très structuraliste et froid ».
Sur Frame, Dan Abrams, alias Shuttle358, a produit un disque de conception minimaliste, avec de minuscules bruits de poussière, des clics et des micro-rythmes, qui ont ensuite été lavés dans une lueur ambiante, un éparpillement de débris numériques mis en ordre. Aujourd’hui, la musique semble toujours aussi fraîche qu’une marguerite, et c’est un signe fort et évident d’un disque spécial. Malgré sa mécanisation, la musique est toujours aussi chaleureuse et émotionnelle. D’une manière ou d’une autre, Abrams a inséré de l’âme et de l’émotion dans des grappes de sons semblables à des machines, et c’est là toute la magie de la musique. Quant à savoir pourquoi ou comment, on ne pourra jamais le comprendre, le révéler ou y répondre complètement… mais c’est là, tout de même.
Alors que les rythmes tournent en boucle, la robotique devient hypnotique, les rythmes formant une ligne de conception ordonnée, uniforme et quelque peu stricte dans ce qu’elle produit. D’une certaine manière, cependant, les textures austères sont imprégnées de quelque chose de très humain, et il y a un flux lâche et détendu dans sa musique, comme si, au milieu de ses murs de statique qui se dissolvent, il y avait un aperçu de quelque chose de plus, une âme enfermée dans les profondeurs du code de la machine mais toujours capable de chanter et de faire connaître sa présence. Frame n’a jamais l’impression d’être un disque décousu, même avec toutes ses pièces microscopiques et ses appareils tranchants. S’il y a des erreurs, elles sont exaltées au lieu de faire l’objet d’un sentiment de honte, elles font partie intégrante de la musique et influencent son flux et sa forme générale.
Comme le dit Abrams, « si vous placez un cadre vide contre un mur vierge, vous remarquez soudain la couleur, les motifs, les imperfections du plâtre. Le cadre est comme une fenêtre de perception. Il place le mur hors du temps. Le cadre attire l’attention sur ce qu’il contient – il l’agrandit, vous vous concentrez sur lui, il commence à symboliser le mur tout entier ».
***1/2
No BS: Just Rock & Roll! 