Daniel M. Griffin : « You’re Gonna Lose Your Mind »

21 mai 2021

Le monde actuel vous déprime-t-il ? Prenez alors une pilule de machine à remonter le temps vers l’univers coloré et vibrant d’antan avec ce disque conceptuel en analogique de Daniel Griffin, You’re Gonna Lose Your Mind. Préparez-vous à un voyage dans le terrier du lapin, à l’égal d’Alice au pays des merveilles. D’abord, on vous dit que vous allez perdre la tête, ensuite, vous n’en reviendrez pas, vous vous retrouverez au Tea Party Mad Hatters Attention, la magie est encore plus grande dans les morceaux de sucre que vous prendrez avec vos tasses de thé sans fond. 

Comme, donc, cee Chapelier Fou cher à Alice condamné à prendre éternellement du thé par la Reine de Cœur parce qu’il a assassiné le temps, ce vocaliste a été métaphoriquement institutionnalisé à la « Dr Winslow’s Clinic », il cherche donc du réconfort dans une dimension parallèle qu’il peut imaginer et créer avec des instruments des années 60. 

Son médicament, outre Lewis Carroll, a été une diète intraveineuse du Magical Mystery Tour des Beatles. L’influence de Lennon est particulièrement frappante au début et à des moments clés de la gamme vocale de Griffin. Assis dans un jardin anglais, attendant le soleil, ce natif de l’Ohio a très probablement gelé à force de rester debout dans la neige. La réverbération de la voix ajoute une touche surréaliste à ses paroles et à ses inflexions, comme s’il chantait à travers le miroir. 

Griffin jette les bases de son shangri-La imaginaire dans le lucide « There’s A Place You Can Go », en chantant « Je ne sais pas tout ce qu’il y a à savoir mais je sais que ces endroits n’existent pas, en dehors de votre esprit… » (I don’t know everything there is to know but I know these places don’t exist, outside your mind…).

Dans cet air réjouissant qu’est « A Thousand Symphonies », Daniel Griffin décrit le fruit de son imagination sous influence médicale : « et bien que je ne puisse pas bouger, tous les détails étaient fluides. Je voyais les touches et elles bougeaient à leur guise… mille symphonies et la foule était à genoux… » (and though I couldn’t move, all the details were smooth. I saw the keys and they moved as they pleased…a thousand symphonies and the crowd was on her knees…).

« Digital Faultline » atteint un point culminant de transformation dans le disque, où l’on peut se sentir glisser subrepticement mais définitivement dans une dimension d’un autre monde. Cette étrange vibration atmosphérique oscille et repose dans les tonalités de la chanson et, bien que fermement ancrée dans une autre époque, elle présente des similitudes avec le morceau d’ouverture du disque de Granddaddy, The Sophtware Slump, elle déclenche des sensations organiques.

Dans ce labyrinthe intemporel d’indices, de couches et de métaphores décalés et imprévisibles, c’est à l’auditeur de relier les points pour donner un sens à sa propre expérience, ce qui est l’un des atouts d’une œuvre d’art car celle-ci ne doit jamais être auto-explicative mais plutôt laisser place à l’interprétation personnelle, ce qui implique une stimulation et une expansion de l’esprit. Victor Hugo a dit que l’imagination était « l’intelligence en érection ». Ce disque est un rappel intelligent de chercher quelque chose de sous-jacent dans tout ce que nous entendons.

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Andrew Tasselmyer: « Piano Frameworks »

20 mai 2021

Andrew Tasselmyer a enregistré Piano Frameworks (u cours de l’hiver 2020, étrangement calme, alors que le port du masque était indispensable, que la « police de Covid » patrouillait et parcourait les rues, et que les nations étaient prises dans le cycle répétitif des confinements successifs. Neuf « cadre » » émotifs constituent le corps du disque, dont la musique s’étend et s’étire au maximum. Un son fluide, semblable à de l’eau, est enveloppé dans la couche humide de la réverbération, ses notes se pliant sans véritable squelette, musculature ou forme définitive, mais fournissant néanmoins une série d’harmonies lumineuses qui, au début, semblent ancrées et sûres. Au fur et à mesure que la musique progresse, cependant, les harmonies commencent à se décomposer, et l’impermanence est un thème majeur du disque.

Piano Frameworks est aussi un album de redécouverte, à la fois du potentiel musical illimité du piano lorsqu’il est utilisé comme outil de conception sonore, et de la redécouverte des libertés musicales, comme la rupture des frontières et la déconstruction et l’effacement progressif des classifications de genre. Les possibilités sont toujours là, prêtes à être explorées, s’étendant au-delà du champ de vision normal et au-delà de l’horizon, et sur Piano Frameworks, Tasselmyer puise dans le grand inconnu avec une musique rajeunie. C’est un peu contradictoire, car la musique est pleine de vie malgré son déclin et sa mort éventuelle, et le disque est presque une célébration de la vie persistante contenue dans ses notes mourantes. Le disque ressemble effectivement à un rajeunissement, mais, comme le dit Tasselmyer, « je voulais lui donner un sentiment général d’impermanence. Les pianos, les magnétophones et même la cassette sur laquelle la musique est imprimée vont inévitablement se dégrader, être remplacés ou tomber en morceaux. Tout cela est susceptible de se dégrader ».

Cela dit, la musique semble vivante, et c’est peut-être dû au fait qu’elle accepte le caractère inévitable de sa propre dégradation. Les magnétophones et autres équipements physiques tombent en panne, mais la musique peut aussi s’user. Cette acceptation est la raison pour laquelle Piano Frameworks semble si libre et si vivant, même si ses notes commencent à s’effriter et à se défaire.

« Outgrowth » donne en fait l’impression de se débarrasser de sa vieille peau, d’évoluer en quelque sorte, plutôt que de s’éloigner et de retourner dans un silence qu’il appelait autrefois sa maison. Bien que les notes soient affaiblies et effilochées sur les bords, elles sont encore capables de briller, et le rythme léger, syncopé et tremblant est une injection de vitalité ; la musique ne se rendra pas.

La musique tombera un jour, retournant au silence, mais elle le fera avec un visage courageux, se prélassant dans la lumière d’une victoire glorieuse plutôt que de succomber à sa propre faiblesse et fragilité.

Les tons sont impermanents, comme tout le reste, et ils ont fini par accepter le fait que rien ne dure éternellement. Mais ce n’est pas une raison pour abandonner et, au contraire, la musique tire le meilleur parti du moment, tant en termes de potentiel que de qualité. Tasselmyer est un habitué de la composition d’ambiances, et l’expérience dégouline de chaque morceau de musique : des couches d’ambiances lumineuses remplissent les zones environnantes, capables d’étendre le son, tandis que le piano roule doucement. La décadence ne s’arrête pas, et elle ne peut être inversée. Il n’y a pas de crème anti-âge pour combler les lacunes, ni de maquillage pour dissimuler sa véritable nature, et avec des morceaux comme « Made New » » les contrastes sont là pour que tout le monde puisse voir – que, malgré sa mort lente, une partie d’elle renaît, créant quelque chose de nouveau, à chaque respiration et chaque note. La musique continue de s’éteindre jusqu’à ce que le soleil se couche entièrement, mais ce n’est pas une musique mélancolique ou douce-amère ; c’est comme si elle savait déjà que de meilleures choses l’attendent…

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dodie: « Build a Problem »

20 mai 2021

Dans son premier album, Build A Problem, la chanteuse et auteure-compositrice londonienne Dodie Clark – plus connue sous le nom de dodie – se concentre sur la fragilité et l’intimité qui sont devenues les marques distinctives de sa présence en ligne. 

Après plus de dix ans de connaissance de dodie à travers le miroir qu’est sa chaîne YouTube, son premier album complet est un voyage honnête et ouvert qui entraîne les auditeurs dans les hauts et les bas de sa vie, dans un paysage sonore alt-pop aux voix douces et aux paroles introspectives. 

S’ouvrant sur le style léger de « Air So Sweet » avant de basculer dans la vulnérabilité de « Hate Myself », la chanteuse de 25 ans prouve sa capacité à équilibrer les précieux moments de joie avec une musicalité thérapeutique. 

Faisant des conflits le thème central de son album – des émotions contradictoires rencontrant des sonorités contradictoires – dodie permet aux émotions compliquées de se dénouer naturellement, sa voix calme caractéristique se fondant facilement dans des productions de ballades minimalistes comme « Four Tequilas Down » et « I Kissed Someone (It Wasn’t You) ».

Cependant, tout comme elle s’appuie sur la force de son écriture cathartique qui a contribué au succès de sa musique jusqu’à présent, dodie met un point d’honneur à sortir de l’intimité brumeuse qu’elle a tissée avec les sensibilités en piqué de morceaux comme « Sorry » et « Special Gir »’, où elle agrémente sa production typiquement éparse avec le drame de sections de cordes en flèche.

Sur le « single » « Cool Girl », dodie s’éloigne encore plus de l’introspection de type journal intime, la remplaçant sans effort et de manière impressionnante par des accroches pop accrocheuses, mariant parfaitement deux mondes – celui où la pop douillette et chambreuse créée par son personnage en ligne « doddleoddl » » coexiste avec une musicienne polie et en constante évolution – pour le plus grand plaisir des fans des deux côtés. 

Des moments de légèreté de « Rainbow » aux pauses d’autoréflexion sur l’amour manqué de « When », cet album est une collection de chansons qui affinent la définition de dodie, étoffant la personne et affinant l’art dans un balayage léger de voix chuchotées, d’écriture personnelle et de mélodies de vertige. 

Passant de la joie à la tristesse, de la colère à des arrêts à chaque tournant de la vie de dodie, Build A Problem amène les auditeurs à entrer pleinement dans le monde parfois orageux, parfois ensoleillé, de cette étoile montante, alors que les descriptions et les récits de chagrin d’amour, de sexualité et d’amour de soi les tiennent captifs. 

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GoGo Penguin: « GGP/RMX »

19 mai 2021

Un an après la sortie de leur cinquième album éponyme, le trio mancunien GoGo Penguin a réalisé une ambition de longue date en produisant un album de remixes. La simplicité du dispositif de GoGo Penguin fait partie intégrante de son charme : batterie, contrebasse, piano, rien de plus. C’est une riche fusion des genres jazz, classique et électronique, avec un son profond et complexe qui dément la nature analogique simple des instruments du groupe. Cette simplicité constitue peut-être la base parfaite pour une réimagination collaborative libre et gratuite.

« Signal In The Noise » est un morceau bruyant avec des couches et des couches de samples rabougris et d’interférences, qui ne portent que la plus faible essence du morceau original. Par moments, il est expansif et quelque peu désorientant, mais vers la fin, 808 State trouve une mélodie et la développe lentement sur le flux et le reflux du support texturé.

La reprise de Yosi Horikawa sur « Embers » est une intervention délicate. Reprenant le thème central du morceau, celui d’un feu qui se développe lentement, Horikawa ajoute des couches de crépitements et d’interférences pour exagérer la texture du morceau, un drone de basse donne du rythme au morceau et aide le rythme à se construire jusqu’au crescendo existant du morceau.

Sur « Atomised », Machinedrum transpose le piano arpégé caractéristique du morceau sur un synthétiseur délicieusement croustillant, conférant au morceau une atmosphère entièrement nouvelle. Quelques mesures plus loin, la percussion est redéployée sur une boîte à rythmes, le son boxy prenant le devant de la scène et plaçant instantanément le morceau dans le genre techno. C’est de loin le morceau le plus agréable à danser de l’album, exploitant les sensibilités électroniques qui sont enfouies dans le travail de GoGo Penguin

« F Maj Pixie » » comporte deux morceaux réimaginés sur ce disque, tous deux figurant sur le « single » remixé par Rone de «  F Maj Pixie » » sorti plus tôt cette année. Le remix de Rone tisse un joli paysage texturé, mais la mélodie originale en boucle du morceau se heurte au contexte qui se déploie lentement, créant une tension inconfortable. Le remix de « Squarepusher » est un peu plus réussi, s’appuyant à nouveau sur le crochet caractéristique de la composition originale avec une interaction de plus en plus déformée entre l’ancien et le nouveau.

« Don’t Go », de son côté, reçoit le traitement du Portico Quartet. Pour un groupe qui se sent si proche spirituellement de GoGo Penguin, il y a deux façons de procéder : soit un mariage parfait, soit une intervention à peine perceptible. Le résultat final penche pour la première solution ; un morceau accompli qui porte en lui une partie de l’essence plus électronique du travail de Portico Quartet sous le nom de Portico (une entreprise beaucoup plus numérique que leurs travaux précédents), ainsi que la forte narration musicale de GoGo Penguin. Il ne sonne pas non plus instinctivement comme l’un ou l’autre de ces groupes, mais devient plutôt plus que la somme de ses parties. 

Les projets de remix sont souvent présentés comme de simples adaptations prêtes pour le dancefloor, mais il s’agit ici de quelque chose de totalement différent. Les riches compositions de l’album sont réimaginées dans un vaste paysage sonore, les mélodies complexes et la progression musicale étant remplacées par une cacophonie de samples et de distorsions. Il ne s’agit pas d’un album plus rapide ou plus rythmé, mais plutôt d’une série de versions d’univers parallèles de la liste des morceaux, certaines excellentes, d’autres plus difficiles. 

C’est certainement dans l’esprit du jazz qu’une telle expérimentation et improvisation libre s’épanouit, et c’est vrai de ce projet, mais une partie de l’attrait hautement poli du son de GoGo Penguin est perdue au profit d’une expérience d’écoute plus expérimentale et parfois saisissante. Au moins, il s’agit d’un tremplin bien conçu vers un avenir passionnant pour un groupe qui, sans aucun doute, a encore beaucoup de tours dans son sac.

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Penfriend: « Exotic Monsters »

19 mai 2021

Ce qui est génial avec Kidd – le cerveau derrière Penfriend – c’est qu’elle n’a jamais un air hautain ou supérieur, préférant se concentrer sur le travail et l’inclusion que la créativité nous offre. Il s’agit du premier album sous le nom de Penfriend, en effet il est parfait pour les circonstances où nous nous trouvons, aussi bien en tant nom, que monde et culture.

L’album s’ouvre sur le »single », et il plante le décor avec son paysage dystopique synthétique émergeant du brouillard comme un avertissement de ce qui est à venir. « Seventeen » », en revanche, sera un hymne indie-rock plus percutant, avec des éléments de Belly, Veruca Salt et Cooper Temple Clause qui traversent ce morceau comme si il était un hymne. Le troisième élement de ce trio d’ouverture est «  Hell Together », dont le riff inquiétant et le rythme sinistre sont soutenus par la voix inébranlable de Kidd qui vous assène vérité sur vérité alors que vous prenez le lent escalier roulant vers Hadès.

Le sinistre synthétiseur Numan-esque de «  I Used To Know Everything » est à la fois obsédant et magnifique, mais au fur et à mesure que la chanson se construit, on commence à voir le véritable noyau de cette chanson apparaître derrière toutes les armures et les lasers. Le titre alarmant qu’est « Dispensable Body » sera une ballade rêveuse inspirée des années 80, tandis que «  Seashaken » commencera par une mélodie au piano et une voix mélancolique et triste qui donnera l’impression que Kate Bush est l’invitée sur d’un morceau de Fleetwood Mac. Les harmonies vocales hypnotiques du début de « Loving Echoes » erfont penser à un morceau de Hot Chip avant que la chanson n’évolue vers quelque chose de stratifié, d’éthéré et probablement d’un futur (celui où nous survivons mais où la musique est devenue souterraine à cause d’un gouvernement autoritaire).

Ce qui est merveilleux avec cet album, c’est que Penfriend vous laisse deviner avec des changements rapides de style, de tempo et de vibration. À cet égard,« I’ll Start A Fire »  en est un excellent exemple avec son ambiance où Hole aurait rencontréLush et ses guitares grunge qui rappellent l’époque « She Makes War » » de la carrière de Kidd. « Cancel Your Hopes » maintiendra ensuitr cette ambiance avec des guitares urgentes associées à une batterie impatiente et une mélodie de clavier dont la durée d’attention est courte, comme si Maximo Park et Young Knives écrivaient une musique de film dans un sous-sol sombre, entourés de néons et de champignons. Le rythme ralentit sur »’Long Shadows » mais l’énergie sinistre du film noir monte de quelques crans avant que « Out Of The Blue » ne nous emmène sur le dernier perron de l’univers pour chanter une berceuse cybernétique aux débris qui passent avant que le soleil ne s’écrase sur la dernière humanité.

« Black Car » est le morceau qui jouera pendant que le générique de fin défile et que Penfriend conduit sa voiture volante au loin en laissant une traînée de destruction dans son sillage. Penfriend est étonnant en tant que véhicule pour le travail de Laura Kidd, mais le véritable triomphe ici est que Kidd est capable de se tourner vers tant de styles différents tout en conservant sa superbe qualité d’écriture. Je vais le placer fermement dans la course à l’album de l’année et mettre Penfriend dans la catégorie des artistes les plus importants du Royaume-Uni (et bien au-delà) en ce moment.

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Sufjan Stevens: « Convocations »

18 mai 2021

Sufjan Stevens n’est pas un artiste connu pour fuir les grands projets. Au contraire, il semble les trouver nourrissants ; une grande partie de la reconnaissance précoce du chanteur-compositeur autour des sorties de Michigan et Illinois était liée à son intention déclarée d’écrire un album pour chacun des cinquante états, et beaucoup de ses albums – comme Illinois et The Age of Adz – sont connus pour englober habilement des étendues ambitieuses de divers instruments et genres.

Son dernier opus, Convocations, est l’une de ses entreprises les plus vastes à ce jour, et pourtant, il se lit moins comme un défi que comme un plan mystérieux dans lequel il est attiré. Créé en hommage au père de Stevens, décédé en septembre 2020, Convocations refigure les étapes du deuil en mouvements musicaux (« Meditations », « Lamentation »s, « Revelations », « Celebrations », et « Incantations ») au cours d’un album instrumental de deux heures et demie.

Le travail instrumental n’est pas nouveau pour Stevens ; il a déjà composé de la musique expérimentale, ambiante et sans paroles pour des albums comme Enjoy Your Rabbit, The BQE et, plus récemment, Aporia, l’année dernière. Toutefois, Convocations, par sa longueur et son approche du deuil en tant qu’expérience musicale, est une tentative de quelque chose de différent.

l s’agit d’un album à combustion lente, bien sûr, mais qui guide l’auditeur tout au long de son parcours, avec des arrangements instrumentaux qui s’entremêlent comme une pluie fine, des cordes qui se transforment progressivement en de nouvelles formations, et des percussions qui sonnent et s’entrechoquent à certains endroits et qui vibrent silencieusement mais constamment à d’autres. C’est un album imprégné de sentiments de recherche et de persistance, et il se sent le plus à l’aise dans de vastes paysages sonores, évoquant souvent des cathédrales ou des salles de concert aérées, mais aussi des voyages tranquilles dans l’espace qui rappellent Planetarium. L’absence de paroles est tout à fait appropriée, étant donné que le chagrin lui-même est souvent une chose pour laquelle il n’y a pas de mots – il ne peut pas toujours être exprimé immédiatement par le langage, et doit seulement être ressenti.

Les antécédents religieux de Stevens sont perceptibles dans certaines des textures de l’album, des titres de chaque volume aux cloches qui résonnent dans « Revelation IX » ou un son ressemblant presque à un vieux plancher en bois qui grince dans « Revelation VI ». Il intègre subtilement l’électronique, mais même lorsque les synthétiseurs se développent dans des endroits comme « Lamentation VII », ils ne sont jamais trop présents. L’accent est mis sur la beauté qui se dégage de la musique en tant que tout interconnecté. Cette beauté trouve finalement un axe dans la sonnerie qui s’élève proprement au centre d’« Incantations » et revient dans ses derniers instants, s’achevant sur une seule note unifiée, douce mais claire.

Bien que leurs titres laissent entrevoir des inclinaisons différentes, les cinq volumes qui composent cet album ne sont pas radicalement distincts les uns des autres à grande échelle. Ils ont tous des tonalités et des tendances qui les préoccupent, mais les morceaux de « Revelations », par exemple, n’ont pas tous un son totalement distinct qui les distingue de ceux de « Meditations ». Étant donné la longueur de l’album, les volumes ont également tendance à passer par de nombreuses itérations répétitives – parfois d’une manière qui semble cumulative et subtilement belle, mais parfois au point que l’on a l’impression que la musique prend beaucoup de temps pour trouver son chemin dans ce qu’elle veut transmettre.

Bien sûr, le fait que l’album soit davantage axé sur des mouvements sonores généraux et lents fait partie du propos : chaque étape du deuil se transforme en la suivante, parfois imperceptiblement ou dans une lente accumulation, et porte les notes et les échos de celles qui l’ont précédée.

Sur Convocations, Stevens s’accorde la liberté d’explorer une chose à laquelle son travail s’est toujours intéressé – la composition de vastes paysages sonores instrumentaux – mais de manière plus complète et peut-être plus aboutie qu’auparavant. Il s’agit d’une exploration lente et patiente du deuil, parsemée de moments d’une surprenante beauté mélodique.

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The German Ocean: « The German Ocean »

18 mai 2021

The German Ocean est un duo basé au Royaume-Uni, composé de Darren j Holloway et Gavin Martin, et cet album éponyme est leur premier album. Les sons évoquent de façon cinématographique ceux d’un sous-marin de la Seconde Guerre mondiale se frayant furtivement un chemin à travers la mer du Nord. D’où le nom du groupe et le titre de l’album. En substance, ces efforts s’inscrivent dans la lignée des genres drone et dark ambient, avec des textures spacieuses, des tonalités pulsées et oscillantes, ainsi que des accords de guitare et d’orgue longs et granuleux.

L’atmosphère lente est ponctuée de moments propulsifs, de nature presque mécanique. Ces morceaux tendent vers la mélancolie, voire l’anxiété, avec un danger juste à portée de vue. Le résultat est un album mystérieux et fascinant, qui a beaucoup à offrir aux fans de Lustmord ou de Sunn O))). Hautement recommandé.

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Sons of Kemet: « Black To The Future »

17 mai 2021

Après la sortie du « single » « Hustle » », un titre qui a vu Sons of Kemet s’associer à l’un des plus grands rappeurs/artistes du Royaume-Uni, Kojey Radical, l’attente de leur nouvel album Black To The Future était presque insupportable. Mélange parfait de jazz et de grime, avec une production à tomber par terre et une accroche qui vous accompagnera toute la journée, «  Hustle «  a fait de Black To The Future un album de jazz comme on n’en a jamais entendu. Aujourd’hui, à sa sortie, ce opus refuse d’être confiné dans un genre particulier, car Sons of Kemet réalise l’un des albums les plus atmosphériques de l’année et ce qui ne peut être décrit que comme un chef-d’œuvre du début à la fin.

L’album s’impose comme un projet qui ne fera aucun prisonnier dès le départ grâce au morceau d’ouverture «  Field Negus », qui comprend un poème parlé obsédant sur un free jazz subtil. La douleur des mots qui sont prononcés et de leur livraison – combinée à la nature chaotique du jazz qui les accompagne – joue comme une tourmente doublée sur un lit de feu. C’est comme si vous aviez un aperçu de la fin du monde lorsque les mots « BurnItAll » sont répétés et que nous entrons dans la deuxième piste.

À partir de là, l’ensemble du LP refuse de se relâcher. Chaque chanson est imprévisible : certaines contiennent des arrangements jazz incroyablement structurés, d’autres vous offrent des voix soul et grime, et d’autres encore vous plongent dans un chaos total. 

Et il y a une couche plus profonde qui rend cet album encore plus parfait. Pour tout dire, on peut comprendre la lutte que mènent les personnes de couleur dans une société systématiquement raciste.

L’utilisation du free jazz, cependant, aide certainement à faire passer le message. Témoignage de la capacité de la musique à décrire quelque chose mieux que les mots ne le pourraient jamais, Sons of Kemet prend le free jazz et rend hommage à son histoire en tant que genre contestataire, tout en reconnaissant que les choses ont changé au cours des 70 dernières années. L’album résume le sort actuel des minorités en s’inspirant de l’influence de ceux qui les ont précédés. Beaucoup de ces chansons sont des chaos (comme dans le free jazz), mais lorsqu’il y a de l’improvisation, elle n’envahit pas l’album. 

Musicalement, Black To The Future est exemplaire et il est impossible de lui trouver des défauts. C’est un mélange de chaos qui sonne comme si une capsule temporelle avait été envoyée dans le passé, recouverte de colle et traînée à travers une histoire de notes musicales inspirées par l’oppression et l’agitation. Le message de l’album et ce qu’il représente s’affichent parfaitement alors que des sons dont les racines sont ancrées dans le chaos reçoivent une certaine structure. Tout cela se combine de la plus belle des manières, ce qui signifie que Sons of Kemet parvient à livrer l’un des albums les lus notables de cette année 2021 jusqu’à présent. 

***1/2


Electric Looking Glass: « Somewhere Flowers Grow »

17 mai 2021

« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ce Somewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA. 

Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.

Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.

Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avec ses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.

Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie  » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé. 

Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.

****1/2


Spread Joy: « Spread Joy »

17 mai 2021

Spread Joy, de Chicago, est un groupe post-punk intensément soudé qui donne tout ce qu’il a sur son premier album de 14 minutes (sic!) au moyen de titres excitants et courts. Les guitares aiguisées et la batterie rythmée et courte permettent à chaque chanson de Spread Joy de s’enchaîner parfaitement et de créer une expérience sans faille de la piste 1 à la piste 10. Si l’on ajoute le style vocal nerveux de Briana Hernandez, qui oscille entre narration et riot grrl, on comprend tout l’impact de Spread Joy.

Dès les 54 secondes de l’ouverture, « St. Tropez », le groupe démarre et arrête les instruments avec un effet dramatique pendant la première moitié avant de terminer avec une fièvre brûlante. Compte tenu de la longueur du morceau, c’est une écoute remarquable car Spread Joy ne laisse rien au hasard.

La connexion à Wire tout au long de l’album est une comparaison facile, surtout sur un morceau comme « Unoriginal » qui utilise des accords sautillants très similaires à la « Three Girl Rhumba » du groupe, qui a été rendue célèbre en 94′ avec « Connection » d’Elastica. C’est une chanson extrêmement accrocheuse qui est aussi la plus longue de l’album à 2:07 (re-sic !).

Il est important de savoir que même si c’est le début de Spread Joy, il a des membres qui ont joué dans Negative Scanner et Human Beat ce qui devrait vous dire de vous attendre à plus avant même d’appuyer sur play. Les morceaux sont ridiculement simples mais tellement propres. Vous pouvez presque voir la sueur du travail complexe de la guitare et sentir sa connexion avec la batterie. Et quand on y ajoute les paroles spontanées et désinvoltes d’Hernandez, ce premier album devient mémorable.. Le seul reproche sera la brièvété d’un opus qui vous fera instamment remettre le disque sur la platine.. ou espérer la venue rapide d’une nouvelle production.

***1/2