Royal Blood: « Typhoon »

23 mai 2021

Certains groupes mettent du temps à atteindre leur potentiel. D’autres arrivent prêts à dominer le monde. Royal Blood faisait définitivement partie de la deuxième catégorie. Dans un petit club des Midlands anglais, au début de l’année 2014, nos oreilles ont été joyeusement martelées par éOut of the Blacké, C »ome On Over », « Figure It Out » et d’autres encore, tandis que les spectateurs se regardaient les uns les autres, bouche bée. Voilà un combo qui devrait jouer devant plus de 50 personnes dans un sous-sol. Heureusement, la trajectoire de leur carrière les a amenés à jouer dans des stades et à participer à d’immenses festivals dans le monde entier au cours des années qui ont suivi, et nous les retrouvons ici avec un troisième album, avec Mike Kerr (chant, basse) et Benji Thatcher (batterie) faisant le point et se préparant à leur prochaine salve sonique.

Ce qui a rendu Royal Blood spécial est toujours là, à la pelle. Il y a des riffs et des refrains qui vont se loger dans votre tête pendant des jours sur pratiquement chaque chanson. Les « singles » « Trouble’s Coming » et la chanson titre sont particulièrement forts à cet égard, mais d’autres encore resteront sans aucun doute des classiques de Royal Blood.

Prenez en plus le drive d’  « Oblivion» le martèlement de « Boilermaker », et le crunch de « Mad Visions », mais une seule écoute de l’album confirme qu’il s’agit d’un groupe qui mûrit, qui est là pour rester, et qui vise les grandes ligues de crossover rock et pop. L’utilisation accrue de claviers et de boucles sur pratiquement chaque chanson ajoute des couches à leur son et donnera sans aucun doute de nombreuses possibilités pour leur spectacle live lorsque ceux-ci pourront revenir (s’il vous plaît, faites-le bientôt). En plus des riffs de basse complexes et puissants de Kerr et de son attaque conjointe brevetée à la basse et à la guitare électrique, Benji Thatcher a redressé ses patterns de batterie, ce qui permet à chaque chanson de s’enfermer dans un groove inébranlable. Là où Royal Blood cherchait à tuer avec sa puissance, ils ont ici ajouté de la nuance à leur ensemble, ce qui donne un album dansant inébranlable et un vrai sentiment de positivité et de possibilité pour l’avenir du groupe.

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Gruff Rhys: « Seeking New Gods »

23 mai 2021

Sans doute est-il fatigué d’écrire sur lui-même ; les chansons du septième album solo de Gruff Rhys ont toutes été inspirées par des événements liés au volcan nord-coréen du Mont Paektu. Enregistré avec le même groupe que celui qui a participé à l’album Babelsberg 2018, l’opus été conçu pendant la tournée américaine. Sur leur route, il s’est transformé en un album de route de la côte ouest, le volcan devenant une métaphore de Rhys lui-même et de l’époque dans laquelle nous vivons.

Il y a de vagues références au « grondement constant » et à la « recherche de la vérité et de la sagesse », mais ce n’est pas un album ouvertement politique. Allusif plutôt que spécifique, il s’inscrit confortablement dans son catalogue solo et celui des Super Furry Animals.  « Loan Your Loneliness » et « Can’t Carry On » » en particulier, sont aussi concis et pop que jamais, avec leurs influences psychédéliques et leurs harmonies soft-rock.

Au fur et à mesure que l’album progresse sur neuf titres, il devient plus libre et expérimental. « The Keep » est ainsi parsemé de cuivres free-jazz ;  » »Hiking In Lightning » présentera un rock garage lâche avec une ligne de piano inspirée du Velvet Underground ; et « Everlasting Joy «  se déploiera à travers une jam psychique tentaculaire mais concise. Le disque n’éclate jamais en quelque chose de vraiment inattendu, mais il offre un réconfort dans ses mélodies dorées.

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Lauren Auder: « The Dysphoric »

23 mai 2021

Le processus de création d’un artiste est toujours intéressant. De nombreuses personnes qui créent essaient constamment de se trouver à travers leur travail. C’est un processus intensément personnel qui peut donner naissance à quelque chose qui résonne universellement. Dans le cas de Lauren Auder, c’est ledit processus de création de ses deux derniers EP, Who Carry’s You sorti en 2018 et Two Caves In sorti l’année dernière, qui l’a aidée à se découvrir et à prendre confiance en sa voix artistique. Cette confiance retrouvée peut définitivement être entendue sur le nouvel EP d’Auder, 5 Songs For The Dysphoric.

La chanteuse, compositrice et productrice anglaise a créé ici un ensemble de chansons courtes mais immensément frappantes. Avec la collaboration de Clams Casino, Dviance, la chanteuse soul Celeste ainsi que les producteurs et coauteurs Danny L. Harle et Tobias Jesso Jr. de Vancouver, 5 songs For The Dysphoric est une merveilleuse déclaration qui montre l’immense talent d’Auder.

D’une durée de 17 minutes seulement, les cinq chansons présentées ici couvrent toute la gamme des genres. « Animal », qui ouvre l’album, est une ballade obsédante au piano qui met en valeur le baryton doux d’Auder. Sur le plan lyrique, le morceau frappe par son élégante simplicité. Le refrain répété de « That’s Not Animal » gagne en intensité au fur et à mesure que la chanson progresse, créant un résultat hypnotique et émotionnel. Le morceau « Heathen », produit par Clams Casino et Dviance, vous frappe avec une grosse caisse à quatre temps et une ligne de basse grondante, avant que le tout ne se brise avec une guitare arpégée disjointe et discordante et le refrain de « To Be Sincere » d’Auder.

« Quiet » est une belle vitrine de l’habileté d’Auder à écrire des mélodies vocales super accrocheuses et des textes puissants. Auder chante dans le pré-refrain de la chanson, «Te dire quand je serai plus forte/Tu peux me garder ici pour toujours/Ils souhaiteront que tu attendes plus longtemps, sachant/Peut-être que tu ferais mieux/Mais pourraient-ils couper, décomposer tout cela/Pour toi »  ( tell you when I’m stronger/You can keep me here forever/The’ll wish that you’d wait longer, knowing/Maybe you would do better/But could they cut up, break it all down/For you), le tout enveloppé dans une mélodie qui vous restera en tête pendant des jours.

La seule vraie critique sur ce disque est, sans surprise aucune, qu’il passe trop vite. Espérons, par conséquent, que nous aurons droit à un premiervéritable opus d’Auder dans un avenir proche, car sa musique est quelque chose qui vous demande de passer un certain temps à explorer soigneusement chaque nuance que cette femme talentueuse prend soin de partager avec nous. C’est un album qui constitue une bande sonore parfaite pour vos promenades nocturnes, l’air froid frappant votre visage tandis que les chansons d’Auder réchauffent votre cœur.

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Portal: « Avow »

23 mai 2021

Le sixième album de Portal, Avow, voit le groupe revenir à un son plus proche de certains de ses premiers travaux. Ils restent l’un des groupes les plus uniques du death metal, avec un son absolument claustrophobe, sombre et effrayant. Leur capacité à invoquer un sentiment d’effroi dans leur musique reste inégalée avec leurs riffs dissonants et chaotiques, et le grognement chuchotant du chanteur The Curator.

Portal a connu une évolution dans son son, surtout dans les deux derniers albums. Avec Vexovoid en 2013, ils ont réduit le chaos des riffs pour se concentrer sur une attaque plus directe, tandis que le Ion de 2018 a offert la sortie la plus frappante de leur carrière, le plus grand changement de son venant sensiblement des guitares. Dans les albums précédents, le groupe utilisait des instruments à 8 cordes qui contribuaient à créer un son sombre et dense, mais pour Ion, le guitariste Horror Illogium a retrouvé sa vieille Carvin Ultra Flying V, une guitare à 6 cordes avec une attaque en forme de rasoir qu’il a utilisée pour composer et créer le son unique de l’album. Alors qu’auparavant, on pouvait entendre des clins d’œil à des groupes comme Morbid Angel, Gorguts et Incantation, avec Ion, il semble que le groupe canalise l’essence du thrash allemand des années 80, comme Sodom ou Destruction, mais d’une manière unique et tordue.

Lors d’une interview avec Bardo Methodology à l’époque de la sortie de Ion, Horror Illogium a révélé que le groupe avait enregistré des titres pour un album complet, mais qu’il avait décidé de le mettre de côté avant qu’il ne soit mixé. Cette décision s’explique notamment par la montée en puissance de nombreux nouveaux groupes qui tentent d’adopter une approche ou une esthétique similaire. Avec Ion, ils ont réussi à faire un disque qui se démarque de ces imitateurs et qui, à mon avis, est l’un de leurs meilleurs albums. La première chose qui nous a frappé à propos d’Avow, c’est qu’il marque un retour, notamment en termes de production, aux anciens enregistrements du groupe. Les guitares qui étaient si tranchantes sur Ion ont été déplacées dans le mix pour unifier les dissonances et le drone qui est plus prononcé. Il n’y a pas un seul moment qui ne soit pas étouffant dans son exécution. Aucune information réelle n’a été donnée dans la bio de l’album, mais honnêtement, la première pensée qui m’a traversé l’esprit était de savoir si oui ou non le groupe avait décidé de revisiter certains des matériaux de leurs travaux abandonnés. Quoi qu’il en soit, les fans des premiers albums du groupe seront probablement très satisfaits de la direction prise ici. Le chant de The Curator est également à noter. Il reste un point très fort qui élève la menace et l’effroi mis en avant et libère essentiellement la musique pour qu’elle prenne la direction qu’elle veut.

Dans l’ensemble, l’album est plus impénétrable que les deux précédents, mais il n’en est pas moins intriguant à écouter, et c’est là que réside l’une des plus grandes forces de Portal. La cacophonie de Portal transcende toutes les idées que l’on peut se faire de ce que peut être le death metal, et ils continuent de réussir à être l’un des groupes les plus uniques du genre, que les imitateurs soient damnés.

***1/2


Sarah Neufeld: « Detritus »

23 mai 2021

Connue à l’origine pour son travail au sein d’Arcade Fire, les projets solo de Sarah Neufeld reflètent constamment le talent divers et obscur qu’elle dégage en tant que multi-instrumentiste. Si le violon est son instrument de prédilection, la façon dont elle exprime sa voix sur cet album est un instrument en soi.

Ses harmonies envoûtantes s’intègrent parfaitement à tous les aspects de l’album et créent un ensemble d’œuvres captivantes tant sur le plan sonore que visuel. L’album plonge dans les mondes atmosphériques de l’exploration sonore et cherche à trouver la tonalité et le but de tous les instruments utilisés.

En commençant l’album avec « Stories », Neufeld crée une expérience cinématographique tout au long de l’album qui peint continuellement une scène pour accompagner sa musique. Sans aucun texte sur l’album, sa musique doit raconter une histoire par elle-même ou être suffisamment vivante pour permettre à l’esprit de l’auditeur d’explorer. Sur « Stories », le décor est celui d’une nuit de tempête perdue en mer. On peut pratiquement sentir l’odeur du sel dans l’air alors que les voix dramatiques et l’influence celtique de la chanson créent une sensation étrange qui finit par mijoter dans le reste de l’album.

Par moments, l’album ressemble davantage à une longue partition de film qu’à un disque ordinaire. Des morceaux comme « Tumble Down The Undecided » commencent par des sous-entendus plus sombres et mystérieux avant de se transformer en un véritable cri de guerre. D’une durée de plus de 9 minutes, le morceau ne fait que s’accumuler jusqu’à son arrivée enthousiaste, sans aucune pause ni moment d’hésitation. Autre tentative cinématographique de l’album, « Shed Your Dear Heart », qui met en valeur les contributions des synthétiseurs et des percussions de l’album. Comme pour le morceau précédent, les thèmes intenses de la guerre ou du conflit semblent être le fil conducteur de ces chansons, les moments forts de l’album ne cessant de s’accumuler jusqu’à sa conclusion compliquée.

Alors que la seconde moitié du disque illustre des aventuriers sonores de grande envergure, Neufeld a décidé de conclure l’album sur un ton plus ambiant et discret. La chanson titre, « Detritus », ne se construit jamais jusqu’à une conclusion à grande échelle et adopte plutôt une approche poétique pour terminer l’histoire. L’intensité lente de la chanson ressemble à un battement de cœur qui s’éteint. Il est difficile pour les auditeurs de savoir où le morceau se dirige et, avec sa fin abrupte, l’ensemble de l’œuvre se termine par un cliff hanger tranquille mais soudain. Sur le papier, la fin du disque peut sembler insatisfaisante, mais les décisions prises par Neufeld tout au long de l’album sont tout à fait logiques sur le plan sonore. Bien que l’histoire ait été racontée, elle laisse encore de la place pour que les chapitres suivants se déroulent.

***1/2


Tunic: « Exhaling »

23 mai 2021

« Alors tu veux être le patron/alors tu veux avoir le contrôle. » Il est facile, parfois, de se perdre dans la psychologie d’un communiqué de presse – nous aimons tous une bonne histoire, après tout – mais il est intéressant de re-contextualiser ces paroles à l’esprit de chien de tête que le guitariste/chanteur de Tunic, David Schellenberg, hurle sur le bien nommé « Boss » quand on apprend que le musicien a fondé son trio noise-rock actuel face à l’adversité artistique, apparemment après s’être entendu dire qu’il « n’était pas assez bon » pour faire partie d’un autre groupe.

« Boss » est peut-être un exemple de destinée manifeste, Schellenberg ayant désormais pris le contrôle des sons. Quoi qu’il en soit, c’est un morceau puissant, et une raison suffisante pour l’artiste de Winnipeg de faire un pied de nez au groupe qui l’a laissé tomber. Tunic, qui compte également le bassiste Rory Ellis et le batteur Dan Unger, a certainement les moyens de nous faire fondre comme il se doit. Et pourtant, avec ses 23 titres, la nouvelle méga-sortie Exhaling du groupe suggère que le trio s’est peut-être surpassé.

Exhaling est une collection curieuse, techniquement empilant un ensemble de 11 nouveaux morceaux sur le LP Complexion (2019), déjà sorti en 12 morceaux. C’est économique, bien sûr, mais descendre les 50 minutes meurtrières d’un coup est une tâche. Et voici le cruel coup de théâtre : il n’y a pas de morceaux qui sentent mauvais et qu’on pourrait facilement retirer. Demander au roi Salomon de séparer le vieux du neuf ne résout pas vraiment l’énigme de Tunic, non plus.

La bonne nouvelle est que, dans l’ensemble, il y a beaucoup de choses à aimer dans les expériences d’agression de Tunic. La tension nerveuse est palpable sur des titres comme « Invalid », avec des flous de guitares aigus et discordants qui se fracassent sur la section rythmique solide comme une poutrelle d’acier d’Ellis et Unger ; « Will Know » augmente légèrement le rythme effréné du groupe, avec Schellenberg qui pousse son aboiement généralement frustré vers un cri plus primitif.

A l’époque, il y a des parallèles à faire entre Tunic et METZ de Toronto – et, dans une moindre mesure, les moments plus directs de KEN Mode. Les différences peuvent être subtiles, comme le fait que le chant de Schellenberg est juste un peu plus fort que le ricanement fuzzé du chanteur de METZ, Alex Edkins. En termes de force d’impact, Tunic a le même genre d’arête que METZ, mais sans doute pas les tendances pop sous-jacentes de ce dernier groupe. Le morceau « Disappointment » parvient presque, en enfonçant une spirale de guitares – même si elle est résolument discordante – dans la psyché. Les paroles sont moins invitantes, impénétrables, en fait. Un monument indépendant d’anxiété et de dégoût de soi qui s’articule autour de la conclusion de Schellenberg selon laquelle il est « une déception constante ».

Toutefois, comme d’innombrables artistes avant lui, travailler à travers ces émotions négatives peut potentiellement purger la douleur. « J’ai besoin de cette catharsis de crier sur ces choses encore et encore », a expliqué le chanteur dans un communiqué. « Ce sont toutes des choses qui se sont déroulées dans ma vie et j’utilise Tunic comme un mécanisme d’adaptation ».

Parmi les autres points forts de l’album, citons la diffusion chromatique saccadée de « Hesitant Gesture » et la montée décélérée de « Radius ». La dernière partie du recueil comporte également quelques succès, comme la submersion aqueuse de la pédale de chorus de « Eye Contact », mais à vrai dire, tout se mélange au fur et à mesure que l’on avance. De brefs moments de répit comme « Sand », un poème sonore à base de distorsion, et la valse plus groovy de « Evan », à la Jesus Lizard, sont rares dans l’approche généralement martelée de Tunic. Encore une fois, ce n’est pas qu’il y ait quelque chose qui ne fonctionne pas avec Exhaling, c’est juste que ses 50 minutes de brutalité statique et inébranlable peuvent être épuisantes. C’est un peu trop d’une bonne chose.

D’un point de vue commercial, coller Complexion aux nouvelles offres d’Exhaling est une décision judicieuse. Tunic devra refaire son tir devant le public plus large ; la balle a maintenant quitté les mains collectives de Tunic et ce que nous vivons ici est une longue expiration.

***1/2


Rose Bolton: « The Lost Clock »

22 mai 2021

Tapez « Rose Bolton » sur Google et vous obtiendrez des milliers de résultats liés à un personnage de Game of Thrones. C’est dommage, car les efforts de Bolton (de Rose, en fait) sur The Lost Clock pourraient mériter au moins quelques milliers d’auditeurs. Son travail passé est assez varié et elle a été active dans le domaine des bandes sonores, ce qui est un contexte qui informe cette sortie.

Les quatre pièces présentées ici sont des compositions ambiantes/électroniques lentes et introspectives couplées à des percussions d’objets trouvés. L’instrumentation traditionnelle se faufile dans ces structures, au point qu’il peut être difficile de discerner la source ultime de certains sons.

Mais l’identification précise de ces sons n’est pas nécessaire, et Bolton utilise cette ambiguïté pour créer des paysages sonores à la fois idylliques et obsédants.

Ainsi, le morceau-titre de 12 minutes comprend ce qui semble être des instruments à cordes pour accompagner des couches de drones et une pulsation régulière. « The Heaven Mirror », un morceau d’une longueur similaire, comporte des cordes, des grondements et des chatoiements de synthétiseurs, ainsi qu’un thème anguleux au piano. Bolton développe ces efforts à son propre rythme, ce qui donne une impression d’atmosphère ponctuée par une présence inquiétante occasionnelle.

***1/2


bauwaves: « u r everything »

22 mai 2021

u r everything, le premier album de bauwaves d’Austin, TX, a été écrit à la fin d’un épisode dépressif. Le chanteur Lew Houston a sété atteint d’une dépression profonde en 2016, et, alors qu’il se sortait, l’inspiration a lui est venue pour engranger des compositions qui ont donné naissance à u r everything.

Cette histoire de fond semble importante – une grande partie du disque traite de la dépression et trouve les narrateurs autobiographiques de Houston en quête de connexion. Mais au-delà du thème, c’est un disque qui sonne comme s’il se débarrassait d’une brume spleenesque ; les guitares grésillent et s’embrouillent, et la voix de Houston se situe quelque part entre la plainte indie punk et le glas. 

Cepandant la carte de visite de u r everything, plus que ses guitares grunge et le chant plaintif de Houston, est la façon dont tous ses membres jouent ensemble : c’est-à-dire de façon rapide et désordonnée, comme si l’ensemble risquait de s’effondrer à tout moment. Les rythmes ne gardent pas la cadence, ils testent plutôt la capacité du groupe à redresser le véhicule à grande vitesse qu’est chaque chanson. Par moments, c’est exaltant, on dirait un vestige du rock ‘n’ roll de la fin des années 80 ou du début des années 90 ; ailleurs, comme sur « years later », le groupe semble plus perdu qu’expérimental, comme si les rythmes qui étaient sur le point de s’effondrer s’étaient effectivement effondrés pendant l’enregistrement.

Ces contretemps se produisent surtout sur la première partie de l’album, celle qui contient ses meilleurs titres, comme si le groupe avait enregistré tous les morceaux les uns après les autres, en prenant de l’assurance au fur et à mesure. « early morning summer » ajoute une guitare acoustique à l’instrumentation du groupe, ce qui permet de différencier la chanson en tant que single et d’ajouter la variété nécessaire à l’album. Mais plus qu’une simple sonorité, la chanson montre Houston dans son état le plus vulnérable, sa voix hurlante ruminant des pensées suicidaires. À partir de là, les choses deviennent plus punk et tout aussi déprimées sur « to the floor » et « like sinking », donnant à la deuxième phase de u r everything un élan et une ligne directrice qu’elle n’a pas au départ. 

C’est sur le dernier morceau de l’album, la chanson titre, que tout se met vraiment en place. Les rythmes tremblants et les guitares démesurées ne sont pas seulement un style – ils ressemblent à la vie, une métaphore du voyage tumultueux dans lequel chacun se trouve. « Sans toi, il n’y a rien » (Without you, there’s nothing), gémit Houston comme si sa vie en dépendait, ce qui est en quelque sorte le cas. u r everything est, à cet agard, autant un disque qu’un chemin vers l’acceptation de soi. Au terme de son périple, Houston a réalisé que la vie valait la peine d’être vécue et l’a transposé en chanson. Cela ne veut pas dire que ce sera facile, mais parfois, c’est dans les moments où tout s’écroule que l’on trouve le plus de sens.

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Natura Est: « Real Seasons »

22 mai 2021

Real Seasons est un opus de dark ambient hardcore avec des drones profonds et des vagues de textures multicouches. Ces murs générés par les synthétiseurs varient en douceur sans pour autant s’approcher de l’irrégularité. Celles qui se situent dans le bas du registre grondent et tremblent avec un mouvement tectonique tout en restant sans battement.

Ces éléments organiques sont combinés avec des patchs de synthé qui ressemblent à des voix torturées ou à des chants dans les derniers morceaux.

Ainsi, certaines parties de « Midsummer » sonneront presque comme des chants. Le morceau le plus long, « The Trilogy of Harvest »,sera un paysage d’enfer obsédant de huit minutes, roulant et bouillonnant avec une colère contenue malgré son rythme délibéré. Tout au long de l’album, on sent une noirceur qui ne s’estompe jamais.

Natura Est est le duo de Tony Young et Andreas Davids. Real Seasons propose sa propre version de la nature, entre indifférence et malveillance. Écoutez à haut volume pour en apprécier les détails.

***1/2


Gary Numan: « Intruder »

22 mai 2021

 

Le synth-rocheur sans âges qu’est Gary Numan est de retour avec un 14e album solo féroce et fascinant. À cet égard, Intruder est un parfait contrepoint aux sons explorant des terres désolées de son précéden opus de 2017, Savage. Numan donne à notre planète meurtrie une voix qui vous transperc tant elle est pleine de colère, et de tristesse face à ce qui est pour lui image de trahison.

Numan fait, à ce titre, sans aucun doute la musique qu’il veut ou a toujours voulu faire. La plupart des pressions commerciales et financières qu’il ressentait au milieu des années 90 ont disparu. Dans son autobiographie révélatriceparue en 2020, (R)evolution, il termine son livre en envisageant son retour à la Wembley Arena, dans le cadre de la prochaine tournée  » qui sera nommée « Intruder », après 40 ans d’absence. Numan annonce lui-même qu’il s’agira de « la partie finale et glorieuse du puzzle que j’ai assemblé depuis 1981 », après avoir déclaré à regret, avant son dernier passage dans cette salle, qu’il arrêtait les tournées au sommet de sa carrière. Mais cet album, son 18e en tant qu’artiste solo, n’est pas un coup de projecteur introspectif sur Numan, mais plus global – un projet beaucoup plus « ample ».

Intruder fait suite à l’album post-apocalyptique de 2017, Savage : Songs From a Broken World, son plus grand succès commercial depuis près de quarante ans et il y reprend les thèmes qui avaient été mis en avant, pas d’un point de vue humain, mais du point de vue de notre propre planète qu’il considèré comme blessée. Comme l’explique l’artiste, « La planète nous considère comme ses enfants, avec un mépris total pour son bien-être. Elle se sent trahie, blessée et ravagée. Désabusée et le cœur brisé, elle se défend maintenant. En fait, elle considère l’humanité comme un virus qui attaque la planète. Le changement climatique est le signe indéniable que la Terre dit que ça suffit, et qu’elle fait enfin ce qu’il faut pour se débarrasser de nous, en expliquant pourquoi elle pense devoir le faire ».

«  Betrayed » met le couvert annonçant ce que sera l’ensemble de l’album. Il est lamentable, mystérieux, obsédant et soniquement énorme. L’instrumentation arabe ajoute un autre niveau de profondeur à cette première partie. Les paroles vont droit au cœur de l’angoisse de la planète – « Je brûle pour toi/ tu veux la mort, alors je mourrai pour toi/ tu veux la douleur, alors je crie pour toi » (I burn for you/you want death, so I’ll die for you/you want pain, so I scream for you).

La musique de Numan donne l’impression que la terre a déjà pris sa décision de purger l’humanité afin de pouvoir appuyer sur le bouton de rafraîchissement. On ne peut s’empêcher de ressentir une immense tristesse à l’idée qu’il est peut-être déjà trop tard pour nous d’arrêter le rouleau compresseur de la destruction et de la recréation. C’est ce que l’on ressent à l’écoute des morceaux, laissant un vide creux en nous.

L’intro statique de « The Gift » pourrait sortir tout droit du film Se7en de David Fincher. Le couplet dépouillé se transforme en un grand refrain oriental, où l’on peut imaginer une tempête de sable tourbillonnante, ponctuée par le son de ce qui pourrait être une meute de loups hurlants au milieu du morceau. Le dédain de la planète rugit à travers la voix de Numan -Tout ce que j’ai promis se termine avec toi » ( Everything I promised is ending with you). Le titre « Gif » » est-il notre récompense gaspillée de la vie et de la nature dont nous avons tous abusé, ou est-ce un « Gift » (cadeau) à la planète de sa part, utilisant Covid-19 comme la première arme déployée afin d’éradiquer l’humanité et de s’épanouir à nouveau ?

La chanson titre possède les vastes accroches typiques de Numan sur un refrain qui fait de la composition l’un des meilleurs morceaux de l’album. L’invasion de l’humanité qui a conduit à tant de ruines sur terre aux yeux de la planète contient une multitude de paroles brillantes, anti-religieuses et brutales – « Tu peux te cacher dans l’ombre et prétendre que je ne te trouverai pas / Tu peux te noyer dans tes peines et prétendre que tu es sans défense / Tu peux implorer la pitié de Dieu et prétendre qu’il t’entend / Ne souhaites-tu pas simplement avoir écouté davantage ? » (You can hide in the shadows and pretend I won’t find you / You can drown in your sorrows and pretend that you’re helpless / You can beg for God’s mercy and pretend that he hears you / Don’t you just wish that you listened more ?).

« I am Screaming » sonne comme un ultime plaidoyer désespéré, avec un soupçon de touches de synthé influencées par l’Extrême-Orient pour prolonger le drame. Il semble que nous ayons encore un choix fragile à faire – »Tu es le bienvenu pour te tenir avec moi, tu es le bienvenu pour te tenir seul » (You’re welcome to stand with me, you’re welcome to stand alone).

« IIs This World Not Enough » est, lui, mécanique et industriellement torturé, l’une des sorties les plus faibles du LP. À l’opposé, l’intro au piano de « A Black Sun » apportera espace et lumière aux débats, nous sortant de la morosité et du désespoir industriels. Il y a une profonde mélancolie dans ce morceau. Il est plein de regrets et de nostalgie – « Quand j’étais enfant, le monde semblait sans fin / Je jouais le héros et je tenais le ciel » (When I was a child, the world seemed endless / I played the hero and held up the sky). Ce morceau met particulièrement en lumière la façon dont Trent Reznor de Nine Inch Nails a été inspiré par Numan, et au fil du temps, comment Numan a été influencé par Reznor pour produire ici une musique qui, à bien des égards, semble inséparable, inexorable et sans faille.

Le regretté Keith Flint serait fier de la rythmique dansante de « The Chosen ». La désillusion de la planète à l’égard de notre comportement devient maniaque et absorbante dans ces rythmes de Numan – « Comment avez-vous pu transformer vos cœurs en pierre / Comment avez-vous pu voler leurs rêves ? » (How could you turn your hearts to stone / How could you steal their dreams away ?).

Le feedback de la guitare sur « And It Breaks Me Again » est, quant à lui, apocalyptique, laissant la place à un refrain sonore, avec des paroles brutales, « « Est-ce ainsi que la vie doit être considérée, juste attendre que le chagrin arrive ? » (Is this how life is, just waiting for sorrow ?) Le riff passé au synthétiseur de « Saints & Liars » est exquis et fait passer le message de l’insouciance et de l’hypocrisie de l’humanité. « Intruder » a été enregistré entre des sessions au home studio de Numan à Los Angeles et au studio du producteur Ade Fenton à Bath. C’est leur cinquième album studio ensemble depuis 2006.

Le rythme plus lent de « Now and Forever » sera la seule fois sur le disque où Numan soulève le capot à un niveau plus personnel. La chanson est un hommage à sa femme, Gemma, qu’il a rencontrée au début des années 1990, et à qui il attribue le tournant complet de sa carrière, et finalement de sa vie. Alors que le monde semble sombrer dans le chaos et la ruine, Numan a écrit cette chanson pour témoigner de son amour éternel pour elle, quoi qu’il arrive au niveau des mortels.

« The End of Dragons » » est un final envoûtant et hypnotique on ne peut plus adéquet. La longue intro est suivie d’un piano, qui mène au couplet. Le rythme tribal et métallique est d’une sombre tranquillité et les paroles sont poignantes : « Parfois, nous avons peur de l’obscurité. Parfois, nous avons peur de la vérité / Parfois, nous sommes ce que nous craignons. » ((Sometimes we’re scared of the dark/ Sometimes we’re scared of the truth / Sometimes we are what we fear(. (Parfois nous avons peur de la vérité / Parfois nous sommes ce que nous craignons). ; la réalité la plus horrifiante et la cruauté potentielle qui se trouve en chacun de nous. En fin de compte, nous, la race humaine, sommes devenus les signes avant-coureurs de notre propre perte.

Il ne fait aucun doute qu’il s’agit d’une écoute lourde et sérieuse, avec un rythme qui ne s’éloigne pas trop de la base industrielle et synthétique de l’œuvre de Numan. La production d’Ade Fenton est ultra-rapide, créant un mur de sons assourdissants, et Numan ne montre aucun signe de recul ou de ralentissement. Bien que le message de l’album ne soit guère visionnaire, il reste tout à fait choquant et dévastateur, ce qui peut être difficile à accepter. Cependant, le sujet abordé devrait nous mettre tous mal à l’aise pour inciter les gens à agir et à changer leur vie, même si ce changement est minime. Le temps des discussions est terminé ; il est urgent d’agir.

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