London Grammar: « Californian Soil »

25 avril 2021

London Grammar a toujours proposé un contenu musical incroyablement anguleux et apaisant, avec une position émotive et un blues opératique, mais cette fois-ci, avec leur album le plus attendu à ce jour, ils nous offrent un sentiment plus élevé de certitude et de force.

Beau, audacieux et courageux par essence, London Grammar sort ici son troisième album studio, Californian Soil , quatre ans après leurprécédent, Truth is a Beautiful Thing, en 2017.  On dit que la chanteuse Hannah Reid, leader du groupe art rock/art pop, se trouvait dans un endroit sombre et solitaire lorsqu’elle a travaillé sur leur précédent album en 2017, mais les bas qu’elle a endurés ont également été comblés par des hauts euphoriques avec Californian Soil – une création qui reflète son profond besoin d’introspection. Californian Soil reflète une période de passage à l’âge adulte pour London Grammar, avec une profondeur structurelle qui rayonne leur signature de blues oppératique, mais aussi avec un sens du groove et de la confiance dans des morceaux plus parlés comme « Missing », qui a été jugé extrêmement personnel, et quelque peu différent de beaucoup de ses autres morceaux sur cet album et les précédents.

Après quatre ans d’attente, Californian Soil est le plus attendu des trois albums studio. La maturité et l’approche magistrale deviennent encore plus évidentes dans leurs paroles, pour des similitudes avec Lana Del Rey et Annie Lennox dans les voix de « All My Love » et « Lord its a Feeling », et une essence classique de Fleetwood Mac dans des morceaux comme « Talking », London Grammar est dans un voyage émotionnel et purificateur dans une profondeur toujours en développement dans le son et les paroles. Avec la superposition des instruments et la maturité des textes, London Grammar reste dans le domaine de la réflexion et du recul, en particulier avec le premier « single » de l’album, « How Does It Feel ». Reid a toujours eu un talent particulier pour créer un remède isolé avec un objectif extrêmement émotif dans ses messages, mais cette fois-ci, elle et ses autres compagnons de groupe, Dot Major et Dan Rothman, commencent à présenter un son qui reflète leur plus grand sens de la certitude et de l’identité dans leur son et leur histoire jusqu’à présent.

***1/2


Ed Cosens: « Fortunes Favour »

25 avril 2021

Ed Cosens, ancien membre de Reverend and the Makers, sort ici son album solo, Fortunes Favour, opus où il traite de létat u monde et c’est vraiment un chef-d’œuvre d’écriture .Il s’ouvre sur « Running on Empy », une introduction triomphante dans laquelle il fanfaronne avec toute la grandiloquence d’Oasis dans leurs derniers jours, mais avec des conseils stylistique squi auraient été empruntés à Richard Hawley, à savoir des bulles de la basse et des notes du piano se prêtant à la magnifique voix croonante de Cosens. « If » poursuit le thème ambitieux avec un arrangement cinématographique qui conviendrait bien à une scène de conduite dans un film se déroulant dans les montagnes italiennes et à deux acteurs principaux d’une beauté imposante. Le trio de chansons d’ouverture fortes est complété par le titre « The River », plus lent et plus balladeur, qui est plein de mélancolie quand il est question de ce genre d’air dont vous savez que vous le chanterez avec des larmes coulant sur vos joues un jour.

Il y a une qualité intemporelle dans cet album qui lui donnera un attrait universel, une caractéristique soutenue par « Last to Know » qui a les pieds fermement ancrés dans l’écriture de chansons comme celles de Buddy Holly ou de Gerry & the Pacemakers – le chagrin et la beauté s’associant dans un beau mariage. La chanson titre aura, elle, un côté plus Arctic Monkeys, mais mélangé à Del Amitri, avec ses coups d’orgue et et de guitare qui en font un bon petit numéro plutôt sexy. « Madeleine » aura cette tonalité de véritable film noir, tandis que « Lovers Blues » ne ramène les choses dans une zone plus optimiste, avec une histoire de chagrin d’amour qui n’est que trop familière pour quiconque a vécu un amour non partagé.

Le récent « single », « On the Run », scintille comme un tour de force narratif avant que « The Pantomime » ne devienne lo-fi avec un rythme traité de manière minimaliste et les pensées nocturnes de Cosens qui s’écoulent au cœur de la nuit. L’album s’achève avec « Come On In », la chanson la plus chaleureuse qu’il est donné d’entendre en dépit de certains textes on ne peut pllus déprimants. Ed Cosens a un réel talent pour écrire des chansons et raconter des histoires, et il a une voix que je pourrais écouter jour et nuit. Pour ces seules raisons, vous devriez certainement mettre la main sur cet album dont on pourra également penser qu’il sonnera particulièrement bien sur vinyle pour nous permettre d’en apprécier la verdeur et la pétulance.

***1/2


Harry Partch: « The Bewitched » & « U.S. Highball « 

24 avril 2021

De nombreux compositeurs contemporains ont été décrits comme des iconoclastes, mais peu d’entre eux sont réellement les individualistes acharnés qu’on leur dépeint souvent. Harry Partch (1901 – 1974) est peut-être l’une des rares exceptions. Influencé par son étude et son interprétation des modèles musicaux anciens, Partch a décidé de rompre résolument avec la tradition musicale européenne. Il a conçu son propre système d’accordage avec une division microtonale de l’octave en quarante-trois notes, puis a conçu et construit toute une série d’instruments pour utiliser son accordage. Sa musique a été influencée par la musique ancienne, les traditions folkloriques du monde entier et les inflexions dramatiques et la gestuelle de la voix humaine. Sa musique n’a pas ce côté « désaccordé » que l’on rencontre souvent avec la musique microtonale. Cela est dû en grande partie au fait que la musique de Partch est principalement basée sur des gestes rythmiques et mélodiques plutôt que sur des progressions d’accords entourant une mélodie. L’œuvre de Partch ne se résumait pas à son système d’accord et à ses instruments, mais consistait à réimaginer la musique elle-même.

Harry Partch a déclaré que son travail s’apparentait à un rituel ancien, mais en termes modernes. Il utilisait souvent le mot « corporel » pour décrire son travail et je dois admettre que, même après plusieurs décennies d’écoute de sa musique, je ne comprenais pas vraiment ce que cela signifiait. Ce n’est que lorsqueon regarde un DVD d’une performance de sa piste « Delusion of Fury » qu’on apprécie vraimentr son travail. Pour Partch, comme pour beaucoup de cultures non-européennes, chaque aspect de l’exécution physique de sa musique était aussi important que le résultat sonore. Il n’est, pour cela, que de profiter d’outils tels que Vimeo et YouTube pour voir et entendre des interprétations en direct de son œuvre.

Partch a écrit The Bewitched au début des années 1950. Il la décrit comme une satire du ballet. La pièce n’a été produite qu’à quelques reprises. Elle comporte dix scènes basées sur la vie quotidienne américaine, plus un prologue et un épilogue. L’histoire tourne autour de l’idée que le monde a besoin d’une sérieuse dose de réalité et qu’une sorcière se déplace et apparaît dans chacune des scènes en utilisant sa magie ancienne pour apporter un peu de conscience de soi bien nécessaire à chacune de ces situations quotidiennes.

Cet enregistrement de The Bewitched est un enregistrement binaural de 1980 au Festival de Berlin. Pour un effet optimal, utilisez votre casque ou vos écouteurs pour vous faire une idée de ce que vous avez dû ressentir en étant assis dans le public lors de cette représentation.  Comme vous pouvez le voir dans le clip vidéo de cette performance, l’ensemble, les solistes et les danseurs sont tous ensemble sur la même scène, tous complètement engagés dans le rituel de Partch. Et comme vous pouvez l’entendre, l’ensemble a donné une performance très animée !

En plus de la sortie de The Bewitched, Nuema a réédité un enregistrement très rare de U.S. Highball de Partch.  Il s’agit d’une œuvre de 1943 qui raconte l’histoire d’un voyage transcontinental d’un hobo dans le style unique de musique vocale de Partch. C’est une histoire que Partch connaissait bien, puisqu’il a vécu la vie de vagabond pendant de nombreuses années. Cet enregistrement de U.S. Highball date de 1946 et a été publié à l’origine par Partch sur son propre label dans une édition de 100 disques sur vinyle rouge. Il s’agit d’une interprétation vraiment intéressante et d’un aperçu rare de l’une des premières œuvres de Partch.  Les deux enregistrements sont fortement recommandés !

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James Welburn: « Sleeper in the Void »

24 avril 2021

Des cymbales lointaines sont laissées à l’abandon, émergeant d’un froid sombre et sinistre sur « Raze », le titre qui donne le coup d’envoi du nouvel album de James Welburn, Sleeper In The Void. Son début, rempli d’ombres, se transforme rapidement en un morceau bestial, où des rythmes primitifs et animalisés se heurtent à un mur de bruit déchirant. Le froid s’infiltre dans le disque, remplissant chaque recoin d’engelures et d’un déferlement de puissance brute, délivrant coup sur coup jusqu’à ce qu’il ne reste plus que des muscles morts.

Sleeper In The Void a un appétit insatiable, et il se nourrit de sa musique d’une manière presque lascive, arrachant les cartilages et la viande distordue de son corps et éclaboussant son environnement de débris surchargés. Sur le morceau techno « Falling From Time », le rythme frappe encore et encore, très fort, tout en parvenant à construire une petite mélodie pimpante, qui émerge à la moitié du morceau. Quelque chose de malade et d’empoisonné se cache dans ses notes nocturnes, agressif mais pas nécessairement violent.

Les textures de Welburn sont au centre du vortex tout-puissant du disque. À chaque tournant, des drones de marée délivrent des chocs au système et la batterie donne des coups de pied avec une précision et une constance de ceinture noire. Les explorations de Welburn dans les textures en décomposition mettent au jour des découvertes nauséabondes et sombres, et la musique de Sleeper In The Void est proche du sol, sa face presque couverte de taches de terre. Cette atmosphère sombre et fascinante a également été élaborée avec l’aide de Tomas Järmyr (Motorpsycho, Zu, Barchan), Hilde Marie Holsen (Hubro Records) et l’artiste vocale Juliana Venter (W/V, Phil Winter), qui contribuent tous à façonner ses ombres. Les voix déformées et brouillées semblent lutter contre l’assaut de « Fast Moon », où le rythme propulsif et toxique crache son acide tonal dans la rue.

Les textures tourbillonnent, construisant des gratte-ciel à partir de nuages, semblant se transformer sans cesse en un lieu hors du temps et un espace sans entrave, mais elles sont aussi suffisamment solides pour ressembler à des os durs ; le rythme squelettique aide les morceaux à se démarquer, à les définir et à les faire sentir comme des constructions stables, capables non seulement de se tenir debout mais aussi de courir.

***1/2


Tankus the Henge: « Luna Park »

24 avril 2021

Lorsque vous prenez un groupe, non, une bête comme Tankus the Henge et que vous le retirez de son habitat naturel, vous pouvez vous attendre à ce qu’il s’adapte et évolue ou qu’il boude et meure. Heureusement pour nous, Tankus the Henge a profité d’une pause forcée de la scène pour s’installer au Pays de Galles et enregistrer une sorte d’album concept. Et avant que vous ne vous mettiez à grogner sur les albums conceptuels, rappelez-vous que Tankus the Henge sont des maîtres de la performance et de la magie dans tout ce qu’ils touchent, alors laissez vos idées préconçues à la porte et descendons dans Luna Park.

L’album s’ouvre sur le récent « single », « od Oil Money », un titre qui est le parfait point de départ d’un spectacle au sommet de tout ce qui ne va pas dans le monde, sur des mélodies maniaques à la Sergeant Peppers mâtinées de Ian Dury. En revanche, « Fayway » possède une énergie beat-pop des années 60 qui fait vraiment avancer l’album après cette grande ouverture et le fait passer à l’essentiel via des tonalités sombres et espiègles qui laissent présager ce qui va suivre. Les débuts sombres de « Glitterlung » démentent le fait qu’il s’agit d’un moment clé de l’album. La voix de Jaz Delorean se fissure sur les bords tandis qu’il chante une histoire de stoïcisme brisé et de désillusion avec le monde qui l’entoure, montrant les bords blasés et les gouttes de larmes tachées de mascara. Le spectacle doit continuer, vous voyez.

Ce qui est merveilleux avec Tankus the Henge, c’est qu’il s’agit d’un ensemble avec un leader et c’est quelque chose qui brille sur «  Back To You » qui commence comme une complainte entre Delorean et son piano bien-aimé avant de se transformer en une sorte de slow jam orchestral. Sur «  Susie Sidewinder « , le groupe embrasse pleinement son côté théâtral avec un morceau qui pourrait s’insérer dans une version postmoderne d’Aladdin, tandis que « Sundance Kid » se pare d’un gros sac de funk et utilise cette section de cuivres comme un homme assoiffé utilise une bouteille de whisky. « « (Livin’ Like a) Pilgrim » a, lui, un côté plus soul-pop, mais le refrain apporte des notes de basse pernicieuses et on se languit de ces longues nuits d’été à danser dans un champ sur une musique comme celle-ci.

Comme toujours, Tankus the Henge a un penchant pour les vibrations old school et les vibrations jazzy du piano-bar de « Worries » vous donnent envie de fumer une cigarette usagée tout en poussant paresseusement un balai dans un bar clandestin récemment abandonné. « The Only Thing That Passes Here Is Time » continue sur cette lancée jazzy alors que Delorean chante son chant de sirène doucement hypnotique et que vous vous retrouvez à vous déhancher indépendamment du reste de votre corps. Après une reprise de l’incontournable «  Glitterlung », vient le titre «  Luna Park », qui est un véritable «  stomper » et qui se déroule à un rythme effréné alors que nous approchons du drapeau à damier de cette course farfelue.

Cette odyssée s’achève sur « Staying On This Side of the Dirt » qui parvient à rappeler Ian Dury, Chas and Dave et le thème de « Minder » sans perdre l’éclat du reste de l’album. Le concept est que le groupe a laissé derrière lui une ville sans salles de concert pour la promesse utopique de Luna Park où ils peuvent vivre la belle vie entourés de musique et de bonnes personnes. C’est l’histoire, mais elle est racontée avec des phrases comme « On ne va pas payer de factures, on a tout perdu à William Hills » et c’est cela, ainsi qu’une musicalité exceptionnelle, qui rend Tankus the Henge si génial. 

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Glasvegas: « Godspeed »

23 avril 2021

Alors que les ambitions du groupe en matière de rock d’arène étaient omniprésentes sur Later When the tv Turns to Static, leur dernier album en date il y a huit ans, la question se pose de savoir, à une époque où les événements de masse semblent être une relique rock de jours oubliés, où se positionnent Glasvegas avec leurs tendances en mode de mur du son. La réponse est simple : entre leurs quatre murs.

C’est là que le chanteur, guitariste et chef d’orchestre James Allan a récemment mis la touche finale aux onze titres de cet album, entièrement créé par lui-même. L’élément éclectique-expérimental, nouvellement ajouté, s’exprime dans « Shake The Cage (for Theo) », dédié au neveu d’Allan et porté par des voix parlées, ou l’interlude « Parked Car (Interior) », jouant avec des sons « psycho » et le langage cinématographique.

Ailleurs, on rencontre des choses plus familières. Si « Keep Me A Space » est un bijou de Brit-pop noire tardive qui évoque respectivement Pulp et Rialto, « Cupid’s Dark Disco » envoie Duran Duran et les Pet Shop Boys sur la piste de danse pour un balancement shoegaze. Et si « My Body Is A Glasshouse (A Thousand Stones Ago) » répond aux besoins d’une ballade sur grand écran, le titre, qui commence sec et se transforme en sphères jubilatoires, donne le ton de manière experte.

La scène de Glasvegas, 13 ans après leurs débuts et la hype qui les accompagnait, en partie due à la fonction de découverte du cofondateur et manager de Creation Records, Alan McGee (Oasis, The Jesus And Mary Chain, Primal Scream), est peut-être devenue inévitablement de plus en plus petite, mais ils continuent à faire le plus grand possible et le meilleur. Le verre reste donc à moitié plein.

***1/2


Esther Rose: « How Many Times »

22 avril 2021

Voici un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient toujours à rendre un genre séculaire aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

Après avoir enregistré avec Jack White et fait la première partie de Nick Lowe, figure emblématique de la new wave, Esther Rose s’est lancée dans une période d’agitation qui l’a vue partir en tournée sans relâche, déménager non pas une mais trois fois et naviguer entre les écueils d’une relation difficile. Pendant cette période, elle a tout de même réussi à écrire son troisième album studio, How Many Times. Le déplacement du cœur brisé causé par ces quelques années instables a clairement filtré dans l’album et lui donne le genre de mouvement perpétuel inhérent qui est habituellement réservé à des actes plus optimistes et plus pop. Il y a un sentiment sous-jacent de positivité, même lorsque la résonance émotionnelle de la musique vous dit qu’il ne devrait pas y en avoir. Le résultat est un album folk intime et stupéfiant qui vous brisera le cœur et vous fera sourire dans la même mesure.

Même le violon regretté de l’ouverture de l’album et de son homonyme « How Many Times » ne suffit pas à entamer l’optimisme. Il y a quelque chose de merveilleusement intrépide dans l’approche de Rose de la douleur d’une rupture. « Je pensais avoir touché le fond mais je retombe vite. Dis-moi pourquoi c’est si difficile de faire durer une bonne chose » (Thought I hit the bottom but I’m falling fast. Tell me why is it so hard to make a good thing last), chante-t-elle, d’une voix qui vous incite à ne pas vous sentir désolé pour elle malgré les paroles. C’est une chanson country classique de chagrin d’amour, mais quelque chose nous dit que, même si elle est sur la corde raide, elle n’est pas encore sortie d’affaire. Les derniers instants de la chanson s’orientent vers un territoire plus triomphant, suggérant qu’il y a de l’espoir à trouver dans tous ces accords mineurs. « Keeps Me Running » accélère un peu le rythme ; un refrain accrocheur et une section rythmique percutante nous assurent, ici, que Rose n’a pas peur de flirter avec les sensibilités pop. Un solo de guitare langoureux et rêveur ajoute au plaisir tandis que la section rythmique le suit avec enthousiasme. Le morceau suivant, « My Bad Mood », est une chanson tellement ancrée dans ses racines country que l’on peut presque sentir les nuages de fumée du bar. « Je suis fatiguée de moi » (I’m getting pretty tired of me”) chante Rose de sa langue bien pendue. 

Avec « Coyote Creek », l’album bascule momentanément dans un territoire plus sombre et plus mélancolique, mais les lumières ne s’éteignent qu’un instant avant l’arrivée d’un refrain folk-pop plus optimiste. Good Time  » fait exactement ce que son titre promet, mais là encore, il y a une tournure tragicomique. « C’est un bon moment. Having a real good time. It’s a real good time for bad timing  » (C’est un bon moment pour un mauvais timing), le refrain ajoute une autre touche douce-amère aux procédures. Les guitares grattent avec vigueur, vous incitant à vous lever et à danser. « Laisse tes problèmes à la porte, chéri. Et laisse ta copine aussi, tu sais qu’elle est tellement chiante» Leave your trouble, honey, right at the door. And leave your girlfriend too, you know she’s such a bore), c’est là que Rose fait preuve de la plus grande ironie lyrique. De plus, l’ouverture façon Temptations sur « When You Go » crée l’ambiance pour une autre chanson anti-amour : « S’il te plaît, emmène-moi avec toi quand tu pars » (Please take me with you when you go) plaide Rose, mais nous avons déjà six pistes et nous connaissons déjà la réponse. Parfois, la chanson donne l’impression d’être à deux doigts du classique des années 50 « Tears on my Pillow »Please take me with you when you go . Alors qu’en temps normal, être aussi dérivé pourrait être un concept négatif, ici ce n’est pas une mauvaise chose du tout. C’est un album qui hérite pleinement d’un lieu différent et qui gagne son droit de s’asseoir à côté de ses prédécesseurs.

Dans un album qui ne contient que peu de compositions superflues, « Songs Remain » parvient à réduire encore le surabondant. C’est un moment où les lumières sont éteintes, où la chanteuse est seule sur scène, ce qui en fait la chanson la plus intime de How Many Times. C’est un exploit en soi, étant donné que nous avons face à nous un album entièrement construit sur des moments intimes. La chanson est touchante et vulnérable, Rose se lamentant : « Mais laisser partir ne signifie pas perdre, car une partie de moi vit en toi. Je suis heureuse que ce soit toi qui m’aies brisé le cœur. Parce qu’il fallait que ce soit toi qui me brises le cœur » (But letting go doesn’t mean you lose, because a part of me lives on in you. I am glad it was you who broke my heart. Because it had to be you who broke my heart ). La chanson se termine brusquement et nous laisse debout sous la pluie, écoutant une voix-mémoire balayée par le vent, enregistrée par Rose au sommet du Mont Philo dans le Vermont. C’est un morceau intelligent de poésie sonore qui prépare le terrain pour le suivant, « Mountaintop ». Ce titre comporte des couplets enjoués complétés par un refrain entraînant. Musicalement, c’est l’un des moments les plus pop. La batterie saute aux côtés des guitares qui traversent la gamme, tandis que Rose nous offre un autre aperçu de ce qui se passe derrière les portes fermées : « L’obscurité s’installe et je veux une nuit de péché de plus. Et n’aimes-tu pas la façon dont je suis. Ne veux-tu pas être mon homme ? » (Darkness settles in and I want one more night of sin. And don’t you like the way I am. Don’t you want to be my man ?). C’est un témoignage d’Esther Rose que ses voix sont toujours retenues, comptant seulement sur l’intimité naturelle de sa voix pour vous attirer.

« Are You Out There » contient des paroles comme « Sitting home alone on Saturday night Boo-hoo, my candle burning » (Assis seul à la maison le samedi soir Boo-hoo, ma bougie brûle ) et « Who knew? Were you pretending? But I really lost my shit, you know I fell for you. It’s never-ending » ( Qui le savait ? Tu faisais semblant ? Mais j’ai vraiment perdu ma merde, tu sais que je suis tombé amoureux de toi. C’est sans fin).. L’explétif bien placé peut vous prendre au dépourvu, mais pas le solo de violon en mode glissé qui vous plonge plus profondément dans les racines country d’un album qui prend des tonalités ouvertes et magique. « Without You » conclut l’album comme il a commencé : un œil sur l’avenir et un autre sur le passé. La basse est montée à un niveau qui fait claquer les cuisses, mais l’humeur est toujours aussi désespérée. « Tu viens à mon concert ? » » (Are you coming to my show ?) Rose s’interroge sur son amant perdu. Encore une fois, nous connaissons déjà la réponse mais cela n’a pas d’importance, quelque chose nous dit qu’elle va s’en sortir. 

How Many Times est une lettre d’amour pourqui veut se relever, se dépoussiérer et être capable de faire un sourire en coin aux choses qui ont failli vous briser. Il ne cherche pas à réinventer la roue, mais il n’a pas à le faire. C’est un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient à rendre un genre vieux comme le monde aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

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The Pink Noise: « Economy of Love »

21 avril 2021

Mark Sauner, de Pink Noise, a toujours eu l’air à la fois totalement branché et mortellement ennuyé. Depuis les premières sorties du projet sur Sacred Bones, ses enregistrements de boombox ont continuellement évolué en termes d’ambition et de fidélité. Sur leur huitième album, Economy of Love, publié par Celluloid Lunch, Sauner est rejoint par une équipe d’accompagnateurs hyper-talents, dont Gabby Smith aux cuivres, Tara Desmond (The Submissives) au violon et la très demandée batteuse Simone T.B. (Partner, U.S. Girls, The Highest Order).

Chaque musicien apporte sa touche personnelle aux enregistrements, mais aucun collaborateur n’a été plus crucial pour la phase actuelle de The Pink Noise que Graeme Langdon. Comme il l’explique, Economy of Love a été « écrit par moi, principalement au clavier, après que je me sois cassé le bras et que je n’aie pas pu jouer de la guitare pendant un an environ. Par conséquent, les chansons sont toutes très directes et simples. Mark était super déprimé après notre tournée canadienne ratée, alors j’ai continué à écrire ces chansons ridiculement joyeuses en clé majeure pour compenser le désespoir croissant dans ses paroles. Donc, une grande tension, comme Television Personalities + Happy Mondays + The Fall (comme d’habitude) ».

Comme annoncé, le premier « single » de l’album, « Out of Step », est un morceau de fête pince-sans-rire qui glisse sur le dancefloor avec des synthés bruyants et des houles de distorsion à la Link-Wray. Sa vidéo, réalisée par l’artiste Emily Pelstring, met en scène Sauner et Langdon dans des mèches de couleur néon qui se transforment en images animées ondulantes, à la manière de Keith Haring et des Edison Twins. Ils ont rarement été aussi élégants, se contorsionnant devant la caméra en tenue de travail. Quand les choses deviennent bizarres, les bizarres deviennent des pros.

***1/2


Freelove Fenner: « The Punishment Zone »

21 avril 2021

Le duo art-pop montréalais Freelove Fenner crée une musique qui brille par sa chaleur analogique qui fourmille de détails. Bien que chacune des quatorze compositions de The Punishment Zone ne dure que quelques minutes, Caitlin Loney et Peter Woodford les remplissent de douces mélodies. L’album évoquera ainsi une maison aux multiples pièces, une collection encombrée mais confortable d’espaces domestiques peuplés de souvenirs à la fois affectueux et inquiétants. Ce sentiment est magnifiquement rendu par la pochette de l’album, où des plantes et autres objets naturels sont rassemblés et présentés sur de minuscules socles.

La comparaison avec le très apprécié et regretté Broadcast ne peur que nous amenerquand on écoute la musiqu de nos duettistes.. Bien qu’il s’agisse d’une comparaison pertinente, dans le cas de Freelove Fenner, nous parlons d’une époque très spécifique de Broadcast : les airs succincts et livresques de leur opus Work and Non-Work. Freelove Fenner possède une intimité similaire, une sensibilité mélodique et une tendance aux textures instrumentales jolies mais légèrement hantées. Bien que le timbre de voix de Caitlin Loney ne soit pas différent de celui de la défunte Trish Keenan, Keenan avait toujours l’air en quête, solitaire, hanté ; Loney semble habiter cette musique avec aisance, tandis que les moments de sourcillement dans les paroles suggèrent que quelque chose ne va pas. 

La signification du titre, The Punishment Zone, n’est pas claire, bien que l’expression apparaisse dans le chatoyant et riche en Mellotron « LED Museum » : « Envoyez-moi des diodes électroluminescentes pour la zone de punition » (Send me electroluminescent diodes for the punishment zone). Dès le début, sur « Find the Man », les paroles esquissent des scènes de potentiel déçu : « Il est mort sur la vigne / Juste quand tu as enfin trouvé la carte » (It died on the vine / Right when you finally found the map). « 2 B From » fera allusion à la pénibilité de la vie domestique : «  Le nettoyage est sans fin / Des marques sur les bancs » (Cleaning is endless / Marks on the benches), tandis que la somptueuse « Carol » dénonce la duplicité des relations intimes : « Carol n’est pas ce que vous pensiez quand vous avez signé avec elle » (Carol is not what you thought when you signed on). Dee la même manière, « August Parties » a beau avoir une atmosphère douce et ensoleillée, les paroles suggèrent des courants sous-jacents malveillants : « Maintenant, quelqu’un a trafiqué mon vin » (Now someone has tampered with my wine).

La suggestion de problèmes non résolus se retrouve également dans la manière dont certaines chansons ne se terminent pas, mais s’éloignent de manière inquiétante. « Baxter’s Column » s’éteint dans un tourbillon de cymbales en arrière, tandis que « Tied Up » est accompagné de carillons inquiétants. Comme la plupart des chansons sont caractérisées par des guitares arpégées lumineuses, une batterie au galop doux et des orgues bourdonnants, tout changement dans la palette sonore est remarquable, qu’il s’agisse des voix harmonisées et de la guitare fuzztone sur « Perfect Master », ou de la pile d’instruments articulant adroitement les mélodies stridentes de l’ouverture sans rythme « Find The Man ». 

Dans une récente interview podcast avec Matt Dwyer, Caitlin Loney a comparé la façon dont Freelove Fenner écrit ses chansons, en se concentrant clairement sur la mélodie, à la formulation minutieuse de phrases. Il y a un sens certain de quelque chose de spécifique patiemment articulé, comme un objet d’art sélectionné et disposé avec amour pour y réfléchir. Loney et Woodford donnent des indications sur leur signification sans vous prendre par la main. En conséquence, The Punishment Zone est, certes, un endroit magnifique et envoûtant, il demeure légèrement troublant comme lieu où on choisirait d’habiter

***1/2


Alexandra Spence: « A Necessary Softness »

20 avril 2021

L’artiste Alexandra Spence, basée à Sydney, crée une cascade de mondes sonores interreliés avec sa nouvelle édition A Necessary Softness. Les ondes sonores s’enchaînent et se déphasent les unes par rapport aux autres, les enregistrements de terrain révélant un sentiment de dérive. C’est un disque ancré dans la performance et dans les gestes du corps. C’est aussi un disque où l’on sent et où l’on est senti, où l’on va vers le monde et où l’on veut permettre au monde d’aller vers soi.

Spence a une obsession quasi-spirituelle pour l’animation de la matière et de l’objet par le son. A Necessary Softness est ma tentative de retenir et de traduire par le son cette fascination pour la matière, l’objet et le lieu.

Il s’agit, dans cette démarche, d’imaginer le son comme un fil éphémère – se déroulant et reliant nos maisons isolées, nos objets, nos corps – se dégradant, changeant de forme et laissant des traces en cours de route. A Necessary Softness présente les paysages sonores changeants de lieux réels et imaginés ; des objets tactiles amplifiés pour fusionner avec des sons produits par des corps résonnants et des traitements numériques, s’effilochant lentement en un paysage ambient.

« tidewater » et « bell, fern » ont tous deux commencé et ont été inspirés par des lieux dans lesquels elle a résidé pendant une longue (Vancouver) ou une courte période (Hong Kong). Et les deux se sont développés à travers des performances présentées au cours des dernières années, en commençant par un set solo à Destroy Vancouver en avril 2016, en s’entrelaçant dans une performance à 20 ? à Hong Kong, en juin 2019, et en se solidifiant avec le lancement d’un album au Petersham Bowlo à Sydney, en août 2019.

A Necessary Softness se construit donc à partir de matériaux se répétant et se redisant, deux performances-compositions avec une synergie partagée. D’une certaine manière, « bell, fern » est né de « tidewate »r, explorant sa propre narration tout en partageant la structure de tidewater. Elles existent dans une sorte de forme parallèle/binaire et mon intention est que la cassette puisse être jouée dans les deux sens. La fragmentation numérique des pistes permet une approche plus modulaire – les chapitres d’une histoire peuvent être abordés à tout moment. A Necessary Softnesse, encore et encore, en hommage à la matière et au lieu.

***1/2