The Styrofoam Wino: « The Styrofoam Wino »

26 mars 2021

Parfois, on sait que l’on va aimer un album dès les premières notes. Le premier album studio éponyme de The Styrofoam Wino est l’un de ces disques. « Stuck In The Museum », le premier « single » et la première piste de l’album, est un rocker aux accents country qui raconte l’histoire chimérique d’une errance dans un musée et de la rencontre de personnages excentriques. C’est amusant, c’est entraînant, et ça mérite un passage en boucle dès qu’iont peut être amené de l’entendre. Heureusement, le reste de l’album ne déçoit pas. C’est l’un des disques les plus joyeux de 2021 à ce jour.

Styrofoam Winos, composé d’amis de longue date, Joe Kenkel, Trevor Nikrant et Lou Turner, s’est initialement formé en 2016. Chaque membre partage les tâches vocales et d’écriture de chansons, et l’album entier ressemble à une jam session confortable.

Un large éventail de styles est exposé dans le disque hormis part le country rock adjacent de « Stuck In The Museum ». Ainsi, « Skyline Top Removal » a des vibrations du slacker rock façon Pavement et les riffs de « School In The Morning » rappelleront du Arcade Fire en moins grandiloquent. « Roy G Biv » est de l’Americana cosmique à son meilleur et leurs paroles ront de l’introspection (« In Your Room ») à la satire (« Skyline Top Removal »). L’ensemble est kaléidoscopique mais parvient à être cohérent.

Cette joie collective de faire de la musique est quelque chose qui semble se perdre dans le discours sur la musique contemporaine, mais elle est palpable dans Styrofoam Winos. Ce ne sont pas Lou Turner, Joe Kenkel et Trevor Nikrant sur cet album, ce sont les Styrofoam Winos. C’est un album qui parvient à capturer le sentiment ineffable de créer de la musique ensemble, et cela seul est une raison d’écouter The Styrofoam Wino.

***1/2


Valerie June The Moon and Stars: « Prescriptions for Dreamers »

24 mars 2021

Valerie June, sur The Moon and Stars, nous délivre, ici, un cours magistral de chaos contrôlé. L’album, en effet, est un ambitieux et vertigineux mélange de genres et de tonalités, qui tient à la puissance de la voix et au charisme de la chanteuse. Valerie June passe souvent pour une hippie engagée, avec son tempérament zen, son esthétique bohème et ses chansons qui parlent de « danser sur le plan astral ». Cette auteure-compositrice-interprète de Brooklyn possède également une voix aiguë et lancinante, qui confère une qualité authentique, presque anthropologique, à ses valses d’inspiration appalachienne et à ses ballades bluesy et meurtrières. June, l’une des rares femmes noires à faire de la musique Americana, a sans doute toujours dû s’élever au-dessus des mêmes vieilles ficelles pour gagner sa place. Mais elle n’est jamais allée aussi loin – ou aussi loin – que sur son cinquième opus, The Moon and Stars : Prescription for Dreamers.

Cet album, le premier de June depuis quatre ans, a été coproduit par Jack Splash, connu principalement pour son travail avec des artistes R&B comme Alicia Keys et Cee-Lo Green. Ainsi, lorsque la première minute du morceau d’ouverture, « Stay », introduit quelques éléments de style rétro-soul, comme un piano granuleux de la Nouvelle-Orléans et des cuivres profonds qui soupirent, il est tentant de supposer que c’est ainsi que se dérouleront les 45 minutes suivantes, ce qui serait un départ assez audacieux pour June. Mais toutes ces suppositions sont réduites à néant lorsque les cordes, les bois et les tambours de marche militaire entrent en scène et que June commence à chanter « Oh, I, oh, I, oh, I » de manière hypnotique, comme un mantra. C’est suffisant pour que son refrain « Oh, I don’t know how long I’ll stay » (Oh, je ne sais pas combien de temps je vais rester), qui parle vraisemblablement d’une relation qui s’effrite, ait l’air carrément existentiel.

Le reste de The Moon and Stars est un mélange de genres et de tons tout aussi ambitieux et vertigineux, et June parvient à tout faire tenir ensemble grâce à sa voix envoûtante et à son charisme. En fait, sa performance est la seule raison pour laquelle une chanson comme « You and I », avec ses vacillations entre un country-gospel tendre et des crescendos dramatiques avec des percussions électroniques bégayantes, fonctionne. Elle respire la douceur contenue une seconde, et frappe une grosse note d’argent cathartique la suivante. Le fait que le morceau suivant, « Colors », soit une chanson folk, bourdonnante et chargée de cordes, ne fait qu’ajouter à la désorientation palpitante – et à l’impressionnant éventail de June.

C’est la norme tout au long de l’album, les chansons les plus extravagantes de la carrière de June côtoyant certaines de ses chansons les plus méditatives et les plus intimes, comme la façon dont le titre « Call Me a Fool », qui coupe le souffle, mène directement à la chanson feutrée « Fallin' ». L’effet peut être déconcertant sur le moment, mais c’est finalement un point fort. Lorsque June dérive vers le mélodrame sur la ballade au piano « Why the Bright Stars Glow », qui n’est pas caractéristique de la chanteuse et que l’on peut facilement imaginer comme la bande-son d’un diaporama de remise de diplôme (« When the race is run/And the goal is won/Look how far we’ve come/Dancing in the sun »), elle pivote immédiatement, concluant The Moon and Stars avec deux de ses compositions les plus zen, « Home Inside » et l’ambiant « Starlight Ethereal Silence », d’une durée de 90 secondes.

Les deux meilleures compositions de l’album résument les multitudes émotionnelles et musicales de June. « Two Roads » commence comme un pastiche de soul mais se transforme rapidement en une magnifique chanson country, imprégnée d’une pedal steel douce comme le miel. La chanson parle des conséquences des décisions passées, et June, comme sa voix douce au registre supérieur, semble perdue dans les nuages. En revanche, « Call Me a Fool » est immédiat, concentré et brut, avec une performance puissante dont la lignée soul classique est soulignée par la présence de la légendaire chanteuse de Memphis Carla Thomas aux chœurs. « Je pensais l’avoir sous contrôle/Mais il m’a secoué, m’a saisi, a saisi mon âme » (Thought I had it under control/But it shook me, gripped me, grabbed my soul) chante June. C’est une phrase qui, une fois que le refrain est lancé et que June émet un grognement graveleux, sonne absolument vrai. June semble faire exploser de nouvelles sensations presque aussi vite qu’elle peut les traiter, et The Moon and Starsen est le chaos contrôlé qui en résulte.

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Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Lana Del Rey: « Chemtrails Over the Country Club »

23 mars 2021

Il est difficile de penser à un artiste qui a connu une plus grande ascension vers la reconnaissance critique, commerciale et conversationnelle que Lana Del Rey dans les années 2010. Son premier album, Born to Die, a battu des records de vente lors de sa sortie début 2012, mais a été accueilli avec une hésitation plus que mitigée de la part des critiques. Des allégations selon lesquelles elle serait une « usine de l’industrie » ont circulé, de la même manière qu’elles l’ont fait plus récemment avec des artistes comme Billie Eilish, une critique qui semble être un raccourci pour une femme auteur-compositeur-interprète qui fait quelque chose d’intéressant et accumule sans problème une large base de fans dévoués dès le départ.

Au fur et à mesure qu’elle avance dans la décennie, les disques arrivent avec une fréquence alarmante. Ultraviolence, Honeymoon et Lust for Life sont tous parus dans les cinq années qui ont suivi la sortie de son premier album, chacun d’entre eux offrant de subtiles variations sur l’esthétique de « Hollywood » en décomposition dans lequel Del Rey, en tant que personnage, s’épanouit. Elle est passée des suites très orchestrées de son premier album au monochrome alt-rock de son deuxième album. Un an plus tard, Honeymoon est une méditation ensoleillée sur l’hyper-solitude d’une existence californienne sur-stylisée, un thème qu’elle reprendra, avec l’aide d’un large éventail d’amis, sur son disque suivant, Lust for Life.

Lorsqu’elle revient en 2019 pour la sortie de Norman F**king Rockwell, le monde est à ses pieds, et pourtant elle dépasse encore les attentes, en créant son disque le plus complet à ce jour, plein d’une maturité sonore et d’un appétit créatif sans limite. Ce disque a été un candidat tardif au titre d’album de la décennie et a vu bon nombre des détracteurs initiaux se convertir en fans inconditionnels. Mais la question de savoir « où aller à partir de là ? » se posait avec acuité. Plus on s’éloigne de l’éclat de Norman F**king Rockwell, plus la tâche de s’approcher de sa majesté semble improbable.

La sortie des deux premiers « singles « de son nouveau disque, Chemtrails Over the Country Club, a suscité à la fois des éloges et des inquiétudes. Ils laissaient entrevoir un léger changement d’orientation sonore, ce que la carrière de Del Rey lui a permis de faire de plus en plus facilement, mais ils n’avaient pas l’étincelle de « Mariner’s Apartment Complex » ou de « Venice Bitch », qui ont tous deux jeté les bases du succès de Norman F**king Rockwell.

Aussi,il est maintenant temps d’évaluer Chemtrails Over the Country Club dans son ensemble. Est-ce Norman F**king Rockwell Version 2.0 ? S’agit-il de la première déception de sa carrière ? Ou nous emmène-t-il une fois de plus dans une nouvelle direction ?

Heureusement, loin d’être une simple histoire de crise évitée, Chemtrails Over the Country Club est un disque de croissance prometteur qui fait également un clin d’œil à son héritage artistique déjà bien établi. Dès le début, avec la chanson d’ouverture « White Dress », nous trouvons Del Rey opérant dans un registre plus élevé que celui auquel de nombreux fans sont habitués. Soutenue par des pianos délicats, elle peint des images de sa version nostalgique des idéaux américains qui, à l’ère moderne, se sont transformés en façades amères, masquant les fissures d’un pays constamment en désaccord avec son propre sens de la grandeur.

Le retour des rythmes des boîtes à rythmes sur « Tulsa Jesus Freak » rappelle les moments les plus excentriques de Lust for Life, enrobés des mélodies éthérées et vaporeuses de Honeymoon. Cependant, Del Rey ne se contente pas de revisiter des territoires déjà explorés. Ces deux morceaux, grâce à des styles vocaux différents et à l’utilisation (bien que légère) d’un vocodeur à la Bon Iver, montrent que Del Rey expérimente librement avec son instrument le plus distinctif, sa voix.

Soucieuse d’éviter que l’album ne devienne un disque trop compliqué, la deuxième partie dudisque s’ouvre sur deux titres – « Not All Who Wander Are Lost » et « Yosemite » – qui ramènent tout à une voix et une guitare acoustique. Si vous imaginez Nancy Sinatra reprenant Joan Baez, vous vous rapprochez de la façon dont sonnent ces magnifiques compositions. Se terminant par des morceaux de plus en plus matures, avec notamment le titre « For Free » de Weyes Blood, Chemtrails Over the Country Club s’avère être un ajout digne de ce nom au catalogue de Lana Del Rey. Pour ceux qui ont été rebutés par son travail précédent et qui nient sa qualité en critiquant paresseusement et de manière irréfléchie le fait que «  tout sonne pareil » , il n’y a pas grand-chose ici qui pourrait les convaincre. Mais cela ne doit pas faire oublier la qualité de la musique présentée ici.

Suivre l’apogée d’une carrière est quelque chose qui peut écraser un artiste. Le poids des attentes peut, à juste titre, les rendre incertains de la direction à prendre, terrifiés par l’échec, mais tout aussi déterminés à refuser de raconter les mêmes histoires que la dernière fois. C’est pour cette raison, et dans ce contexte, que Chemtrails Over the Country Club s’avère si admirable, avec Lana Del Rey, une fois de plus, prouvant qu’elle est une artiste d’une confiance inébranlable en elle-même et une oreille trop attentive à ce qui fonctionne dans sa propre boîte à outils artistique. Bien qu’il ne soit pas le hit universel que Norman F**king Rockwell a été instantanément, on a le sentiment que Chemtrails Over the Country Club est un brûleur lent, dont la flamme allumera le prochain chapitre de la carrière de Del Rey et toutes les splendides opportunités qui l’accompagnent.

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Otzeki: « Now Is A Long Time »

23 mars 2021

Que ce soit à l’intérieur des pubs ou derrière les platines des boîtes de nuit, le duo électronique londonien Otzeki reste ambivalent quant à la place exacte de sa musique. Le duo de cousins, dont les premières sessions de jam ivres se résumaient à des guitares et à une boîte à rythmes semi-fonctionnelle, a depuis cultivé une marque de fabrique d’indietronica qui réussit à unifier les éloges des ravers de fin de soirée et des amateurs de concerts en sous-sol. De retour avec leur première musique depuis deux ans, le deuxième album du duo, Now Is A Long Time, s’appuie sur les fondations établies par leur premier album en continuant à transmettre un message d’espoir et de raison engagé socialement à un monde qui lutte toujours pour se remettre sur pied.

Des guitares texturées et des couches complexes de programmation électronique éparse se déversent sur des rythmes trip-hop et house lo-fi des années 90. Le falsetto de Mike Sharp s’impose dès le départ en glissant au-dessus de la production dense de « Sweet Sunshine ». Le son euphorique du duo est réfracté par des formes d’ondes riches et pénétrantes. Tout à fait contagieux, mais défiant toujours la structure pop conventionnelle, ils se laissent aller à des grooves plus accrocheurs sur « Max Wells-Demon ». L’impulsion d’Otzeki, qui consiste à être à la fois accrocheur et provocateur, ressemble à une mission passionnante.

***1/2


Psychedelic Porn Crumpets: « Shyga! The Sunlight Mound »

22 mars 2021

Le dernier opus des Psychedelic Porn Crumpets, SHYGA ! The Sunlight Mound s’ouvre sur une étrange (et brève) introduction à leur monde bizarre. Le morceau s’intitule « Big Dijon » et fait juste ce qu’il faut pour désorienter l’auditeur, avant de le faire exploser dans le cosmos avec ce qui suit.  

Le groupe basé à Perth, en Australie, mené par Jack McEwan à la guitare et au chant, a beaucoup de points communs avec ses compatriotes Pond, Tame Impala et King Gizzard and the Lizard Wizard, mais sur cet album, il fait monter l’énergie à fond, en mélangeant des saveurs pop à un psycho-rock lourd pour adoucir les sons. 

Le ragoût et le sens de l’aventure palpable du groupe se retrouvent dans « Sawtooth Monkfish », alors qu’il se rassemble autour d’un rythme d’enfer, tandis que le rock and roll distordu et surchargé de « Tally-Ho ! » s’inscrit parfaitement dans la lignée des sorties modernes des Flaming Lips et de Lennon Claypool Delirium. 

L’ensemble de l’album dégage une atmosphère énergique et cohérente, mais « Tripolasaur » se démarque comme un point fort. Les riffs envolés du guitariste principal Lance Parish et la batterie fracassante de Danny Caddy sont euphorisants, le groupe atteignant des sommets et des sommets, tonnant et explosant avec joie.

Bien que les morceaux tournent tous autour de trois minutes et demie, on a l’impression qu’ils s’étirent, car des morceaux aux sonorités similaires sont placés les uns à côté des autres, ce qui allonge leurs effets similaires. Des bleeps de jeux vidéo donnent naissance à l’excellent « Mr. Prism », qui utilise une basse puissante pour aller de l’avant, avant que « The Terrors » ne continue à amplifier les basses vers des niveaux proches de ceux de Tool, avec un final surchargé. Le duo « Hats Off To The Green Bin » et « Glitter Bug » dégouline de pop-rock aux accents de LSD du Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band, mettant en valeur les guitares acoustiques/électriques mélodiques dans un brouillard auditif.

« Pukebox » sera beaucoup plus agréable que son nom ne le suggère, avec un groove fuzz qui fait bouger les hanches, tandis que « Mundungus » offrira de glorieux riffs de guitare de la part de Parish. Le galopant « Mango Terrarium » et le dernier morceau « The Tales of Gurney Gridman » sont tous deux un peu trop longs, mais lorsque SHYGA ! The Sunlight Mound se termine, les fans de rock psychédélique afficheront un sourire qui en dit long sur leffet produit par le fait d’avoir consommé cette nouvelle dose de Psychedelic Porn Crumpets.

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Sun June: « Somewhere »

22 mars 2021

Le fait que Laura Colwell, leader du groupe Sun June d’Austin, cite Patti Smith et Stevie Nicks, et fasse référence à la chanson « Unknown Legend » de Neil Young, tout cela dès la première chanson de Somewhere, pourrait laisser penser que ce deuxième album pourrait être une affaire confuse. Mais loin de là, Somewhere abandonne l’ambiance folk du groupe pour une approche pop discrète, mais quelque peu hargneuse. Le chant presque chuchoté et suprêmement patient de Colwell se compare favorablement à un autre nom, Margo Timmons (Cowboy Junkies). La délicate « Karen O » constitue le meilleur hommage à l’engouement pour la musique live depuis le tout aussi mijoté « Song to Bobby » de Cat Power, même si la chanteuse des Yeah Yeah Yeah n’est pas présente dans le récit.

Mais avant tout, Somewhere colporte un sentiment profond de nostalgie qui n’est pas toujours évident au vu de la maturité de la prestation du groupe. Mais la douleur de la voix de Colwell révèle le secret qu’elle est prête à partager. Qu’il s’agisse de grimper les escaliers dans « Karen O » vers un destin incertain ou des frustrations relationnelles répétées de « Finding Out », vous voulez être dans le coin de Colwell, mais aussi ne pas laisser ces moments d’inspiration tomber. Même le moment le plus énergique de Somewhere, le contrepoint « Everywhee », laisse Colwell dans l’incertitude. Somewhere est une avancée confiante pour Sun June, tout en conservant chaque once de leur intégrité.

***1/2


Editrix: « Tell Me I’m Bad »

22 mars 2021

Sur leur premier album, Tell Me I’m Bad, Editrix passent par des permutations de métal et de punk plus vite que vous ne pouvez énumérer des descripteurs de sous-genres. Pendant trente bonnes minutes, le trio du Massachusetts, maigre et bruyant, se faufile à travers des riffs mathématiques et des breakdowns écrasants, passant d’un groove à l’autre – ils sont bruyants, pop, boueux, techniques, et prêts à faire bouger n’importe quel type de public

Les amateurs de musique connaissent peut-être la chanteuse et héroïne consommée de la guitare Wendy Eisenberg pour ses improvisations libres, son travail passé avec le quatuor de rock bruitiste de Boston Birthing Hips, ou pour son chant et son écriture arty en solo (si ce n’est pas le cas, c’est le moment idéal pour écouter Auto, un disque de 2020 aux multiples facettes, qui s’oriente vers le jazz vocal). « Brainy » est un mot qui revient souvent dans les conversations autour de la musique d’Eisenberg. Il s’applique aussi à Editrix, et il permet vraiment écouter Eisenberg s’amuser avec le bassiste Steve Cameron et le batteur Josh Daniel mobilisera presque toutes les parties de votre cerveau, de gauche à droite et du centre de plaisir au plus profond du plus profond.

La chanson-titre « Tell Me I’m Bad » est un morceau progressif et anguleux. C’est aussi viscéral qu’un power trio peut l’être, et avec peu ou pas d’overdubs. La force combinée de la guitare et de la basse vous prend à la gorge et la batterie vous entraîne, soutenue par la voix chantante d’Eisenberg. Sur des morceaux comme « Torture » » le trio s’éloigne à plusieurs reprises l’un de l’autre pour se remettre en place, et quand tout s’aligne, cela fait l’effet d’une secousse cérébrale comme la première fois que vous jouez une gamme de piano à deux mains ou que vous voyez les côtés d’un rubik’s cube se mettre en ordre.

On n’obtient pas ce genre de rigueur sans l’engagement total des trois côtés d’un trio ; la façon dont ils s’enroulent les uns autour des autres dans un certain nombre de motifs bizarres, mais aussi la façon dont ils s’encouragent mutuellement à atteindre des sommets énergétiques plus élevés. Alors que le hardcore ricaneur qu’est « She Wants to Go and Party » s’ouvre sur des roulements de tambour furieux et des riffs de guitare rigoureux, on peut pratiquement entendre la bouche d’Eisenberg se courber en un rictus méchant autour d’un texte à moitié grommelé : « She wants to go… looking so… pretty » ( Elle veut y aller… ayat l’air si… jolie…). Les chœurs qui marmonnent s’ajoutent à la moquerie, encourageant Eisenberg à continuer jusqu’à ce que la fièvre monte et descende.

Des moments comme celui-là sont de l’affect punk pur, mais il y a aussi des moments plus exploratoires, avec de la nourriture pour la réflexion sur le conflit générationnel sur le changement climatique, l’utilisation américaine de la torture pendant et depuis l’invasion de l’Irak, les limites de la consommation capitaliste consciencieuse – sur « Instant », la culture du viol. La guitare d’Eisenberg est serrée et grinçante et la basse se tord dans un étau de fureur juste et bouillonnante qui se gravera dans votre mémoire à court terme.

Plus tard dans le set, certaines des idées méta-rock les plus parodiques – « The History of Dance » et « Chillwave », par exemple – ne frappent pas avec autant de vitalité que la plupart de ces chansons. Malgré tout, elles maintiennent un niveau d’adhérence et d’accessibilité que l’on n’entend pas souvent de la part d’un groupe ayant une telle ambition de repousser les limites et une telle réflexion, sans parler des capacités progressives pour les mener à bien.

***1/2


Peace Chord: « Peace Chord »

22 mars 2021

Connu surtout pour être l’un des principaux membres du passionnant collectif art-punk canadien Crack Cloud, Daniel Robertson émerge cette année avec un nouveau projet, Peace Chord. Il s’agit d’un changement de vitesse, révélant une impulsion beaucoup plus minimaliste et retenue que ce qu’il avait laissé entendre auparavant.

Tout au long des sept titres de l’album, les éléments clés que sont la voix et les accords de piano réverbérés créent une atmosphère discrète et intime. En effet, les ruminations sur le thème de l’introspection, de l’autoréflexion et du deuil font de Peace Chord l’archétype de l’album qui sort de l’enfermement.

L’ouverture contemplative « Seventy Times Seven donne le ton, avec la voix zéphirique de Robertson qui explore l’amour et les traumatisme »s sur un piano obsédant. Le poignant « Empty in This House »,   avec ses voix superposées et persistantes, rappelle le séminal « Pink + White » de Frank Ocean, tandis que « Juno » est un instrumental lent et émotif dans la veine d’Erased Tapes Records.

Si les voix apaisantes et l’instrumentation céleste sont à l’ordre du jour sur Peace Chord, il y a des moments, comme sur Spectral Processor qui frôle l’horizon, où l’utilisation de synthés vintage par Robertson crée une ambiance différente, plus dure. Ces moments risquent-ils de détruire les atmosphères qui ont été si soigneusement dessinées ? Peut-être. Mais ce qui ressort de Peace Chord, c’est la fragilité délicate des univers sonores de Robertson, qui incarne la sérénité éthérée que suggère le titre de l’album.

***1/2


TV Priest: « Uppers »

22 mars 2021

Quand un groupe a commencé à jouer ensemble il y a 20 ans, on ne serait peut-être pas en train d’atteindre le point culminant de sa carrière, et encore moins la sortie d’un premier album en 2021. C’est pourtant le c’est le cas de TV Priest. Ils avaient disparu des radars jusqu’à ladite sortie, aussi l’annonce de cet opus, si elle pouvait nous faire espérerun premier album percutant, engendrait la crainte d’être déçu..

Ce ne sdera pas la acs car, mélangeant les meilleures parties de groupes comme shame, IDLES et The Fall, chaque chanson de l’album a quelque chose à dire, soutenue par une instrumentation post-punk extrêmement bien produite, parsemée de riffs accrocheurs et de batteries implacables.

Mettant tout en œuvre, TV Priest démarre l’album avec deux des meilleurs titres de l’album, « The Big Curve » et « Press Gang « . Tous deux ne laissent pas une seconde à l’auditeur avant de le jeter dans le tourbillon qu’est cet album. La question « Where do you sit on the big curve ? » vous est posée à travers des éructations sarcastiques et grinçantes etelle reste gravée dans votre têteau point de vous faire enticiper une prestation débridée en concert.

Bien sûr, il est facile de dire que des combos comme Black Country, New Road, Goat Girl ou Sleaford Mods ont sorti de bons albums, mais, pour un groupe de trentenaires basé à Londres et ne faisant pas partie de la scène de Brixton, sortir un « debut album » aussi bien équilibré et stratifié, mérite d’être sakué.

« History Week », un instrumental de deux minutes, est une halte magnifique pour l’auditeur et ne ressemble pas du tout à un remplissage. C’est impressionnant qu’un groupe comme celui-ci puisse avoir une carrière aussi prometteuse, alors qu’il est si facile en tant que groupe punk de tomber dans un trou dont on ne peut pas sortir (sans mentionner de noms bristoliens). 

Avec TV Priest, il est vraiment difficile de deviner exactement où ils vont aller ensuite, pas seulement d’un album à l’autre (ou même d’une chanson à l’autre, voire d’une minute à l’autre). Avec des titres comme « Decoration », vous aurez du mal à avoir une idée de ce qui va se passer ensuite, mais ce qui se produitest parfaitement logique à chaque fois.

La seconde moitié de l’album est toujours aussi brillamment réalisée, jusqu’au court instrumental, cette fois-ci sous la forme de « the ref », même s’il faut reconnaître qu’ils ont troqué la beauté de « History Week » pour une approche plus… Metal Machine Music. La chanson est ensuite suivie par la lente brûlure de « Powers of Ten » qui offre probablement la meilleure phrase de tout l’album « I’m just a priest in search of a God » (Je suis juste un prêtre à la recherche d’un Dieu.).

Tout ceci étant dit, ce n’est pas un album parfait. C’est un effort brillant qui se distingue d’autant plus qu’il s’agit d’un premier album, mais il y a quelques chansons qui deviennent des morceaux oubliables dans le contexte de l’album. Une fois encore, TV Priest s’est brillamment préparé à ce que l’on peut espérer être une grande carrière devant eux.

***1/2