Frozen Soul: « Crypt of Ice »

25 janvier 2021

Après les coups collectifs que les gens ont tous reçus en 2020, la seule chose qui pourrait faire de 2021 quelque chose de tolérable est un peu de paix et de silence nécessaire. Pour certains, cependant, cette paix passe par des battements auditifs, le seul calme agréable existant dans les quelques secondes qui séparent les transitions des chansons. Cela semble être quelque chose de Frozen Soul, qui, bien que venant du centre thermique du Texas, comprend avec une exécution assez froide. Il semble approprié de les considérer comme un groupe conceptuel – du moins, pour le moment. Outre l’évidence de leur nom, leur démo EP Encased in Ice et leur premire album Crypt of Ice sont tous deux truffés de morceaux impliquant (vous l’avez deviné) de la glace, ou une sorte de mortalité brutalement glacée. Même avec de tels thèmes glaciaux, le ptemier LP de Frozen Soul est rempli d’une énergie chauffée qui libère de manière instrumentale toute notre colère et notre agressivité.

L’une des meilleures qualités de ce disque est son facteur d’étouffement. À la minute près, les gens sont accueillis par un riff crasseux et grimaçant qui ne fait qu’ajouter à la liste des raisons pour lesquelles les gens ne vont pas aux spectacles. Frozen Soul en fait un usage fréquent, tout comme « Merciless » qui en fait de même avec facilité. Il y a quelque chose dans ces chansons qui enfouissent profondément les cavernes de l’âme – sur « Hands of Vengeance », c’est la voix riche et puissante, tandis que sur « Beat to Dust », ce sont des bouffées de thrash entrecoupées de blast beats et d’une agression digne d’un piétinement. (Il convient également de noter que les 30 dernières secondes de la chanson sont parmi les meilleures d’un bout à l’autre de la chanson).

Il y a des moments où la nature apparemment implacable des riffs de l’album pourrait devenir obsolète pour certains, car ils sont si bien intégrés dans les morceaux qu’ils ont presque l’impression d’être recyclés. Pourtant, il n’y a pas vraiment de moment sur l’album où ces riffs ou tout autre mécanisme instrumental sonnent mal, donc même s’ils sont un peu répétitifs, au moins ils répètent plus de gloire que de tragédie. 

Pour un premier long métrage, Crypt of Ice met Frozen Soul dans le même panier de death metal que ses contemporains (Xibalba est couramment balancé) ainsi que certaines de ses influences, notamment Bolt Thrower. Il s’agit d’un premier album officiel bien présenté, qui jette des bases sur lesquelles le combo pourra s’appuyer.

***1/2


William Parker: « Migration of Silence Into and Out of The Tone World »

25 janvier 2021

Le fait que William Parker soit un bassiste, un compositeur et un chef d’orchestre d’un esprit extraordinaire et d’une grande imagination est connu de tous ceux qui s’intéressent au jazz progressif et à toutes les scènes musicales des 25 dernières années et plus. Ce qui est de plus en plus évident, cependant, c’est la stature de Parker en tant que visionnaire du son et de la chanson – un artiste de la mélodie et de la poésie qui travaille au-delà de toute catégorie, pour reprendre l’expression ellingtonienne. Le dernier coffret multi-disques consacré à la créativité expansive de Parker souligne sa réussite pratiquement inégalée ces dernières années. Migration of Silence Into and Out of the Tone World st une collection de 10 albums de suites vocales et instrumentales, toutes enregistrées expressément pour ce coffret entre fin 2018 et début 2020, avec des voix de femmes au centre (à la fois sur voix et autres instruments).

C’est une musique aussi empathique qu’intrépide, aussi philosophique que viscérale, aussi résolument moderniste qu’en accord avec la tradition. L’art de Parker ne puise pas seulement dans le plus profond de la culture afro-américaine ; il respire l’inspiration du monde entier, avec des sons provenant d’Afrique, d’Asie et d’Indonésie ainsi que d’Europe et des Amériques ; il y a de l’improvisation libre et du collage sonore réimaginé ; il y a des explorations sur album de piano et de voix solo, ainsi que d’ensembles à cordes et d’anciens instruments à vent. Il y a des dédicaces aux héros du jazz, aux Amérindiens et aux migrants mexicains, ainsi que des hommages à la grande culture afro-américaine de Harlem et au mélange de passion et de compassion que Parker a trouvé dans le cinéma italien d’époque. Migration of Silence Into and Out of The Tone World évoque un vaste monde de musique et de sentiments, et sa création est un exploit qui se classe parmi les talents les plus ambitieux dans n’importe quel genre.

***1/2


TAK Ensemble & Taylor Brook: « Star Maker Fragments »

25 janvier 2021

TAK Ensemble est un nouveau quintette classique composé de Laura Cocks à la flûte, Madison Greenstone à la clarinette, Marina Kifferstein au violon, Charlotte Mundy au chant et Ellery Trafford aux percussions, Taylor Brook apportant sa contribution électronique. Star Maker Fragments est une pièce de longue durée basée sur des textes du roman de science-fiction Star Maker d’Olaf Stapledon. Stapledon y explore de nombreuses questions philosophiques et sociologiques, telles que le racisme, la lutte des classes, l’inégalité des revenus et la religion, à travers une série d’univers créés par un dieu horloger aveugle.

Le groupe met le texte du roman en musique avec un ensemble de mouvements variés et chatoyants qui s’harmonisent parfaitement avec l’électronique de Brook. Mundy s’appuie presque entièrement sur la récitation orale d’extraits du Stapledon.

L’instrumentation se concentre sur des textures et des bourdons qui s’accordent à des degrés divers avec les mots. Cette approche permet d’exploiter la puissance subtile de l’instrument vers la fin de la pièce, Mundy passant à des oscillations sans paroles, car l’électronique ressemble à des enregistrements sur le terrain et les instruments suivent un chemin moins structuré. D’une durée de 45 minutes, la pièce couvre un large champ. Mais « Star Maker Postlude, » un mélange électroacoustique de 10 minutes à la fois introspectif et rafraîchissant, est tout aussi convaincant. Sans paroles, le morceau crée un paysage sonore obsédant et étrange qui pourrait facilement se suffire à lui-même sans le morceau principal.

***1/2


Kammarheit: « Thronal »

25 janvier 2021

Extraordinaire producteur de dark ambient, le Suédois Pär Boström s’est certainement tenu très occupé ces derniers temps, avec de multiples sorties des projets Cities Last Broadcast, Hymnambulae et Bonini Bulga (entre autres) qui ont fait leur chemin dans les oreilles de ceux qui ont un penchant pour le drone et le doom. Malgré cette surabondance de travail, il est bon de constater que nous n’avons pas eu à attendre une autre décennie complète entre les nouveaux disques de l’instanciation la plus remarquable de Boström – Kammarheit. Après un long hiatus, Boström a sorti The Nest en 2015, et bien que les cinq années d’attente entre ce disque et le nouveau LP Thronal aient été brèves selon les standards de Kammarheit, cela montre quelques changements subtils mais significatifs dans les sons de Boström.

Malgré le sentiment d’appartenance à un morceau avec les précédents LP de Kammarheit (y compris le filigrane de genre The Starwheel) en termes de présentation monolithique et de dévouement aux pads massifs et soutenus, il y a de nombreuses indications que Boström a laissé une certaine influence de son autre travail dériver vers Thronal. Les textures de roseaux, de poussière et de vent qui composent « The Two Houses » et « In The Dreamer’s Fields » sont inspirées de l’intérêt que porte Hymnambulae aux enregistrements de champs en décomposition. De même, le son des parasites radio de «  Before It Was Known As Sleep » se confond avec celui des coussins balayés par le vent, certains tons étant peut-être destinés à être pris pour les soupirs d’un dormeur agité.

Si The Nest semblait lointain, distant et énigmatique, Thronal est une version beaucoup plus immédiate. Les cordes solitaires qui tournent en rond sur le fond de « Carving The Coordinates » et qui constituent la majorité de « Now Golden, Now Dark » s’annoncent avec un mélange clair et direct. Cela ne veut pas dire qu’il s’agit d’un communiqué facile à approcher ou accrocheur, bien au contraire. Comme le suggère peut-être la couverture, les formes et les figures qui composent Thronal sont tactiles mais inertes, abandonnées et désolées – peut-être les vestiges d’un empire oublié depuis longtemps, si l’on en croit le titre.

Les amateurs de dark ambient se trompent parfois sur l’interprétation du genre, s’efforçant de mettre en valeur la gamme de couleurs, d’humeurs et d’univers qu’un disque exprime. Ce genre d’amélioration ne peut tout simplement pas être appliqué à un disque comme Thronal. Même la résonance austère de The Nest prend un certain lyrisme statuesque sous certains angles, mais Thronal n’offre pas de perspectives aussi confortables. Il s’agit d’une ambiance sombre, monochrome et ininterrompue, dans laquelle les personnes non habituées au genre ne trouveront probablement pas de place. Les initiés chevronnés, cependant, accueilleront le retour d’un des maîtres du domaine.

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Rhye: « Home »

24 janvier 2021

Une nouvelle année s’annonce avec de nouvelles musiques et le quatrième album de Rhye, Home. Nous savons tous que 2020 a été une année qui nous a obligés à rester à la maison, y compris Rhye (Michael Milosh). Il est donc tout à fait approprié que l’album ait été inspiré par le fait d’y devoir créer de nouvelles routines grâce à Secular Sabbath, une série d’événements en direct que Rhye a contribué à créer et qui met l’accent sur la méditation, la communauté et la pratique d’une musique d’ambiance consciente et sensibilisante à laquelle des artistes tels que Diplo ont participé. Les événements en direct ayant été annulés, Rhye a dû les diffuser depuis chez lui, et c’est là que l’album a vu le jour.

Home nous emmène immédiatement au milieu d’une église alors qu’une chorale se tient danslun chœur en fredonnant « Intro » et dégage une inspiration religieuse. Une chose est sûre : cette voix sensuelle qui se confond avec celle d’une femme restera toujours la même. Cela fonctionne à chaque fois. Les violons font un début précoce avec des cordes filiformes qui entraînent un piano autrefois plein d’entrain dans une fin lente et brûlante. Rhye est séduisant dans « Beautiful », où il demande à son amante ce qui suit : « Belle femme, oh bébé / Passe ta vie avec moi / Vas-tu respirer / Vas-tu te souffler en moi ? » (Beautiful woman, oh babe / Spend your life with me / Will you breathe / Will you breathe yourself into me?) Et il espère que son amante lui dira oui. Cette intimité profonde se retrouve dans chaque morceau que Rhye a produit ; ce sentiment de voir l’âme de quelqu’un est exactement ce que l’on ressent lorsque Rhye chante.

« Hold You Down » semble être le titre le plus expérimental en termes de synthétiseurs. Une guitare subtile et profonde fait son apparition – elle pourrait facilement se fondre dans  » »I Want You (She’s so Heavy) » d’Eddie Hazel avec un changement de note important – ce qui taquine l’auditeur car elle s’allonge à chaque note. « Oh, I’m loving this feeling / Oh, I’m loving this » est exactement ce que l’on ressent vers la fin de la chanson alors que la guitare est lentement emportée par ces délicieux fredonnements que nous avons entendus auparavant, nous rappelant le Sabbat.  

Dans le morceau « Helpless », Rhye montre clairement que c’est lui qui fredonne les tons angéliques cette fois-ci. « Les choses que je fais pour toi / Ecrire un million de chansons d’amour, hey, hey / Naviguer vers mon coeur / Viens avec moi, s’il te plaît / Donne-moi du coeur, donne-moi de l’amour, donne-moi de la rage » (Things I do for you / Write a million love songs, hey, hey / Sail out to my heart / Come with me, please / Give me heart, give me love, give me rage), montre que Rhye est en pur schéma de miséricorde pour son amante. Il veut tout d’eux, et ce thème de la nostalgie est profondément ancré dans les racines musicales de Rhye.

Les rythmes funky et la danse disco ne sont pas des éléments nouveaux pour Rhye, puisqu’il a déjà joué avec ces éléments dans des œuvres antérieures. « Black Rain » commence par un tourbillon familier d’éléments disco, et c’est ma chanson préférée sur Home. Les paroles « So, don’t go running / Just cause a little black rain / Just give me something, » montrent que Rhye n’a pas peur d’affronter les choses avec ceux dont il est amoureux tant qu’ils essaient.  « Sweetest Revenge » maintient l’élan et dégage un glamour disco Donna Summer avec des cordes de violon vibrantes et éloquemment placées.  

Le mouvement dans la musique de Rhye va et vient par à-coups dans Home, un album rempli de mélodies groovy et de rythmes ambiants apaisants. Il y a une certaine cohérence dans la façon dont il lache sa voix apaisante sur des mélodies soyeuses et artistiques telles que « Safeword », « Need a Lover » et « My Heart Bleeds ». La seule incohérence réside dans l’incapacité de bien imbriquer chaque morceau lors de la transition. La transition de « Black Rain » à « Sweetest Revenge » passe d’une douce soirée dansante à un soudain retour en arrière dans un coin avant de se détendre. La transition de « My Heart Bleeds » nous fait tourner en rond pour nous jeter dans de tristes murmures de piano sur « Fire ».

« Fire » est la chanson la plus triste de l’album. Rhye se présente comme un mendiant, chantant « Just give me your time baby / Show me words / Sing me a song baby » (Donne-moi un peu de ton temps bébé / Montre-moi des mots / Chante-moi une chanson bébé), et les touches du piano semblent attendre une réponse qui ne manquera pas de nous briser le cœur. Le dernier morceau, « Holy », fixe ma vision initiale de l’album avant que nous n’atteignions l’outro. Ce n’est que lorsqu’il chante « Ne sois pas saint pour moi / Ne sois pas si bon / Tu es dans ma tête / ton goût me traverse / tu es sur le bout de la langue » qu’on se rend compte que cet album est une dévotion à son objet de désir. Ces voix angéliques que nous avons entendues au début semblent signifier que Rhye nous donnait un aperçu de sa version du paradis. Nous entendons à nouveau ces voix angéliques sur « Outro » » et elles me font sortir de l’église.

La maison est la plus belle sensualité dans son ensemble. Cet album est un ajout séduisant à votre bibliothèque. Il touche les parties les plus intimes de soi-même et tout en dynamisant chaque membre extérieur. Home se sent comme une femme modernisée. Malgré les vibrations religieuses qui sont captées, l’album n’est pas destiné à être une expérience religieuse car il n’y a aucun lien avec une quelconque religion. C’est ce qui fait que, quelle que soit, votre confession, ceci est un album à écouter « religieusement »

***1/2


Stefan Schmidt: « můra; arc/hive b-[classical guitar] »

23 janvier 2021

Stefan Schmidt, guitariste, compositeur et artiste du son originaire de Baden Baden, en Allemagne, est un musicien aux multiples facettes. Bien que son instrument principal soit la guitare classique, qu’il a étudiée dans des écoles de musique en Allemagne et en Argentine, il a également joué de la guitare électrique dans des groupes punk et, plus récemment, il s’est élargi pour jouer d’autres instruments à cordes et travailler avec l’électronique, qu’il utilise souvent pour créer des paysages sonores en développement progressif, à la fois industriels et bruyants. Ce dernier est exposé sur můra, un ensemble de neuf pièces pour violoncelle et électronique. Tout au long de l’album, Schmidt applique différents types de traitements électroniques à son travail pour violoncelle. La pièce titre et la pièce d’ouverture, par exemple, utilise une synthèse granulaire pour transformer les cordes frottées en vagues de son abstrait tout en conservant une partie du son natif du violoncelle. Comme sur můra, l’instrument acoustique est reconnaissable sur les autres pistes, même si son son subit des métamorphoses. Sur zoufalství, un seul son d’archet fait surface et descend par rapport à une base de basse profonde ; sur hřbitor, le son de l’instrument est étiré et ralenti au point où l’on peut imaginer chaque cheveu de l’archet tirant sur la corde. Sur rubáš, le violoncelle prend un son motorisé, en tournant sur un trille lent.

Quelques mois avant de sortir můra, Schmidt a sorti arc/hive b [classical guitar], une collection de performances inédites pour guitare classique couvrant une période de quinze ans. Les quatorze morceaux démontrent avec compétence l’étendue de l’engagement de Schmidt envers l’instrument et son potentiel sonore. Le jeu va du conventionnel, comme dans le juuichigatsu, à un jeu largement conventionnel avec une application judicieuse de la technique étendue (gesrah), à un jeu presque entièrement non conventionnel (eraly dren et maqtred, ce dernier étant une pièce délicatement belle construite presque entièrement à partir d’harmoniques). Les pièces qui font appel à un traitement électronique de la guitare, que ce soit avec un synthétiseur granulaire, des boucles ou d’autres formes d’augmentation sonore, sont les plus importantes. Le dernier morceau, la muara, d’une durée de près de quinze minutes, est une performance très traitée qui met en avant le travail récent de Schmidt avec des sons tirés d’une palette d’ambiances sombres.

***1/2


Distant Animals: « Constancy blooms: an abridged history of Rust »

23 janvier 2021

Distant Animals est le projet audio de Daniel Alexander Hignell-Tully, artiste du son, vidéaste et compositeur, réalisé au Royaume-Uni.

Après avoir publié ses œuvres pour des labels importants tels que Hallow Ground, NomadExquisite, Infinite Sync, Engram, Norient et Triple Bath, il arrive sur le label napolitain Liburia Records avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust, réalisé avec l’aide de Colin Tully au saxophone, Kevin Nickells au violon, à la guitare, à la voix et aux percussions et John Guzek au violon et au cor.

Intrigant et éclectique, Constancy Blooms : An Abridged History of Rust est divisé en deux longues suites, chacune d’une durée de 28 minutes, et dans lesquelles Hignell explore le développement de nouvelles techniques de composition et de sites spécifiques.  L’album est difficile à placer : à l’intérieur de celui-ci, musique concrète, classique contemporaine, free-jazz et synthèse électronique coexistent, divisés en deux courants en constante évolution qui reflètent le caractère des lieux où les enregistrements ont été réalisés.

Le premier morceau, « Outer », est soutenu par un léger son de synthétiseur modulaire qui donne l’impression de flotter. Progressivement aidé par le son des cors, le ton s’assombrit donnant vie à un premier contraste entre l’âme free-jazz et l’âme électronique de la composition. Peu à peu, les sons durs s’estompent pour laisser place à une couverture de bourdons qui agit comme une colle avec les sons dramatiques des instruments acoustiques jusqu’à ce que la moitié du morceau révèle l’âme numérique de Hignell. Il est intéressant de voir comment, dans le morceau, Hignell parvient à placer un phrasé de guitare classique sans être une note discordante dans un kaléidoscope de sons comme « Outer ».

Le deuxième morceau, Inner, commence par un tapis d’ambiance léger au rythme bien marqué. Ensuite, les sons déformés et le bruit du grattage des différents éléments acoustiques entrent en jeu, s’imbriquant pour obtenir une texture acousmatique complexe et fascinante, pleine de tension et de secousses. A mi-parcours seulement, le son est atténué par les notes douces et enveloppantes du piano. Une fois de plus, le morceau change de forme et devient une composition pour piano écrasante avant de muter en une masse de sons noirs, denses et viscéraux qui concluront le morceau.

Avec Constancy Blooms : An Abridged History of Rust Distant Animals utilise les notions de mémoire et de symbolisme culturel pour produire une œuvre qui se nourrit de contrastes, composée de nombreuses pièces différentes qui vont constituer un puzzle unique.

***1/2


Mike Lazarev: « Out of Time »

22 janvier 2021

Out of Time est un album du compositeur londonien Mike Lazarev. Construit comme la bande originale d’un film imaginaire et une œuvre remarquable dans son propre canon de haut niveau…

« J’ai imaginé des scènes, des scénarios et des conversations », nous dit Lazarev, « où la musique mettrait en valeur une histoire fictive. » D’une mélancolie ardente, les thèmes clés de Out of Time – le passage du temps, les moments fugaces, les souvenirs d’images supprimées ou imaginées, la chaleur du toucher qui s’attarde sur la peau – sont portés ouvertement et avec art. Il est sans aucun doute émotionnel, ses miniatures pour cordes et piano sont nostalgiques et émouvantes, tout aussi évocatrices sur le plan cinématographique que le décrit Lazarev. Une par une, chaque piste laisse une lueur persistante comme un feu lointain sur un horizon froid.

S’ouvrant sur des houles de cordes et des accords de piano plaintifs, le  « single » principal « Out of Time » donne un ton profondément expressif. Chaque note réverbérante est soigneusement posée sur une toile inondée de pureté et de calme, pour finalement se transformer en une rivière rapide d’une beauté à couper le souffle qui culmine en une fin suspendue et sans issue. Plus tard sur le disque, « Time Becomes » progresse comme une pièce d’Harold Budd ou une œuvre de Ryuichi Sakamoto, faisant fondre la glace avec des changements d’accords dulcicieux alors que des notes à cordes simples flottent sur un air raréfié. « Outerlude » change à nouveau d’ambiance, ses mélodies subtiles d’Europe de l’Est et les bruits naturels du piano – le claquement des touches et le battement des pédales – nous transportent dans une salle de bal hantée et déserte où un pianiste fantôme solitaire se lamente sur le poids d’un immense chagrin.

« Les protagonistes de ce film imaginaire se battent constamment contre les moments fugaces de cet avion. Mais il s’agit moins de la mort que de la vie. Et surtout, c’est une question de temps », écrit Lazarev. Il a raison : Out of Time est élégiaque – triste à en mourir, même – mais derrière les thèmes mélancoliques se cache une puissante affirmation de la vie, de la chaleur et de l’esprit humain.

Mike Lazarev est né à Kiev, en Ukraine, en 1977. À l’âge de six ans, ses parents l’ont envoyé dans un conservatoire pendant que ses amis jouaient au football sur le parking. Il passe son enfance à étudier la musique classique et à se produire dans la chorale d’État. Adolescent, avec sa famille, il a quitté l’URSS pour les États-Unis afin d’échapper aux persécutions, ce qui l’a libéré de la stricte discipline académique à laquelle il avait résisté pendant son enfance. Mais un an plus tard, la musique l’attire à nouveau : avec le premier ordinateur familial, il commence à utiliser un tracker basé sur des échantillons pour faire ce qu’on appelle de la « techno ». Au milieu des années 90, il avait déjà produit quelques disques. Plus tard encore, à Londres, il a finalement apporté son propre piano et a trouvé un professeur pour se replonger dans la musique classique. Mais, manquant de patience pour pratiquer, il se tourne vers le minimalisme réductionniste. Des mélodies pour piano douces, simples et tristes qui, d’une certaine manière, s’échappaient d’une âme perdue.

***1/2


Yellow6: « Silent Streets and Empty Skies »

22 janvier 2021

Yellow6 et le projet de Jon Attwood et le titre de son album, Silent Streets and Empty Skies, ne peut qu’attirer plus que l’attantion en ces temps de réflexion liés à la pandémie et aux confinements tant il correspond parfaitement à l’air du temps, si c’est cela qu’on peut dire.

En effet, il s’agit ici,d’une déclaration douce mais sombre sur cette époque troublée. Tous les morceaux ont été enregistrés entre avril et juin 2020, pendant la première période de quarantaine. Attwood a pris le temps de s’inspirer de la désolation dont il a été témoin autour de lui. Des parcs vides, l’absence d’avions dans le ciel, des gens qui évitent les rues. C’est une expérience visuelle étrange, mais qu’Attwood a magnifiquement traduite en un album ambient qui se veut apaisant. 

Sur cet opus, vous trouverez neuf morceaux, tous assez similaires et se fondant les uns dans les autres, ce qui garantit un bonheur d’écoute de 77 minutes. Attwood utilise des paysages sonores minimaux, des mélodies de guitare provisoires et des textures ambiantes aérées pour recréer ces joyaux. « V2 » est le morceau le plus notable tant il semble se diriger avec précaution vers la scène du jazz ambiant, ce qui correspondrait parfaitement à ce que Yellow6 voulait faire alors que, à d’autres occasions, comme dans « Broadcast », Attwood dépouille toute la scène post-rock pour créer quelque chose d’émotionnel.

C’est peut-être l’aspect le plus fort de cet album. Vous y trouverez pléthore d’émotions, une atmosphère quelque peu hantée qui reflète modestement le monde qui nous entoure. Certains d’entre vous peuvent verser quelques larmes en écoutant le sombre « Panam », d’autres peuvent trouver de l’espoir dans les sons apaisants de « Silent Flight », mais jil est certaoin que tous les fans d’ambient minimal et de post rock discret apprécieront beaucoup ces neuf titres de sucreries délabrées par leur arrière-fond sonore.

***1/2


Jiwi jr.: « Cooler Returns »

21 janvier 2021

Kiwi jr. sont de retour avec leur deuxième album, à peine un an après le premier. Cooler Returns poursuit l’approche tourbillonnaire du groupe pour créer une « guitar music » addictive.

« Absurd » est le titre le plus approprié que vous puissiez donner au groupe canadien, qui prend plaisir à créer des chansons pleines de caractère. Dans « Cooler Returns », vous entendrez parler du type d’électeur le plus dangereux, l’indécis, d’une histoire policière et d’une façon intéressante de montrer un nouveau VTT aux voisins, parmi toute une série de personnages. Vous entendrez le chanteur Jeremy Gaudet souligner à quel point le monde dans lequel nous vivons est étrange et particulier, en lisant les gros titres comme un prompteur défectueux.

Les riffs de guitare et les accroches apparaissent comme des personnages secondaires dans ces récits sortis de nulle part pour donner corps aux microcosmes qui les entourent. L’instrument jouant l’un des rôles principaux, c’est un soulagement de voir qu’il est à chaque fois nouveau. Les Kiwi Jr. excellent dans la construction d’un sens constant de la vibrance excitante et étoffent le fond de leurs chansons pour les faire se sentir aussi occupés qu’une rue bondée.

Les paroles de Jeremy Gaudet et sa conscience de soi font en sorte que Cooler Returns ne se lasse jamais et que vous attendez souvent de savoir ce qu’il va proposer ensuite. Qu’il s’agisse de lignes doutant que Woodstock soit jamais arrivé ou de vouloir « étrangler le jangle pop band » lors d’un mariage, un clin d’œil à eux-mêmes. Il semble n’y avoir aucun filtre entre la pensée et la parole et vous vous laissez emporter par ce qui lui vient à l’esprit ensuite.

Cooler Returns vous laissera peu de place pour respirer, mais de la meilleure façon possible. Le groupe ne projette pas seulement son propre sens de l’absurdité, mais il met aussi en évidence à quel point l’être humain est maniaque sur Terre en général. Il y a un niveau de charme incontestable dans leur musique et il y a cette ambiguïté palpitante qui fait que l’on ne sait jamais vraiment où ils vont aller ensuite.

***1/2