Svalbard: « When I Die, Will I Get Better? »

26 décembre 2020

Avec des voyages limités dans le monde sonore du Svalbard jusqu’à présent, on sait juste qu’ils font ces morceaux de musique pleins et sombres qui livrent des vérités et des questions sincères qui valent la peine d’être écoutées.  Dans une forêt métaphorique éclairée à la bougie, nous sommes témoins de déversements qu’il serait probablement bien plus facile de détourner. Mais la musique du Svalbard exige une présence sombre, presque rituelle, et d’être vue et entendue, aussi inconfortable que soit cette saignée d’honnêteté sur les parties les plus sombres de la vie.

Enfin, regardez le titre :  When I Die, Will I Get Better ?(Quand je mourrai, est-ce que j’irai mieux ?) ; il semble que ce soit une question qui ne fait surface que dans les circonstances les plus terribles, où l’idée que les choses s’améliorent est une étoile lointaine et inaccessible, et où se demander si les mêmes maux existeraient au-delà du voile a un sens absolu. Encore une fois, c’est une question qui n’est pas facile à envisager.

Dans ces conditions, il semble incroyablement approprié que l’album commence par « Open Wound » ; au début, avec un ralenti qui tombe dans un gouffre, l’obscurité éthérée fait que le protagoniste de la chanson se trouve dans une situation d’abus, élaboré par une instrumentation tumultueuse et un chant brut. Avec un rythme rapide et des ruisseaux de basse, des coupures de guitare aiguisées jusqu’au cœur.

Le partage vocal adouci de « Every Moment Leaden » s’apparente à la reconnaissance des ailes d’un ange qui ont été coupées. Les affirmations d’ouverture sont difficiles à consommer ; là où un ancien ensemble s’est fragmenté, et les détails des mauvais traitements deviennent de plus en plus flagrants.  Pour nous, le point culminant est douloureux au pont, où les basses et les percussions déchirantes sont juxtaposées à des observations flottantes, peut-être dissociées, de ce qui est fait à soi-même.

On pourrait en dire beaucoup plus sur cette chanson et son sujet, elle nous laisse l’image mentale d’un corps brutalisé qui a encore en lui un cœur aimant et ouvert qui bat. Comme jil a été dit lorsque la chanson est sortie en « single », il est extrêmement important que cette œuvre d’art adopte une position aussi ferme, et qu’elle fixe sans relâche l’expérience de l’abus et sa douleur au lieu de se cacher ou d’avoir honte de ce qui a été fait.

Le deuxième morceau de l’album, « Click Bait », transforme la position inébranlable de Svalbard contre les mauvais traitements envers les médias musicaux.  Il faut dire que le plaisir est absolu à écouter des paroles qui font brutalement référence au « click-bait » désespéré.  Quand nos oreilles sont imprégnées d’une musique loudre dont la morale est suffisamment élevée pour que on ne puisse se sentir abaissé par l’écoute de ce genre d’approche jon ne peut que soutenir pleinement la notion d’un art qui met en lumière les tactiques de manipulation destinées à obtenir une réaction. Où est la valeur de tout cela ? Ne sommes-nous pas ici pour la musique ? Pour respecter et apprécier ceux qui la créent ? Considérant la chanson ; une introduction sombre et sombre voit les pensées s’accrocher comme un brouillard, avant qu’un rythme accéléré ne déchire « Click Bait » en une humeur plus agressive.  Pour beaucoup cette agressivité s’accompagne d’une tristesse, grâce à la guitare qui plaide pour un changement. C’est un lourd naufrage quand on comprend qu’une réaction extérieure est nécessaire pour que les médias manipulateurs réussissent, mais que le retour à « Fuck off, fuck off » dessine une ligne invisible et puissante de déconnexion dans l’espace qui les sépare.

Après un moment de suspension silencieuse, « Click Bait » partage le tonitruant espoir d’un avenir plus positif. Une instrumentation chaleureuse crée un pic de satisfaction ; où la représentation sans aucun ordre du jour fait partie du « One Day » pour Svalbard. Oui.

Piétinant et lourd, « Throw Your Heart Away » est une arrivée brutale, imprégnée de chagrin d’amour. La chanson, qui exerce une pression plus forte, peint un abandon à un monde de ténèbres créé par ce chagrin d’amour, où un cœur vide frissonne à cause de l’expérience d’un amour non partagé.  Les percussions implacables correspondent à la description d’une hantise mentale, où « tu tapes sur le mur de mon esprit qui s’effrite », mais ils se sentent également distants et exclus en étant « perdus aux abords de ta vie ».

C’est dur d’être avec, cet enterrement d’amour, plein de vulnérabilité envers cet autre qui ne les entend pas et ne les voit pas.  Ce qui est encore plus dur, c’est le caractère perpétuel de l’expérience, que Svalbard utilise la métaphore du jeu vidéo pour exprimer. Mourir encore et encore, sans jamais vraiment gagner.  Comme pour son titre, le conseil est de ne pas aimer. Il n’y a pas de fin heureuse.

Sur le plan musical, « Throw Your Heart Away » est une autre chanson qui s’élève avec une guitare fulgurante et des moments de calme temporaires. Même si on apprécie ces mondes majestueux et pleins de sonorités qui sont créés par Svalbard, il y a une qualité de ressemblance qui fait qu’ils ne se sentent pas si différents les uns des autres. C’est une critique dans le sens de la mémorisation, mais on ne peut pas supposer ce que le groupe voulait dans la création de l’album.

Comme pour renforcer cette idée, « Listen to Someone » commence comme si c’était la continuation de la chanson précédente. Mais c’est un espace plus léger et plus flottant, qui détaille ce qui semble être un état de dépression. À mi-parcours, on se demande s’il y a tellement d’émotion sur chaque sujet saisi qu’il est difficile de le rattacher à quelque chose de spécifique et donc de le faire ressortir de manière flagrante. Parfois, on a aussi l’impression qu’il y a un manque de connexion/ancrage solide avec la voix et l’instrumentation, ce qui fait qu’elles semblent fonctionner en parallèle au lieu d’avoir la même intention.

Sur « Listen to Someone », il y a des boucles flottantes « every day is the same », une sauvagerie interne envers soi-même, des frustrations à propos de conseils bien intentionnés qui semblent hypocrites.  Tous ces facteurs se combinent lorsque l’on traverse une période de santé mentale difficile et lorsque l’option la plus simple – simplement écouter ! – n’est pas appliquée.

Ce qui résonne immédiatement, c’est la « retenue silencieuse ».  Elle parvient à capturer succinctement un état de cris et de déconnexion internes qui a un canyon de distance entre le moi en lutte et quelqu’un (en dehors de la lutte) qui comprend.  Il y a une saveur post-rock dans le morceau quand le chant de Liam Phelan arrive, comme une structure que nous n’avons pas eu sur l’album jusqu’à présent.  Les deux voix expriment l’expérience à leur manière, la panique brute de Serena Cherry et le désir de Phelan reflétant tous deux cette cage intérieure.

Mais toute perception d’une structure solide ou prévisible est oubliée lorsque « Silent Restraint » se déroule comme les chansons précédentes, en s’accrochant à un fil de pensée obscurci avec des mains calleuses pour tenter de s’en sortir. Exaspéré et frustré, un cri vers le ciel suit « I’m sick of having no control », et étant donné que la perte de contrôle et le manque de pouvoir ont été mentionnés de plusieurs façons jusqu’à présent, je commence à y voir un point central de l’album.

Les coups de poing et les saignements instrumentaux, c’est une défaite pour la fin pressante de « Silent Restraint », où le forçage et la feinte sont la promesse déchirante de l’avenir à venir.  C’est émotionnellement dur (et émouvant), tant au niveau des mots que du son.

« C’est juste de l’altruisme et de la dépression Aller main dans la main à nouveau » (It’s just selflessness and depression
Going hand in hand again).

Après l’intensité émotionnelle de la chanson précédente, on a l’impression que « What Was She Wearing ? » offre une piscine noircie dans laquelle s’effondrer.  De son introduction chuchotée et pensif, il y a une lourdeur qui me retient, et malgré le chant presque sans effet, il y a ici une profonde tristesse qui entraîne tout vers le bas, y compris le rythme.

Chaque syllabe énoncée pose péniblement la question de savoir si l’apparence parle plus fort que la personne elle-même et, une fois de plus, se concentre sans relâche, cette fois-ci sur l’idée que les femmes sont jugées comme étant soit « prude » soit « pute » et qu’il y a peu de choses entre les deux. Quand on sent qu’on ne peut pas rester assis avec cette lenteur agonisante pendant longtemps, heureusement, le rythme et l’énergie se développent et s’élèvent jusqu’à un point d’affirmation perçant :  « Pourquoi sommes-nous encore jugés uniquement sur nos vêtements ? » (Why are we still being judged solely on our clothing?)

Entendre la voix de Phelan s’exprimer sur ce sujet avec une fureur interrogative est propre à nous donner la chair de poule. Ce sont des questions importantes à poser, qu’elles soient masculines ou féminines, et Svalbard les présente ouvertement, la chanson s’élevant au rang de défi festif pour faire ce qui doit être fait et défendre ce qui compte.

« The Currency of Beauty » poursuit la conversation sur l’apparence, où la frustration d’être réduit à une image se transforme en un feu qui accélère le pouls et où les percussions se font entendre dans des moments plus calmes d’affirmation ciblée et expose ce que Svalbard veut voir se produire. « I am not more valuable if I am pretty » (Je n’ai pas plus de valeur si je suis joli) se termine par des cognements de batteries et une guitare dentelée, laissant une place aux instruments pour qu’ils soient avalés comme des faits.

Avec des mots comme de douces vagues, Cherry se demande ce qui importe en dehors de l’apparence, avant de piétiner métaphoriquement la terre et de la frapper avec un bâton fait de feu. Le « STOP » qui est répété par les deux voix est palpable.

En touchant le sol vers le dernier morceau « Pearlescent », on est comme épuisé. Mais en moins d’une minute, la chaleur et les sentiments de la dernière piste de l’album s’installent.  En contraste avec l’incroyable obscurité et les humeurs lourdes que nous avons endurées jusqu’à présent, la légèreté est très bienvenue, tout comme le sentiment de détermination à poursuivre ce ruban à travers la chanson. La levée instrumentale, qui nous tire de force sur nos pieds, est parfaite.

En regardant l’étendue de l’album, jon perçoit ces chansons comme des gribouillages douloureux qui se sont produits dans un monde de ténèbres. Le fait qu’ils soient d’une humeur persistante et peu variée pourrait être une critique, mais cela reflète l’expérience du monde réel des brouillards de dépression immuables.  Que les piscines sombres et réfléchissantes aient été peu profondes ou profondes, immobiles ou orageuses, Svalbard nous a entraînés avec eux dans cette expérience.

****1/2


Johanna Samuels: « Double Bind »

24 décembre 2020

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être appelée la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album Double Bind combine en effetles aspects du folk, du swing jazz, du country-western et de l’acoustic-pop, affichant un art synonyme d’Ingrid Michaelson et les réflexions de The Decemberists.

Les accents nerveux qui entourent « Real Tragedies » forment une mousse folk sous le porche tandis que « Please Say Some Good » montre un lustre proche de la mouvance swing et que « From Above You » présente un glaçage pop classique rappelant Carole King après que les rythmes de basse lourds qui soutiennent « This Place »ne soient accentués dans une acoustique aux nuances country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur, comme elle le reflète : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux et prétendrai que tout est réel / La vérité sur nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’est pour ça que nous formons une bonne équipe… Est-ce que je pourrais me retirer / Les parties que tu as écrites ne marchent pas de toute façon » (Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque les relations personnelles dans ses paroles, un thème récurrent tout au long de l’album. On trouvera également une qualité à la Matt Costa dans son timing mélodique, comme on peut le voir dans « Give It Up » et « Chanson »et elle saura passer des textures folkloriques de ces deux titres à une nuance country et western dans « Your Door », qui tisse des traits imprégnés d’Amérique dans l’enregistrement.

Double Bind démontre la perspicacité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

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Red Fiction: « Visions of the Void »

23 décembre 2020

Red Fiction est une création de Jason Schimmel, guitariste de longue date de Secret Chiefs 3. Sur Visions of the Void, son premier album en tant que leader, il laisse tomber 11 titres dont le style et la portée varient considérablement d’un moment à l’autre. L’instrumentation comprend, en plus de la guitare, le bouzouki, le sitar, les claviers, la basse, la batterie, les saxophones, la clarinette, le bugle de trompette, l’accordéon, l’alto, la voix et la contrebasse.

Sous l’œil de Schimmel, Red Fiction touche à tant de genres qu’il est facile de se perdre parmi eux. Le métal, le jazz, le math rock, l’improvisation, le klezmer, le folk d’Europe de l’Est et même une touche de western spaghetti et de noir sont représentés. Les pistes sont sous-tendues par des expérimentations instrumentales, notamment des enregistrements sur le terrain et des techniques de studio non conventionnelles.

L’album présente donc une progression, allant de thèmes circulaires frénétiques rappelant les livres Masada de John Zorn joués avec une guitare lourde, au saxophone ténor se plaignant du saxophone baryton et des accords de guitare arpégés, aux nuances de Mr. Bungle, à une paire de pistes spacieuses et mélodiques pour couronner le tout.

Ainsi, à première vue, Red Fiction peut donner l’impression d’être un autre rejeton de Zorn jouant de façon similaire. Mais Schimmel et compagnie sont bien plus que cela. Visions of the Void a le même attrait de courte durée tout en racontant une histoire musicale cohérente. N’hésitez pas à lui donner plusieurs écoutes – vous trouverez cela gratifiant.

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Wax Chattels: « Clot »

23 décembre 2020

Si l’on considère que Clot a été enregistré en trois parties, composées seulement d’une guitare basse, de claviers et d’une batterie en deux parties, il possède une incroyable palette de sonorités et d’instruments. Le mélange de couplets punk mélancoliques, de murs sonores frénétiques et de la batterie complexe de Tom Leggett, inspirée du jazz, produit des effets fascinants. Leggett a adopté des breakbeats et des schémas de caisse claire habituellement réservés à des groupes comme Aphex Twin, dont l’utilisation de schémas similaires à haut tempo ne pouvait être fabriquée que par des boîtes à rythmes Korg.

Clot continue à établir Wax Chattels comme un groupe qui incarne non seulement les popularités de la musique punk moderne mais aussi un groupe qui travaille dur pour élargir les attentes de ce qui peut être communément un genre stagnant.

Alors que les synthés sur « Efficiency » peuvent initier le SSPT à l’époque de l’Internet par ligne commutée, son mélange caractéristique de voix à l’unisson, de basses graves et de rythmes dentelés produit un effet méticuleusement chaotique. En continuant à se fondre dans les royaumes de la lourdeur brumeuse, Cede ajoute une juxtaposition entre le punk et la musique de danse ; avec son refrain vitriolique chanté dans la langue maternelle d’Amanda Cheng, le Hokkien taïwanais, il porte l’un des moments les plus marquants de Clot. En s’opposant à son nom, « Less Is More » maintient l’attente frénétique de Clot, tandis que « An Ey »e et « Forever Marred » ajoutent une placidité inquiétante dont des groupes tels que Chelsea Wolfe et PJ Harvey ont été les pionniers.

Poursuivant les notions psychotiques de synth-punk que l’on retrouve sur les débuts éponymes du groupe 2018, Clot continue d’établir Wax Chattels comme un groupe qui incarne non seulement les popularités de la musique punk moderne mais aussi un groupe qui travaille dur pour élargir les attentes de ce qui peut être communément un genre stagnant.

***1/2


Lupin: « Lupin »

23 décembre 2020

La première impression est toujours la bonne, dit-on :en ce qui concerne Jake Luppen, ce n’est pas tout à fait vrai. Après avoir passé les sept dernières années à tourner dans le monde entier, à la tête du groupe indépendant Hippo Campus, nous le rencontrons à nouveau, pour la première fois, sur le projet solo Lupin

Le disque est avant tout une exploration du monde intérieur de l’artiste. Dans des paysages sonores d’une atmosphère envoûtante, allant de grooves rythmés et de lignes de guitare acérées à de délicats coups au cœur, Luppen explore ouvertement les luttes qui l’ont suivi à travers le monde. Avec ce disque, je voulais aller à l’essentiel, et dire comment les choses étaient, plutôt que de danser autour d’elles », explique-t-il et reste fidèle à sa parole. Chacun des huit titres du LP est honnête jusqu’à l’os, son lyrisme poignant ne craignant pas les sujets qui pouvaient auparavant être inconfortables ou intimidants. « Vampire », par exemple, a été écrit après qu’un scanner ait révélé une masse anormale sur son cerveau, lui donnant l’impression qu’il était mourant. Caché sous des piles de synthés bouillonnants et une bonne dose de nostalgie des années 80, sa voix dorée est étrangement calme lorsqu’il chante : « Vous soulez que je retourne dans ta chambre. Eh bien, mentez-moi, je vais vous mentir. Je pense que la gigue va bientôt se lever. Mais est-ce que ça peut attendre jusqu’au matin ? » (You want me to go back to your room. Well lie to me, I’ll lie to you. I think the jig will be up soon. But can it wait ‘til the morning?)

Une autre prestation exceptionnelle est la fièvre onirique et funky qu’est « K-O Kid » – un morceau imprégné de groove qui, comme le révèle Jake, fait allusion « à la nuit où j’ai parlé à ma petite amie de l’époque de mon attirance pour un ami non binaire. J’ai passé la plus grande partie de ma vie à réprimer mon attirance pour les personnes qui ne s’identifient pas comme des femmes, alors j’ai écrit l’idée du personnage de KO KID comme un moyen de combattre ces jugements inhibitifs et auto-imposés ». C’est ce genre de vulnérabilité courageuse et de profondeur émotionnelle qui font de ce disque un morceau de musique si important et très pertinent. C’est une ode à l’authenticité, une déclaration d’intention et un glorieuxdoigt d’honneur à une société qui intimide les gens et les force à réprimer leur vauthenticité.

Ce LP, puisque solo il est, capture le son de son coeur, de son âme. Pour la première fois depuis longtemps, il a été en charge du contrôle total de la création. J’ai l’impression que pendant plusieurs années, j’ai perdu le contact avec ce que je voulais », révèle-t-il. « Je pensais aux autres depuis si longtemps que c’était la première fois qu’on me demandait ce que je voulais, et ça m’a permis de me sentir plus fort face à ces questions » ». N’ayant rien et personne d’autre que lui-même pour lui plaire, Lupin défie les genres et redéfinit le son tel que nous le connaissons. Des lignes de basse déformées et subtilement déformées se faufilent à travers le disque comme une corde invisible, reliant entre elles les réflexions d’un génie fou. L’énergie chaotique indéniable de l’avant-dernier titre « Gloomy » illustre parfaitement l’esprit brillant de Lupin. Les percussions tumultueuses superposées sur des lignes mélodiques bancales et recouvertes de synthétiseur (qui culminent dans une explosion géante) reflètent l’état d’esprit fragile de Luppen et témoignent de son approche incroyablement détaillée de l’écriture de chansons. 

Si nous pouvons apprendre quelque chose du Lupin de Jake Luppen, c’est d’être toujours fidèle à soi-même, d’accepter toutes les bizarreries et toutes les idées folles. « J’ai passé beaucoup de temps à penser que je devais me cacher derrière d’autres personnes ou d’autres choses, mais je me suis rendu compte que je suis tout à fait capable de le faire moi-même, que je suis tout à fait capable d’avoir cette vision », d-il à propos du disque. « Il y avait toute cette autre partie de moi que j’avais cachée par peur pendant tout ce temps ». 

***1/2


Luke De-Sciscio: « Sublime »

23 décembre 2020

L’auteur-compositeur-interprète folk Luke De-Sciscio conclut un trio de sorties en 2020 avec son nouvel album, Sublime, un opus qui est le troisième volet de sa trilogie Folk-Boy qui lui a pemis de s’imposer sur la scène folk britannique. Le premier album, Good Bye Folk Boy, a vu De-Sciscio peindre des chansons sur des tons chauds, intimes et rapprochés. Le deuxième, Eucharist, était méditatif, et les chansons délicatement réverbées planaient dans l’air comme si elles flottaient au-dessus d’un champ ouvert. Enfin, Sublime est la fin parfaite. En s’élevant vers le ciel à chaque projet, l’opus nous donne l’impression de voler sous un soleil blanc et lumineux. 

Avec le titre d’ouverture qu’est « Casuals », nous avons droit à une guitare acoustique minutieusement choisie, accompagnée par les mélodies vocales de De-Sciscio, une introduction parfaite pour nous faire savoir ce qui nous attend en cours de route. 

« 40 Days » nous donne ainsi l’impression de dériver dans des paysages de rêve, étant donné l’imagerie de la nature dans les paroles : le désert, l’eau et les ruisseaux. Ironiquement, l’un des vers en est à cet égard « Regurgitate like a catchy song » (Régurgiter comme une chanson accrocheuse)qui est l’une des compositions les plus instanténées que De-Sciscio ait mises à jour, avec sa jtr!s olie mélodie classique de baladin auteur-compositeur.

Dans « Dream State », le chanteur s’élève progressivement dans son registre supérieur, ce qui ajoute au sentiment d’ascension qu’offre cet album. Mais cela ne s’arrête pas là. Le morceau qui suit, « I Gave You All My Love », montre que De-Sciscio atteint des sommets vocaux que peu d’artistes masculins oseraient tenter. Il se lance dans cette aventure en toute confiance, et cela paie. C’est le morceau le plus percutant, qui parle essentiellement de la passion pure que l’on déverse dans une personne que l’on aime. 

Certains des plus beaux moments sont ceux où un morceau commence ou se termine, et où l’on entend le va-et-vient entre De-Sciscio et une fille dans la même pièce. La fin de « My Love Abounds » est un segment où il plaisante en disant qu’il a raté l’enregistrement ou qu’il a complètement oublié de le faire. En ouverture de la dernière chanson, il met une voix amusante et dit « Tu es folle, ma fille ». Au milieu d’un album rempli de morceaux qui ressemblent à l’ascension, au ciel et à la lumière, ce sont ces moments (et les démonstrations d’humanité souvent puissamment crues dans la voix) qui fondent le projet. 

Sublime nous montre que deux choses peuvent être vraies : l’amour est à la fois le sentiment le plus envoûtant, et pourtant le plus humble et le plus honnête aussi. N’oubliez pas de jeter un coup d’œil à cet album, qui est l’un des meilleurs projets d’auteur-compositeur-interprète que nous ayons entendus toute l’année.

***1/2


Maria Valentina Chirico: « Folk Tapes »

21 décembre 2020

Folk Tapes est une sélection onirique de chansons folk teintées de climats ambient. Composée en solitaire par Maria Valentina Chirico, une chanteuse ayant une longue histoire dans la musique classique et sacrée contemporaine, Folk Tapes présente des loops captées sur bandes et des enregistrements sur le terrain, qui proviennent de la collaboration fréquente d’Andrea Penso et comprennent également la voix de Marta Arbarello, onze ans, ce qui ajoute une qualité enfantine à l’atmosphère conte de fées de la musique.

La première parie commence doucement et avec curiosité, avec un doux son ambient qui serait l’équivalant d’une musique entendue lors d’un dimanche après-midi traditionnel et tranquille. Son innocence enfantine en fait un album d’émerveillement et de découverte de ce que peut être la nature. Chirico y apporte une approche jeune à sa musique, mais elle semble incroyablement mature dans sa musicalité.

La seconde partie est toujours un conte de fées musical sur une petite fille, mais-celle-ci se métamorphose en âne blanc et l’ambience se fait plus empreinte de mysticismeet d’enchantement. Que ce soit par la parole ou par le chant, une part de fantastique est mise en avant, mais le sacré est également présent, donnant à la musique un air équilibré entre la retenue et le respect, et rencontrant les auditeurs à mi-chemin entre le paysage fantastique de l’imagination d’un enfant et les sonorités sacrées d’une cathédrale.

Folk Tapes est un disque calme doté d’un cœur curieux avec des titres tels que « Sweet October » et « Children of Water » qui vpit la notion de pureté et d‘innocence s’infiltrer dans la musique – une innocence qui ne peut être ni brisée ni perdue. Folk Tapes marque les débuts de Chirico en tant qu’auteure-composirice et un tel album n’aurait pas pu être plus impressionnant.

****


ilinx: « Memory »

21 décembre 2020

ilinx est un ensemble composé des trois jeunes et talentueuses compositrices, chanteuses et productrices Laura Marie Madsen, Anna Sophie Mæhl et Amanda Appel. À part quelques morceaux réalisés avec le producteur Oliver Møller Nehammer, connu pour sa collaboration avec ML Buch, ilinx a créé une œuvre uniquement composée de sons vocaux et de bruits captés lors de l’enregistrement, ainsi que de traitements et de manipulations numériques ultérieurs. La musique et les paroles tournent autour de la fusion croissante de l’homme avec la technologie. Un processus qui est raconté en cours de route, tant du point de vue d’un cyborg que de celui d’un humain. Tous deux ont le désir de s’optimiser et de devenir meilleurs et plus doux dans l’utilisation de la technologie.

La genèse de Memory est présentée de cette manière : « Les crises mondiales auxquelles nous sommes confrontés nous ont amenés à remettre en question la bonté de l’humanité, à laquelle nous nous sommes accrochés pendant des siècles, afin de justifier notre exploitation du monde qui nous entoure. D’où également l’idée qu’un être qui se débarrasse de son humanité n’est pas nécessairement mauvais, mais qu’il a le potentiel de devenir plus doux et plus bénéfique pour le monde qui nous entoure ».

Pour ce faire, l’album s’appuie sur un large éventail de références historiques musicales telles que la chorale médiévale Dreams in the Pleasure Garden de Guillaume De Machaut, le hit R&B « Emotion » de Destiny’s Child et le fragment de Digital Frontier de Holly Herndon. Iilinx fait ainsi un pas de plus dans la notion d’un futur où la technologie et le vivant ne peuvent plus être séparés.

Concrètement on appréciera ce lien crée entre la voix et une production numérique, les deux outils usant des possibilités extrêmes et de limites apparemment inépuisables. Lorsque les deux s’unissent, une force explosive de créativité est libérée ; ainsi est issu ce travail de mémoire qu’est Memory.

***1/2


Porridge Radio: « Every Bad »

21 décembre 2020

Dana Margolin a raison, son combo, Porridge Radio, est peut-être une des meilleures formations d’aujourd’hui sur le registre qui est le sien.

Porridge Radio ressemble rindubitablement , de par son nom, à un groupeun peu mièvre, mais soyez assurés qu’ils sont tout le contraire. Le groupe a été créé en 2015 après que Dana Margolin ait commencé à travailler sur des chansons et à apprendre la guitare seule dans sa chambre à Brighton. Avec l’ajout de Sam Yardley (batterie), Georgie Stott (clavier) et Maddie Ryall (basse), le groupe est devenu un élément familier du circuit britannique du bricolage. 

En mars, les Canadiens ont secrètement sorti leur nouvel album Every Bad, qui fait suite à leur premier album auto-enregistré de 2016, Rice, Pasta And Other Fillers. Every Bad est un reflet frénétique d’angoisses communes auxquelles une personne d’une vingtaine d’années peut s’identifier, comme le moment où vous réalisez que vous êtes maintenant adulte et que vous n’êtes pas sûr de faire quelque chose correctement.

Margolin n’a pas son pareil en matière de lyrisme quand il est question de communiquer des émotions complexes dans les limites de ses chansons. Sa prestation est enivrante, elle vous fait ressentir chaque saisissement, vous ramène au moment exact où vous avez ressenti cette même chose ainsi appelée « motion. Le premier morceau, « Born Confused », vous emmènera directement à l’intersection de la perte, itinéraire allant du « fuck you » à la joie. La ligne d’ouverture frappante – « Je m’ennuie à mourir, discputons-noue »( I’m bored to death, let’s argue)le met en scène une scène amèrement ironique. À la fin de la chanson, Margolin échange son discours pince-sans-rire contre un gémissement indécis en répétant « Merci de m’avoir quitté/ Merci de me rendre heureuse » (Thank you for leaving me/ Thank you for making me happy). Cela peut sembler peu impressionnant, banal et masturbatoire d’entendre Margolin chante sur la détresse émotionnelle, mais elle passe ainsi maître de déstabiliser un texte avec sa voix et donner à ses paroles un tout nouveau sens.

Every Bad est, en fait, un processus d’apprentissage, tant sur le plan de la composition que sur le plan émotionnel. Porridge Radio s’est propulsé au-delà de ses origines lo-fi, créant un album ambitieux et rugissant qui repousse les limites du langage et du bruit. « Don’t Ask Me Twice » en est le parfait exemple, la chanson commence avec le son brut de la guitare et de la batterie, alors que Margolin commence à craquer ; envoyant l’auditeur s’envoler dans un lieu saint, avec des échos du dernier mantra de Margolin. Au deuxième couplet, elle s’est complètement brisée, alors qu’ils éclatent en une bruyante tempête de grêle, mais ne vous inquiétez pas, il y a un arc-en-ciel à la fin.

Ces morceaux se plient et se brisent et le son fluctue de l’exaltation au désarroi en passant par l’épuisement, comme un exorcisme musical. Un exemple de l’évolution sonore constante se matérialise sur « Lilac » où Margolin chante « Je ne veux pas que nous devenions amers, je veux que nous allions mieux » (“ don’t want us to get bitter, I want us to get better), avant qu’elle ne se transforme en une vague de guitares et de cordes, « Je veux que nous soyons plus aimables avec nous-mêmes et avec les autres » (I want us to be kinder to ourselves and to each other), crie-t-elle alors que la vague sonore s’écrase autour d’elle. Avec un album qui s’attaque à la complexité de la maturation, « Lilac » donne l’idée que nous ne sommes pas si mauvais que ça quand il s’agit de grandir.

Dans un monde qui rend impossible la suppression de la peur existentielle, Every Bad est la conversation que vous pouvez utiliser. Elle vous fera certainement tourner en bourrique lorsque vous vous retrouverez à ce carrefour émotionnel qui vous forcera à accepter la vulnérabilité et à purger la négativité. Puissions-nous tous apprendre à être autonomes, comme sur chacun de ces morceaux.

***1/2


Lotus: « Free Swim »

20 décembre 2020

Free Swim est le titre parfait pour le nouvel album de cet excitant groupe de jam-sessionsqu’est Lotus ; en effet chacune de leurs chansons est très énergique et elle donne à l’auditeur l’impression de se mouvoir sans fin dans une vague d’adrénaline den sessions improvisées.

L’album commence avec les vibrations disco-plage de « Catacombs », qui se caractérise par des synthétiseurs éclatants et un rythme de batterie régulier. L’effet d’aigus sur la guitare solo ajoute une sensation de douceur à la jam dans l’ambiance sableuse. Sur la deuxième piste, « Turtlehead », le rythme ralentit juste assez pour donner un groove doux et envoûtant. Cette chanson tire son énergie de danse des synthés intenses.

La piste suivante, le morceau-titre, continue d’ajouter une touche de jammy et de groove à l’album alors que « Sepia Rainbow », qui suit calme l’ambiance de l’album avec des rythmes et des mélodies hypnotisants à la guitare solo. Avec « One-Eyed Jones », les synthés atteignent leur niveau maximum, ce qui fera danser tous les fans d’une chanson qui comporte également des éléments de leur style de jam jazz.

L’énergie est captée par un rythme de batterie plus rapide sur « Bjorn Gets A Haircut ». Une grande partie de la musique de Lotus apparaît probablement sur les playlists d’entraînement de beaucoup de leurs fans, car l’énergie et l’élan qu’elle génère se conforme parfaitement à de tels standards. « Straight Blade » transcendera les auditeurs tandis que « Earl of Grey » apporte un soulagement relaxant et un rythme plus lent pour rompre avec l’énergie qui se propage rapidement.

« Snake Island » va permetre à lqui l’écoute de retrouver des éléments de l’ambiance du Moyen-Orient dans les solos de guitare et lalbum s’achèvera sur une ambiance de jammy spatial avec « Land of the Lush », une chanson qui crée un état d’esprit paisible pour terminer l’album sur une ambiance sereine. Bien que vous ne puissiez pas voir cette incroyable énergie live depuis un certain temps déjà en raison de la pandémie, cette nouvelle fournée d’enregistrements en studio et de danse à la maison devra faire l’affaire tant elle est au diapason de ses ambitions.

***1/2