La compositrice et contrebassiste islandaise Bára Gísladóttir a récemment sorti son album solo, HĪBER, un opuspour basse et électronique. Actuellement basée à Copenhague, sa musique a été jouée aux États-Unis et en Europe par divers ensembles et festivals, de l’Orchestre symphonique national du Danemark à l’Ensemble InterContemporain. Gísladóttir décrit HĪBER comme « une exploration de la texture et de l’obscurité où le noyau sert de fil conducteur ». HĪBER, un titre qui provient de hībernus, fait référence à l’idée de traverser les longs hivers et aux idées d’hibernation. Chacun des mouvements de l’album a un titre évocateur, soit sous forme de mot racine, soit sous forme de phrase auto-référentielle, et la contrebasse et l’électronique tourbillonnent et se fondent dans un ensemble éthéré d’harmoniques, d’éraflures et d’explorations texturales.
HĪBER est un album vraiment original par la façon dont la basse et l’électronique s’entremêlent. Comment avez-vous créé le concept de l’album ?
HĪBER est né de l’idée d’un hiver ou d’une période d’hibernation qui dure plus d’un semestre. Je pensais à une hibernation où le temps serait au ralenti ou même gelé. Je pense beaucoup à la forme et à la texture dans mon travail, et pour l’album, j’ai travaillé avec le concept du temps gelé/instantané personnifié par une figure froide abstraite de différentes nuances de vert dont la texture était profonde et dense, mais élastique et visqueuse. Peut-être un peu comme des couches de mousse trempant dans l’huile.
Sur votre site web, vous mentionnez que HĪBER est « divisé en huit parties » et que « chaque pièce est abordée avec des définitions et des angles différents ». Pourriez-vous nous en dire plus sur les angles que vous envisagez ?
Dans mon travail, j’aime aborder chaque idée de tous les points de vue possibles. Par exemple, un seul mot peut signifier ou faire référence à différents aspects, donc j’essaie d’utiliser tous les aspects comme contributeurs à la pièce ou au concept sur lequel je travaille. Ce faisant, je sens que je suis capable de créer d’autres dimensions dans ma musique.
Chacun de vos mouvements a un titre apparemment programmatique. Pourriez-vous décrire votre approche de la musique et comment vous avez choisi les titres des mouvements ?
Lorsque je travaillais sur HĪBER, j’avais déjà esquissé tous les titres et leurs différents aspects avant de commencer à faire la musique proprement dite. C’est quelque chose que je fais couramment. Je ne le considère pas vraiment comme une préparation à la composition, mais plutôt comme une partie aussi importante du processus créatif que le matériel sonore.
En choisissant les différents titres, j’ai travaillé avec des tiges de mots latins d’une part et de petites séquences d’autre part, créant ainsi un contrepoint entre les deux groupes. Chaque titre est une contribution à l’hibernation de ce qui peut sembler être un hiver éternel.
« SUĪ » peut se référer à l’autre, à l’autre, à lui/elle-même. Il peut également être placé avec d’autres noyaux de mots comme dans suīcīdium (suicide). Je pense qu’il peut exister un lien entre les pensées suicidaires et le souhait d’une hibernation éternelle, donc cette piste est peut-être celle qui traite de l’hibernation la plus longue et/ou la plus intense.
« VĒXŌ » signifie simplement « Je tremble », mais le mouvement lui-même représente également un tremblement de terre général. Dans HĪBER, il contribue à l’idée d’une hibernation en mouvement intense. Aussi, sil’on souhaite une hibernation au départ, une vie après la mort ne semble peut-être pas nécessaire.
Cette partie de HĪBER explore la forme physique du concept plutôt que les idées sur les différents états d’hibernation. Le mot « tvíhirta » peut sembler islandais, mais c’est une sorte de mot inventé. Tví signifie « deux de quelque chos » » et hirta rappelle « hjarta » (cœur). D’une certaine manière, j’ai aussi associé hirta à « flétta » (tresse), ce qui n’a pas vraiment de sens, mais c’est important pour comprendre le contenu du mouvement lui-même. « Tvíhirta » traite du concept d’un organisme ayant deux cœurs, mais peut-être pas naturellement, mais plutôt de l’idée d’un corps recevant (même involontairement) un cœur supplémentaire avec une greffe quelque peu horrible.
Ce mouvement , la cuspide, est basé sur l’idée d’un point mort ou d’un vide, et si de tels concepts existent réellement (et non de manière artificielle). Le « jour de la pointe » concerne l’état d’un être entre deux choses, ou peut-être pas entre deux choses du tout. Il fait référence à la sorte d’aspect intemporel/sans temps de HĪBER.
« GRAVIS », de son côté, fait référence à quelque chose de lourd, de sérieux, de gênant ou de dur. J’aime le considérer comme une interprétation générale du concept qui se cache derrière HĪBER, il touche à toutes les idées qui se cachent derrière l’album.
Ainsi, « es poings serrés »,bien qu’il semble agressif (et il l’est certainement), est un morceau qui traite avant tout de l’idée de dormir ou d’hiberner les poings serrés.
Vous êtes certainement à l’aise avec l’électronique dans votre composition. Quel est le rôle de l’électronique dans la musique et dans votre processus ?
J’aime considérer l’électronique comme une extension d’un noyau plutôt que comme un matériau supplémentaire, donc un peu comme des branches poussant à partir d’une tige. La plupart du temps, mon but est d’entrelacer l’acoustique et l’électronique d’une manière telle qu’il est quasiment impossible de distinguer les deux.
Comment placez-vous HĪBER dans le contexte du reste de votre travail ?
Comme pour la plupart de mes travaux, HĪBER est une tresse de matériaux entièrement recyclés. C’est peut-être une exploration des ténèbres encore plus calme et plus intrépide que ce que j’ai expérimenté jusqu’à présent. L’absence de précipitation pour terminer la musique (puisque, au départ, je n’avais pas prévu de la sortir) a été un facteur utile, ce qui m’a permis de travailler dessus pendant plus de trois ans. Je me suis également permis de prendre plus de liberté qu’auparavant en ce qui concerne l’utilisation de l’électronique. La plupart du temps, je travaille moi-même avec les conséquences du son, mais cette fois-ci, j’ai demandé à mon bon ami et collaborateur de longue date, Skúli Sverrisson, de mixer HĪBER. Il a vraiment fait un travail étonnant et a réussi à faire ressortir la texture, les nuances et la masse essentielles de la musique.
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