Svalbard: « When I Die, Will I Get Better? »

Avec des voyages limités dans le monde sonore du Svalbard jusqu’à présent, on sait juste qu’ils font ces morceaux de musique pleins et sombres qui livrent des vérités et des questions sincères qui valent la peine d’être écoutées.  Dans une forêt métaphorique éclairée à la bougie, nous sommes témoins de déversements qu’il serait probablement bien plus facile de détourner. Mais la musique du Svalbard exige une présence sombre, presque rituelle, et d’être vue et entendue, aussi inconfortable que soit cette saignée d’honnêteté sur les parties les plus sombres de la vie.

Enfin, regardez le titre :  When I Die, Will I Get Better ?(Quand je mourrai, est-ce que j’irai mieux ?) ; il semble que ce soit une question qui ne fait surface que dans les circonstances les plus terribles, où l’idée que les choses s’améliorent est une étoile lointaine et inaccessible, et où se demander si les mêmes maux existeraient au-delà du voile a un sens absolu. Encore une fois, c’est une question qui n’est pas facile à envisager.

Dans ces conditions, il semble incroyablement approprié que l’album commence par « Open Wound » ; au début, avec un ralenti qui tombe dans un gouffre, l’obscurité éthérée fait que le protagoniste de la chanson se trouve dans une situation d’abus, élaboré par une instrumentation tumultueuse et un chant brut. Avec un rythme rapide et des ruisseaux de basse, des coupures de guitare aiguisées jusqu’au cœur.

Le partage vocal adouci de « Every Moment Leaden » s’apparente à la reconnaissance des ailes d’un ange qui ont été coupées. Les affirmations d’ouverture sont difficiles à consommer ; là où un ancien ensemble s’est fragmenté, et les détails des mauvais traitements deviennent de plus en plus flagrants.  Pour nous, le point culminant est douloureux au pont, où les basses et les percussions déchirantes sont juxtaposées à des observations flottantes, peut-être dissociées, de ce qui est fait à soi-même.

On pourrait en dire beaucoup plus sur cette chanson et son sujet, elle nous laisse l’image mentale d’un corps brutalisé qui a encore en lui un cœur aimant et ouvert qui bat. Comme jil a été dit lorsque la chanson est sortie en « single », il est extrêmement important que cette œuvre d’art adopte une position aussi ferme, et qu’elle fixe sans relâche l’expérience de l’abus et sa douleur au lieu de se cacher ou d’avoir honte de ce qui a été fait.

Le deuxième morceau de l’album, « Click Bait », transforme la position inébranlable de Svalbard contre les mauvais traitements envers les médias musicaux.  Il faut dire que le plaisir est absolu à écouter des paroles qui font brutalement référence au « click-bait » désespéré.  Quand nos oreilles sont imprégnées d’une musique loudre dont la morale est suffisamment élevée pour que on ne puisse se sentir abaissé par l’écoute de ce genre d’approche jon ne peut que soutenir pleinement la notion d’un art qui met en lumière les tactiques de manipulation destinées à obtenir une réaction. Où est la valeur de tout cela ? Ne sommes-nous pas ici pour la musique ? Pour respecter et apprécier ceux qui la créent ? Considérant la chanson ; une introduction sombre et sombre voit les pensées s’accrocher comme un brouillard, avant qu’un rythme accéléré ne déchire « Click Bait » en une humeur plus agressive.  Pour beaucoup cette agressivité s’accompagne d’une tristesse, grâce à la guitare qui plaide pour un changement. C’est un lourd naufrage quand on comprend qu’une réaction extérieure est nécessaire pour que les médias manipulateurs réussissent, mais que le retour à « Fuck off, fuck off » dessine une ligne invisible et puissante de déconnexion dans l’espace qui les sépare.

Après un moment de suspension silencieuse, « Click Bait » partage le tonitruant espoir d’un avenir plus positif. Une instrumentation chaleureuse crée un pic de satisfaction ; où la représentation sans aucun ordre du jour fait partie du « One Day » pour Svalbard. Oui.

Piétinant et lourd, « Throw Your Heart Away » est une arrivée brutale, imprégnée de chagrin d’amour. La chanson, qui exerce une pression plus forte, peint un abandon à un monde de ténèbres créé par ce chagrin d’amour, où un cœur vide frissonne à cause de l’expérience d’un amour non partagé.  Les percussions implacables correspondent à la description d’une hantise mentale, où « tu tapes sur le mur de mon esprit qui s’effrite », mais ils se sentent également distants et exclus en étant « perdus aux abords de ta vie ».

C’est dur d’être avec, cet enterrement d’amour, plein de vulnérabilité envers cet autre qui ne les entend pas et ne les voit pas.  Ce qui est encore plus dur, c’est le caractère perpétuel de l’expérience, que Svalbard utilise la métaphore du jeu vidéo pour exprimer. Mourir encore et encore, sans jamais vraiment gagner.  Comme pour son titre, le conseil est de ne pas aimer. Il n’y a pas de fin heureuse.

Sur le plan musical, « Throw Your Heart Away » est une autre chanson qui s’élève avec une guitare fulgurante et des moments de calme temporaires. Même si on apprécie ces mondes majestueux et pleins de sonorités qui sont créés par Svalbard, il y a une qualité de ressemblance qui fait qu’ils ne se sentent pas si différents les uns des autres. C’est une critique dans le sens de la mémorisation, mais on ne peut pas supposer ce que le groupe voulait dans la création de l’album.

Comme pour renforcer cette idée, « Listen to Someone » commence comme si c’était la continuation de la chanson précédente. Mais c’est un espace plus léger et plus flottant, qui détaille ce qui semble être un état de dépression. À mi-parcours, on se demande s’il y a tellement d’émotion sur chaque sujet saisi qu’il est difficile de le rattacher à quelque chose de spécifique et donc de le faire ressortir de manière flagrante. Parfois, on a aussi l’impression qu’il y a un manque de connexion/ancrage solide avec la voix et l’instrumentation, ce qui fait qu’elles semblent fonctionner en parallèle au lieu d’avoir la même intention.

Sur « Listen to Someone », il y a des boucles flottantes « every day is the same », une sauvagerie interne envers soi-même, des frustrations à propos de conseils bien intentionnés qui semblent hypocrites.  Tous ces facteurs se combinent lorsque l’on traverse une période de santé mentale difficile et lorsque l’option la plus simple – simplement écouter ! – n’est pas appliquée.

Ce qui résonne immédiatement, c’est la « retenue silencieuse ».  Elle parvient à capturer succinctement un état de cris et de déconnexion internes qui a un canyon de distance entre le moi en lutte et quelqu’un (en dehors de la lutte) qui comprend.  Il y a une saveur post-rock dans le morceau quand le chant de Liam Phelan arrive, comme une structure que nous n’avons pas eu sur l’album jusqu’à présent.  Les deux voix expriment l’expérience à leur manière, la panique brute de Serena Cherry et le désir de Phelan reflétant tous deux cette cage intérieure.

Mais toute perception d’une structure solide ou prévisible est oubliée lorsque « Silent Restraint » se déroule comme les chansons précédentes, en s’accrochant à un fil de pensée obscurci avec des mains calleuses pour tenter de s’en sortir. Exaspéré et frustré, un cri vers le ciel suit « I’m sick of having no control », et étant donné que la perte de contrôle et le manque de pouvoir ont été mentionnés de plusieurs façons jusqu’à présent, je commence à y voir un point central de l’album.

Les coups de poing et les saignements instrumentaux, c’est une défaite pour la fin pressante de « Silent Restraint », où le forçage et la feinte sont la promesse déchirante de l’avenir à venir.  C’est émotionnellement dur (et émouvant), tant au niveau des mots que du son.

« C’est juste de l’altruisme et de la dépression Aller main dans la main à nouveau » (It’s just selflessness and depression
Going hand in hand again).

Après l’intensité émotionnelle de la chanson précédente, on a l’impression que « What Was She Wearing ? » offre une piscine noircie dans laquelle s’effondrer.  De son introduction chuchotée et pensif, il y a une lourdeur qui me retient, et malgré le chant presque sans effet, il y a ici une profonde tristesse qui entraîne tout vers le bas, y compris le rythme.

Chaque syllabe énoncée pose péniblement la question de savoir si l’apparence parle plus fort que la personne elle-même et, une fois de plus, se concentre sans relâche, cette fois-ci sur l’idée que les femmes sont jugées comme étant soit « prude » soit « pute » et qu’il y a peu de choses entre les deux. Quand on sent qu’on ne peut pas rester assis avec cette lenteur agonisante pendant longtemps, heureusement, le rythme et l’énergie se développent et s’élèvent jusqu’à un point d’affirmation perçant :  « Pourquoi sommes-nous encore jugés uniquement sur nos vêtements ? » (Why are we still being judged solely on our clothing?)

Entendre la voix de Phelan s’exprimer sur ce sujet avec une fureur interrogative est propre à nous donner la chair de poule. Ce sont des questions importantes à poser, qu’elles soient masculines ou féminines, et Svalbard les présente ouvertement, la chanson s’élevant au rang de défi festif pour faire ce qui doit être fait et défendre ce qui compte.

« The Currency of Beauty » poursuit la conversation sur l’apparence, où la frustration d’être réduit à une image se transforme en un feu qui accélère le pouls et où les percussions se font entendre dans des moments plus calmes d’affirmation ciblée et expose ce que Svalbard veut voir se produire. « I am not more valuable if I am pretty » (Je n’ai pas plus de valeur si je suis joli) se termine par des cognements de batteries et une guitare dentelée, laissant une place aux instruments pour qu’ils soient avalés comme des faits.

Avec des mots comme de douces vagues, Cherry se demande ce qui importe en dehors de l’apparence, avant de piétiner métaphoriquement la terre et de la frapper avec un bâton fait de feu. Le « STOP » qui est répété par les deux voix est palpable.

En touchant le sol vers le dernier morceau « Pearlescent », on est comme épuisé. Mais en moins d’une minute, la chaleur et les sentiments de la dernière piste de l’album s’installent.  En contraste avec l’incroyable obscurité et les humeurs lourdes que nous avons endurées jusqu’à présent, la légèreté est très bienvenue, tout comme le sentiment de détermination à poursuivre ce ruban à travers la chanson. La levée instrumentale, qui nous tire de force sur nos pieds, est parfaite.

En regardant l’étendue de l’album, jon perçoit ces chansons comme des gribouillages douloureux qui se sont produits dans un monde de ténèbres. Le fait qu’ils soient d’une humeur persistante et peu variée pourrait être une critique, mais cela reflète l’expérience du monde réel des brouillards de dépression immuables.  Que les piscines sombres et réfléchissantes aient été peu profondes ou profondes, immobiles ou orageuses, Svalbard nous a entraînés avec eux dans cette expérience.

****1/2

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