Luke Abbott: « Translate »

Soyons clairs : écouter Translate sera très gratifiant mais procurera aussi un énorme sentiment d’agacement. Les points positifs viennent de la musique et du merveilleux voyage cosmique que Luke Abbott vous fait faire, tandis que la frustration vient du fait de savoir que vous ne possédez tout simplement pas de système de sonorisation qui puisse vraiment rendre justice à cet album. Abbott a déclaré qu’il avait l’intention de faire une tournée de Translate avec un son quadriphonique une fois que les choses redeviendraient comme elles étaient à l’époque de The Before Times.

L’album Wysing Forest d’Abbott, sorti en 2014, était un album bizarre et délicieusement conflictuel de paysages sonores psychotropes pour l’auditeur averti, et ressemblait à une réprimande à l’acclamation obtenue par Holkham Drones, son premier album de 2010. Translate s’appuie sur une grande partie du travail de bande-son qu’Abbott a entrepris depuis ces deux premiers disques, tout en rendant hommage à des groupes tels que Death in Vegas, Boards of Canada et Harmonia. Dans l’ensemble, le disque est plus positif en termes d’humeur et de ton que tout ce qu’Abbott a publié jusqu’à présent ; c’est aussi sans doute son meilleur travail à ce jour.

« Our Scene » et « Flux » n’auraient pas l’air déplacés sur « Radio-Activity » de Kraftwerk, et il n’y a pas de compliments plus élogieux que cela. Ce sont deux bêtes propulsives qui mettent l’accent sur la trajectoire vers l’avant, tout en étant ludiques dans leur utilisation de l’espace et des textures sonores. C’est dans le ton moins sérieux de l’album qu’Abbott a réussi – ce n’est pas de l’electronica à coups de menton pour l’intelligentsia flasque, ni de l’hédonisme incessant fait exclusivement pour la piste de danse. Translate est quelque chose de tout à fait rare, un album qui évoque ses prédécesseurs tout en ne ressemblant à aucun d’entre eux.

« Ames Windo » » met également en évidence ce sentiment de vibrante positivité, mais le fait avec un sourire malicieux et espiègle. Le morceau joue avec la hauteur et le tempo, se terminant environ 30bpm plus vite qu’il ne semble avoir été enregistré, et il a un côté enfantin avec ses refrains constamment répétés, qui sont à la fois contagieux et infaillibles. C’est un morceau à l’acide, quoi que cela puisse signifier, et il ressemble un peu à Surfing On Sine Waves de Polygon Window en 1993.

« Earthship » sera d’une humeur sombre, une invocation effrayante de la profondeur émotionnelle que peuvent évoquer les machines. Les lignes du synthétiseur sont entrecoupées de sons trouvés qui s’échappent du champ de vision aussi vite qu’ils sont entrés, pénétrant l’atmosphère pensive par leur présence aiguë. Les guitares qui s’entrechoquent entrent en jeu et évoquent la façon dont Blade Runner aurait pu être différent, si Ridley Scott avait utilisé plus de tropes visuels du genre western que d’influences du film noir dans son chef-d’oeuvre cinématographique.

Il y aura un sentiment d’inquiétude couvant sur un « River Flow » qui remplace la formule habituelle du synthé et des beats par des cordes allongées qui s’étirent et se chevauchent pour créer une tranquillité troublante et un triste sentiment de curiositéen naîtra. Son caractère errant ne se résout pas tout à fait, car il s’éloigne d’une sensation cyclique pour se rapprocher d’une sensation plus linéaire. Le morceau se fond dans « Feed Me Shapes », qui a également une approche linéaire de sa structure, ainsi qu’une touche rétro-futuriste, combinant des guitares carillonnantes qui semblent avoir été sciemment samplés à partir de « Venus in Furs » de Velvet Underground avec un son de batterie stoïque de battements de cœur de machine qui sous-tend tout. Ce sont des morceaux séduisants, qui ne ressemblent à rien de ce qu’Abbott a pu créer auparavant. Ils sont somptueux dans leur texture, riches en profondeur et en aura ; tout simplement magiques.

« Living Dust » est une bête de scène qui se tortille sur elle-même, ajoutant de nouvelles textures de temps en temps, ce qui fausse un peu l’objectif. En peu de temps, les petits ajouts cycliques transforment la piste en quelque chose d’entièrement différent, l’enfermant dans une rotation glaciale d’émerveillement et de gloire contenue. Abbott combine des arpèges précis avec un rythme de serpent à sonnette (vous saurez ce que c’est quand vous l’entendrez) et des lignes de synthétiseur en cascade et en balayage, qui élèvent la piste à un espace d’émerveillement étonnant.

Translate est un merveilleux album d’un artiste particulier. Evocateur, cinématographique et viscéral, l’ensemble de l’oeuvre témoigne de l’évolution de Luke Abbott et de son désir de se remettre en question à chaque nouvelle sortie. Mais ne soyez pas trop sévère avec certains de vos interlocuteurs qui vous laissent inévitablement tomber.

***1/2

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