Secret Machines : « Awake In The Brain Chamber »

26 août 2020

En 2004, Now Here Is Nowhere a fait entrer Secret Machines sur la scène musicale grâce à un grand coup de poing rétro et à l’attrait futuriste du rock spatial par laser. Après quelques albums de rendements décroissants et le départ du guitariste Benjamin Curtis du groupe, puis une mort tragique, The Secret Machines s’est doucement éteint.

Aujourd’hui, ils reviennent avec Awake in the Brain Chamber : les membres Brandon Curtis et Josh Garza se sont regroupés et se sont associés à des amis d’hier et d’aujourd’hui pour nous offrir un disque de huit titres aux lignes épurées. Le duo a reçu l’aide des musiciens Chris Kyle, Brian Bisordi et Sarah Pedinotti, mais le plus important est peut-être que les chansons ont bénéficié de la contribution de Benjamin Curtis, qui a apporté ses réflexions, ses idées et ses lignes de guitare avant sa mort.

Ce n’est pas un secret, ces machines fonctionnent mieux lorsque les énormes coups répétitifs de Garza propulsent les cordes, les synthés et les voix interrogatives de Curtis, poussant le groove hypnotique complet à s’envoler avec une énergie de recherche à toute épreuve. Les morceaux plus lents ont tendance à diluer les forces du groupe et à user leur accueil, mais lorsque le groupe monte en puissance, ils sont généralement couronnés de succès.

L’album, avec « « 1,2,3,4,5 Let’s Stay Alive », démarre en poussant dans cette direction, mais le psycho-rock qui se déchaîne ne s’enflamme jamais sur la rampe de lancement. Des efforts tels que l’exaltante succion de « Everything’s Under » et la distorsion et le tambourinage insensé de « Dreaming Is Alright » réussissent mieux à exploiter la synergie cosmique du duo. Mais Secret Machines ne se contente pas de reprendre sa vieille formule, puisque « Angel Come » utilisera des basses pulsées, des envolées orgasmiques et des lignes de synthé/guitare tourbillonnantes pour perturber ses tropes typiques.

Le premier « single », « Talos’ Corpse », s’oriente vers un morceau plus moderne, avec des rythmes de synthétiseurs pour les boîtes de nuit, mais le titre, ennuyeux, ne passera jamais à la vitesse supérieure. Un meilleur morceau influencé par les années 80 sera « Everything Starts » qui se balance avec une lueur de néon alors qu’il flotte doucement autour des lignes de guitare de Benjamin Curtis.

Les deux morceaux qui clôturent le film intègrent les groupes que les Beatles adorent dans leur grand style de percussion, alors que « A New Disaste » » apporte une légère luminosité au mouvement des hanches, avant que « So Far Down » n’incorpore des cordes, un piano, des harmonies et une orchestration grandioses, mais s’arrête juste quand il semble que les choses vont exploser. C’est un changement notable sur le nouvel album, les jams plus allongées ont été tronquées, alors que Secret Machines pouvait parfois errer, les meilleurs moments de la carrière du groupe ont toujours été longs « « First Wave Intact », « Alone Jealous & Stoned ») donc si ces chansons sont un retour agréable, elles ne s’empilent pas à côté des moments forts du groupe.

Retrouvailles surprenantes, The Secret Machines ont ouvert avec succès une nouvelle décennie avec Awake in the Brain Chamber, un album de retour qui sonne comme un retour à la maison avec leurs sorties passées tout en peignant une voie d’avenir si le groupe continue à explorer son cosmos rock.

***1/2


Bent Arcana : « Bent Arcana »

26 août 2020

Avec tous ses nombreux projets parallèles, John Dwyer est devenu une forme géométrique assez complexe. Le frontman des Osees sort, en effet, pas moins de trois albums cet été. Bent Arcana est le dernier super groupe de Dwyer, et son premier album éponyme est un mélange cosmique d’influences funky interprétées par une coterie des coconspirateurs musicaux de Dwyer.

L’influence la plus évidente de l’album est celle des albums jazz-funk des années 1970 de Miles Davis. Les albums électrifiés de Davis comme Bitches Brew et On the Corner, qui incorporaient des aspects de funk, de rock, de soul et de bruit expérimental – d’artistes comme Karlheinz Stockhaus – ont repoussé de nombreuses têtes de jazz-jazz traditionnelles ; tout en attirant un tout nouvel ensemble de fans des masses non lavées du rock and roll et du funk.

Le super groupe de Dwyer est animé par le batteur Ryan Sawyer, qui a joué avec Thurston Moore et les expérimentateurs japonais Boredoms. Le travail de Ryan Sawyer sur les caisses claires ressemble à un tas d’assiettes précaires qu’un serveur sous amphétamines emporte dans la cuisine. Mais la solide grosse caisse de Sawyer pèse sur les longues improvisations du groupe.

La batterie habilement syncopée de Sawyer déclenche l’ouverture de l’album, « The Gate ». Les lignes de cor chorégraphiées de plus de 10 minutes de Jazz Odyssey sont l’un des rares éléments de l’album qui ne sont pas entièrement improvisés. Le solo de guitare de la chanson – fourni soit par Dwyer, soit par le guitariste de Prettiest Eyes, Marcos Rodriguez – est un simple ajustement du « jazz normal », sans pédale de gémissement ni son de fuzz surpuissant, mais avec de nombreux choix de notes que d’aucuns qualifieraient avec condescendance d’ « intéressantes », alors qu’un dictionnaire de musique le décrirait comme « discordant ».

L’autre morceau épique de 10 minutes de l’album est « Oblivion Sigil », qui sonne comme du jazz qui a été démonté et remonté. Les tambours de conga d’Andres Renteria pimentent le groove déjà syncopé de Sawyer. Les touches fortement floues et le détective des années 70 montrent une guitare qui gémit sur un rythme épais à consonance africaine qui rappelle la légende nigériane Fela Kuti.

Parfois, Bent Arcana semble lancer une attaque frontale contre la musique elle-même. Le très bruyant « Misanthrope Gets Lunch » superpose des basses lancinantes à des percussions spastiques, ponctuées de coups de guitare électrique piquante. Le groove contagieux de « Sprites » est carbonisé par le jeu de tambour absolument stupéfiant de Sawyer. Peter Kerlin de Sunwatcher pose d’épaisses plaques de contrebasse, sur lesquelles le reste du groupe – y compris la télévision avec Kyp Malone à la radio et le clavier Tom Dolas des Osees – ponctue le groove avec des effets sonores de l’ère spatiale.

Certains des rares moments d’euphonie de l’album se retrouvent sur « Mimi », qui dure 90 secondes et qui consiste simplement en un jeu mélodieux entre les cuivres de Brad Caulkins et de Joce Soubiran. La musique est si calme et si intime que l’on entend les joueurs taper les notes sur leurs instruments. Le calme au centre de la tempête musicale de l’album offre un répit bienvenu.

Miles Davis peut sembler être une influence improbable pour Dwyer, mais elle devient de plus en plus évidente à mesure que les Osees évoluent, passant d’un groupe de punk-rock à la limite de l’épuisement qui installe son matériel sur le sol (et avec Dwyer qui chante des couplets entiers avec le micro dans la bouche) à l’extravagance de science-fiction à double batterie de proggy-stoner capturée sur les quatre derniers albums du groupe.

Bent Arcana n’est pas seulement un hommage affectueux à la musique incroyablement révolutionnaire que Miles Davis et son groupe ont faite dans les années 70, c’est aussi un digne héritier de l’expérimentation incessante de Davis et de son courage à laisser voler son drapeau de monstre musical.

***1/2


Girl Friday: « Androgynous Mary »

25 août 2020

La thèse du premier album de Girl Friday, Androgynous Mary, n’est pas difficile à déchiffrer – et ce n’est pas une mauvaise chose. Il est clair qu’ils en ont assez du patriarcat lorsqu’ils chantent « L’homme de tous les jours a-t-il l’impression de ne pas être concerné ? » (« Does the average man feel like he’s on the outside?) sur « Public Bodies ».

La franchise d’Androgynous Mary fait partie de l’attrait dont de ce groupe de rock basé à Los Angeles. Furieux d’avoir passé leur vie sous les feux de la rampe, ils chantent carrément Quand je dis que je souffre on ne le crois pas » (When I say I’m in pain they don’t believe it), sur le titre phare « Public Bodies ».

Girl Friday se sert de leurs paysages de chansons captivantes comme base pour soutenir leurs paroles et leurs thèmes – leur désillusion face à la société normative. Androgynous Mary vous emmène dans un manège de diversité sonore. Et le combo se fraye un chemin à travers l’indie, le garage rock, le punk et revient à l’indie, avant de s’installer dans un endroit qui se situe en dehors de la composition de chansons traditionnelles.

Alors que l’album progresse à travers des textures diverses, le projet atteint son apogée émotionnel à mi-chemin avec « Earthquake ». Au-dessus d’un riff de type heavy-metal, le groupe s’exclame « J’ai juste envie de me sentir comme un tremblement de terre / Tout est pourri bordel de merde » (I just wanna feel like an earthquake / Everything is boring for fuck sake » Tout en commentant simultanément notre culture de la gratification instantanée et la mise à l’index des personnes privées de leurs droits, Girl Friday trouve le moyen de rendre leur musique amusante et extatique. En même temps, les thèmes sont stimulants et profonds.

Cette dichotomie permet à Androgynous Mary de rester captivant. La batterie et les guitares qui s’envolent conservent leur énergie tout au long de l’album, tandis que les paroles lugubres jettent une ombre sombre sur tout. Girl Friday ne vous permet pas de consommer leur musique comme bon vous semble ; vous devez reconnaître le groupe de personnes qui l’ont faite. Elles parlent franchement, exigent le respect, l’équité et jouent une tonne de musique agréable.

***


L.A. Witch: « Play With Fire »

25 août 2020

Sur ce deuxième album de L.A Witch, le trio s’exprime de manière agressive à travers les différentes époques du rock. Pour cela, le combo joue sur une caricature cool, aussi, avec un son qui donne souvent l’impression d’être accompagné d’un verre de whisky, on a l’impression qu’ils possèdent quelques vestes en cuir mais surtout on peut dire qu’ils se contrefichent de ce que l’on peut penser d’eux.

Ceci est palpable dans presque tout ce qu’ils font, dans les riffs qui vous piquent comme un piment sur la langue ou qui soulèvent de la poussière sous le chaud soleil californien. Ils canalisent l’agressivité comme un groupe de punk, en l’alimentant directement dans leur chant performatif, leurs cris stridents, leurs torsions et leurs mots qui se tordent en nœuds. L’un des thèmes de l’album est la récupération de l’agence, que ce soit d’eux-mêmes ou d’autres personnes. Avec des phrasessde type « Je suis resté trop longtemps dans ma tête » (I’ve been hanging around in my own head for too long).

Ils recherchent l’individualité, le message pour sortir des moules prescrits et aller de l’avant à votre manière et à votre rythme. Entourer cela d’un son souvent délié peut rendre certaines des chansons de cet album finalement libératrices. Cela rend encore plus frustrant le fait qu’un album et un groupe si inspirants et incendiaires puissent souffler un peu chaud et un peu froid.

Il y a des moments où le chant peut être ennuyeusement obscurci dans le mixage par rapport aux instrumentaux. Certains riffs peuvent sembler trop familiers par rapport à d’autres chansons de l’album et il y a des parties où les pauses instrumentales sont maintenues beaucoup trop longtemps. Le dernier morceau, « Starred », est une fin finalement décevante, n’étant rien d’autre qu’une grêle de bruits de guitare dysfonctionnels sans grande substance.

Play With Fire est plus décontracté que le feu pourrait nous le laisser penser. Ce n’est en aucun cas un mauvais album, il y a des moments qui sont vraiment enthousiasmants avec des crochets aigus et des sections rythmiques serrées. Les prouesses agressives de L.A Witch sont impressionnantes, mais on peut se retrouver sur le carreau en de trop nombreuses occasions.

**1/2


Bully : « Sugaregg »

25 août 2020

« Je veux être en contact, me sentir un peu moins déconnectée sans la béquille », s‘écrie Alicia Bognanno de Bully au milieu des guitares déchaînées sur « Stuck in Your Head » (« I wanna be in touch, feel a little less disconnected without the crutch). Le sentiment n’est pas un appel à l’aide gémissant comme cela pourrait paraître, mais plutôt une déclaration frustrée, comme si Bognanno voulait se tourner vers le passé et lui arracher sa perte de contrôle. Ce qui suit sur Sugaregg, son troisième album, est un grunge vif mais bilieux elle illustre sa désorientation avec une vie en perpétuel changement et en se libérant de traditions étouffantes.

Un sentiment de liberté d’esprit est présent sur e disque, presque nostalgique et enfantin, un changement de ton par rapport au deuxième disque plus dense du combo, un Losing sorti en 2017. Malgré cela, l’album ne craint pas les explorations plus lourdes. Bognanno cite le traitement de son trouble bipolaire II pour avoir altéré sa perception d’elle-même et sa capacité à créer de la musique, avec la désensibilisation lente à la douleur sur « Prism » et la lente combustion de « Come Down » comme reflets de cet état d’esprit.

La désorientation et l’ennui de Bognanno ne manquent cependant jamais d’âme ni de punch. Le « single » « Where to Start » s’inspire du classique «  Tubthumping » intérprété par Chumbawamba, ce qui est évident dans des chants, qui, à travers le disque et la discographie de Bully, sammplifie cette démarche d’une seule notre qui convient d’être marmonnée d’une voix râpeuse. Les sons du disque n’en sont pas moins une bouffée d’air enivrante – un mélange rafraîchissant de brut et de propreté.

Au milieu de ces bruits grinçants, Bognanno insite sur son envie de briser le moule, surtout en tant que femme, avec les titres « Every Tradition » et « Not Ashamed » qui insistent sur son désintérêt à se conformer aux attentes de la vie que les autres lui ont présentées. En bref, Bully sait comment faire de la musique pour se sentir jeune et totalement désorientée, parfois désespérée, et finalement, complètement vivante.

***1/2


The Waterboys: « Good Luck, Seeker »

25 août 2020

Good Luck, Seeker des Waterboys est un disque intéressant et bien conçu, plein d’influences diverses mais fermement guidé par les racines rock du groupe. Une structure asymétrique divise lopus en deux parties distinctes qui offrent des expériences très différentes. La première partie offre un maillage d’époques et de genres musicaux, en capitalisant sur la production moderne pour faire écho aux sons de la nostalgie. La seconde moitié est liée par la nature, folklorique dans son récit.

Le disque s’ouvre sur le groove symphonique de « The Soul Singer ». Cette chanson explosive agit comme une machine à remonter le temps funky qui vous renvoie au jazz et à la soul des années 1950, enveloppée dans une composition instrumentale et vocale des années 1970. Dennis Hopper est un trip psychédélique coloré qui évoque une brume onirique, avec une livraison fraîche et fluide. Le dernier morceau qui se démarque de cette moitié de l’album est « Why Should I Love You ». Il commence avec des synthés à clavier souple, le chant chuchotant qui se faufile entre les couplets, juxtaposés à un refrain joyeux et enjoué. Dans ce numéro, les instruments brillent vraiment, mis en valeur par une production sans faille qui ne surcharge pas.

Le grand changement de ton se produit avec « My Wanderings in the Weary Land. » C’est une prédication et une prophétie, ce qui reste une constante dans les chansons qui suivent. Le « single » a un côté rock chrétien ; les voix parlées typiques sont ici prédominantes, ce qui ajoute à l’impression de sermon. La longueur du morceau rappelle les homélies de la messe. « Good Luck, Seeker » est un morceau de folk mystique qui s’inscrit dans la même lignée. La production obsédante se marie bien avec le ton joyeux et tendu. En tant que morceau titre, il reprend les thèmes de la seconde moitié du disque – tels que les mystères, les secrets divins et les références religieuses – tout en reprenant le style musical de la première moitié.

Le voyage se termine avec « The Land of Sunset » qui nous propose un cadre calme et magique. En ainsi l’écoutant, on a l’impression de découvrir une musique perdue depuis longtemps, qu’il s’agisse de la redécouverte de paysages sonores d’une époque révolue ou de l’appel d’anciennes leçons enveloppées dans des rêveries religieuses et naturelles.

***1/2


Fair Mothers: « In Monochrome »

25 août 2020

Fair Mothers de Kevin Allan est le deuxième projet, plus expérimental, de ce dernier. In Monochrome., avec des invités comme Faith Eliott, Dana Gavanski (chant), Esther Swift (harpe), Pete Harvey (violoncelle) et Jonny Lynch du Pictish Trail, l’album a été enregistré au Happiness Hotel d’Édimbourg au cours des deux dernières années et exporte des thèmes sur l’isolement du monde, de ceux que vous aimez et de vous-même.

Des percussions intenses qui s’accumulent progressivement et de douces notes de piano marquent le début de l’album, qui s’intitule »Magic Bullets for Dracula ». Les mots « N’étiez-vous pas assez ? » (Weren’t you enough?) résonnent dans le paysage sonore troublant qui se situe quelque part entre Tom Waits, Mount Eerie et Radiohead. Après presque 10 minutes, « Birds & Beas & Tiny Fleas » suit et cette combinaison expérimentale et déformée d’electronica, de miserabilia et de post rock commence par des instruments avant d’être hantée par des chants en écho qui se doublent les uns les autres pour exprimer les inquiétudes sur l’avenir de l’humanité… Cela est parfaitement résumé par les derniers sons de la nature qui se bat contre le bruit électronique. Le récent « single » « Harpy » est le suivant et cette histoire macabre amène Kevin et Faith à se demander ce qui pourrait arriver de pire quand on retourne sur la scène d’un crime au milieu de riffs intenses.

Le poignant et puissant « In Black Covered » s’ouvre sur des cordes acoustiques et un débordement d’émotion au milieu de cordes parfaitement accordées – « Personnellement, je n’ai pas besoin de ça, à vrai dire, en ce moment. Dites les bons mots et vous êtes un génie, mais vous ne pouvez pas réparer mon voeu » (Personally I don’t need this, truth be told, right now. Say the right words and you’re a genius but you can’t fix my vow)– tandis que la « Unwinding Road », dépouillée, est à la fois pleine d’âme et sombre, et se termine comme un misérable Sufjan Stevens : « Une route sinueuse, tout ce que vous connaissez. Il y a des versions de moi, il y a des versions de toi » ( winding road, all you know. There are versions of me, there are versions of you). « Crazy Lamb » s’ouvre sur un rire qui rompt le chant (ce que nous aimons toujours entendre dans les enregistrements) avant que Kevin Allen ne prononce la phrase fatidique : « Throw away the Queen ». Puis il prévient : « Ils vont transformer ta peau en une toison d’or, et tu erreras sur le chemin du milieu du Seigneur » (They’ll turn your skin ino a golden fleece, then you’ll roam in the way of the middle of the Lord).

Écrit après une intense dispute avec sa femme, le titre de Kevin est sombre et réfléchi avec ses premiers mots : « Tu as à peine dit un mot depuis que tu t’es calmé. Retiens tes peurs, garde-les loin de moi » ( You hardly said a word since you quietened down. Hold back your fears, Keep them from me) et ensuite l’admission « Nous allons laisser entrer des vents froids dans notre maison » (We’ll let cold winds into our home ). Alors que « Faith » nous livre un chant façon « sha la las » tiré du « Baby It’s You » des Shirelles, écrite par Burt Bacharach, et où Allen « Qu’est-ce qu’ils en savent/ il est 16.39 » (‘What do they know?’/‘16.39)

clôt le disque avec une déclaration de « Je déteste ces sales mensonges » et « Bienvenue dans les ténèbres, célébrez les ténèbres, marchez dans les ténèbres » (Welcome to the darkness, celebrate the darkness, walk into the darkness), prononcées au milieu d’énormes riffs que The Twilight Sad ou The Jesus and Mary Chain seraient fiers de faire leurs, avant que le violoncelle, des tonalités douces et une musique de fond naturelle et ambiante ne viennent clore le disque et nous font penqer que, bien qu’il y ait de l’obscurité dans In Monochrome, vous aurez envie de l’embrasser.

***1/2


Guided By Voices: « Mirrored Aztec »

25 août 2020

Il faut concéder cela à Robert Pollard ; il ne s’arrête pas. Plus de 100 sorties entre Guided by Voices, des disques en solo et divers autres projets parallèles, et la plupart d’entre eux sont bons. Comment fait-il ? On peut se poser la question en écoutant Mirrored Aztec, le 30e disque de Guided by Voices et on s’émerveille de sa qualité. Il y a 18 chansons ici — toutes dans le style power-pop rock actuel de GVB de la fin des années 70 (Nick Lowe nous vient à l’esprit), avec une belle orchestration de cordes mellotron — et on ne peut que juger qu’environ la moitié d’entre elles sont de véritables gardiens du templs pop.

Au moins deux — « To Keep An Area » et « Thank You Jane » — ont le potentiel de figurer au panthéon de la dite église. D’une certaine manière, Pollard n’avait pas encore écrit de chanson intitulée « The Party Rages On », donc c’est là aussi. Est-ce que GBV ferait un meilleur album s’ils gardaient tous les « hits » pour un seul album par an ? Non ! C’est comme ça que fonctionne Pollard et on attend avec impatience l’annonce du prochain album, qui a peut-être eu lieu pendant que l’on écrit ceci.

****


Dent May: « Late Checkout »

25 août 2020

Abattu mais pas battu, Dent May prépare un album de soft rock joyeux/sadique merveilleusement délabré. Dent May a 35 ans, mais il a semblé avoir 41 ans pendant la plus grande partie de sa carrière. Il a fait de la pop mélancolique et grandiose dans le style des années 70, avec Harry Nilsson et Boz Scaggs à ses côtés. Ayant quitté le Mississippi pour Los Angeles en 2015, il a trouvé son habitat naturel sur l’émission Across the Multiverse en 2017, qui présentait de merveilleuses chansons déçues comme « Face Down in the Gutter of Your Love ». Trois ans plus tard, Dent ne semble pas plus heureux, mais il semble d’accord avec cela et a conçu un autre excellent album de pop des heures magiques charmantes et moroses.

En parlant de paraître plus âgé que lui, Dent envisage déjà la retraite domestique : « J’ai hâte de vieillir ici », chante-t-il sur « Bungalow Heaven », un monde où « je n’essaie pas d’être différent / je fais juste ce qui me plaît ». Si cela semble un peu déprimant, c’est le mode opératoire de Dent : « Je n’ai pas reçu l’invitation à la fête / Mais ça ne me dérange pas d’être seul ce soir » il chante sur « Didn’t Get the Invite » »contre un shuffle mid-tempo décontracté qui est typique de l’album.

Dent May est un personnage autodépréciateur par nature qui préfère contraster son humeur avec de la musique géniale et optimiste et votre plaisir de Late Checkout dépend probablement de votre goût pour le soft rock des années 70 combiné à des paroles de type malheur à moi qui visent à vous mettre sur la bonne voie mais qui peuvent vous faire penser « Confidence, Dent ! Confiance ! » Même si vous avez envie de le secouer pour le sortir de son funk, il est difficile de nier le talent qui se manifeste dans des chansons terriblement accrocheuses comme « Bless Your Heart », « Sea Salt and Caramel » et « Easier Said Than Done ». Les airs, réglés sur des bongos, des flûtes et des sections de cordes, sont fantastiques, mais j’espère que Dent trouvera bientôt la joie parmi les palmiers.

***1/2


No Joy: « Motherhood »

25 août 2020

Le disque le plus hybride du groupe montréalais à ce jour, mélangeant le milieu des années 90 (shoegaze, nu-metal et dance music) en un seul seau daylgo.

Jasamine White-Gluz nous raconte que son inspiration principale pour le nouvel album de No Joy, Motherhood, remonte à 1998. « J’étais au lycée et la musique semblait n’avoir aucune limite », dit-elle. « Quand vous regardez quels albums sont sortis entre 1997 et 1999, c’est assez fou. Les labels avaient encore de l’argent à consacrer aux albums, et les artistes prenaient des risques tant sur leurs albums que sur leurs visuels. Les chaînes de télévision musicales diffusaient encore des vidéos, et beaucoup de ces albums étaient accompagnés d’histoires visuelles incroyables. Il y avait un hybride entre l’électronique et le rock. Tout est en quelque sorte tombé dans un melting-pot expérimental, juste avant le millénaire, rempli d’anxiété mais aussi de calme. La nostalgie a ses limites, mais je voulais essayer de me souvenir de ce que c’était que d’entendre quelque chose comme Air à la radio/télévision grand public et de sentir mon cerveau d’adolescent exploser ».

Melting pot est un bon mot pour décrire la maternité, qui liquéfie shoegaze, nu-metal, trip hop, « electronica », you-name-it, en une explosion cérébrale trippée et dayglo. Et aussi : beaucoup, beaucoup de slap bass. Par exemple, « Four » s’ouvre sur une armée de guitares surmenées qui se rassemblent, patiemment, et qui construisent, construisent et construisent. La tension monte et on s’attend à ce que des tambours tonitruants viennent s’écraser, mais ils se transforment en un échantillon vocal plein d’âme et la chanson se transforme en un groove jazzy et décontracté qui aurait pu se trouver sur un disque de Kruder & Dorfmeister, avec le chant mielleux de Jasamine qui chante « Just keep callin’ me bab » » sur des arpégiations squelchy de style acid-house. Puis, quand vous êtes tout heureux, l’assaut des guitares de la rivière revient en force.

« Dream Ratz », qui met en scène la sœur de Jasamine, Alissa White-Gluz du groupe de death metal mélodique Arch Enemy, est peut-être la chose la plus heavy que No Joy ait jamais faite, tout en tissant des harmonies et des textures éthérées parmi les riffs écrasants, les grosses caisses et les voix dures. L’ensemble de Motherhood se joue de manière si fluide, ce qui en fait un disque sans précédent pour No Joy. Peut-être un disque que personne n’a jamais fait auparavant, un disque qui parvient à éviter la nostalgie grâce à une pure énergie du coup de fouet. Votre cerveau ne traite peut-être pas totalement ce qui se passe la première fois que vous l’entendez mais, sans aucun doute, c’est une explosion. Ce qui, pour No Joy, signifie probablement que la mission est accomplie.

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