This Valley Of Old Mountains: « This Valley Of Old Mountains »

29 août 2020

Les plus fervents parmi les fans de musique électronique ambient et minimaliste connaissent probablement le label 12k de New York. Il a été fondé en 1997 par Taylor Deupree, qui voulait réaliser sa vision d’une musique électronique organique avec une philosophie selon laquelle le public ne doit pas être mené par le bout du nez. Absence de promotion, pochettes épurées, univers sonores sereinement abstraits – au 12k, tout est pensé avec un objectif précis : laisser le champ libre à l’imagination de l’auditeur.

This Valley Of Old Mountains est le nom du duo que Deupree forme avec le musicien sud-américain Federico Durand, un des artistes qui sont dans son écurie depuis quelques années. Selon le site web du label, la musique de leur premier album en tandem est le folklore d’un pays imaginaire, un échange de sons racontant des histoires inspirées par les montagnes qui séparent les deux artistes. Le disque a en effet été conçu à distance, les deux créateurs vivant respectivement dans l’État de New York, aux États-Unis, et dans la province de Córdoba, en Argentine.

En écoutant l’album, il est facile d’imaginer les deux chercheurs de sons glanant des sons dans la nature. Vous pouvez entendre des bribes de chants d’oiseaux dans le bucolique « Honii », le morceau de musique au programme. Fermez les yeux, et vous pouvez visualiser les bulles dans lesquelles chacun des artisans a placé ces sons trafiqués, pour voyager d’un hémisphère à l’autre. Puis, une par une, ces bulles électroniques éclatent, et racontent leurs histoires sibyllines. This Valley Of Old Mountains est une merveille de délicatesse, un poème ambient si confortable qu’on ne saurait l’abandonner.

***1/2


Widowspeak: « Plum »

28 août 2020

Bien qu’il n’y n’ait rien de peu conventionnel dans Plum, le résultat final est sans doute le meilleur bilan de Widowspeak à ce jour. Si le cinquième disque de Robert Earl Thomas et Molly Hamilton sous le nom de Widowspeak n’est pas révolutionnaire, il ne doit pas être utilisé comme un un opus figé dans sa zone de confort ce qui est trop souvent le cas pour la multitude d’artistes qui canalisent l’écriture de leurs chansons par le biais d’une instrumentation la guitare est de rigueur.

L’innovation doit être tenue en haute estime, c’est certain. Mais il ne faut pas rejeter rapidement une bonne chanson si elle n’est pas assez présente. Elle ne doit pas non plus toujours rechercher de nouvelles significations dans nos structures sociales, économiques et politiques, et créer de nouvelles façons de les transmettre – elle naît souvent du seul désir de s’adresser à nos propres sentiments par ces chemins bien tracés auxquels nos oreilles se sont tellement habituées.

Plum – le titre du disque et la première piste – en est l’exemple parfait. Se promenant avec douceur et atmosphère sur la même vague mid-tempo de guitares légères que Kurt Vile a chevauchée sur Walking on a Pretty Day, la livraison scintillante d’Hamilton aborde son désir d’être plus à l’aise et plus décontractée avec des pensées qu’elle a tendance à éviter. « Je ne ressens rien, je me sens bête ; tu es une pêche et je suis une prune » ( feel nothing, I feel dumb; You’re a peach, and I’m a plum), dit Hamilton autour de la guitare solo aérienne de Earl Thomas.

La première moitié de l’album, qui ressemble beaucoup à un printemps au soleil, est parsemée de quatre « single »s souples, brillants et légers. Sur « The Good One »s, l’harmonie de falsetto du chœur de Hamilton restitue parfaitement le sentiment positif des paroles, tandis que sur « Breadwinner » – l’un des morceaux phares du disque – elle demande à l’autre moitié de se débarrasser de ses radotages de la même manière que l’aurait fait Hope Sandoval de Mazzy Star.

La seconde moitié laisse la pop la plus brillante derrière elle pour un virage plus sombre et plus lourd en réverbération. Des lignes de basse et de guitare malaisées ouvrent la voie à « Amy », offrant les refrains répétitifs et collants et les riffs cycliques d’un certain duo américain de dream-pop plus réussi. Le folk plus électronique de « Jeanie » est d’une beauté douloureuse tandis que « Y2K », le « closer », livre une ballade au piano qui incarne le sentiment général du disque : « Je pourrais économiser tout mon argent, je pourrais tout dépenser. Payer pour escalader une montagne, et tomber » (I could save all my money, I could spend it all. Pay to climb a mountain, and fall).

En terminant comme il a commencé, en s’accrochant à l’assurance et en roulant dans le doute, Widowspeak a produit un grand disque – et sans doute leur meilleur. Et ils l’ont fait avec beaucoup de voix feutrées, des guitares brumeuses et shoegaze et des rythmes directs – qui l’aurait cru ?

***1/2


Sarah Walk : « Another Me »

28 août 2020

Dans un acte de défi et d’appel aux armes contre le patriarcat, l’auteure-compositrice-interprète Sarah Walk, basée à Los Angeles, sort ici son deuxième album Another Me. Le message en est très clair ; comme elle l’explique : « Beaucoup de choses avaient été inexploitées dans mon écriture jusqu’à présent, dont beaucoup concernent des fardeaux que j’ai portés ou dont je me suis sentie responsable, ce qui, je crois, a beaucoup à voir avec le fait d’être une femme et une homosexuelle ». En s’attaquant à ces défis, le disque prend position pour les femmes (queer) du monde entier, en leur donnant une voix en s’exprimant sans détour. Qu’il s’agisse de marginalisation, de misogynie ou de vulnérabilité, Walk s’attaque à tous ces problèmes. Mais bien que fort et puissant sur le plan lyrique, Another Me est un opus étonnamment câlin Sur un fond de douces mélodies folk apaisantes et de délicates lignes de piano, la voix de Sarah brille comme un phare de lumière, attirant l’attention sur son lyrisme acéré :  « Rien ne m’a plus fait de mal que des hommes qui ont grandi sans conséquences, pourquoi est-ce mon travail de réparer ce gâchis ? » (Nothing’s hurt me more than men that grew up with no consequences, why is it my job to fix this mess ?) chante-t-elle sur le premier morceau « Unravel », parlant au nom de tous ceux qui ont déjà rencontré le privilège masculin. « Vous êtes toujours prêt à défendre, vous entendez ma préoccupation comme de la colère, personne ne veut d’une femme en colère » (You’re always ready to defend, you hear my concern as anger, an no-one wants an angry woman).

Sur le plan sonore, le disque alterne entre des sons pop chatoyants, infusés de synthés flous – comme « The Key » »qui fait vibrer d’un côté un aimant – et des arrangements de percussions complexes dans une atmosphère plus dépouillée de l’autre.  « Same Road » et « Crazy Still » sont deux des moments les plus marquants de l’album. Enveloppée dans sa marque de son immersive, Walk se met à pleurer en mettant l’amour dans son contexte. Mais là où « Same Road » est plein d’espoir et rassurant, avec des mélodies envoûtantes et un chant étincelant, « Crazy Still » est tout le contraire. La défaite et le chagrin s’écoulent à travers des lignes de piano sobres, tandis que des harmonies merveilleusement émotives ouvrent la voie vers la fin – « une partie de moi le comprend et une partie de moi se sent abandonnée », J’étais folle de t’aimer, je dois encore l’être » (part of me understands it and part of me feels abandoned. I was crazy to love you; I must be crazy still).

Dans son intégralité, Another Me est une suite impressionnante dà son premier dique, Little Black Book ; intégrant son son caractéristique de piano et l’amenant à un niveau supérieur avec des petits clins d’œil à un univers plus pop. Mais surtout, il ouvre les conversations et permet à Sarah de reprendre son récit : « C’est un album sur le fait d’être marginalisé, d’être une femme, d’apprendre à fixer des limites sans s’excuser et d’être confiante sans se sentir coupable. Apprendre à aimer totalement sans attente ».

***1/2


Paul Molloy : «  The Fifth Dandelion »

28 août 2020

Quelqu’un a probablement sollicité le journaliste musica Pete Frame célèbre pou ses Rock Family Trees parce que les diverses itérations psycho-pop groovy qui s’enchaînent st s’enchevêtrent à partir de The Coral d et autres combos de Liverpool. En plus de la majesté psychique tentaculaire des premiers cités, il y a Bill Ryder-Jones, qui a fui le nid et qui est parti souder une esthétique de guitare pavée à une conscience lyrique du nord-ouest, en écrivant des bandes sonores, en reprenant des éléments de base du piano ; Ian Skelly, dont nous avons approuvé le second LP country psycho ; et maintenant l’actuel tisseur de guitares de The Coral a fait ses débuts sous son propre nom, The Fifth Dandelion.

Oh, bien sûr, il a aussi un truc avec Ian McCulloch dans le rôle de Sgt Power. Et il a fait de la prison à la fin de sa carrière,et il a ouvert pour The Zutons. Et il était dans The Stands. Et Big House …

Vous voyez ce que je veux dire ? Mister Frame : passez commande pour de l’encre de dessinateur, et faites parvenir des cartes postales détaillant les liens profondément découverts à vos compagnons de voyage The La’s, Michael Head et The Stairs, et faites les vous adresser

En ce qui concerneThe Fifth Dandelion, il est parfois sage, contre toute attente, de juger un livre à sa couverture. Regardez cette magnifique bande dessinée psychologique multicolore, qui évoque la couleur et les merveilles de l’époque de Sgt Pepper ; les trésors perdus tels que le vrai Nirvana de Londres et sa pop orchestrale ç faire frémir les coeurs, Ths Story of Simon Simonpath, Love & Poetry par les injustementt méconnus nord-irlandais d’Andwella’s Dream

Oui, nous sommes à une époque où les mélodies étaient finement travaillées, en utilisant toutes les sonorités récemment réalisées qu’offrait la palette du studio ; cela nous ramenait à la tradition du music-hall anglais et en même temps nous permettait d’aller de l’avant, avec la couleur florissante de Carnaby Street, et de Deram Records, et l’été de l’amour. Une époque confiante, trop rapidement révolue, extrêmement créative, pleine d’originalité et de mélodie et de superbes chansons.

Le disque indique que The Fifth Dandelion a été une sorte de voyage, évoluant lentement sur une période de deux ans de tournées intenses, interrompues par la perte des deux parents. Ce qui est peut-être encore plus surprenant, c’est qu’il n’a pas suivi le chemin de ce premier album de Bon Iver et qu’il s’est plongé dans une réflexion brute, mais qu’il a plutôt livré une pop joyeuse et technicolore.

Déverrouillons la porte ; commençons la quête de cette fleur du début de l’été. On nous présente d’abord un petit aguicheur en forme de « Phantasmagoria », un thème accueillant, si vous voulez : des guitares en demi-ton à travers le sinistre motif du « Mars » de Holst, tandis que la voix de Molloy communique à moitié à travers une anesthésie d’écho et de chatoiement chaud de la guitare. C’est comme si vous vous réveilliez d’un rêve d’opium pour vous retrouver dans une édition psychologique de The Addams Family. En orbite. Seul. Réglez les commandes …

Heureusement, le suspense se dissipe en une seconde quand la sonnerie du réveil nous ramène dans ce monde, et nous nous glissons dans la chanson anglophone de « Dungaree Day » : une guitare pop ensoleillée avec des chœurs bah-bah-bah (et, soyons réalistes, ne sont-ils pas les meilleurs ?). 

C’est une véritable ruée vers la pop old-skool, dont Paul Molloy dit : « C’est arrivé très vite ; c’était très amusant et ça a fait un tabac d’écrire. Ma petite amie porte beaucoup de salopettes et c’était un truc improvisé, elle a ouvert son tiroir et a dit « c’est le jour des salopettes aujourd’hui » et ça m’a tout simplement fait penser à une chanson ».

Vous aurez droit à ce classique de la pop réifiée de Ray Davies-Steve Marriott avec une façon de trottiner percutante et effrontée, qui réveillerait un ancêtre oublié depuis longtemps . Il y aurait pu y avoir quelque chose à l’époque des skiffles sans ce satané National Service. Et est-ce que c’est un extrait d’ « IItchycoo Park » qui vient à l’esprit ? Est-ce le plus petit morceau de Plastic Ono Band ? ELO ? Suivez ce conseil, vous allez vous rendre fou. Maintanant taisons-nous et détendonsnous pour suivre ce magnifique psychopathe, référentiel et révérencieux qui est devant nous.

« My Madonna » est un air de nostalgie, la voix y est claire etharmonieuse sur la mélodie du piano alors qu’il offre sa vision d’une certaine beauté qui l’emmène « au sommet des étoiles / Sur une échelle crépusculaire » (up to the top of the stars / On a twilight ladde ). Molloy est un sacré chanteur à part entière, vous vous rendez compte. Il y a du whisky d’une fontaine cosmique tant elle est fine.

« The Return of Cherry Pie » a le même style de jeu que le groupe de cux qui se retouvent dans la nostalgie des Kinks période 66-67. Il se balance sur des cymbales croustillantes et un certain type de drame d’évier en noir et blanc ; de la brique noircie par la fumée et le dernier des trains à vapeur. Il nous donne un tremplin pour la lueur cosmique d’ »Andromùeda », une ère spatiale, une bête éthérée drapée de bruit avec des guitares masquées à l’envers et des bulles de synthétiseur cuisant savoureusement avec une section de cordes pour réunir 2020 et 2120 et l’été 1968 dans une glorieuse fusion. 

« Andromeda » et son successeur « From Venus to Pale Blue » forment ce magnifique petit one-two space-pop, dans lequel nos préoccupations sont groovy et astrales. Il y aura des foulards, il y aura peut-être du cachemire. C’est le genre d’écriture de chansons exploratoires sur le plan sonore dans lesquelles je peux me replier toute la journée. 

« The Swamp » passe sur tout Port Sunlight via The Big Easy, Paul Molloy s’est assis dans un voile de distorsion vocale pour une histoire déprimante du bayou qui a idéalement besoin d’un ensemble squelettique souriant pour exécuter un vaudeville macabre sur un film monochrome très rayé. Vos métatarses vont taper et vos omoplates, hausser les épaules.

« Hey Ho Jack of Diamonds » glisse sur la grâce des Bunnymen façon milieu de période et la fléchit pour en faire un conte de pirates. Il y a des cachettes dans des grottes, des poches vidées de leur argent et de leur or, des villes fantômes qui grouillent de monde. C’est un classique de la chanson à évocation de personnages, avec une coda théâtrale en pâmoison, qui s’accélère ensuite en double temps et en cuivres et réverbérations pour une mise à jour belle et soudaine de la pépite pop fringante et masquée de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Titch, « The Legend of Xanadu ». Oui. Oui, c’est une sacrée bonne chose.

 » »alad Days » semble juste un peu dériver vers le passé, a des grooms, une sorte de piano boogie légèrement bluesy, peut-être 71 ; « Ooh, tu ne m’écoutes pas / Quand je te parle », sérénade Molloy sur une atmosphère sonore qui est ancrée dans les traditions jumelles de cette veine de chansons très anglaises et cette combinaison d’une petite chansonnette ensoleillée qui couve un sentiment lyrique plus sombre.  

« Bring In The Night » est d’une beauté chantante et d’une sensualité veloutée à la guitare tremolo. C’est une chanson séduisante et mystérieuse, destinée à l’intrigue nocturne. Elle portera un costume de tuyau d’évacuation immaculé coupé à la fête ; elle cooptera immédiatement les jeunes gens brillants en mini-jupe sur Kensington.

Il se rapproche de l’album, « Talacre Lighthouse », qui projette sa lumière solitaire depuis cette petite boucle extérieure de la côte galloise. Il est bien frit dans un peu d’acide, le chant de Paul, profondément traité comme une mélodie de guitare acoustique, apporte un peu de brillance en haut.

Quand nous avons terminé, The Fifth Dandelion s’avère être un ensemble de pop psychédélique aussi bon que vous pouvez en trouver n’importe où. C’est la côte ouest, mais la côte ouest de Timebox, pas celle deJefferson Airplane ; Quelque part dans un univers parallèle, les copies de presque tous les titres de cette série sont très appréciées sur les blogs psychologiques et de la revue Record Collector, car les gens cherchent à savoir si Deram, Pye ou Major-Minor ont mal interprété un classique s’il faudra cracher centaines de billets pour s’en approcher, ou, finalement, qu’ils ont trouvé sur des compilations comme la série Piccadilly Sunshine, ou peut-être que vous aurez de la chance au magasin Probe Records (à Liverpool bien sûr).

****1/2


The Microphones: « Microphones in 2020 »

28 août 2020

A bien des égards, Microphones in 2020 ressemble à la démission de Phil Elvrum. Non pas de la musique, ni de la vie, ni de quoi que ce soit de ce genre – mais de l’idée qu’il arrivera un jour. La destination est inconnue de l’auditeur, ou même de Elvrum d’ailleurs, mais c’est le but. Toutes les choses sont en perpétuel mouvement ; la vie progresse à travers des microchangements chaotiques que nous pouvons à peine percevoir jusqu’à ce que nous nous retrouvions dans un endroit où nous n’étions pas auparavant ; pour lui, il s’agit de traverser entre Mont Erie,The Microphones et une série de souvenirs interconnectés. Il est à la fois impressionné et déconcerté par la façon dont le temps se courbe, et la seule chose qu’il puisse faire pour lui donner un sens est de retracer ses pas à travers ces souvenirs personnels très vivants – des voyages à la plage de son enfance : « Les vêtements de mon petit frère ont été mouillés par les vagues de l’hiver / Mes parents ont fait un feu de bois flotté enfumé et nous nous sommes blottis / Et il a enlevé ses vêtements mouillés et l’a tenu nu au-dessus des flammes » (My little brother’s clothes got wet from playing in the winter waves / My parents made a fire of smokey driftwood and we huddled in / And took his wet clothes off and held him naked above the flames), sa première expérience d’enregistrement de musique : «  Quand j’avais 17 ans / C’était en 1995 / J’ai mis le nom « Microphones » sur les bandes que je faisais tard le soir après le travail au magasin de disques » (When I was 17 / It was 1995 / I put the name ‘Microphones’ on the tapes I would make late at night after work at the record store), de tournée à l’étranger : « C’était début 2001 et j’avais presque 23 ans / J’avais fini d’enregistrer The Glow Pt. 2 / Et j’étais toujours en tournée ou en train de préparer une tournée / Toujours en train de courir, vorace, assoiffé » (It was early 2001 and I was almost 23 / I’d finished recording The Glow Pt. 2 / And I was always on tour or setting up a tour / Always running, voracious, thirst) – et les planter stratégiquement comme des bornes kilométriques. Pour Elvrum, le début ou la fin des choses n’a pas d’importance, car il croit que l’existence est fluide et entièrement illimitée : « Le véritable état de toutes choses est une chute d’eau / Sans fin de chute de fond / Et sans rebord pour s’effondrer. » (The true state of all things is a waterfall / With no bottom crashing end / And no ledge to plummet off). En tant que tel, il n’y a pas de fin de jeu ou de destination finale à laquelle il prévoit d’arriver – il se résigne à l’univers et à ses forces de balayage, un simple passager à travers le temps et l’espace. Sa façon d’affirmer son efficacité, ou d’attribuer une sorte de valeur à tout cela, est de faire la chronique du voyage. Dans Microphones in 2020, Elvrum raconte un collage de photographies vivantes, respirantes, exprimées en flux de conscience ; un mémoire qui se défait lentement et qui détaille tout son héritage musical en une seule chanson de quarante-cinq minutes.

Alors qu’une grande partie de Microphones in 2020 est centrée sur le passé, l’album est – plus que toute autre chose – une observation du changement. Elvrum utilise la nature pour illustrer comment le temps et la pression sont capables de modeler les humains comme un paysage de rivage : « Il pleuvait tellement fort… que j’ai regardé les dunes migrer lentement » (t was raining so hard…I watched the dunes migrate slowly). Il s’émerveille de la façon dont chaque seconde modifie le monde et sa perception de celui-ci avec des vers comme « Je suis plus vieux maintenant et je ne ressens plus la même chose / Que je ressentais il y a cinq secondes » et « Chaque moment est un nouvel édifice qui s’effondre » (I am older now and I no longer feel the same way / That I did even five seconds ago) et (Each moment is a new collapsing building.). Il semble rarement avoir peur de ces marées toujours changeantes, même lorsqu’il considère sa propre mortalité : « A tout moment, nous pouvons mourir / Et donc, avec urgence, je garde une bougie à mes côtés / Et je la regarde disparaître et briller. » (At any moment we could die / And so with urgency, I keep a candle by my side / And watch it disappear and glow). Bien que Microphones in 2020 soit une poésie sur le temps, l’existence et les inévitables transformations qui en découlent, les portraits qui comparent Phil dans sa jeunesse à ce qu’il est maintenant montrent en fait qu’il est toujours, à bien des égards, la même âme perdue, s’efforçant de donner un sens à l’insensé : « Je n’ai jamais pensé que je serais encore assis ici à 41 ans / Essayant de respirer calmement à travers les vagues… Mais rien n’a vraiment changé dans cet effort qui n’en finit pas » (I never used to think I’d still be sitting here at 41 / Trying to breathe calmly through the waves…But nothing’s really changed in this effort that never ends). À un autre moment, vers la fin du disque, il chante « I will never stop singing this song / It goes on forever » (I will never stop singing this song / It goes on forever)– et c’est un témoignage de la détermination intellectuelle d’Elvrum. La « chanson » n’est pas Microphone sin 2020, c’est une métaphore de sa recherche sans fin de réponses aux plus grandes questions de la vie. Alors que son corps vieillit et que la Terre se déplace sous ses pieds, il reste concentré – fixé – sur l’écriture et le chant de tout ce qu’il ne peut pas expliquer.

Le point d’intersection entre les souvenirs personnels d’ Elvrum et ses révélations existentielles est la musique. Une grande partie de son travail récent publié sous le nom de Mount Eerie était instrumentalement squelettique et s’appuyait entièrement sur la poésie d’Elvrum pour amener l’auditeur à la catharsis ; ici, il y a un poids supplémentaire derrière la musique qui justifie que Microphones in 2020 soit un opus autobiographique de sa propre personne. Les quelques premières minutes comportent des accords acoustiques qui sont d’une répétitivité déconcertante (et pas si différente du rythme laborieux de « A Crow Looked At Me »), mais finalement la chanson/album plonge dans la distorsion et la statique, faisant coïncider parfaitement ce changement de tempo avec l’impact de la phrase d’Evrum: « J’ai décidé d’essayer de faire de la musique qui contient cette paix plus profonde / Enterrée sous des basses distordues » (I decided I would try to make music that contained this deeper peace / Buried underneath distorted bass). C’est à ce moment que la conscience de soi du projet devient très claire – une observation renforcée lorsque la chanson se transforme soudainement en riffs de guitare électrique épars et disjoints au moment même où il murmure : « J’ai vu Stereolab à Bellingham et ils ont joué un accord pendant quinze minutes / Quelque chose en moi a changé ». Même si Elvrum a déjà dépassé « Crow»et « Now Only » sur le plan sonore, il accentue encore la chanson avec des pianos classiques qui entrent et sortent de la section centrale de la chomposition ajoutant un coup de pinceau d’élégance nécessaire à une affaire par ailleurs discordante. L’intensité et la diversité de l’atmosphère permettent à Microphones in 2020 de soutenir les souvenirs de Phil Evrum, ses réflexions intergalactiques et tout ce qui se trouve entre les deux. C’est un succès retentissant.

Alors qu’il reste un peu plus de cinq minutes dans Microphones in 2020, Phil Elvrum chante « le moment présent brûle » (the present moment burns) au sommet d’une rare harmonie vocale en couches. Si cet album est censé être une sorte de mémoire pour lui – où il se souvient d’événements passés et pense à voix haute afin de rationaliser le présent – alors le présent le voit plongé dans une autre photo pour un futur collage. Comment écrira-t-il sur Microphones dans les décennies à venir, en 2020 ? Ses vers d’adieu sont « s’il doit y avoir des mots, ils pourraient être « seulement maintenant » et « il n’y a pas de fin » » (“if there have to be words, they could just be ‘now only’ and ‘there’s no end’) une conclusion qui n’est pas aussi ambiguë qu’il n’y paraît. Ces deux vers sont des allusions à des motifs communs dans son œuvre, le second étant cité à de multiples reprises tout au long de sa carrière (notamment dans The Glow Pt. 2) et le premier « now only » (également le titre de son disque Mount Eerie de 2018) étant intentionnellement juxtaposé à celui-ci. Le positionnement de ces paroles est intentionnel, et vise à attirer l’attention sur la contradiction qui se produit tout au long de Microphones in 2020 : nous sommes et ne sommes pas tous les deux nos moi passés. C’est pourquoi le présent est une période si intrigante et déroutante – nous n’avons ni le luxe du recul ni la connaissance de l’avenir. Nous sommes ce que nous sommes à cette seconde exacte et précise, et c’est inéluctable jusqu’à… eh bien, maintenant. C’est pourquoi Microphones in 2020 donne l’impression qu’Elvrum se résigne – il est submergé par la possibilité d’un changement infini. C’est pourquoi il essaie de mettre toute sa vie en perspective, et pourquoi il n’a aucune idée de ce qu’il faut faire à partir de là. En 2020, les microphones appuient sur le bouton pause pour que Phil Evrum puisse réfléchir et reprendre son souffle, et en cela, il y a une certaine paix à trouver.

****1/2


Tim Bowness : « Late Night Laments »

26 août 2020

Tim Bowness présente ici une collection éthérée de nouvelles chansons qui, malgré le cadre tranquille, ont un noyau dur et dérangeant. Le profil de notre auteur-compositeur a été très chargé par le passé. Non seulement il a sorti un album avec Peter Chilvers et un disque avec Steven Wilson, mais il s’est aussi occupé des podcasts de The Album Years (également avec M. Wilson) et a eu le temps d’enrichir son catalogue solo.

Pour un musicien qui prend le temps de satisfaire son haut degré de perfectionnisme, Late Night Laments a évolué étonnamment rapidement. Il n’est donc peut-être pas surprenant que l’album soit relativement dépouillé mais que Bowness soit instantanément reconnaissable. Des arrangements frais et rayonnants cachent une noirceur lyrique.

Musicalement, le son vibraphone/marimba du batteur Tom Atherton, dont le travail de jour est rendu obsolète dans la palette musicale, prédomine. Pas besoin des roulements et des culbutes qui marquent « The Warm Up Man Foreve »r ou de l’intensité des bruits sourds de « The Great Electric Teenage Dream ». Late Night Lament est un opus sur la délicate guitare glissando, les atmosphères de Barbieri et le mystérieux dianatron.

Le climat général est étrangement calme. Bien sûr, la présence de Steven Wilson plane sur le mixage, mais la contribution la plus révélatrice est le solo en spirale de Kavus Torabi sur l’onirique « I’m Better Now », une chanson où le personnage semble avoir accepté ses démons et étouffé ses sentiments intérieurs.

En travaillant avec le partenaire de longue date de Plenty, Brian Hulse, le duo a percé le secret de la combinaison d’une musique luxuriante et séduisante avec une série de thèmes sombres et inquiétants. Collez une un marque-pages dans le livre de paroles et vous trouverez appal à la tendresse comme pour remettre sur le droit chemin comportements déviants et âmes troublées.

D’ailleurs, sur le plan des textes,les thèmes de l‘album vont inclure les clivages générationnels l’exclusion sociale, et l’histoire vraie d’un auteur d’enfants très apprécié et sa descente dans la folie.

Malgré tout l’isolement, le regard mélancolique et le sentiment de perte, on n’utilise guère d’instrument pour exprimer sa colère. Les concoctions intimes qui vous font retenir votre souffle sont presque un retour à ce que Nick Drake pourrait faire de nos jours. Le tout est agrémenté de la merveilleuse imagerie artistique de Jarrod Gosling, un personnage immergé dans une bulle de réflexion, qui dévoile les trésors des ruminations de Tim Bowness.

Il a le don de vous séduire avec une douceur sous laquelle se cache ce qui pourrait être à la fois inconfortable et intensément émouvant – surtout si le thème est pertinent sur le plan personnel. « I thought that I was empty and empty I’d remain » pourrait être la ligne clé de l’album sur « One Last Call » mais ce n’est pas une surprise car Late Night Lament est totalement absorbant et fait réfléchir. Ce pourrait être l’écoute facile la plus intense que vous ayez eue depuis longtemps. Un album fait pour que vous vous installiez dans votre fauteuil confortable, que vous tiriez les rideaux et que vous vous perdiez dans votre propre monde.

***1/2


H.C. McEntire: « Eno Axis »

26 août 2020

Le nouveau disque de H.C. McEntire, Eno Axis, commence, non pas avec les guitares country de ses débuts, l’excellent Lionheart datant de 2018, mais avec les douces pulsations d’un orgue à tuyaux. Et ici, l’orgue est accompagné non pas d’une guitare acoustique (choix trop évident) mais du chant chargé de lamentation de McEntire et de ce chant seul. C’est un détail dévastateur qui dément la dette de McEntire envers le gospel (ses parents étaient des évangélistes travaillant en tandem avec Billy Graham). Si l’enchaînement de l’ouverture est un révélateur de la direction du disque, c’est que McEntire puise dans son sac de malices pour déployer quelque chose de moins attendu – et moins fidèle au genre – que les ballades country chantées avec une voix caractéristique. Au fil de dix morceaux béatifiques, McEntire, qui a déjà fait fi des conventions, lance à maintes reprises des balles courbes à l’auditeur qui s’attend à des plats de country organiques. Le résultat est une collection assez fascinante de spirituals soul, produits avec amour.

McEntire tire beaucoup de profit de la réverbération luisante et de la lenteur de la pédale d’acier sur Eno Axis, ce qui donne à des chansons comme « High Rise », d’une complexité trompeuse, ou « Hands for the Harvest », une sorte de qualité pensive, voire parfois lugubre. La clé de voûte de cette ancienne chanson doit être la slide électrique faisant fi du goulot d’étranglement magnifiquement enregistré sonne comme un harmonica. Sur le riche « One Eye Open », probablement l’un des meilleurs morceaux du disque, il est même difficile de dire où s’arrête la pedal steel et où commencent les notes de guitare électrique ; la production est aussi nuancée et aussi atmosphérique. Sur « Sunday Morning », McEntire utilise des techniques de diffusion similaires, cette fois-ci en brouillant les cordes de la guitare électrique et acoustique avec ce qui pourrait être, loin en arrière-plan, une touche de piano.

Mais ce disque est loin d’être un disque mûr avec des artifices d’enregistrement, mais léger sur le plan du contenu. Regardez « Time, On Fire », qui est une pépite pop-country bizarrement captivante qui, d’une certaine manière, ne dure que trois minutes. Ici, McEntire laisse la guitare acoustique glisser à la surface, mais elle est renforcée par des couches de guitares électriques à l’écho, une basse électrique rebondissante, mixte et juste à droite, et même un backbeat traînant. La dernière minute est impeccable, sans aucune note ou réverbération déplacée, mais se présentant toujours comme chaleureuse et instinctive. Ailleurs, par exemple sur « Final Bow », dont le rythme assez lent doit, assez curieusement, une partie de sa tonalité à Tom Petty, l’écriture des chansons brille. Ici encore, cependant, la voix de McEntire est fortement traitée avec des nuances de réverbération ; elle confère une certaine stagnation au matériel qui l’éloigne des racines de l’auteur-compositeur-interprète des Heartbrakers.

Eno Axis s’achève sur le titre bien connu de McEntire, un « Houses of the Holy » dont les détails – un Hammond bourdonnant, un solo de guitare soul rock au tempo régulier – doivent plus à des artistes comme Jolie Holland qu’à tout crooner country conventionnel. Dans compter la production de Mount Moriah), il sera difficile de dire si le nouveau LP est une apothéose ou simplement une façon de secouer le processus. Quoi qu’il en soit, c’est un axe qui vaut la peine d’être parcouru.

***1/2


Channelers: « Isles Beyond »

26 août 2020

Ceci est un album mais aussi, un vidéoclip, celui de « Dissolving Image / Moving Through My Second Self » est un film 16 mm au ralenti, tourné et monté par Lawrence Martinez, qui explore les mystères des structures mégalithiques, des sites de ruines, des paysages et des phénomènes optiques. Il a été filmé sur une période de trois mois en Europe, en Afrique du Nord et au Canada. Le film est une ode méditative aux civilisations disparues de la Terre, sur les sons dévotionnels de Isles Beyond de Channelers.

L’album a débuté en décembre 2016, alors que l’on enregistrait les improvisations dévotionnelles de longue durée qui sont devenues les Faces of Love en 2017. Le premier morceau enregistré était un solo de piano joyeux et vagabond appelé « Isles Beyond », suivi d’autrestitres qui se sont intégrés à l’album Faces of Love. La cassette avec le morceau « Isles Beyond » est restée sur l’étagère pendant un certain temps, tout en expérimentant d’autres chemins vers une expression personnelle de sons et de compositions dévotionnelles.

Les morceaux qui composent l’album Isles Beyond ont souvent pris racine dans une couche d’improvisation fondamentale, avec des titres plus délibérés doublés pour résonner avec la prise originale et en amplifier le caractère. Ce sont des expressions imparfaites et des explorations de joie, d’extase, de sérénité, de contemplation, de réflexion et de désir. L’improvisation est un cheminement et un outil permettant d’explorer et de révéler le monde intérieur. Elle est guidée par l’envie de découvrir et d’expérimenter personnellement la pulsation de ce moment précis et d’évoquer un son en résonance avec cette pulsation.

L’arrangement de l’album est principalement composé d’instruments acoustiques, avec quelques instruments électriques repérés un peu partout : dulcimer, piano, guitares, mandoline, harmonium, low Irish whistle, penny whistle, guitare basse, Fender Rhodes et Juno 60. Enregistré sur une cassette Tascam 488 MKII 8 pistes, voilà un opus organique à découvrir et redécouvrir.

***1/2


Vestals: « Holy Origin »

26 août 2020

Vestals c’est Lisa McGee, une artiste de Los Angels. Huit années se sont écoulées depuis la sortie de son premier album, Forever Falling Toward the Sky, et, depuis, elle a été active sur la scène musicale underground américaine, apparaissant en tant que membre du duo Higuma et apportant sa contribution vocale aux albums de Jefre Cantu Ledesma et Sarah Davachi.

Holy Origin est son deuxième album, et il justifie pleinemant l’attente qu’il a suscité. Mettant davantage l’accent sur le traitement électronique, les rythmes lents et enfumés et les arrangements hypnotiques de Holy Origin sont, en effet, tout à fait dans l’air du temps. L’expérimentation est un aspect essentiel de son approche sonique et de son art de la chanson, et sa musique inspirée par la dream-pop ne connaît pas de limites. Les mélodies synthétiques poussent comme des feuilles luminescentes, fuient les néons et réverbèrent partout où elles passent. Pour McGee, un son de rêve est le fondement de sa musique, et elle se montre libre d’aller toujours plus loin sur ledit Holy Origins. Sa musique hypnotique et sombrement exotique a des couches profondes, comme le feuillage dense d’une jungle.

Les synthétiseurs, l’électronique pulsée et les rythmes tribaux de Holy Origin sont associés à une voix réfléchie et curieuse, qui semble légèrement éloignée de la réalité. Le chant peut provenir d’une IA, d’une Alexa ou d’une Cortana, inconsciente de sa vie simulée, et ces éléments constituent l’épine dorsale du disque, entraînant la musique avec un élan lent et régulier. Sa voix est maintenue sous contrôle, elle ne crie jamais et n’a jamais à se laisser emporter par les événements, mais elle est d’une intensité tranquille, elle regarde attentivement ses émotions pour d’abord diagnostiquer et ensuite rincer toute saleté potentielle.

Son monde numérique est couvert de réverbérations et de retards, mais il ne semble jamais robotisé ou préprogrammé. Certains des rythmes stroboscopiques et des mélodies étincelantes sont souples, ouverts, et affichent une touche humaine, supplantant les cubes numériques stériles et les pixels sans émotion. Lumineux et luxuriant, McGee crée un monde tropical et nocturne composé de méditations de type transe et de mélodies nébuleuses et entrelacées. Sa voix trace une toile et relie tous les éléments principaux, ses paroles sautant puis s’accrochant à la note suivante, s’écoulant de l’une à l’autre avec une substance syllabique collante suintant de la musique, qui se trouve à la frontière du sommeil, chaque mélodie rendant un rêve. Sa voix se glisse dans le tissu électronique, se glissant sur une base numérique et servant de liquide de refroidissement pour le système de la musique. Les rythmes vaporeux et les synthés syncopés se fondent ensemble, mais l’atmosphère brumeuse de l’opus est irréelle ; un rêve, une fabrication. Comme si l’on mettait un casque de réalité virtuelle et que l’on se transportait dans un autre monde, Holy Origin est une courbure de la réalité, un pixel mort occasionnel ou un second pépin dans la matrice suggérant un paradis illusoire.

****


Neck Deep : « All Distortions Are Intentional »

26 août 2020

Il y a presque exactement trois ans, Neck Deep avait retourné le scénario avec un album à succès, The Peace and the Panic, il est maintenant de retour pour aller de l’avant avec All Distortions Are Intentional. Tournant une page par rapport aux sons mélodiques et pop de The Peace and the Panic, All Distortions Are Intentional montre que le groupe ne se contente pas de développer encore plus son son déjà bien établi, mais sort aussi de sa zone de confort sur le plan lyrique et thématique. Alors que le travail précédent du groupe se concentrait sur les « singles », All Distortions Are Intentional est un concept album clair, suivant l’histoire d’un personnage principal nommé Jett, qui se sent déconnecté et désillusionné jusqu’à ce qu’il rencontre son amour, Alice. Jett tombe donc amoureux et lutte pour trouver sa propre identité, un sens et un but dans la vie, ce qui en fait la sortie la plus intéressante du groupe à ce jour sur le plan thématique.

Le premier morceau épique, « Sonderland », ouvre l’album et sert de sonorité parfaite non seulement pour les chansons qui suivent, mais aussi pour l’histoire elle-même. Très énergique, accrocheur comme l’enfer et incroyablement chaleureux et lumineux, « Sonderland » se fond facilement dans « Fall » et « Lowlife », qui approfondissent la thématique de l’amour dans le disque an incarnant parfaitement la rencontre avec quelqu’un et la chute rapide qui va s’ensuivre.

En effet, All Distortions Are Intentional ne parle pas seulement de tomber amoureux. Des titres comme « Telling Stories » et « Sick Joke », par exemple, sont parmi les morceaux les plus racontables de l’album, le premier en évoquant des sentiments de désenchantement tandis que l’hymne « Sick Joke » fera certainement écho à tout ce qui se passe dans le monde en ce moment. La chanson d’amour suivante, « What Took You So Long ? », offre un contraste parfait avec la frustration de « Sick Joke » et contient des phrases de type « Je n’étais pas moi avant de te découvrir » ou « J’ai trouvé un peu de bonheur dans ce que nous signifions » (I was not me until I discovered you, I found some bliss in our significance). L’avant-dernière chanson de l’album, « I Revolve (Around You) », sera, à cet égard, dans la même veine.

En raison de son thème général, All Distortions Are Intentional s’ecoute avec fluidité. Du début à la fin, l’album ressemble vraiment à une histoire, ce qui rend le rendu agréable et facile. Avec des accroches addictives, des refrains mémorables, un lyrisme incroyablement vulnérable et une intrigue racontable, All Distortions Are Intentional a tout ce qui fait un presque grand album. Presque car il  lui manque de quelque chose, un morceau-phare par exemple,  qui emporte le tout

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