Fontaines D.C.: « A Hero’s Death »

30 juillet 2020

En l’espace de quatorze mois, Fontaines D.C. est passé de spectacle génial offrant sueur et décibels au Good Mixer à la Brixton Academy, qui a fait salle comble. L’ascension explosive du groupe vers le sommet a été puissante, instantanée et mouvementée, et un parcours si nourri par l’action semblait toujours destiné à influencer ce qui a suivi.

Réagissant au défi de se soutenir autant que l’expression individuelle, A Hero’s Death représente la réaction du groupe à l’intensité de la vie sur la route et à la gestion des attentes des autres.

Le premier titre, « Dogrel » fait écho à l’énergie de leurs premiers concerts et décrit Dublin. Transportant l’auditeur vers des lieux et des sites spécifiques, l’inclusion de points de référence locaux a formé un reportage poétique de leur ville natale, tandis que l’utilisation de commentaires critiques a abordé des sujets comme le capitalisme et le consumérisme à travers les paroles.

Grossier et dépouillé, le second LP marque une sortie saisissante du style d’écriture plus léger et plus extériorisé qui est maintenant échangé contre une forme d’expression d’angoisse intériorisée. Impressionnistes mais convaincantes, les chansons sont introspectives et font preuve d’ingéniosité et de profondeur lyrique.

Plongeant dans la psyché du groupe, la séduisante chanson d’ouverture « I Don’t Belong » s’attaque à l’isolement et laisse fusionner des rythmes persistants. Parfaite initiation, elle souligne le thème général. L’amour est la chose principale » se situe dans la même veine, son intensité hypnotique et ses percussions distinctes se mêlent à la parole.

Des lignes de basse euphoniques et de subtiles tonalités de guitare se mêlent sur « Televised Mind » tandis que des sonorités surréalistes prennent le dessus sur « A Lucid Dream », un morceau de force volcanique. Le sentiment de « You Said » offre un instant de séduction avant que ne commencent les images nostalgiques et idéalisées et les lignes de guitare de Johnny Marr qui ressemblent à celles de « Oh Such A Spring ».

Avec une énergie qui rappelle celle de « Hurricane Laughte » » et de « Boys In the Better Land », la chanson-titre offrira un moment vibrant, où se mêlent des notes de sarcasme. Mais « You need not be / Born wealthy / If you care / You’re the heir » est un extrait tiré de « Living In America », où l’ambiance change au fur et à mesure que la tristesse industrielle de type Suicide s’attarde et crée de puissantes sonorités.

Ailleurs, le moment mélodique façon Beach Boys sur « I Was Not Born » offre une sorte de contraste. « Je ne suis pas né dans ce monde pour obéir aux ordres d’un autre homme » (I was not born/into this world/to do another man’s bidding), insiste le frontman Grian Chatten avant que l’ambiance brumeuse et feutrée de « Sunn » » ne devienne agréablement désorientante.

Subversif, anticonformiste et mélodieux, ce disque a les qualités d’un album de rock and roll classique. La décision d’adopter une approche radicale ne fonctionne que pour quelques-uns, la possession des munitions nécessaires pour maîtriser un tel défi n’est pas pour tout le monde. Fontaines D.C. l’ont, et il semble qu’ils ne font qu’effleurer la surface de ce qui est encore à venir…

***1/2


Choir Boy: « Gathering Swans »

30 juillet 2020

Gathering Swans est le deuxième album de Choir Boy après Passive with Desire, oùnous avons eu la chance de découvrir le talent d’Adam Klopp et sa voix distincte, à savoir un mélange détonant de Kate Bush mêlé à Liz Frasier.

Sur le nouveau disque, les autres membres du groupe brillent comme toujours, notamment le jeu de basse de Chaz Costello. C’est une force de base dans chaque chanson qui présente non seulement une fondation mais aussi une force motrice.  Klopp et Costello font tous deux partie d’un autre groupe électronique et gothique étonnant, Human Leather.

Le nouveau disque démarre avec « It’s Over ». Il commence dans une atmosphère typique de Choir Boy, mais le nouveau son pop prend ensuite le dessus, ce qui non seulement accentue la chanson mais la fait monter en puissance.

« Toxic Eye », avec ses cuivres et ses voix superposées, sonne si bien et est à nouveau très édifiant. La voix de Klopp est surdoublée et son timbre a une telle portée qu’il est tout à fait différent.

La principale caractéristique de cet album se trouve sur « Complainer », avec sa guitare façon Johnny Marr, mais avec toutes ces autres esthétiques sui seraient celles véhiculées par des enfants de chœur ; elle est tout simplement parfaite. C’est un morceau qui se démarque et qui pourrait être un « single » de l’année. Son thème, qui se moque des chansons tristes dont ils sont eux-mêmes experts tout en utilisant les progressions d’accords de Smiths, est brillant.

Dans l’ensemble, ces chansons ne sont pas aussi lourdes que celles figurant sur Passive With Desire, et, ce but atteint, il permet de revisiter les horreurs de la tristesse de manière révolutionnaire etauto-suffisante. Sur ce plan « Eat the Frog » sera un chef-d’œuvre pop et aussi un autre pas dans cette autre direction musicale de Choir Boy. Gathering Swans est un opus sans compromis, beau, punk, gothique, angélique et tout simplement rafraîchissant.

****


Taylor Swift: « Folklore »

29 juillet 2020

Tout au long de sa carrière, Taylor Swift a respecté un cycle strict de deux ans pour la sortie de ses albums. Son dernier, Folklore, est le premier à briser ce cycle. Annoncé un jour et sorti le lendemain, ce cycle rapide semblait approprié pour un monde qui a été jeté dans une réalité alternative inconnue et intimidante. 

Dans un post sur Instagram Swift, elle écrit : « Avant cette année, j’aurais probablement trop réfléchi au moment où il fallait sortir cette musique au moment « parfait », mais l’époque dans laquelle nous vivons me rappelle sans cesse que rien n’est garanti. Mon instinct me dit que si vous faites quelque chose que vous aimez, vous devriez simplement le mettre au monde ». L’isolement de l’enfermement a permis à beaucoup de gens de réévaluer leurs priorités et d’explorer des débouchés créatifs sans être dérangés par les distractions de la vie ordinaire. Comme tout le monde, Swift n’a pas été à l’abri de ce réajustement de style de vie, et avec cette libération, il semble clair qu’elle a pu prendre du recul et se prélasser dans l’intimité, et cela a permis de couronner sa carrière.

Le folklore baigne dans cette paix retrouvée, avec 16 titres délicats et obsédants qui obligent à reconsidérer Swift. Si la star de la pop country n’est pas étrangère aux albums qui redéfinissent les genres, aucun ne l’a fait avec autant de douceur et de fluidité que son huitième effort. Sa sortie opportune offre aux auditeurs une couverture de confort de délicat indie-folk avec une légère dentelle de la pop de Swift. Le morceau d’ouverture « the 1 » plante le décor de l’album avec un doux mélange des genres. Il s’agit d’une réintroduction de Swift en tant qu’artiste plus mature, qui a achevé son évolution d’une jeune starlette de la country-pop à un auteur-compositeur-interprète sûr de lui. 

Les collaborations de Swift sur l’album sont tout aussi peu conventionnelles. Aaron Dessner du groupe indépendant The National a produit l’album, le qualifiant de magique, et Justin Vernon de Bon Iver apparaît sur le spectre de « l’exil ». Leurs influences sont évidentes tout au long de l’album, particulièrement perceptibles sur les morceaux « cardigan », « peace », et en particulier « seven » qui est un exemple remarquable de l’étreinte de Swift sur le folk américain qui fait rêver d’une randonnée dans les bois et du calme d’un porche de cabane.  

Le folklore dépasse largement les attentes et redéfinit son créateur. C’est le genre d’album qui devrait être consommé avec tout le soin et l’appréciation d’un paquet de papier brun de biscuits aux pépites de chocolat faits maison. Dans une période d’incertitude et de conflits, Swift a créé un album parfait pour les moments difficiles, qui évoque sans effort des images de partage d’histoires de feu de camp et de l’assise sous un ciel laiteux éclairé par les étoiles, ce dont nous avons tous eu envie pendant que nous étions enfermés à l’intérieur.

***1/2


CMON: « Confusing Mix Of Nations »

29 juillet 2020

Bien qu’ils viennent de sortir leur premier album, le duo CMON n’est pas un nouveau venu sur la scène musicale. Auparavant, deux morceaux du groupe de rock alternatif Regal Degal, Josh Da Costa et Jamen Whitelock, étaient connus pour leur esthétique rock psychédélique insaisissable et en constante évolution. Costa et Whitelock transmettent à CMON la même palette musicale et le même esprit ludique. Leur premier album, Confusing Mix of Nations, marie des éléments nostalgiques et futuristes, donnant naissance à une œuvre unique et passionnante.

CMON utilise au maximum les guitares et le chant spatiaux familiers, tout en accentuant leur composition par des choix de production audacieux et accrocheurs. Sur le morceau d’ouverture de l’album, « Coo », les synthés inspirés par la réverbération des années 80 s’associent à la batterie pour créer un groove hypnotique. Si le groove est impressionnant en soi, la chanson est plus intéressante lorsque le groove est interrompu par les bruits industriels inattendus de la section breakdown.

« Zoo » montre également cet esprit. Cette chanson pop atmosphérique et nostalgique utilise avec goût les ruptures dans ses motifs mélodiques pour jouer avec une intensité subtile. Le titre infectieux « Mindboggling » montre leurs talents de producteurs dans ce savoureux mélange de pop beat direct et de mélodies vocales douces avec des synthés abrasifs et des cris frustrés. La capacité de CMON à mettre en place des motifs répétitifs accrocheurs et leur tendance à perturber ces répétitions, et donc les attentes, font que les compositions sont incroyablement engageantes.

Ce motif de répétition/perturbation n’est que la surface du sens aigu de la composition de CMON. Au fond, les points forts de Confusing Mix of Nations sont réussis parce qu’ils sont ludiques, audacieux et avant-gardistes. « Celluloid » illustre cet esprit. Alors qu’il existe d’innombrables groupes qui s’accrocheraient fermement au beat énergique et aux guitares spatiales du morceau pendant toute la durée de leur album, CMON décide de ne pas ennuyer les auditeurs, et cela les distingue.

Incarnant des techniques issues de l’expérience du duo en live, la section breakdown contient des échantillons vocaux déformés et hachés qui dansent avec les percussions imaginatives et cliquantes pour faire un refrain désorientant mais accrocheur et futuriste. Dans « Base », la ligne vocale intentionnellement monotone et robotisée joue le rôle de second plan sur les tambours et les synthés qui attirent l’attention, ne revendiquant le devant de la scène que vers la fin lorsqu’elle est agrémentée d’audacieuses harmonies métalliques. Chaque fragment mélodique de « Base » tient son propre poids, mais s’assemble également pour créer une fugue attachante.

Si Da Costa et Whitelock ne sont pas des étrangers pour les fans de musique, leur premier effort en tant que CMON, à savoir Confusing Mix Of Nations, vient comme une bouffée d’air frais. L’album combine des instrumentations nostalgiques avec des choix de production futuristes tout comme il mélange des éléments psychédéliques familiers aux fans de Regal Degal avec des grooves serrés et orientés vers la pop. Confusing Mix Of Nations établit CMON comme un groupe à suivre dans le monde de la pop alternative.

***1/2


Seasick Steve: « Love & Peace »

29 juillet 2020

Love and Peace sera le dixième album studio de Seasick Steve, et le vétéran du blues continue sur sa lancée. On pourrait dire que la production d’albums de blues est devenue sa raison d’être.

La chanson titre commence avec une étrange distorsion vocale et un écho lorsque Steve nous interpelle : « Hé mec, quel est le problème ici ?  (Hey man, what’s the issue here?)  Mais un authentique riff country fait bientôt son apparition. « Il faut arrêter la haine maintenant, revenir à l’amour et à la paix », chante-t-il ( Got to stop the hatred now, get back to love and peace). Le morceau est un hymne nous demandant de regarder comment nous nous traitons les uns les autres, demandant un peu plus de gentillesse et de compassion. C’est aussi une ode aux hymnes de paix dorés des années 60.

En posant ses instruments électriques pour le morceau acoustique hypnotique « Carni Days », Steve joue de la guitare slide en solo et brosse un tableau d’une époque de l’Americana longtemps perdue. « Tôt le matin, il y a de la rosée sur l’herbe », chante-t-il en plantant le décor d’un carnaval qui arrive en ville (Early in the morning, there’s dew on the grass).

« Clock Is Running » montrera parfaitement comment un morceau de musique n’a pas besoin d’être complexe pour être apprécié. La beauté est dans sa simplicité. Il met en scène ses riffs bluesy, ses solos de guitare lo-fi et ses percussions qui s’écrasent, et est une ode à la vie dans l’instant. Il se qualifie lui-même de « walkin’ man », un titre qu’il a souvent été fier de porter.

Le « single » explosif « Church of Me » est un autre morceau qui se démarque ; une ode grésillante à suivre son chemin, plutôt qu’à s’installer dans l’amour. Il se construit lentement, avant que le riche harmonica ne le transforme en rock bluesy.

Seasick Steve apporte sa bonté bluesy-soupy habituelle à l’album, une recette mixte d’américana rootsy, de rock classique et de folk twangy, qui se passe toujours bien.  Seasick Steve a beau être détenteur d’une formule, c’est une formule qu’il a réussi. Bien que de nombreux morceaux de Love and Peace ne se démarquent pas de sa discographie, il offre certainement quelques joyaux et un goût authentique de nostalgie des années soixante.

***


Creeper: « Sex, Death & the Infinite Void »

29 juillet 2020

Dans cette fable cathartique, Creeper élève monumentalement son approche sonique et éclipse même son premier album de 2017, Eternity, In Your Arms. Le groupe énigmatique a délibérément laissé tous ses talents fusionner et se fondre pour créer un récit captivant sur ce Sex, Death & the Infinite Void, un récit dont l’intrigue s’épaissit et où l’obscurité échappe à la lumière. Infatigables dans leur prestation, ils parviennent également à concevoir une atmosphère et un drame – idéal pour les amateurs de théâtre.

Tout au long de Sex, Death & the Infinite Void, les influences s’allument et prennent le contrôle. Des groupes comme Alkaline Trio et même The Cure seraient ravis de voir comment tout cela a tourné. En tant que pionniers du monde des ténèbres, ils pourraient tirer des conseils du livre de Creeper trempé de cramoisi ; des pages où tous les secrets pourraient être dévoilés.

Sur le plan des paroles, ce disque est d’une créativité qui dépasse toute attente. Créatif dans un sens où chaque chanson tisse des histoires d’antan et de jours mélancoliques passés à boire sous des arbres pourris et dans des pièces où tout amour a été aspiré à sec. L’écriture est poétique : elle est morose et loin d’être jubilatoire, mais elle est merveilleuse.

« Be My End » fonctionne comme un début de feu rapide car ces simples riffs de guitare complètent le chant strident. Avec le temps, il devient un rythme contagieux. « Poisoned Heart » nous fait découvrir une histoire cathartique, un cocon rempli de rythmes musicaux. Il résiste bien aux chansons précédentes, et ce refrain complète la contribution, en y ajoutant des éléments émotionnels. « Four Years Ag » » présente une fois de plus la brillante voix d’Hannah Greenwood : elle semble émotionnellement attirée par l’amour et c’est une inclusion bienvenue. »Napalm Girls » présente un refrain complet, un coup de poignard dans l’abrasivité, et le chanteur Will Gould montre ici sa palette. Magnifiquement composé, c’est Creeper à son meilleur.

Le dépassement des limites peut être dans l’esprit de chaque groupe qui fait de son mieux pour y arriver. Creeper a réussi, c’est certain, et on ne peut pas nier le courage dont ils ont fait preuve. Mais ont-ils brisé les frontières avec leur nouveau LP ? Ce serait un oui retentissant. 

Le combo nous livre un disque presque parfait. Un album parsemé de courants émotionnels qui s’élèvent à travers de sombres tourbillons. Dès le début, il nous commande de tomber sous son immense étincelle musicale et lyrique pour que des larmes apparaissent et noient toute agitation autour de nous.

***1/2


Golf Alpha Bravo: « The Sundog »

29 juillet 2020

L’un des enregistrements les plus intéressants et les plus invitants de ce début d’été nous vient d’Australie. Il s’appelle The Sundog, c’est le premier disque de la carrière solo de Gab Winterfield, guitariste et chanteur de Jagwar Ma et a été édité par le propre label du musicien, Treasured Recordings Label. The Sundog contient onze chansons et sur leur passage nous voyageons dans l’espace et le temps, vers le meilleur héritage du rock psychédélique du nord, un coup de pinceau épique avec des tics impressionnants du meilleur jazz et du meilleur blues qu’il est possible de conférer à la plus récente histoire de la musique contemporaine, une sorte de surf blues inspiré des expériences personnelles de Gab durant son enfance et son adolescence dans la zone côtière australienne près de Sydney, où il a grandi.

Cet opus est un de ces disques que l’on écoute avec le même plaisir qu’un coquillage s’appuie sur l’oreille en prétendant que pendant cet acte si simple, mais aussi symbolique, on peut écouter tout le vaste océan qui est devant nous ainsi que les êtres qui l’habitent ;nos amis et nos confidents. Si dans Jagwar Ma Gab a voyagé dans le monde entier, chanté à Coachella ou à Glastonbury et connu le côté le plus frénétique de ce qu’est la vie pleine et confuse d’une pop star, The Sundog est pour l’auteur un disque de recueillement, une tentative de retour à la terre, aux origines et à la simplicité où il a grandi et qui l’ont façonné. Et en fait, les trente-huit minutes du record sont réussies dans cette fonction d’auto-absorption. Pour l’auditeur, elles peuvent également donner des résultats similaires, car il s’agit d’un enregistrement simple et agréable. En y faisant du stop jusqu’à des explorations sonores éminemment minimalistes, faites uniquement avec la basse, l’alto et la batterie, on crée des points d’intersection sûrs et étroits entre le rock et le jazz, toujours avec un toada éminemment lo fi et psychédélique, qui n’a même pas renoncé à quelques gadgets d’enregistrement maison. Le résultat conduit à la fois notre esprit à voyager à travers l’immensité cosmique, ainsi qu’à entrer dans les profondeurs de notre plus petite cellule, étant le disque parfait pour faire face au besoin primaire que nous avons tous, de loin, d’échapper au rythme hallucinant de cette modernité qui nous absorbe, tout en allumant dans nos cœurs des feux de joie autour desquels nous nous asseyons ensemble avec tous les visages de notre individualité, dans le but évident de trouver les meilleurs moyens de sortir des dilemmes qui nous affligent ou simplement de profiter de la compagnie de toutes les facettes de notre moi.

The Sundog provoque immédiatement un sourire inconscient, non seulement parce qu’on l’écoute d’un seul trait, presque sans le remarquer, mais aussi parce qu’il est rempli de chansons optimistes et joyeuses, et sans cesser d’avoir l’indispensable contenu réfléchi et intime qui sous-tend toujours un alignement qui veut laisser une trace tandis qu’il se concentre sur certains des dilemmes existentiels typiques de l’adolescence, qu’ils soient plus ou moins incisifs dans la façon dont ils régissent notre présence dans ce monde.

Ainsi, et en regardant plus concrètement les chansons de l’album, si « Stuck Being Me « est une de ces compositions qui nous font automatiquement réfléchir sur ce que nous sommes et si tout va bien ou non, alors « Unwind » est le thème parfait pour nous laisser divaguer, pendant que nous nous laissons séduire par une brise légère et confortable qui nous emmène on ne sait où. Déjà complètement absorbés par un début d’alignement aussi intense et incandescent, nous prenons un coup de poing dans le bas-ventre lorsque la basse narcotique dans laquelle navigue « Blue Wave » entre dans nos oreilles, une chanson qui, en ce qui me concerne (et comme personne ne le lira, je peux le dire ouvertement), a dans sa genèse tout pour être sexuellement très attirante et fonctionner comme un stimulant réel et efficace. En fait, tant cette « Blue Wave » que la plus répandue « Rainbow Island « semblent être une sorte de paire inséparable, deux thèmes qui se sont enroulés sans appel ni aggravation, enveloppés dans un son qui les fait sembler avoir été piégés dans un quelconque transit pendant plusieurs décennies et finalement libérés avec le confort que l’évolution technologique de ces jours permet, étaient disponibles quelque part dans un siège rembourré face à une plage ensoleillée, au début de cette aube que nous vivons tous une fois dans notre vie, ou dans le lit le plus confortable de la maison, surplombant un vaste océan de questions existentielles, qui entre l’audace et la densité, nous offre un séjour d’une magie et d’une délicatesse inhabituelles.

Jusqu’à la fin nous attendent de nombreuses autres surprises et des moments de catalogage sonore difficiles mais tout à fait accessibles et gratifiants, qui ont connu la chevauchée du cynisme hypnotique de « Comet Loop », la simplicité brute et bohème de « Love In The Clouds » et l’exubérance et la majesté de « Groove Baby Groove », nous permettent l’absorption complète et dévouée d’un calme supposé quelque chose de céleste, où le rétro se mêle au charme, une symbiose à laquelle il est impossible de rester indifférent, notamment parce qu’elle se situe à un niveau de couverture plus élevé.

The Sundog possède ce groove qui ne laisse personne indifférent et un contenu, à la fois lyrique et instrumental, suffisamment solide pour offrir à l’auditeur une expérience d’écoute particulièrement frappante et immersive, mais aussi pour qu’il se sente entouré de sensations agréables et relaxantes. C’est, au fond, un mélange équilibré, sobre et réussi entre passé et présent et un voyage épique de confort et de plaisir parfait pour un été qui exige des fêtes et des joies incontrôlées, mais aussi des périodes de recueillement et de revue personnelle. On peut espérer que ette suggestion sera appréciée…

****1/2


Indian Queens: « God Is A Woman »

29 juillet 2020

Au cours des deux dernières années, et au cours d’un bon nombre de brillants concerts, Indian Queens ont fait quelque chose que tout groupe devrait faire avant de sortir son premiealbum : ils ont construit des fondations très solides pour qu’il puisse se maintenir. Ils ont affiné leur son, l’ont rendu immédiatement reconnaissable dans toutes ses composantes caractéristiques : l’équilibre entre la rugosité et la délicatesse du chant, les lignes de basse dures, presque tranchantes, les vifs changements de rythme dictés par la batterie. C’est un son très spécifique à ce groupe, qui joue fortement dans la création d’une ambiance atmosphérique mais qui ne craint pas les sons plus durs quand ils sont nécessaires. En ce sens, God Is A Woman, le premier album du groupe sorti début avril, est l’aboutissement logique d’une trajectoire assez linéaire. C’est certainement un album très « Indian Queens-sounding », mais avec un certain nombre d’imperfections maintenant atténuées et supprimées, et une certaine profondeur supplémentaire. Le chant conserve encore sa qualité particulière de fluide par endroits et de griffé par ailleurs, mais il est maintenant généralement plus corsé ; la basse obsédante est toujours là, encore plus perceptible que par le passé, grâce aussi à une production très serrée et attentive.

Le sentiment de familiarité est accru par le fait que les spectateurs des concerts reconnaissent immédiatement un certain nombre de favoris dans la liste des morceaux.

L’intense, presque hypnotique, « I Get No Rest » est diffusé en un point central de l’album, tout comme les vieux « singles », « Pretty Little Thing », qui contient l’un des riffs caractéristiques de cet album et quelques belles guitares sales, et « Us Against The World », qui semble qu’à première vue plus léger que l’intensité et la complexité des autres morceaux. Indian Queens ont toujours eu un éventail de nuances assez large et ce disque en est une bonne illustration : des touches plus délicates offertes par des morceaux comme « Concrete Lips » (qui, malgré le titre, a un toucher très doux et une atmosphère aérée, aidée par un excellent jeu de voix) à une utilisation audacieuse de la distorsion dans des chansons comme « Warning Sign », qui commence avec un son presque farfelu et joue ensuite avec des touches de dissonance plus subtiles autour de ses guitares, ou « Shoot For Sexy » » qui a une ouverture inventive et immédiatement reconnaissable et une maîtrise très audacieuse des notes aiguës, et qui est l’une des chansons les plus originales de ce disque.

C’est aussi un groupe aux nombreuses influences, et c’est une expérience intéressante que d’essayer de les suivre toutes, aussi agréable que de se lancer sans trop de réflexion cérébrale et de suivre le courant. Il y a quelque chose de distinctement grunge dans les choix faits avec la section rythmique, en particulier dans la basse, et une touche de rock psychédélique, style années 80, dans des morceaux comme « You Came Over Late ». Une teinte de blues apparaît également dans certaines chansons plus lentes, et il est possible que le titre « Some Kinda Blue » y fasse ouvertement allusion, l’un des morceaux où elle est la plus forte. Les Beatles font surface ici et là, et on pourrait dire qu’ils sont présents en arrière-plan tout au long du disque, et ils sont directement cités, tant au niveau des paroles que de la musique, dans l’ouverture de l’album « Bubblewrap » qui amène l’auditeur au disque avec une déclaration très audacieuse : tout le reste mis à part, Indian Queens reste avant tout un groupe de rock, et ils ne laisseront personne l’oublier. Ce n’est pas un hasard si les deux chansons qui vont le plus loin dans l’ambiance rock sont la première et la dernière de la tracklist – la dernière, « Walk », avec un chant très guttural et une certaine atmosphère des années 60.

« Qui veut commencer une révolution ? » (Who wants to start a revolution?) demande la chanson titre God Is A Woman (une autre chanson très Beatles, mais avec une ligne de basse très grunge, comme il se doit ; elle résume presque tout le disque). Il ne s’agit pas seulement d’une phrase prétexte, mais aussi d’une déclaration d’intention pour l’ensemble du disque. Il reste à voir quel genre de révolution Indian Queens veulent lancer, mais il est facile d’avoir quelques doutes : pour commencer, une révolution dans laquelle les chanteuses ne sont pas classées dans une catégorie imaginaire de « musique à visage féminin » qui doit sonner d’une manière très spécifique. Ce qu’il faut retenir de cet album, en fin de compte, c’est que Indian Queens sonnent comme Indian Queens, et personne d’autre, qu’il s’agisse de chanteuses ou non.

Ce premier album qui porte les empreintes de la formation et, d’une certaine manière, on a l’impression que c’est la fin de quelque chose autant que le début de quelque chose de nouveau. C’est un point de départ, mais aussi le point culminant d’un chapitre de l’histoire personnelle d’un groupe qui se sent maintenant tout à fait prêt à aller explorer davantage, de nouvelles directions. Ils avancent à partir d’une position très forte, et ce sera certainement un voyage intéressant.

***1/12


Courtney Marie Andrews: « Old Flowers »

29 juillet 2020

Au panthéon des albums de rupture, ceux qui sont axés sur les relations à long terme devraient porter la couronne. La fin des romances d’été ne devrait justifier qu’une chanson. Shoot Out the Lights de Richard et Linda Thompson est peut-être l’album de rupture qui les domine tous, mais Old Flowers de Courtney Marie Andrews traite des conséquences d’une relation de près de dix ans avec beaucoup plus de compassion. L’album reflète autant la difficulté de se séparer et d’aller de l’avant qu’il est une indication de ce qui a pu s’envenimer. 

Musicalement, Old Flowers est aussi dépouillé qu’il y paraît. Andrews joue de la guitare et du piano et s’accompagne de musiciens de premier ordre – Matthew Davidson (multi-instrumental) de Twin et James Krivchenia (batterie) de Big Thief. Krivchenia est habitué à une assistance sympathique et sa contribution ici va du murmure au cri – tous deux magistralement.  Sur la pièce maîtresse « Carnival Dream », le piano et les chants plaintifs d’Andrews sont interrompus par des fracas intermittents de tambours qui atterrissent avec le poids du décompte des années.

Le chant d’Andrews n’a peut-être pas le langage cru d’Iris Dement, mais dans la pureté de son timbre, il partage le même niveau de pathos. Qu’il nous entraîne dans des balades folkloriques comme « Burlap String » et la chanson titre ou dans les méditations plus calmes de « If I Told » ou « Break The Spell », le chant d’Andrews est un phare. Le fait qu’elle puisse également nous accompagner sur la chanson country à la langue bien pendue « It Must Be Someone Else’s Fault », permet à l’auditeur de savoir en un clin d’œil qu’Andrews a le plein contrôle de ses facultés.

***1/2


Jess Cornelius: « Distance »

28 juillet 2020

Le titre des débuts en solo de l’auteure-compositrice-interprète Jess Cornelius peut être considéré sous plusieurs angles. Plus précisément, Distance se rapporte au kilométrage entre son lieu de naissance en Australie et un récent déménagement à Los Angeles. Mais une fois que l’on creuse dans les paroles de ses chansons, d’autres significations du mot deviennent claires.

Il y a la distance physique qui consiste à sortir de la chambre, puis de la salle de bain, à passer par la cuisine et à se rendre à la porte d’entrée après une aventure d’un soir, tout en se demandant si elle ne devient pas trop vieille pour cela. Cela se reflète dans les paroles de « The Kitchen » ; « Je vieillis/Les gens me disent que je devrais/trouver quelqu’un à qui s’occuper » (I am getting older/People tell me I should/Find someone to look after.).  Il y a aussi la distance entre Jess et un amant au Royaume-Uni sur « Here Goes Nothing » et entre elle et les relations en général en se demandant comment elle peut avancer dans les interactions sur « Palm Trees » »en chantant « Have I loved anyone?/I cannot say/My heart is so red one minute/And black the next day/And can we love anyone ? ».

Ces distances ne sont pas uniques à elle. Même si la plupart de ces chansons n’ont pas de résolutions simples ou logiques, leur pop facile à vivre, pleine d’âme et parfois apaisante, dans le style de Los Angeles, rend les concepts souvent troublants faciles à comprendre. Il est bon que Cornelius possède une voix frappante, un peu comme celle de Kate Bush, qui coupe à travers le support plus lisse en faisant bouillonner la douleur et l’émotion au premier plan. De cette façon, certaines chansons résonnent comme une combinaison d’un Roy Orbison féminin et de Nicole Atkins.

De temps en temps, Cornelius repousse les limites de la musique comme elle l’a fait dans ses années d’artier, plus audacieuses, avec son groupe précédent, Teeth and Tongue. C’est le cas dans « Born Again », une ballade folk qui se résume à une harpe à cordes pincées, une guitare à cordes de nylon et de subtils synthés, alors qu’elle chante « Avez-vous jamais voulu être aimée à ce point ? » ( Have you ever wanted to be loved so bad?) On trouvera aussi quelques touches rétro, notamment sur « Street Haunting », qui aurait pu émerger de la scène de Laurel Canyon à Los Angeles dans les années 70.

Il faut quelques pirouettes pour que certaines de ces chansons se rejoignent. Mais lorsqu’elles le font, les couches de mots, la production, le chant et l’instrumentation se combinent pour un regard complexe sur un artiste solo récent, en conflit mais déterminé à réfléchir sur une vie encore en voie de résolution.

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