Hum : « Inlet »

L’héritage de Hum est de nature vintage. Leur mélange de post-hardcore et de grunge léthargique avec des styles shoegaze expansifs a été une influence importante sur la partie heavy de l’alternatif pendant deux décennies et plus, et leurs albums classiques sont remémorés avec la même insistance.You’d Prefer An Astronaut de 1995 est une alternance commercialement réussie entre un rock spatial délicat et des riffs écrasants, tandis que Downward Is Heavenward de 1997 est un raffinement dense qui a fini par être l’une des plus belles heures des années 90. Ces deux albums ont jeté une ombre sur le métal alternatif des années 2000 et sont essentiels pour tous ceux qui se souviennent des années 90, mais jusqu’à récemment Hum en tant qu’institution semblait être un lointain éclat d’un orage passé depuis longtemps, un classique culte largement reconnu, mais peu apprécié par les connaisseurs.

Personne ne s’attend à ce que les orages d’hier fassent rage, mais cela ne fait qu’adoucir l’affaire en ce qui concerne la sortie surprise d’Inlet. Bien que le frontman Matt Talbott ait fait circuler des informations sur les répressions discrètes des classiques de Hum et qu’il ait murmuré à propos de nouveaux éléments sur les médias sociaux pendant un certain temps avant sa sortie, la perspective d’un nouvel album ne m’a jamais semblé réelle. C’est en partie dû au fait qu’il était vaguement taquiné (aucune information sur le titre ou la piste n’a été révélée et il n’y avait pas vraiment de nouvelles musiques à mâcher), mais je pense que la raison principale était qu’il était pratiquement impossible d’imaginer à quoi pourrait ou devrait ressembler une suite de Downward is Heavenward. Cet album a atteint de tels sommets et a été réalisé de manière si créative qu’un digne successeur n’était pas à prendre pour acquis ; je n’aurais certainement pas reproché à Hum d’avoir fait marche arrière par rapport aux promesses de nouveaux morceaux dans un effort de conservation de son héritage.

Et pourtant, nous y voilà. Sorti de nulle part et ne manquant pratiquement pas de rythme, Inlet est très concret et se sent déjà chez lui dans le sillage de ses prédécesseurs ; penser maintenant à la discographie de Hum sans elle est tout aussi étrange que d’imaginer son existence avant sa sortie. C’est une écoute dense, aussi lourde, atmosphérique, exécutée sans faille et, à sa manière, aussi engageante que les classiques de Hum ; dans cette optique, il est probable qu’elle bénéficiera tout autant que Downward… d’une ou deux décennies de digestion. Au crédit de Hum, Inlet sonne moins comme un album de retour et plus comme un pas en avant direct de là où Downward… s’est arrêté, vers un territoire plus lent et plus sombre. Sans vouloir minimiser ses propres mérites, l’un des aspects les plus extraordinaires de cet album est la façon dont il fait abstraction d’une période intermédiaire de vingt-trois ans, comme un géant lovecraftien qui s’éveille à un monde presque méconnaissable après une période qu’il considère comme une brève sieste.

Cette indifférence face au temps qui passe est très cohérente avec la direction que prend Hum ici. Avec huit chansons et cinquante-six minutes, Inlet est à la fois leur disque le plus long et le plus lourd à ce jour, et les morceaux en question sont uniformément parmi les plus lents à se développer. Ils ne perdent pas de temps à vampiriser jusqu’au bout, mais sont peu enclins à se déplacer d’un point A à un point B clairement signalisé ; ce ne sont pas des slowburners en soi, mais ils se concentrent sur des riffs et des grooves simples d’une manière qui laisse le rythme de l’album quelque part entre le moment important et le glacial. Il n’est pas surprenant que le tempo se situe presque exclusivement dans la partie inférieure du spectre du BPM ; si l’on tient compte de ce fait et de la cohérence largement inébranlable de son atmosphère, Inlet peut sembler homogène au premier abord. Le seul morceau qui brise brutalement son ton ou son rythme est le fantastique rocker médium « Step Into You », qui s’aventure de manière flagrante dans le territoire du midtempo ; le reste est une version plus boueuse et condamnée du son vintage du Hum et exige d’être abordé en ces termes. Cet album a souvent plus de points communs avec les sorties plus lentes de groupes comme Kyuss, Pelican ou Boris que le groupe descendant de Hum, Deftones, souvent cité en référence, et il exige un espace de tête rock plus stoner que ce à quoi peuvent s’attendre ceux qui recherchent des sensations familières de métal alternatif.

Cependant, les critiques formulées à ce sujet risquent de s’enliser dans des doutes sur le son stoner/doom en général et d’éluder les détails de l’engagement de Hum à cet égard. L’entrée semble énorme. Elle est lourde comme des boules (de grosses boules, en plus !) et plie une distorsion tellement boueuse en excursions de réverbération si belles qu’Aaron Turner a probablement déjà craché sa bière artisanale avec délice. La section guitare de Hum, Talbott et Tim Lash, ont fait un travail exemplaire en coproduisant cet album avec l’aide de l’ingénieur du son James Treichler ; l’album sonne plus net et plus clairement défini que leur production des années 90 sans sacrifier les subtilités de ses couches. Le plus important est que la lourdeur du grave est un knock-out direct, la basse et la guitare rythmique s’entremêlent délicieusement alors qu’elles portent des grooves de stoner avec suffisamment de force pour réveiller les morts. Cette association suffit souvent à elle seule à maintenir le sol, comme l’illustre la coda de « Desert Rambler », un spectacle exaltant de sonorités tonitruantes au milieu de grooves endiablés. Les sonorités plus propres du groupe et les paysages sonores de space rock sont moins souvent placés au centre de la scène, mais ils sont incorporés dans ces lents martèlements, de magnifiques embellissements texturaux qui complètent l’équilibre de leur marque de fabrique entre atmosphère et intensité.

Toutes ces sonorités et ces styles sont immédiatement apparents, mais l’absence de mélodies tape-à-l’œil de l’album les met en avant au point de les faire passer à la trappe. C’est un peu trompeur : dans sa substance, Inlet n’est pas moins mélodique que les autres albums de Hum, mais rien n’est aussi immédiatement frappant que les riffs de classiques comme « Stars » ou « Dreamboat ». Au lieu de cela, les tempos plus lents et le barattage hypnotique de cet album présentent ses motifs comme des fondations plutôt que comme des crochets, et leur caractère accrocheur est camouflé comme tel. « In the Den » en est un parfait exemple, avec une poignée de riffs puissants et une lenteur si insupportable que chaque note se pose comme un véhicule de groove plutôt que comme une base pour un ver d’oreille. Accélérez les choses de quelques crans et confiez le tout à un groupe plus flamboyant, et ce serait une toute autre histoire. Grâce à cette approche musclée et peu encline à l’accrochage, la valeur immersive de l’album l’emporte sur ses contours. À cet effet, le talent du chanteur Matt Talbott pour capter l’âme d’un morceau sans trop en prendre sur le pudding est une aide indispensable pour naviguer sur ces vagues de distorsion déferlantes. Sa voix ne prétend pas être polie ni même franchement mélodieuse, mais son sentimentalisme pince-sans-rire a toujours été un lieu d’humeur espacé, un point de référence émotionnel accessible au milieu d’instrumentaux maximalistes. Ses paroles s’alignent parfaitement sur ce point ; le fait qu’il encadre les détails des relations personnelles dans l’immensité de la nature reflète bien son rôle derrière le micro, et sa présence discrète ici contribue largement à étoffer le caractère de l’album.

Tout ce discours sur l’immersion et l’atmosphère générale ne veut pas dire qu’Inlet est à court de moments d’émerveillement individuel. Il ne se concentre pas vraiment sur les grands moments, mais le talent de Hum pour les moments fugaces de ravissement doux-amer est ici aussi bien représenté que jamais. C’est le même frisson que de monter au sommet d’une colline escarpée par un jour de pluie, un grand moment qui ne peut être savouré que pendant un certain temps avant que l’averse ne vous force à avancer. Par exemple, le morceau le plus funeste de l’album, « The Summoning », est un véritable casse-tête qui transforme ses huit minutes et demie d’exécution en une longue expiration, un moment plus grand que nature qui illustre parfaitement à quel point ce groupe peut être impressionnant dans sa plus grande expansion. Il y a peu de pause pour respirer dans ce morceau, mais il prend cet acharnement fermement dans sa foulée.

D’autre part, les rares « bliss-outs » de l’album sont sans surprise mémorables. Les dernières minutes de « Folding », par exemple, sont un chatoiement ambiant épars qui abandonne complètement les quarante minutes d’assaut précédentes sans rien perdre de leur élan. La coda étendue de « Shapeshifter » va plus loin, une sortie shoegaze parfaite qui rappelle les moments les plus délicats de You’d Prefer an Astronaut avec une inspiration fraîche, un régal de retour en arrière qui complète un album autrement dédié à l’innovation. L’autre retour en arrière se présente sous la forme de « Step Into You », un rock banger extrêmement gratifiant qui fait office de hit-parade d’une seule chanson de l’album « Downward is Heavenward Sound », avec des troisièmes intervalles et des leads sirupeux à profusion. C’est le numéro le plus invitant de l’album et un classique du Hum instantané. Enfin, l’outro de « Cloud City » est l’occasion d’un point culminant de la batterie. La batterie en général est mon principal grief, car elle n’est pas aussi convaincante que le reste du groupe pour ce qui est du rythme plus lent, et sert trop souvent de squelette métronomique à des grooves qui se retrouvent trop souvent dans le mix. Les sonorités de caisse claire en particulier sont si claires que je ne peux m’empêcher de penser qu’elles devraient apporter plus que de la table, et elles gâchent quelque peu l’album en tant que sortie esthétique. Cependant, le batteur Bryan St. Pere livre la marchandise sur « Cloud City » et avec des remplissages occasionnels ailleurs, juste assez pour que les auditeurs ne se languissent pas de savoir à quoi cet album aurait pu ressembler avec un Brant Bjork ou un Atsuo derrière le kit.

Tout bien considéré, il semble quelque peu inapproprié de tirer une conclusion définitive sur Inlet à ce stade. Une grande partie de la joie de l’album provient de la réouverture du livre sur un groupe dont peu de gens s’attendaient activement à entendre davantage ; c’est, espérons-le, le début d’un nouveau chapitre passionnant d’un classique établi, et il est prématuré de classer sa grandeur en tant que telle. De même, il est idiot et désinvolte de le qualifier de retour à la forme ou de jargon de retour similaire ; cet album est Hum faisant ce qu’ils ont toujours fait avec un ensemble de textures et une approche d’écriture de chansons actualisées. Le sens de l’intemporalité d’Inlet est au-dessus de la portée de telles réductions, en fusionnant les conceptions du passé, du présent et du futur de Hum en une sortie pleinement réalisée qui s’épanouit sur ses propres mérites. Jusqu’à présent, le charme de Hum tenait en grande partie à la nostalgie qu’il évoquait pour les sommets de la musique à la guitare des années 90. Inlet trouve un bel équilibre à cet égard, réussissant largement à conserver le son caractéristique du groupe sans trébucher sur la production dépassée ou sur les poncifs occasionnels pour grunger les tropes qui ont entaché leur travail précédent. Il faut reconnaître que cette musique n’appartient pas vraiment à l’année 2020, mais elle n’est pas non plus une capsule temporelle des années 90 : c’est un disque de Hum à l’infini, et son assurance en tant que telle est bien plus excitante que de parler de délais, d’attentes ou de retours. Hum sont, effectivement, là.

****1/2

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